On l’imagine sur la lune, à tenter de détecter à l’aide de ses écouteurs la moindre parcelle de résidu bruitiste, l’empreinte à peine audible d’une vie extra-terrestre : depuis plus de dix ans Geir Janssen s’est fait l’apôtre de l’ultrason qui craque, du grésillement ambient qui se perd dans la nuit. Cette fois il nous revient avec un disque de commande ; en fait un projet destiné à une émission de Radio France : « Autour de la Lune »… En neuf mouvements de durées diverses (le premier dure à lui seul plus de 15 minutes), le scandinave donne sa version de la musique lunaire (lunatique ?) : pleine de crépitements sourds et de frottements aquatiques, de craquelures métalliques et d’échos souterrains. Neuf mouvements, plus d’une heure d’ambient minimaliste : s’il ne s’agit pas du temps giratoire du soleil autour de la lune, on se demande alors pourquoi ces craquelures durent plus longtemps qu’un épisode de Star Trek… Après une demi-heure on dort, la tête… dans les étoiles. Quelqu’un aurait-il vu l’obélisque ?

Andrew Bird n’est pas très connu, et pourtant ce « Weather Systems » est déjà son sixième album. Il y a des injustices qu’il faut à tout prix réparer : Andrew Bird, donc, est un petit génie folk, le genre de songwriter qu’on croise rarement sur nos platines. Jeff Buckley et Elliott Smith peuvent reposer en paix. Rufus Wainwright peut arrêter ses gargarises. Jackson Browne, Mike Scott et Tom Rapp peuvent dormir sur leurs deux oreilles. Parce qu’avec Andrew Bird, la relève est assurée. « Weather Systems » débute pourtant sans trop bousculer nos petites habitudes : on a déjà entendu ces ambiances feutrées chez Wilco, Timesbold et Jim White. Ce qui s’avère quand même étrange, c’est ce violon d’une lancinante beauté qui squatte presque chaque note, enrobe les mélodies de ses douces caresses. Sur « Action/Adventure », le morceau du milieu, sa présence se fait même plus pesante, et « Weather Systems » de glisser peu à peu dans les limbes d’un univers rêveur (rêvé ?), à mi-chemin entre la country la plus tranquille et le post-folk à la Rachel’s. A ce moment, la musique d’Andrew Bird provoque une apaisante sensation de bien-être. Comme si le nuage de la pochette, même gorgé de pluie, devenait le plus douillet des refuges. De ces strates en tout point célestes (la fin de l’album, élégiaque), on scrute le coucher de soleil : c’est beau. Et à chaque écoute c’est pareil : avec « Weather Systems », c’est déjà le printemps.

L’exercice de l’album entièrement composé de duos s’avère souvent le genre d’opération marketing sans autre intérêt que celui de jouer au jeu des sept familles : une vaste couillonnade dont le seul objectif est d’orienter les projecteurs sur un artiste en plein déclin, une manière pour lui de se refaire une santé, voire une réputation. Chance : ce n’est pas le cas pour cet album de « rendez-vous » entre Jane Birkin et 14 auteurs/compositeurs de premiers plans, venus de France et d’ailleurs. Ici, on évite les mariages forcés, même si parfois c’est contre-nature : Birkin et Molko, pourquoi pas ? D’autant que ça fonctionne. Pareil pour Manu Chao et Miossec, quelques-uns des plumitifs associés au projet, qui s’inclinent devant la muse à Gainsbourg en échange d’un flirt vocal tout emprunt de finesse. Elle s’appelle Jane, elle nous emmerde (« Je m’appelle Jane », avec Mickey 3D), mais pour une fois on tendra l’autre joue : à ce genre de fessées on s’avoue réceptifs, quitte à jouer les masos. Parce qu’à chaque écoute de ces duos avec Bryan Ferry (la cover de « In Every Dream Home A Heartache », plus beau slow gothique de Roxy Music), Etienne Daho (« La Grippe », de Brigitte Fontaine), Beth Gibbons (« Strange Melody »), Françoise Hardy (« Surannée », de Biolay et Keren Ann), on frissonne de plaisir. Tout au long de ce disque, Jane Birkin se dévoile comme l’égérie ressuscitée d’une nouvelle génération de chanteurs de charme, à leur plus grande surprise, et à la nôtre aussi. Autre bonheur, l’écrin musical offert à la chanteuse : d’une élégance rare, sans esbroufes ni déluge d’orchestration auxquelles se destine le plus souvent ce genre d’albums-concepts. Du grand art, qui replace Birkin au rang jalousé des grandes chanteuses de notre temps, sensuelles et sans complexes.  

‘Ecouter ce disque est une expérience. Extrêmement jouissive ou totalement insupportable’ : voilà ce qu’on écrivait à propos du précédent disque de Black Dice, « Beaches & Canyons »… Le constat s’avère dans ce cas-ci plus ou moins identique… A la différence qu’ici les avis seront sans doute encore plus tranchés, tant le groupe se retranche dans un univers délirant que beaucoup trouveront trop hermétique. Le ‘confort’ du titre n’est pas à chercher dans ces huit titres d’une aspérité inquiétante : s’y frotter c’est s’y perdre (s’y pendre ?), avec le danger de ne plus retrouver la lumière. Y pénétrer sans précautions, c’est prendre de sacrés risques…. Mais encore faut-il détenir l’outil adéquat pour se frayer un chemin parmi ces bruits menaçants, ces vagues de torpeur abyssale, ces échos d’un monde parallèle… Une hache ? Un dico sur la musique concrète ? L’intégrale de Throbbing Gristle ou de Neubauten ? Un tube d’aspirines ? Difficile à dire : autant tout emporter. Dans un sac de survie.

Le timbre de ce chanteur compositeur californien évoque un Beck duquel les aspérités auraient été soigneusement gommées. Encore qu’à d’autres moments, l’ombre de Bono n’est jamais loin. Côté musique maintenant. Pour son deuxième long format, l’ami Black présente une douzaine de ballades centrées sur les guitares folk. Le tout est enrobé dans des batteries largement programmées et des arrangements de cordes cossus. Tout cela ressemble un peu à du Coldplay ; seulement qu’ici les mélodies carrément calibrées FM de Gus n’ont pas le même souffle que celles de ses collègues ‘brittons’. Il se fend aussi d’une reprise éthérée du Paranoïd de Black Sabbath… C’est loin d’être désagréable, mais on est en droit d’attendre un peu plus de ce genre d’exercice. Comme des mélodies plus prenantes par exemple mais surtout plus de feeling. Car la production du disque, toute entière concentrée à arrondir les angles, enlève toute chaleur et dynamique aux compos, alors que ce sont des conditions si ne qua non pour que les auditeurs accrochent à ce genre de solution sonore...

La formule d’ “In the fishtank” en est donc à sa 11ème édition. La formule n’a pas changé, puisque le label Konkurrent est toujours amené à convaincre deux, voire trois formations (NDR : le plus souvent lorsqu’elles ont des affinités ou ont tourné ensemble), de se laisser enfermer dans les studios d’E à Weesp, aux Pays-Bas. Pendant deux jours, elles ont la liberté d’expérimenter tout ce qu’elles veulent. Musicalement, bien sûr ! Et le résultat est reproduit sur un Ep. Ce disque concrétise la rencontre entre The Black Heart Procession et Solbakken. Et il faut reconnaître que la formation californienne (NDR : de San Diego, pour être plus précis) a largement imposé ses vues au band batave. A cause du piano omniprésent de Thobias Nathaniel, tout d’abord. Et puis de la voix fascinante, lavée dans la réverb, de Paulo Zappoli (alias Pall Jenkins). Curieusement, le sommet du projet est atteint sur un titre au cours duquel le vocal de Paulo perd de sa superbe. En l’occurrence sur « Things go on with mistakes ». Un fragment énigmatique, intense, de plus de 10 minutes, tramé sur le jeu des deux drums. Un morceau dont la structure en crescendo me rappelle Hunters & Collectors. Et si le reste de l’opus ne manque pas d’allure, il faut reconnaître que le rôle de Solbakken a été réduit à la portion congrue. Depuis le voluptueux et ‘gainsbourgeois’ « Voiture en rouge », que parcourt la voix féminine de la Suissesse Rachael Rose (NDR : une invitée) au slowcore « Your cave » (Low ?), en passant par le dramatique « Dog song » (Palace Brothers ?), l’hypnotique, ténébreux et nonchalant « Nervous Persian » (Nick Cave ?), légèrement balayé de feeling ethnique, et l’expérimental « A taste of you and me », une plage au cours de laquelle les ivoires allègres et hypnotiques épousent un profil proche de Belle & Sebastian. Et pour que l’information soit complète, sachez que le disque a été redigitalisé par le maître de cérémonie Zlaya.

Après avoir décroché le jackpot en janvier 2003, lors de la sortie du jouissif "In Abstentia", oeuvre de son groupe Porcupine Tree, et offert tout son talent pour la production de l'énorme "Damnation" d'Opeth, Steven Wilson nous balance aujourd'hui Blackfield, son nouveau projet parallèle. Pas très éloignée des sphères progressives de nos porcs-épics anglais, la musique de Blackfield s'avère savamment déstructurée, hallucinogène, tantôt proche d'un Radiohead ou de certaines oeuvres des anglais de Hawkwind. Des balades diaphanes, des titres plus rock mais rarement heavy, des envolées progressives stratosphériques et l'organe vocal de Wilson, superbe et fragile, donnent à ce Blackfield toutes les qualités qui ont fait le succès de "Lightbulb Sun", à ce jour l'album le plus sombre et le plus intimiste de Porcupine Tree. Steven Wilson est un génie, au même titre que Devin Townsend, dans un registre différent, et les dix compositions gravées sur ce petit bijou riche en émotions prouvent définitivement que le rock mutant dont il est le géniteur est sans équivalent dans la mouvance psychédélique. Des titres tels que "Scars", "Summer", Cloudy Now" et le poignant "The Hole in me" touchent le coeur et l'esprit. La musique est intense, même si les guitares se font discrètes et sont souvent dénuées de distorsion. Reste à savoir si Blackfield restera un projet éphémère ou si le Sieur Wilson lui donnera une suite dans le futur...

Y’a pas à dire, ça fait du bien parfois. Une pure plaque de rock n’ roll. Sans revival. Quintet venu tout droit d’Australie, The Blacklist conjugue le heavy metal de Motorhead et les vocalises du hardcore new-yorkais des Sick Of It All pour obtenir un résultat plus que remuant. Sans se prendre la tête, en aimant sa musique, le groupe enchaîne les 11 titres de cette plaque d’une traite, sans ralentir le régime, remplissant chaque titre de riffs bien saignants, toutes guitares dehors. Revigorant en cette période de froid de canard. En tournée européenne bientôt.

Les albums de Perry Blake se suivent et se ressemblent… Et « Songs for someone », son quatrième opus, ne déroge pas à la règle. Sa pop symphonique, lyrique, mélancolique, mâtinée d’un zeste d’électronique sert toujours des chansons élégantes et intimistes, qu’il interprète de son falsetto fragile, velouté et nonchalant. Les arrangements luxuriants frôlent la perfection. La production est impeccable. Empreints de poésie, ses textes sont émouvants. Mais le charme laisse progressivement la place à une impression de déjà entendu, avant qu’une certaine lassitude finisse par vous envahir. A l’instar de Neil Hannon, chez Divine Comedy, Perry Blake semble avoir fait le tour de son sujet. S’ils ne veulent, ni l’un ni l’autre, disparaître dans l’anonymat, ils ont intérêt à chercher de nouvelles perspectives sonores. Ils possèdent d’ailleurs l’un comme l’autre, les qualités pour y parvenir. Maintenant, faut-il encore qu’ils le veuillent. Tout au long de « Songs for someone », quelques éclaircies semblent pourtant poindre à l’horizon. A l’instar de « We are not star » » qui lorgne du côté d’Ultravox circa « Vienna » ou de « The fox in winter », dont la mélodie semble empruntée à Depeche Mode ; du ténébreux « You’re not alone », plus proche d’un Robert Wyatt qu’il n’y paraît. D’« Ava », agité de percus et écorché d’une slide. Et enfin du titre maître. Imprimé sur un tempo vaguement rumba, il possède un petit côté Todd Rungren qui ne maque pas de charme. Pour le reste, pas de panique, si vous aimez Perry Blake tel qu’il est, vous pouvez acheter ce disque les yeux fermés…

Bien qu’issu de la Motor City, Blanche est profondément imprégné de musique country. Mais une musique country contemporaine qui doit autant à Carter Family qu’à 16th Horsepower. De la country alternative si vous préférez. Produit par Warron Defever, la tête pensante de His Name Is Alive, « If we can’t trust the doctors » constitue son premier opus. Un disque qui a reçu le concours de Jack White des White Stripes, un ami de longue date. Parmi les 12 titres de cet opus, figurent bien évidemment l’un ou l’autre morceau plus traditionnel. Et je pense tout particulièrement à la cover du « Wayfaring stranger » de Bill Monroe, dont la prise semble avoir été effectuée au purgatoire. Parce qu’il y a quelque chose de mystique dans la musique de Blanche. Ou plus exactement de gothique. Mais une forme gothique ‘sudiste’ que le groupe injecte dans ses mélodies appalaches. Un peu comme chez 16th Horsepower. Encore que parfois, on a l’impression que la musique est hantée par le Wall of Voodoo ; surtout lorsque la voix de Dan épouse les inflexions nasillardes de Stan Ridgway. Et en particulier sur « Superstition », « So long cruel world » et « Garbage picker », trois plages dont les titres en disent long sur le climat qui règne tout au long de cet opus. Encore que les lyrics caustiques, humoristiques et sagaces ont davantage d’affinités avec ceux de Giant Sand, The Handsome Family et les Violent Femmes, qu’avec les Cramps auxquels certains les ont parfois comparés. Que Tracee soit la Posoin Ivy de la country, pourquoi pas ? Mais même en costard, Lux Interior n’aura jamais le même look que Dan. Pas qu’on ne les aime pas, mais ils sont vraiment d’un autre monde. En outre la musique de Blanche exhale une certaine mélancolie qui reflète un goût très prononcé pour les années 40. Une sensation accentuée par les épreuves que le groupe a traversées au cours des dernières années. L’album recèle également une cover du « Jack on fire » de Gun Club. Entre romance et masochisme elle démontre que le groupe peut aussi muscler ses compositions. Par contre, lorsque Dan et Tracee échangent un duo, c’est plutôt à Lee Hazlewood et Nancy Sinatra qu’on se met à penser. Et si vous voulez en savoir plus, je vous invite à prendre connaissance de l’interview consacrée à Blanche, consultable sur ce site… Une chose est sûre, cette formation ne restera pas longtemps dans la zone crépusculaire de l’underground.