Kieran Hebden est loin d’être un inconnu sur la scène électro. D’abord guitariste au sein du groupe post-rock Fridge, le Londonien s’est reconverti dans l’électronique en créant Four Tet. Un projet en solitaire qui lui a permis d’explorer ses propres idées. Pour enregistrer « NYC », il s’est associé à Steve Reid, drummer d’anthologie qui a notamment participé à l’aventure Motown, mais également réalisé des arrangements en compagnie de Miles Davies, Ornette Coleman ou encore James Brown. 

La rencontre opérée entre les deux artistes et surtout les deux styles n’est pas facile d’accès ; elle est même très susceptible de laisser l’auditeur sceptique. On nage d’ailleurs parfois en pleine expérimentation pure et dure pour ne pas parler d’underground. Les arrangements concoctés par le duo sont cependant parfaitement au point. Endiablé, le drumming du sexagénaire Steve Reid trouve parfaitement sa place au sein de l’univers sonore synthétique élaboré par Kieran. Et « Lyman Place » constitue probablement le sommet de leur rencontre. On les sent même quelquefois complices. L’opus explore également les tendances jazz expérimentales des 60’s et 70’s. A l’instar de « 1st & 1st » ou encore de l’exceptionnel « 25th Street ». Il s’achève par « Departure », plage au cours de laquelle les cordes synthétiques fusionnent magistralement avec les sonorités percussives martelées par Reid. Et côté technique, Steve est tout bonnement irréprochable…

Tout au long de cette œuvre le duo tente, à travers leur musique, de projeter une vision très personnelle de New-York. Ce qui explique le titre de l’elpee. Particulièrement complexe, « NYC » n’et pas à mettre entre toutes les oreilles. Les non initiés risquent même de le taxer de brouillon voire de cacophonique. On ne pourra cependant pas reprocher à cet album de manquer d’originalité. En outre, j’estime sincèrement que le résultat de cette rencontre entre jazz et électronique contemporaine tient parfaitement la route. Il est même abouti. Et c’est à souligner ; car la rencontre entre deux musiciens talentueux n’est pas toujours synonyme de réussite…

Plus de quinze années après la sortie d’un “Spaghetti Incident”, uniquement constitué de reprises de standards du punk, Axel Rose nous balance l’album le plus démago de toute l’histoire du rock. Le plus cher aussi. On parle d’un budget de 20 millions de dollars en frais de production, pour une plaque décrédibilisée bien avant sa sortie. Faut dire que le combo a été dégraissé de son line up original, Rose ayant décidé de demeurer seul maître à bord. Alors pourquoi ne pas sortir la galette sous l’unique nom de son leader ? La logique commerciale semble dans ce cas des plus évidentes ! Mais les fans de la première heure vont tomber de haut, de très haut. Car si « Chinese Democracy » s’ouvre vers d’autres champs, en dépassant le hard rock burné qui a fait ses heures de gloires, il s’éloigne totalement de ses racines. A un tel point qu’on ne reconnaît que rarement la marque de fabrique des GNR. Seule la voix d’Axel ne démérite pas.

Certaines interventions du guitariste Robin Fink (N.I.N.) évoquent le son si typique de Slash ; mais on se sent quelque peu désorienté, voire écoeuré, par l’emploi à outrance de boîtes à rythmes et autres effets synthétiques. Sur « If the World », on a même carrément droit à un titre Rn’B mâtiné de pop latino. On se doutait que « Chinese » sonnerait plus ‘actuel’, qu’il ne serait en rien une copie carbone des deux volumes « Use Your Illusion », mais que sa configuration soit à ce point commerciale, on ne l’aurait jamais imaginé…

Plus proche de Shakira que d’Aerosmith, le Guns cuvée 2008 a sans doute bénéficié d’un énorme travail en matière d’arrangements et de production. A ce prix là, ce serait le comble… Mais Axel, crédité soit dit en passant de la signature de tous les titres, a définitivement tiré un trait sur son passé, et vise désormais un tout autre public. Et même si l’on sait que la nostalgie est bien mauvaise conseillère, on a de plus en plus de mal à imaginer, un quart de seconde, que c’est ce même groupe qui a enfanté le fantastique « Appetite for Destruction ».

Pour l’anecdote, un nouveau scandale a frappé le combo dès la sortie de « Chinese Democracy ». Il a simplement suffi de laisser opérer le titre de l’album pour qu’il soit immédiatement banni du commerce en Chine. Certains journaux ont même émis l’hypothèse d’une authentique conspiration occidentale ! Ca c’est rock n’roll…

La fin d’un mythe, ni plus, ni moins.

Présenté dernièrement aux Halles de Schaerbeek lors de leur « Exclusive Tour » (cfr. rubrique reviews concerts), le « Live » de Gotan Project est une véritable mine aux trésors pour les fans de la formation. Partagé en deux disques, l’œuvre nous réserve, sur le premier, un enregistrement public accordé en 2003, lors de la tournée « La Revancha Del Tango ». Le trio franco-brésilien en est alors à ses débuts et son incroyable maîtrise sur les planches (illustrée visuellement par un DVD live publié en 2005) marque la naissance d’un monstre scénique. Gotan Project confirmera ce statut lors de la tournée « Lunático », immortalisée sur la seconde plaque de ce « Live ».

Enregistré en 2007 à Neuchâtel (Suisse) en compagnie d’un véritable orchestre, la portion « Lunático Tour » confirme le talent de la formation. Visuellement magistrale, cette tournée aurait cependant mérité un prolongement sous la forme d’un DVD. Une petite déception très vite effacée par les versions ‘publiques’ des splendides « Diferente », « Criminal », « El Norte » ou « Época ». Entre Tango et Trip Hop, le trio prouve en deux leçons que Gotan Project est bien plus qu’une vulgaire formation lounge.

Ce double album est également disponible en une splendide édition collector comprenant les deux disques, un DVD reprenant quelques unes des séquences projetées lors des concerts, une affiche-puzzle, le vinyle 45 tours des ‘versíon orquestral’ de « Diferente » et « Santa Maria » (déjà présents en bonus sur le recueil ‘live’) ainsi qu’un livret de photos plutôt bien fourni (152 pages !). Un beau cadeau que vous pourrez jugez en surfant sur http://www.gotanobject.com , un site spécialement consacré à l’objet ! Joyeux Noël !

Les Eagles of Death Metal sont nés en 2004. A cette époque Jessie ‘Boots Electric or The Devil’ Hugues (le véritable moteur du combo), Josh Homme (pour la circonstance préposé aux drums, il ne participe cependant pas aux tournées, honneur qu’il réserve à son projet principal) et notre Tim Vanhamel national (leader de Millionaire, il a quitté les EODM entre-temps) s’étaient réunis lors des fameuses ‘Desert Sessions’ chères au leader des Queen of the Stone Age. Et cette aventure devait, à l’origine, se limiter à ces sessions. Mais comme cette récréation s’est avérée de toute bonne qualité, EODM a donc décidé ce poursuivre l’expérience. Et a enregistré un deuxième elpee. Puis ce troisième. Bref, les blagues les plus courtes sont souvent les meilleures. Et ce sur ce ‘Heart On’, la recette rock garage parodique s’essouffle en effet quelque peu… L’instantanéité des mélodies est beaucoup moins évidente. Il est vrai que l’effet de surprise n’est plus d’actualité ; alors qu’au départ, il nous permettait de se plonger dans leurs opus précédents avec beaucoup moins de retenue. Les sujets abordés demeurent également plus sérieux que jamais : « High voltage » nous parle de fantasmes, « Tight pants » de danse suggestive et « Solo flights » de plaisirs solitaires, par exemple… Néanmoins, ce « Heart On » s’avère facile à écouter et ne manque pas d’enthousiasme. Dansant et bien mieux produit que les précédents albums, (travail réalisé par par Josh Homme en personne), je vous conseillerai son écoute en voiture, lors de jours ensoleillés. Sans prise de tête.

Il s’agit du tout premier Ep de cette formation américaine. De Long Beach, très exactement. Un disque découpé en six tires de psychédélisme noisy, féroce, sonique, stratosphérique qui aurait pu naître d’une fusion entre Les Savy Fav, Comets On Fire et des Warlocks sous hardcore. Le hardcore, à cause des vocaux presque constamment hurlés, vociférés, beuglés, par Johnny Bell, également préposé à la basse. Et pourtant, ce chanteur possède une belle voix ; et il le démontre tout au long de « Owl ». Alors, pourquoi se contente-t-il de brailler ? Heureusement, c’est un excellent bassiste, capable de traiter son instrument comme s’il jouait sur une six cordes (« Arcturus ») quand il n’impose pas un groove particulièrement intense et hypnotique. Notamment lors des sept minutes du titre final, « Parting song for the torn sky ». Côté guitare, Andrew King semble avoir assimilé tout l’abcd des pédales de distorsion. Et recouvre toutes les compos de ses effets sauvages, denses, orgasmiques et chargés de feedback. Le tout infiltré par les accès de claviers rognés par un certain Victor Rodriguez. Et pour que votre info soit complète, sachez que le drummer répond au pseudo de Sexual Chocolate. Pourquoi pas ?

Threatmantics est un drôle de trio. Il y a bien un guitariste, répondant au nom de Ceri Mitchell (NDR : il est issu du Hertfordshire); mais surtout deux frères : Heddwyn et Huwe Davies (NDR : ils sont nés à Cardiff (au Pays de Galles), respectivement chanteur/violoniste (un alto !) et drummer/claviériste. Et ce line up insolite propose une musique qui ne l’est pas moins. Hormis, sur le morceau final, « Lonely heart », une ballade sentimentale, qui aurait pu relever du répertoire de Lambchop, le tempo oscille régulièrement entre post punk aride et tranchant, blues viscéral et hypnotique, folklore gaélique ou amérindien (« NDR : sur James Lemain », on a presque envie d’entamer la danse du scalp). Encore qu’à l’instar du prog, une même compo est capable de varier plusieurs fois de style. « High waister » notamment. Une plage à la fois complexe, sinistre, mélancolique et séduisante, dont les harmonies vocales se muent presque en chœurs. Et si les riffs de guitare sont tour à tour puissants, sismiques, malsains, éraflés, distordus ou rampants, c’est l’alto qui apporte la coloration originale à leur solution sonore. Tantôt grinçants, rageurs, mélodiques ou aventureux, ses accès font constamment la différence. Quelques traces de basse circulaire et de claviers subtils enrichissent cette solution sonore balayée par le timbre vocal fragile d’Heddwyn, qui chante des textes à la fois sombres, intelligents, cyniques ou sarcastiques, lorsqu’il ne les déclame pas en gallois (« Don’t care »). Bref un remarquable premier opus pour cette formation dont la musique aurait pu naître d’une hypothétique rencontre entre The Fall, Mekons, Birthday Party, Dirty Three, les Pogues, Super Furry Animals et O’Death. Enfin ce n’est qu’une hypothèse qu’il serait judicieux de vérifier sur les planches…

The Spill Canvas nous vient de Sioux Falls, dans le Dakota du Sud. Une jeune formation qui compte trois albums à son actif : “Sunsets Car Crashes” en avril 2004, “One Fell Swoop” en 2005, deux elpees relativement passés inaperçus et ce “No really I’m fine” paru en 2007.

Mais venons-en au contenu de ce troisième elpee. Après avoir écouté quelques secondes de ce disque, on a la certitude d’être en présence d’un autre groupe d’émo. Heureusement, Spill Canvas a le bon goût d’y apporter des nuances. En fait, paradoxalement, leur nouvel opus se révèle à la fois ténébreux et torturé, mais également susceptible de vous communiquer bonheur et joie de vivre (NDR : faut croire que l’emo n’est pas seulement synonyme de déprime !!)

“Hush hush” nous entraîne au cœur des steppes glaciales. Une compo mélancolique qui baigne bien dans l’émo. Bénéficiant d’une mélodie particulièrement réussie, “All over you” met en exergue la voix suave et chaleureuse du vocaliste, Nick Thomas, une compo au cours de laquelle le combo manifeste une parfaite aisance dans le style acoustique ou semi-acoustique. De quoi ravir le sexe féminin ! Encore qu’à plusieurs reprises, les filles risquent plutôt de devoir sortir leur boîte de kleenex (NDR : encore les effets de l’emo). Notamment lors des ballades. Des titres qui pourraient cependant atteindre les sommets des charts mondiaux. Et cette nouvelle efficacité, Spill Canvas la doit certainement à la production de Neal Avron. Pas un inconnu, car sa carte de visite mentionne des collaborations à la mise en forme d’œuvres de Yellowcard ou encore Fall Out Boy.

Solenoid, nouveau venu en provenance de l’écurie Buzzville, possède déjà, un solide pedigree. Jouissant d’une redoutable puissance de feu, les compositions de la dernière démo en date ont séduit le légendaire producteur Chris Tsangarides, responsable du son d’authentiques chefs-d’œuvre du metal : « Thunder and Ligtning » de Thin Lizzy ou encore « Painkiller » de Judas Priest, pour ne citer que ces deux monuments incontournables. Un sérieux atout et une grande première dans l’histoire du rock belge. Pour couronner le tout, le mastering a été réalisé en Suède par Gorän Finnberg dont le nom est associé à des groupes aussi populaires que Opeth, Spiritual Beggars ou In Flames.

Issue de Genk, la formation a déjà écumé de nombreux clubs du Nord du pays et s’est offert le luxe d’assurer les premières parties d’Anvil et de Gwar. Car c’est bien dans la catégorie du metal old school qu’évolue le quintet biberonné au plutonium, digne représentant de l’explosive ‘New Wave of Belgian Heavy Rock n’Roll’. Terrassé dès le premier skeud intitulé « Out in the Cold », l’auditeur n’a que peu de temps pour reprendre son souffle jusqu’au titre final « Divide ». Une véritable tuerie de A jusqu’à Z ! Douze titres impitoyables et diablement bien construits. Solenoid est sans conteste, à l’instar de Kludde (NDR : des potes !), ce qui est arrivé de mieux au rock lourd ‘made in Belgium’ depuis bien longtemps. Un metal sans fioritures flirtant autant avec Black Sabbath qu’Iron Maiden, lorgnant souvent vers le dieu Motorhead, et parfois même vers un certain Tank. Les comparaisons ne suffisent pas pour définir la musique de Solenoid qui atteint son plus haut degré d’intensité sur scène, à l’instar d’un Triggerfinger. Procurez-vous cette galette d’urgence, achetez-là, volez-là, mais par solidarité avec nos excellents groupes belges, ne la copiez pas !

Cet été, le prolifique Pharrell Williams et ses deux acolytes de N*E*R*D mettaient le feu au Lokerse Feesten. Quatre mois plus tard, la formation boude la France au profit de notre petit pays. Et débarque ainsi à l’Ancienne Belgique. Explosif !

Le terme ‘sold-out’ a pris tout son sens ce soir. A 20h, on souffre déjà du manque d’espace dans la salle. Dès le début de leur set, les Hollandais de Het Jeugd Van Tegenwoordig chauffent à blanc une foule qui reprend en chœur les refrains de leurs tubes. Même si l’on n’est que moyennement friands des travaux de la formation, il faut lui reconnaître un talent scénique plutôt fédérateur.

Après une courte pause, N*E*R*D monte sur les planches. A 21h précises. Et ouvre le bal toutes guitares en avant. Dès les premières mesures, le sol se met à trembler et l’air commence à se faire rare. Pharrell Williams a manifestement un pouvoir d’attraction phénoménal sur les filles. Celles du premier rang hurlent si hystériquement qu’il est difficile de se concentrer sur la musique. Pendant ce temps, la partie du public préoccupée par les chansons plutôt que par le physique de leur interprète sautille dans tous les sens et sue à grosse gouttes. La formation calme ensuite un peu les ardeurs d’une assistance particulièrement bouillante, en dispensant un long medley de ses chansons les plus tendres dont l’excellent « Provider » et leur dernier single « Sooner Or Later ». Précédé d’un sympathique petit speech de Williams et de quelques extraits de « Seeing Sound », dont « Kill Joy » et l’excellentissime « You Know What », les hostilités reprennent ensuite lors d’un enchaînement des plus grosses machines de guerre de la discographie de No One Ever Really Dies.

« Rock Star » donne en effet le signal de départ d’une seconde partie magistrale au cours de laquelle le groupe invite quelques garçons sur le podium. Et après quelques morceaux, « Lap Dance » achève avec succès sa mission de mettre l’Ancienne Belgique à genoux. Au bout de 45 minutes, la formation met déjà les voiles. Le sexe féminin, frustré du manque d’attention, va cependant être rapidement rassuré. Pharrell et sa bande reviennent assez vite pour un rappel et invitent plusieurs filles (triées au volet) à les rejoindre. Le chanteur garde un flegme impressionnant tandis que les jolies demoiselles l’agrippent et sont à deux doigts de le foutre à poil. S’enchaînent alors « Everyone Nose (All The Girls Standing In The Line For The Bathroom) » et un grandiose final sur le tube « She Wants To Move ». Le show cesse au bout d’une heure. Court diront certains, mais plus personne présent ce soir ne doutera de l’efficacité et du talent de l’une des formations les plus originales de la scène Hip Hop.

Organisation : AB