Le bassiste Matt Sharp s'est donc barré en 1998, pour se consacrer entièrement à son projet The Rentals. Il a bien été remplacé, mais il faut croire que ce départ conjugué au flop de l'album " Pinkerton ", paru en 1996, a été gravement préjudiciable au groupe. 5 ans plus tard, la bande à Rivers Cuomo sort enfin la tête de l'eau. Avec un album qui dépasse à peine les 28 minutes. Mais les dix titres qui le composent ont le mérite d'accrocher l'oreille. Pas de quoi crier au génie ni espérer des titres fondamentalement originaux, mais les chansons contagieuses, spontanées et rafraîchissantes allient parfaitement pop et rock sur fond de mélodies californiennes. Le seul problème, c'est qu'en une demi-décennie, la musique a évolué. Pas Weezer…
Aaron Thibeaux Walker est né en 1910 au Texas, à Linden très exactement. Très jeune, il acquiert le surnom de T-Bone (pour Thibeaux). A l'instar de Charlie Christian de l'orchestre de Benny Goodman, et d'Eddie Durham du Count Basie Band, il est un des premiers à amplifier sa guitare. T-Bone, c'est sans aucun doute l'une des figures majeures de la guitare blues. Il nous a quittés en mars 72. Cet album reprend des témoignages live immortalisés en 1966, au Texas. Tout particulièrement à Houston et à Pasadena. Si à cette époque, le meilleur de sa créativité était déjà derrière lui, force est d'avouer que le blues qui se dégage de ces bandes est tout à fait envoûtant!
L'album débute par "Good boy" ; un superbe blues, très swamp dans la démarche, soutenu à l'arrière par le chromatique (NDR : indispensable dans le style !) d'Harmonica Fats. "Natural ball" campe un style West Coast que Walker a porté sur les épaules pendant de longues années. Les plages lentes sont réellement émouvantes. Son T-Bone blues vous possède. La sensibilité qui se dégage de "Please come back to me" est tout à fait saisissante. T-Bone n'est entouré que d'une section rythmique et de l'orgue de Willard "Piano Slim" Burton. 1966 était la grande époque du blues blanc. Du british blues tout particulièrement. Une époque au cours de laquelle beaucoup d'Européens ont fait connaissance avec le blues. Entendre le T-Bone d'alors ne peut que nous amener à saluer ce seigneur. Lorsque le tempo s'accélère, sa guitare se libère dans un flot de notes dévastateur. A l'instar de " She's my old time used to be ". L'approche des cordes sur "Back on the scene" reflète tout le blues qui habite l'artiste. La finale "Afraid to close my eyes" nous donne le dernier frisson. Ce n'est sans doute pas le meilleur enregistrement de T-Bone Walker, mais le blues est bien présent de la 1ère à la dernière seconde.
A ce jour, Steve Wynn doit avoir commis près de vingt-cinq albums. En comptabilisant ceux qu'il a enregistrés en solo, au sein de Dream Syndicate, de Gutterball et en compagnie de Dan Stuart chez Danny and Dusty. Et jamais, je n'ai été déçu. Alors, vous vous doutez bien que lorsqu'il grave un double album, il y a de quoi être doublement satisfait. D'autant plus que pour la circonstance, il s'est entouré d'excellents musiciens. Et en particulier le guitariste de Come, Chris Brokaw, son pote et ex-claviériste de Green On Red, Chris Cacavas, ainsi que du bassiste Dave DeCastro et de la drummeuse Linda Pitmon ; c'est à dire l'incontournable section rythmique qui l'accompagne lors de ses tournées. Sans oublier le concours de John Convertino et de Howe Gelb sur l'un ou l'autre fragment. Ce qui explique sans doute pourquoi Craig Schumacher (NDR : aucun lien de parenté avec les célèbres frères, pilotes de formule 1) en a assuré la production. Aux studios ‘Wavelab’ de Tucson. Là où justement, il collabore régulièrement à la mise en forme des œuvres de Calexico et de Giant Sand. Et pour mettre la touche finale, le mixing a été confié à John Agnello (Dinosaur Jr, Cell). Steve a ainsi réuni les conditions optimales pour commettre un ‘must’. Et il n'a pas manqué l'occasion.
En dix-neuf titres, il est parvenu à passer en revue toute l'étendue de son talent ; mais aussi sa capacité à transcender celui de ses invités. Tout son registre y passe : garage, rock, pop, psychédélisme, free jazz, blues, urban rock, punk et même un zeste de gospel. De quoi faire le plein d'énergie et pourquoi pas entamer la danse du scalp, les écouteurs sur les oreilles, sur la table du salon. Vous n'êtes pas convaincus ? Et bien passez donc sur votre chaîne un " Watch your step " ou encore un " Southern California line " à fond la caisse ; et vous allez voir vos voisins déterrer la hache de guerre… Steve vient probablement de réaliser son " Exile on main street ", son " Physical graffiti ", son " Zen arcade " ; mais pour que ce disque se transforme en succès, il faudrait peut-être un miracle. On peut toujours rêver !
Originaire de Brooklyn, Mitch Woods fêtera ses 50 ans cette année. Il s'est installé, voici 20 ans, sur la West Coast ; à San Francisco très exactement, où il vit toujours actuellement. M. Woods & his Red Hot Mama était sa 1ère formation. Depuis 80, elle a changé son patronyme en Rocket 88's. L’ensemble avai déjà commis 4 albums pour Blind Pig: "Steady date" en 84, "Mr Boogie's back in town" en 88, "Solid gold Cadillac" en 91, et "Shakin' the shack" en 93.
Le dernier album de Mitch remonte à 96 : "Keeper of the flame". Il est sorti sur Viceroy. Fervent adepte du boogie woogie et du jump R&B pratiqué au cours des 40s et des 50s, il reconnaît pour maîtres dans ce domaine, Louis Jordan, Wynonie Harris, Joe et Jimmy Liggins, Amos Milburn et Roy Milton. "Jump for joy" est totalement imprégné de cette musique qui jumpe et swingue tous azimuts. Mitch est parvenu à composer toutes les plages dans l'esprit de l'époque. Il est admirablement secondé par son fidèle guitariste Dany Caron et entouré par un véritable mur de cuivres composé de 4 saxes, de 2 trompettes et d'un trombone. Les arrangements sont signés Michael Peloquin. Pour le reste, il est difficile d'épingler l'une ou l'autre composition de l'ensemble, tant ce big band sound forme un tout homogène.
Les titres parlent d'eux-mêmes : "Jump in the groove and go", "Jive, Mr Boogie", Golden Gate jump" et bien sûr, "Jump for Joy". J'épinglerai quand même au passage, "Swingin' at the Savoy", référence évidente au célèbre Savoy Ballroom. L'un des héros de Woods est indéniablement Cab Calloway. Il est imparable sur "Palm tree tie". Dans le style, cet opus est vraiment excellent. Très à l'aise au piano, Mitch a su assimiler le meilleur des maîtres du boogie woogie. Dans cet exercice de style, "Walk across Texas" est un régal. Il a aussi digéré l'héritage de la Nouvelle Orléans. Et en particulier celui que nous a laissé Dr John et Professor Longhair. Il le démontre tout au long de "Not a good part of my life".
Wolfe, c'est d'abord Todd Wolfe, le leader, chanteur, guitariste, compositeur et producteur du combo qui porte son nom. Un New-yorkais qui a été le guitariste attitré de Sheryl Crow, de 1993 à 98. En 96, il avait fondé Mojoson, un groupe qui mêlait blues et rock psychédélique. Il a ensuite sévi au sein du Todd Wolfe Blues Project, en compagnie duquel il a sorti l'album "Live at Manny's Car Wash".
"Heaven" ouvre l’opus. La meilleure plage du disque. La slide est légèrement amplifiée, la voix assurée, l'inspiration puisée dans le Delta du Mississippi. "Light of day" et "Roll over" relèvent du southern rock offensif. A cause du jeu assez lourd de la section rythmique et des riffs de guitare réverbérés. "Silver blue" marque le retour de la slide. La prise de son est excellente. La slide transpire à l'avant-plan. Nous sommes à nouveau dans l'esprit du Delta. "Black night" a été écrit par Jesse Mae Robinson. Un slow blues mené à la manière d'un Jimi Hendrix assez bavard. Et dans le style, c'est plutôt bien réalisé. Toujours très ‘hendrixienne’, mais période Band of Gypsies, "Shame" est une longue épopée funky de plus de 8', au cours de laquelle la succession de notes torturées a le mérite de faire danser. "On the run" est un boogie rapide. La slide se veut menaçante. Elle sue de partout. L'harmoniciste de Blues Traveler, Jon Popper est de la partie. Il souffle une succession de notes bien musicales dont il a le secret. "Wing of dove" opère un nouveau retour au southern rock. La guitare mystérieuse se tourne vers les sphères psychédéliques. Le voyage continue au cœur de l'atmosphère pesante et suspicieuse d' "East of you". Wolfe commet alors une version très électrique du "Come in my kitchen" de Robert Johnson. L'opus recèle, en outre, un morceau caché. Un instrumental qui adopte un ton jazz!! Wolfe consacre les bénéfices de la vente de ce bon album de hard rockin' blues à la Croix Rouge et à l'association internationale des sapeurs pompiers. Le brave homme!
Within Temptation partage la même nationalité que The Gathering, After Forever et Trails Of Tears ; et à l'instar de ces trois formations, il évolue dans un métal gothique chanté au féminin. Mother Earth s'expose donc à d'inévitables comparaisons qui n'ont néanmoins pas forcément lieu d'être. Si d'aucuns pensent que métal et symphonisme sont aussi antinomiques que la musette et le gangsta rap, ce n'est pas ce nouveau joyau du combo des Netherlands qui va apporter de l'eau à leur moulin. Marié à de classieux arrangements progressifs et symphoniques, le chant lyrique de la nymphe Sharon Den Adel transporte l'auditeur dans une nouvelle dimension romantique. Un voyage magnifique de près d'une heure dont on ne reviendra que pour appuyer sur la touche replay du lecteur laser. Mother Earth flirte avec le chef d'œuvre, sans nul doute. Doté d'influences classiques et baroques, le mini elpee " The Dance " en abordait déjà les prémices ; et les dernières prestations live laissaient pressentir que le groupe était techniquement prêt à hausser le niveau. Seule faute de goût, la balade sirupeuse et tubesque " In perfect harmony ", une composition qui évoque les lamentations pleurnichardes de certaines chanteuses à succès. Mais c'est bien l'unique reproche que l'on pourrait faire au très pertinent Within Temptation, qui impose indéniablement sa personnalité…
Ce disque est exclusivement constitué de reprises de compositions écrites au cours des années 80. Aucune note n'a été modifiée et aucun apport musical personnel n'a été apporté ! Malheureusement, en dehors du son et des mélodies déjà entendus, il n'y a que peu d'informations sur les compositions reprises par Dana Winner. Sa voix est relativement commune, proche de celles qui sont largement diffusée sur les ondes, par de multiples artistes de tout acabit. Et ses interprétations sont aussi ennuyeuses que sa biographie… Qui nous apprend qu'elle a gagné cinq années de suite, le prestigieux ‘Gouden Oog’ award (!?!?). Qu'elle est considérée comme la chanteuse belge la plus populaire (NDR : par qui ? Suivant quelles sources ? Je suppose que la personne qui s'est chargée du sondage désire certainement garder l'anonymat). Qu'elle compte 12 ans de carrière, est mariée et a une fille qui répond au nom de Chinouk. Qu'elle est connue à travers une multitude de pays, tels que les Emirats Arabes, la Jordanie, le Koweit et la Flandre… Qu'outre sa passion pour son mari et la chanson, elle pratique du sport, en particulier le volley-ball, et aime passer un certain temps en compagnie des animaux ! ! ! ! Qu'elle dispose d'un site Internet, etc. Bref, si vous voulez en savoir davantage, je vous invite à aller visiter son site, parce que n'ayant pas eu l'impression de tirer le numéro gagnant avec Dana Willer, je préfère m'arrêter là…
Tous les amateurs de blues contemporain sont unanimes : Kim Wilson est l'un des tous meilleurs, sinon le meilleur harmoniciste contemporain. Il est aussi un chanteur puissant au timbre vocal riche. Il affiche une présence de scène imparable. Bâti littéralement comme un athlète bodybuildé, il s'est désormais taillé le crâne comme un œuf. L'ancien Fab-T a enfin enregistré live, non pas pour son label Blue Collar, mais pour MC. Le tout a été immortalisé lors de deux concerts. Le premier accordé en février 99 à Phoenix, en Arizona ; et l'autre en décembre 2000, au Café Boogaloo de LA. Point commun à ces deux concerts, la fidèle section rythmique composée des anciens du Hollywood Fats Band. En l'occurrence Larry Taylor à la basse et Richard Innes à la batterie. A Phoenix, deux gratteurs au talent confirmé complétaient le line up : Rusty Zinn et Billy Flynn.
A LA, nous le retrouvons en compagnie de 2 autres guitaristes : le coloré Kirk Fletcher et l'inconnu Troy Gonyea. Le claviériste Mark Stevens complétant l'équipe. Et vous vous en doutez, la solution sonore vole à très haut niveau tout au long des 7 titres de Phoenix et des 6 autres provenant de Los Angeles. Vu la nature live de ce disque, les plages sont naturellement tirées en longueur, laissant ainsi l'espace aux solistes pour s'exprimer. Les deux blues lents sont bien connus. "Early in the morning", tout d'abord. De sa slide, Billy Flynn parvient à ne libérer que les notes nécessaires. Une intervention exceptionnelle ! Ensuite un "Telephone blues" adressé en forme de clin d'œil au maître de Kim, George Smith. Kim parvient sans difficultés à faire swinguer toute cette machine. A l'instar de "I stay in the mood". Et puis surtout de "Got to let you go". 9 minutes de bonheur procurées par les interventions de Wilson, de Fletcher et de Gonyea. Réponse immédiate de la paire Zinn/Flynn sur "Tomorrow night". Instrumentale, la plage titulaire libère un shuffle pas possible ! Kim doit avoir plusieurs poumons ! Il reste aussi toujours inspiré par le Chicago blues. Comme sur l'impeccable "High and lonesome" de Jimmy Reed, qui met Billy Flynn à l'honneur. Aux dernières nouvelles, Kim aurait enregistré un album à Memphis. En duo. Avec la vedette du label MC, Big Jack Johnson. Un disque de Delta Blues sur lequel Pinetop Perkins est venu donner un coup de piano sur deux titres. Il devrait paraître début 2002.
Robbie Williams souhaite élargir son répertoire musical. Franchement inspiré par Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Junior et autres crooners, Robbie Williams a voulu rejoindre ce cercle fermé, en commettant cet elpee. Pour y parvenir, il a réuni tous les éléments nécessaires : grand orchestre, duos de charme (notamment avec Nicole Kidman), quelques reprises des maîtres ainsi que quelques compositions personnelles. Le problème est que rationnellement, il ne suffit pas toujours de désirer, même très fort une chose pour qu'elle devienne réalité… La musique est grandiose. Enrobée de violons, pianos, trompettes et autres instruments, elle nous invite au rêve et à l'évasion. Et je pense tout particulièrement à la première chanson écrite par Robbie. On y croit jusqu'à ce qu'il se mette à chanter. Sa voix est trop aiguë, sans chaleur ; elle ne dégage pas la sensualité des timbres chauds et vibrants des crooners du temps passé. Au cours de ces exercices de style, il n'est pas difficile d'imaginer le l'image d'un gentleman tiré à quatre épingles dansant et chantant sur une scène illuminée. Il est par contre très désagréable d'y voir apparaître un vilain garçon déguisé en pingouin…
Fille de la chanteuse des Vernon Girls, Joyce Smith, et de Marty Wilde, adaptateur de succès du rock'n roll américain, qui connut la notoriété à la fin des années 50, Kim a aligné toute une série de hits entre 1981 et 1986, avant de disparaître dans un relatif anonymat. Des tubes qui, à l'instar de " Kids in America ", " Cambodia ", " Love blonde " et la reprise des Supremes, " You keep me hangin' on ", ont flirté avec les sommets des charts. Jolie, sensuelle, parfois même provocante, elle a constitué, au cours de cette brève période, la réponse insulaire à Debbie Harry. Qui ne manquait pas de charme, non plus, il faut le souligner. Bref, je dois avouer ne pas avoir boudé mon plaisir en réécoutant la voix acidulée de Kim. Dommage que le booklet soit un peu terne…
Et un petit belge signé chez Roadrunner, un ! Au delà des ces simples considérations nationalistes, Wicona Airbag a, selon moi, le désavantage d'ouvrir la voie. Ce qui explique sans doute pourquoi le disque est un peu passe-partout. Les premiers intéressés par la musique du membre d'un groupe qui a écumé mon plat pays (Hoodoo Club), ne devraient pas se tourner naturellement vers ce label qui, c'est bien connu, est un vivier d'artistes brutaux et écervelés. Preuve d'ouverture d'esprit d'une major ou récupération des sonorités bien dans l'air du temps ? La question mérite d'être posée. Car Wicona Airbag marche plutôt sur les pas d'un Evil Superstars séduit par une touche plus mécanique que passionnelle dans sa musique. L'ennui c'est que Wicona Airbag doit être moins drôle et plus coincé sur scène. Maintenant, ce "Up with people" ne manque pas de chansons vraiment sympas et pourrait trouver son lot d'auditeurs. De là à les transformer en cohorte de fans…
Après avoir commis six albums, dont la ligne de conduite reposait essentiellement sur la guitare, Chris Whitley a décidé de changer radicalement de style. Oh bien sûr, son timbre vocal éraillé, tendre et viscéral est toujours capable d'enflammer à lui seul les mélodies. Et puis la guitare n'a pas pour autant été rangée au placard. Ni le piano spectral. Mais ces instruments doivent composer avec un tas d'arguments technologiques. Samples, boîtes à rythmes, synthés et autres accessoires se fondent ainsi parfaitement au sein de l'instrumentation basique. Mais pour réaliser cette symbiose, Chris a fait appel à DJ Logic. N'imaginez cependant pas que la solution sonore soit passée pour autant au rap, au hip hop ou à un rock convulsif, réminiscent de Rage Against The Machine. Non, elle baigne dans une sorte de trip hop à forte coloration blues, trip hop ondulant au rythme de vibrations tribales, urbaines ou krautrock. Libérant même très souvent un groove aussi lisse que menaçant. Un peu comme si Howlin' Wolf et Tricky avaient décidé de faire une jam. Côté collaborateurs, Chris n'a pas lésiné sur les moyens. On y retrouve ainsi sa sœur Trixie sur deux fragments. Les vétérans Dave Mathhews et Brune Hornsby, également. Et puis surtout Tony Mangurian, à la production. Un musicien qui a autrefois joué en compagnie de Dylan et de Willlie Nelson. Ce qui, ma foi, est une fameuse carte de visite. Un must !
La Vallée de la Mort est cet endroit cauchemardesque sis au fond du désert américain, coincé entre les Rocheuses, Las Vegas et Hollywood, où il ne fait pas bon se promener sous peine de mourir piqué par un scorpion ou bouffé par les vautours. Ecouter Death Valley du groupe Zeke procure la même sensation : en 28 minutes de riffs acérés, de grosse batterie et de chant névrosé, l'envie vous prend de tout péter dans les alentours, manche de balai en main (pour le côté rock'n'roll) et rictus de dément sur la figure. D'ailleurs, les 4 rednecks de ce groupe originaire de Seattle joignent le geste à leurs paroles (assez débiles d'ailleurs) au dos du livret, exhibant fièrement haches et tronçonneuses au cas où l'auditeur énervé par le rythme trop soutenu des morceaux aurait envie de… euh, ben oui, tout péter. Et puis le chanteur, Mark of the Beast (sic), nous le martèle assez dans les chansons : pas question ici de se la jouer à la Mercury Rev, trip écolo et angélisme de bon teint, c'est du rock'n'roll pur jus, 100 % gras et lourd, dédié à la baise et à Satan (Evil Dead, Eyes of Satan), bref à notre bon vieux côté bestial (Animal). En d'autres termes, Death Valley est un album qui vous saute à la gueule comme un pit-bull en manque de chair fraîche. A réserver en particulier aux fans de Motörhead, Judas Priest et Nashville Pussy.
Que ce soit chez Dangerous Birds, Uzi, Live Skull ou Come, au sein duquel elle sévit toujours, Thalia Zedek s'est toujours évertuée à tordre le rock 'n roll conventionnel pour en récupérer une solution ténébreuse déchirée entre convoitise, malice et désir perverti. Faut dire que son timbre vocal écorché, âpre et nicotiné possède toutes les propriétés pour créer un tel climat. Pour enregistrer son premier opus solo, elle a reçu le concours de son band habituel. Pas pour y injecter leur dose d'électricité habituelle, aussi redoutable que sulfureuse ; mais tout simplement pour accompagner Thalia à l'aide de l'instrumentation la plus dépouillée et la plus sobre possible : piano, guitare acoustique et violon tzigane apportant ici la pierre à cet édifice avec beaucoup de subtilité et d'efficacité. Un violon qui atteint même le sommet de sa charge émotionnelle sur le remarquable " Desanctified (full circle) ". A vous flanquer des frissons partout ! Et à l'instar d'une Mariane Faithfull, dont elle semble se rapprocher de plus en plus du timbre vocal, Thalia se lance également dans l'exercice de la reprise. En l'occurrence, le " Dance me to the end of love " de Léonard Cohen, exercice qu'elle accomplit avec beaucoup de maîtrise. Dans le style, Zedek vient de commettre un superbe album !
Trois versions du morceau maître sur le nouveau maxi de cette formation italienne drivée par un certain Matteo Agostinelli. Alors que " The blue experiment " et la bossa nova contemporaine " Boat on swim " figuraient sur leur dernier album, " Hollow beep ", présenté sous la forme d'un bonus track, " 1967 " est un inédit. Si vous appréciez les paysages sophistiqués, élégants et visionnaires de Mercury Rev, la musique de Yuppie Flu devrait vous botter. Même les parties vocales sont aussi éthérées ! Seule différence, tout en sculptant leurs mélodies dans les cordes de guitare acoustiques, la formation péninsulaire a presque exclusivement recours à la musique électronique, et en particulier aux synthétiseurs analogues, pour tirer parti au maximum des oscillations sonores. Et, je dois avouer que sous cette forme hybride, la musique est vraiment séduisante !
Yum, c'est avant tout Lennard Busé et Reinert D'Haene. Hollando-canadien, le premier chante et écrit les lyrics. Membre d'Ashbury Faith, le second est anversois et se charge des drums. Tous deux jouent également de la guitare acoustique, instrument qui sert de base à leurs chansons, avant qu'ils ne les enrichissent de sonorités électroniques.
Pour enregistrer " Monikid ", ils ont quand même reçu le concours de quelques collaborateurs. Le guitariste d'Ashbury Faith, Matthias Van der Hallen, tout d'abord. Le frère de Reinert, également. Geert. Préposé aux bips et aux loops. Mais surtout Gary Langan à la coproduction et au mixing. Pour ceux qui l'ignoreraient, Langan était le bras droit de Trevor Horn. Fondateur d'Art Of Noise, il a travaillé pour ABC, Yes, Frankie Goes to Hollywood, The The, Scritti Politti, McCartney, Mick Jagger, Michael Jackson et PIL. Excusez du peu !
Le premier album de ce duo semble, en tout cas, particulièrement contaminé par la new wave et l'électro pop des eighties. Peu convainquant dans ses ballades post A-ha, sub Yazoo, ou calquées sur Sting, il devient franchement séduisant lorsqu'il embrasse le sens mélodique minimaliste du Depeche Mode circa " See you " ou " Never let me down again ". A l'instar de l'excellent " Day one ". Et même étonnant sur l'électro-industriel " Break your hands ". Une composition frénétique, dont le tempo viscéral et les vocaux écorchés me rappellent le défunt Poésie Noire…
Pour enregistrer son nouvel album, Yes a purement et simplement décidé de remplacer les claviers par un orchestre symphonique. Et ce, sous la direction de Larry Groupe, mieux connu pour la composition de ses musiques de films. Un personnage qui s'est, en outre, occupé des arrangements. Il y a bien, ça et là, un zeste de piano, dispensé par le drummer, Alan White. Mais pas de claviériste. Le groupe n'avait plus eu recours à une semblable formule depuis 1970. Pour l'enregistrement de " Time & a word ". Une formule qui était alors, bien dans l'air du temps, mais qui n’a pas été couronnée de succès. N'empêche, la période la fructueuse du groupe s'étale de 1969 à 1975. Lorsque sa musique à la fois belle et complexe, originale et intellectuelle, souvent fracturée mais également lumineuse, était capable de nous plonger dans un univers autant visionnaire que majestueux. Une symphonie des temps modernes recherchant, au delà du swing, de l'obsession rythmique, des tangages éphémères, une sorte de sublime. C'est également au cours de cette époque que Yes est devenu un des flambeaux de la musique dite progressive. Il y a bien eu un sursaut en 1983, consécutif à la sortie du hit " Owner of the lonely hearts ". Mais depuis, il faut reconnaître que la musique de cette formation n'a plus guère progressé (!?!?!)… Pourtant, ce " Magnification " ne devrait pas trop déplaire aux nombreux aficionados du combo. Squire, Howe et White y rivalisant de virtuosité, pendant que Jon Anderson, de son timbre falsetto, presque androgyne, filtre la solution sonore. M'enfin, on est encore loin des " Close to the edge ", " Fragile " et du " Yes album ". Pour nostalgiques uniquement !
Interprète/compositeur et multi-instrumentiste capable de passer de la guitare à la batterie ou de l'harmonica à la basse, avec une facilité déconcertante, Sacha Toorop a acquis son expérience au fil des tournées en jouant de la basse pour Dominique A tout d'abord. Et puis aujourd'hui comme batteur pour Françoise Breut, la copine du natif de Provins. Il lui arrive, de temps à autre, de penser à lui. Et d'enregistrer sous le patronyme de Zop Hopop, le nom d'un personnage BD qu'il avait conçu, à l'époque où il tâtait du 9ème art.
" Western " constitue son deuxième album. Un disque qui nous propose un voyage musical éclectique, mélange de sérieux, de poésie et de douceur, mais aussi de douleur contenue, que Sacha souligne de son timbre vocal légèrement nasillard et éraillé. Un périple qui nous entraîne du paso doble (NDR : le titre maître !) au drum 'n bass spectral " The teller ", en passant par la petite musique de chambre (" What I ought to do "), le country blues minimaliste (" Right and wrong "), la world antillaise (" Coumba "), le r&b intello " Ain't no good " (NDR : imaginez une rencontre hypothétique entre Isaac Hayes circa " Shaft " et Tuxedo Moon), la valse lente " Burned up with desire " et le jazz cuivré, fiévreux, sur fond de mélodie pop, " Goggy ". Sans oublier les 9'18 de " Here is a place " qui s'ébrouent au rythme de bruitages psychédélico-obsessionnels, réminiscents du Whole World de Kevin Ayers, avant de s'enrober de cordes, pour finalement virer à la mélodie mélancolique. Pensez à Sophia. Et un morceau caché corrobore cette dernière impression, mais sous son aspect le plus intimiste.
"Every day I wear a greasy black feather on my hat", premier album de Moondog Jr et "I paint pictures on a wedding dress", le précédent opus de Zita Swoon, observaient une ligne de conduite plutôt roots, très expérimentale, fortement hantée par l'esprit de Captain Beefheart. Pour celles ou ceux qui l'ignorent encore, Zita Swoon est le groupe de l'ex bassiste de dEUS, Stef Kamil Carlens. Il avait d'ailleurs participé aux albums " Worst case scenario " et " In a bar under the sea ". Sur " Life = a sexy sanctuary ", le spectre de Don Van Vliet a été balayé par celui de Bowie. Seule la composition " Teacher " est l'exception qui confirme la règle. Pour le reste, hormis Josiewitchgirl ", alimenté par des contre mélodies dignes de Peter Hammill, le premier fragment " Fun for free ", découpé dans la pop capricieuse et contagieuse de dEus, et le funk/hip hop " The banana Queen ", l'opus grouille de références à la trilogie Low/Heroes/Lodger. On a même droit sur " People are like slamming doors " à des harmonies vocales glamoureuses. Mais n'imaginez pas que Zita Swoon se contente de décalquer ces illustres références. Non, il les resculpte dans son univers baroque, au sein duquel richesse et sophistication n'ont peut-être jamais fait aussi bon ménage…
Avant d'enregistrer ce premier album, ce quartette a certainement dû beaucoup écouter Alice In Chains et Soundgarden. Puis décidé d'injecter dans son expression sonore une bonne dose d'acoustique et quelques samples ; histoire de mieux faire passer la pilule. Personnellement, ce type de métal, qui bénéficie pourtant ici de la mise en forme impeccable de Paul Ebersold (Sister Hazel) et de Toby Wright (Alice In Chains, Korn) aux manettes, me reste sur l'estomac…
« Une affaire d'état » constitue le premier album du Tournaisien. Enfin, Pierre Surquin et son band, car il faut reconnaître que ses musiciens ont largement contribué à l'enregistrement de cet opus. Tout d'abord Cédric Delahaye. Le claviériste. Qui a compris le rôle fédérateur qu'il devait jouer au sein de la musique de Pierre. Un seul dérapage, " Une idée arrêtée ". C'est aussi le seul fragment faible de l'elpee. Mais aussi le plus complexe. Si Pierre a écrit la musique, les lyrics sont partagés entre Fabrice Delmeire et Jacques Godard. Des textes, ou plus exactement des poèmes baroques, composés dans la langue de Voltaire, qu'il chante de son baryton profond, intimiste. Sauf pour " L'écho du havre ", un fragment dont l'aridité des guitares sculptées dans le funk blanc est adouci par son exercice en falsetto. Un seul instrumental. Et très court : " Les titres parlent d'eux-mêmes ". Et puis un morceau caché. Probablement intitulé " D'étranges affinités ". Qui libère une électricité sauvage, décapante, dont l'intensité me rappelle… Sonic Youth. Mais venons-en au cœur de l'opus. Particulièrement riche, " L'été se termine " est agité par un psychédélisme ambiant, tramé entre les guitares et les arrangements particulièrement riches. Tribal, envoûtant, " Et ça en est là " aurait pu figurer dans le répertoire d'un Bernard Lavilliers. Nonobstant les guitares redoutables, les claviers aquatiques et le zeste de techno, " La forge " épouse un profil mélodique proche d'un Voulzy, mais un Voulzy qui se serait intéressé à la pop alternative. Pop, satinée, légèrement cuivrée, " De l'infini à zéro " constitue probablement la chanson la plus contagieuse de l'elpee. Imaginez qu'Ultravox se soit intéressé à la bossa nova, et ce n'est pas " Rien qu'un malentendu ". Chez " Ce compagnon qui filait doux ", le minimalisme est de rigueur, mais un minimalisme chatoyant, chaleureux, légèrement cuivré, saupoudré de percus élégantes, de claviers organiques ou en boucles, et d'accords de guitare délicatement reverb. Apparemment calme, intimiste, " Ma vision est trouble " s'agite en permanence, se tourmente au fond de l'âme. Enfin " Langue pendue " s'ébroue sous une forme paisible, avant de glisser progressivement vers une consommation électrique de guitares libérées, vivaces, vivifiantes, réminiscences d'American Music Club et de Wheat… Pour un premier album, Pierre vient probablement de réussir un coup de maître…
Il y a un an et demi, ce disque merveilleux attirait l'œil du chaland sur les rayons de tous les bons disquaires : les couleurs vives et l'absence de toute référence sur la pochette intriguaient, à se demander quel était cet objet tape-à-l'œil qui ressemblait plus à un emballage de friandises qu'à celle d'un CD normal. Une fois inséré dans le lecteur et le casque sur les oreilles, quelle n'était pas la surprise de l'auditeur aventureux d'entendre que cet O.M.N.I. (Objet Musical Non Identifié) n'était autre qu'un petit chef-d'œuvre d'électro soyeuse et sensuelle, bâti comme une cathédrale de sons rieurs et de boucles enivrantes. " Lemon Jelly " s'appelait cette splendeur, en fait un duo britannique de gentils freaks, bien connu dans le milieu du clubbing londonien mais beaucoup moins ailleurs. Leur album, trois Ep's sortis en édition très limitée de 1998 à 2000, resta longtemps dans le lecteur, répandant harmonieusement ses symphonies de poche dans l'atmosphère, tout à coup respirable. L'allégresse provoquée par certains morceaux (" Nervous Tension ", samplant… Nana Mouskouri, " Homage To Patagonia ",…) rendait ce disque indispensable au réveil comme au coucher : Lemon Jelly devint la meilleure pommade musicale du moment, parfaite pour les blasés du quotidien et les militants anti-techno, à frictionner (au moins) une fois par jour pour garder la forme. Puis l'album disparut des bacs des disquaires, comme par enchantement. Ou plutôt comme par maléfice, tant notre oreille s'était habituée à ses mélodies mille-feuilles enchanteresses. Lemon Jelly, un (beau) rêve, une hallucination ? Et puis voilà que réapparaît cet album un an plus tard, en 2002, après des mois de doute et d'abattement à coller des avis de recherche sur les murs de tous les disquaires (" Wanted : Lemon Jelly, a cure for life ", ou quelque chose comme ça…). Une fois réinséré dans le lecteur, les doigts tremblants et les yeux fébriles, la même sensation que la première fois se fait à nouveau ressentir… Sauf que maintenant ce n'est plus une surprise, mais une certitude : cet album ne nous quittera plus et ses mélodies nous berceront pour toujours.
Le précédent elpee de R.E.M. R.E.M.onte déjà à 1998. Une œuvre R.E.M.arquable dans son audace, dans son concept expérimental ; mais sans doute trop complexe pour récolter un succès commercial d'envergure, auquel le groupe s'était habitué. Faut dire que le trio n'avait pas hésité à délaisser son instrumentation basique pour explorer toutes les facettes de la technologie moderne. Une formule qui n'a plus été reconduite pour " Up ", même si les boucles, synthés et autres gadgets électroniques continuent d'enrichir la solution sonore. Simplement, ils n'en constituent plus l'épine dorsale. Parce que les cordes de guitare moelleuses, carillonnantes, byrdsiennes, la ligne de basse agile, vigoureuse et les claviers chatoyants ont repris leurs prérogatives. Et la voix de Michael Stipe son leadership. Essentiellement constitué de ballades, le 12ème opus studio en 20 ans du combo souffre cependant parfois de la sophistication uniforme des arrangements. Surtout lorsqu'ils sont sculptés dans les orchestrations symphoniques. C'est d'ailleurs le seul reproche que l'on peut adresser à ce morceau de plastique. Sans quoi, il recèle d'excellentes surprises. A l'instar de l'irrésistible " Imitation of life ", du brianwilsonesque " Summer turns to high ", du single " All the way to Reno (you're gonna be a star) " ou encore de " The lifting ", réminiscent de Gary Newman. Coproduit par Pat Mc Carthy, "Reveal" a bénéficié du concours de Ken Stringfellow des Posies, de Scott Mc Caughey des Young Fresh Fellows et de Joey Waronker (Beck, Walt Mink) aux drums; un rôle que Bill Berry a délaissé depuis qu'il a quitté le navire. C'était déjà en 1997…
Quintet Breton, Grubby interpelle. Enregistré grâce au tremplin Rock n' solex de Rennes, ce maxi 4 titres nous propose une musique plutôt calme, évoluant entre pop et post rock (NDR : selon la bio). Partagé entre 2 titres instrumentaux et 2 chantés, ce disque nous offre un large panorama de la culture rock que nous balayons. Et en particulier la new wave (Cure) et le noisy rock (Ride, Mogwai). Pourtant, toutes ces influences semblent parfaitement digérées. D'ailleurs, la formation ne s'en tient pas aux classiques guitare-basse-batterie : un piano vient souligner, enrichir la mélodie de manière fort à propos, alors que l'un ou l'autre bruitage électro pénètre tout aussi facilement cet univers sonore. J'ai quand même un faible pour le titre final, " Madame sait tout ". Un fragment de 8 minutes construit sur un schéma lancinant et hypnotique. Un morceau qui conclut en beauté le maxi et qui devrait causer tout autant de dégâts sur scène.
Depuis Machiavel et Now, il ne s'est rien passé de vraiment révolutionnaire dans le paysage du rock progressif belge. C'est donc à bras ouverts que nous accueillons le premier mini-cd (quatre titres) d'une formation verviétoise qui cite Rush comme principale influence. Bien que sa solution sonore s'oriente davantage vers le hard FM américain des années 80 que vers le néo-prog de formations telles IQ ou Pendragon, Quantum fait preuve d'un grand professionnalisme. Mieux encore, son " Initium " n'a rien à envier aux grandes productions du genre. Le chant de Philippe Boudron constitue sans aucun doute un apport peu négligeable pour le quatuor ; et le titre " Believe " pourrait même faire un hit tant son potentiel mélodique est énorme. Habitué de la scène du Spirit of 66 et glorifié dans le magazine Prog Resiste, Quantum ne demande qu'à sortir de l'anonymat. Un espoir est né!
Janiva est originaire de Detroit, mais elle a essentiellement administré sa carrière depuis Los Angeles, où elle s'est fixée. " Blues ain't pretty " constitue son 3ème album. Il fait suite à "It takes one to know one" (sur FatHead) et "My bad luck soul" (sur Blues Leaf). Janiva est une chanteuse aussi à l'aise dans le blues que dans la soul music. Ses influences naviguent quelque part entre celles d'Etta James et de Memphis Minnie. La collaboration qu'elle mène en compagnie de Jeff Turmes est toujours d'actualité, puisque l'ancien bassiste/saxophoniste du James Harman Band continue d'apporter sa collaboration à l'instrumentation et à la composition.
La ballade swamp, "Blues ain't pretty", ouvre le bal. Légèrement rythmé, "Nobody loves you like me" campe un excellent blues. La guitare de l'ami fidèle Kid Ramos entre en lice. Nouveau parfum louisianais, swamp et voodoo à travers l'hypnotique "It's your voodoo working". Kirk Eli Fletcher propage de la réverbération dans ses cordes. Jeff Tumes souffle dans le sax baryton. "The more I keep on losin" est un blues lent, inspiré par T-Bone Walker. David "Kid" Ramos y est comme un poisson dans l'eau. Janiva possède une voix souple qui s'adapte facilement à toutes les situations. Elle le démontre tout au long du swing "Act right" et de la cover Memphis R&B de Ray charles, "Tell me how do you feel". Autoritaire, elle se montre sous son meilleur jour sur le Chicago blues "Help me to find my love". Face à l'orgue Hammond de Brother Red Young, elle se révèle sensible et suave. A l'instar de la ballade indolente "I don't know". Composé par Marcia Ball, la cover du très lent "St Gabriel"Ramos est remarquable. Ramos se montre parfaitement à son avantage dans un style qui n'est pas habituellement le sien. Faut dire qu'Eli Fletcher est un fameux soutien à la rythmique. L'opus aborde également du West Coast blues plus classique. Comme sur "I'm gonna play the honky tonks" et la cover de James Brown, "Tell me what I did wrong", au cours duquel un grand Fletcher et Steve Marsh au sax tenor démontrent toute l'étendue de leur talent. "Every dog has his day" s'ébroue comme un instrumental de Freddie King. Fletcher est au sommet de son art. Et c'est dans le swing que s'achève ce très bon album de la très sensuelle Janiva; une composition enrichie d'un piano et d'un sax baryton qui s'intitule "Heartbreaker".
C’est presque trop facile. L’unique album de The United States Of America s’offre tous les symptômes de l’album culte. Succès critique mais pas vraiment public. Sonorités en avance sur son temps. Groupe éphémère qui ne dépassera pas le seuil du premier album. Leader intransigeant et engagé. N’en jetez plus. S’il y a un album culte, c’est bien celui-là. Sorti en 1968, cet LP éponyme est une véritable merveille. En dix morceaux, il s’érige non seulement en synthèse brillante de son époque, mais il élargit aussi l’éventail des possibles comme le feront, dans les mêmes eaux, Silver Apples ou White Noise. Ce qui relie ces trois-là, c’est l’utilisation de l’électronique dans leur pop psychédélique, le génie de l’exploration sonore, la volonté d’aller plus loin que la simple reproduction de recettes existantes.
Bien sûr, on trouvera dans cet album des réminiscences du « Sgt. Pepper » des Beatles, l’ambiance musicale du premier morceau (« The American Metaphysical Circus ») renvoyant directement aux folies des Fab Four de cette fin des sixties. Mais comment blâmer un groupe de s’inspirer d’un tel monument, si actuel, si audacieux ? Impossible. D’autant plus que The United States Of America est loin de se limiter à un simple démarquage. Dominé par la personnalité de Joseph Byrd, le band décide de se passer de guitares pour profiter à plein des claviers électriques, des sonorités électroniques, des modulateurs et autres violons électrisés. Ce qui n’empêche pas un « Hard Coming Love » d’être furieusement garage et un « Coming Down » d’être pop hallucinée en diable. La privation de guitare n’entraîne pas une rupture avec l’air du temps. Elle ne fait que doper l’inventivité.
Radical, John Byrd revendique son engagement politique. Il se veut communiste, réfractaire à tout signe trop conventionnel, reniant un look trop aliénant. Elève de John Cage, il entend triturer la matière musicale, élevant l’audace sonore au rang de démarche artistique. Tout cela séduit donc la critique, mais pas le grand public qui ne se retrouve pas forcément dans cet ovni avant-gardiste. Pourtant, dans un texte écrit à l’occasion de la réédition de cet album en format CD, il y a dix ans, Joseph Byrd se rappelle d’une reconnaissance publique. C’était lors d’un concert à Boston. ‘Là, l’album s’était plutôt bien vendu. Les gens connaissaient les chansons. Lorsque Dorothy a entamé Love Song For The Dead Ché, j’ai été stupéfié de les entendre reprendre les paroles. C’était un de mes morceaux préférés et, aujourd’hui, j’ai encore des frissons rien qu’à me souvenir de ces centaines de personnes chantant ma musique’.
En 1968, l’album atteindra la 181ème position des charts américains. Trop modeste pour un LP de cette trempe qui en impose encore, de nos jours, par sa créativité débridée, sa beauté intemporelle. La suite ? Byrd lancera un nouveau projet (Joe Byrd and the Field Hippies) qui accouchera d’un album en 1969. Mais le cordon ombilical sera difficile à couper, le titre de cet opus n’étant autre que celui du premier titre du LP de 68 (The American Metaphysical Circus). La chanteuse Dorothy Moskowitz, elle, rejoindra Country Joe McDonald. Lorsqu’on l’interroge sur l’aventure de United States Of America, elle n’en brosse pas un portrait idyllique, se rappelant, notamment, de la difficulté à faire entendre sa voix dans le déluge sonore des concerts. ‘Nous n’étions pas aussi merveilleux que le prétendent nos fans actuels. Ce n’est pas à moi de juger, mais je crois simplement pouvoir dire que nous avons fait un remarquable premier album et que je suis chanceuse d’y avoir participé’.
Ce disque vient d'être plébiscité meilleur album de l'année, dans le NME. Etonnant, lorsqu'on sait que ce quintet ne compte qu'un peu plus de deux années d'existence. Mais il faut croire que les vertus du rock 'n roll sont immortelles ; et que nonobstant ses cinquante balais (NDR : le rock' n roll, hein !), il séduit toujours un large public. Rock 'n roll dans les lyrics et l'attitude, tout d'abord. Certains diront peut-être punk, mais c'est du pareil au même ! Cette bande de trublions n'hésitant pas à vilipender tout ce qui touche à l'establishment. Et en particulier les forces de l'ordre de New York. Le titre " New York city cops ", s'est même vu soustrait de l'opus aux States, peu de temps après les événements du 11 septembre. Il figure cependant toujours sur la version destinée au Vieux Continent. Rock 'n roll à cause de leur musique. Enfin, les puristes me rétorqueront garage rock ! Parce qu'on n'y retrouve aucun artifice technologique. Juste deux guitares, une basse, une batterie et un chanteur. Et comme le groupe nous vient de New York, il n'est guère étonnant que des mythes comme le Velvet Underground, Television ou Sonic Youth exercent une influence majeure sur la musique des Strokes. Mais également la scène urban rock de Detroit de la fin des sixties. Et je pense ici tout particulièrement à MC5 et aux Stooges. La voix de Julian Casablanca cumulant d'ailleurs le timbre de Lou Reed et les inflexions d'Iggy Pop, mais sans l'amplitude. Pas de solo de guitare intempestif, mais des cordes de guitares qui grattent, qui hoquètent ou jacassent, en s'appuyant sur une section rythmique rythm'n blues à coloration ‘motown’. Un sens mélodique particulièrement contagieux, opérant régulièrement une fusion entre celui des Smiths et du Jam. Et puis un groove qui évoque instantanément " Street fighting man " voire " Jumpin' Jack flash " des Stones. Les Stokes viennent de frapper un grand coup !…
Les témoins de leur époustouflante prestation accordée lors de la dernière édition du festival Pukkelpop ne me contrediront pas. Sigur Rós aura marqué l'an 2000 d'une empreinte indélébile. A cause de ses apparitions scéniques dont le souvenir me donne encore la chair de poule. Et de la sortie d'un album hors catégorie, " Agaetis byrjun ". Neuf titres qui nous plongent dans un psychédélisme nordique déconcertant, sis à la frontière du prog rock des 70's et de la pop scandinave de Kent. Rappelez-vous la première œuvre de The Verve, les expérimentations mélodiques de Spiritualized ou le Pink Floyd époque Syd Barrett. Une structure musicale complètement éclatée, enrichie d'une multitude d'instruments. De la flûte aux sections à cordes ou à vent, en passant par le piano et les guitares dont les tonalités atmosphériques sont produites à l'aide d'un archet et d'une montagne de pédales électroniques. Sans oublier les paroles, exprimées en islandais ; et qui à travers le falsetto de Jon Por Birgisson acquièrent une dimension pratiquement divine. La durée de chaque composition ne descend pas au dessous des six minutes. Comme pour prendre le temps de s'immiscer dans l'ambiance du moment. Comme au plein cœur de l'époque progressive. Et c'est vrai, chez Sigur Rós, il y a un quelque chose du passé. Mais aussi une substance nouvelle, inconnue, qui nous interpelle. Alliage magique extirpé en l'an 2000 du néant et qui, soyez en sûr, fera encore parler de lui. Mystérieux ? Tout simplement somptueux !
Les White Stripes se résument à un frère et une sœur. A moins que ce ne soit deux ex-époux. Jack et Meg White. Le premier chante et joue de la guitare. La seconde cogne sur les fûts. Un duo issu de Detroit, dans le Michigan, qui compte à ce jour trois albums à son actif. Et il faut avouer qu'à deux, ils libèrent bien plus d'énergie que pas mal de trios, quartettes, quintettes et consorts. " White blood cells " épouse l'esprit, pas la forme du blues. Un feeling que les Stones et les Animals manifestaient à la fin des sixties. Authentique, immédiate, contagieuse, la musique des Stripes est le fruit d'un mélange basique de rock, de folk, de garage, de punk, de country et bien sûr de blues. D'urban blues très exactement. Pensez aux Stooges. Un musique que la formation pratique à l'aide d'une instrumentation minimaliste : une guitare (le plus souvent électrifiée, sale, distordue, mutilée), des drums (intuitifs, martelés, fouettés), une voix (tour à tour âpre, falsetto, frénétique ou caustique) rappelant parfois Ray Davies des Kinks, et occasionnellement un clavier rogné ou un piano frappé. Chez les White, l'important n'est pas de savoir ce que vous jouez, mais comment vous le jouez. Ce qui explique cette énergie, cette urgence qui hante leurs mélodies trempées tantôt dans la puissance tantôt dans la douceur. Le disque nous réserve, en outre, l'une ou l'autre surprise. Et je pense tout particulièrement à l'expérimental " I think I smell a rat ", qui aurait pu figurer dans le répertoire du défunt Royal Trux. Au beatlenesque " We're going to be friends ", réminiscent de " Blackbird ", à la danse du scalp " Expecting " ; ou encore au final " This protector ", chanson envoûtante qui se limite au piano et au chant. Un must !
William ‘Jazz’ Gillum est né en septembre 1904 à Indianola, dans le Mississippi (NDR : tout comme plus tard un certain BB King). Très jeune, il apprend l'harmonica au contact de ses frères. En 1923, il part à Chicago. Puis on perd sa trace. Peu d'informations filtrent d'ailleurs à son sujet jusqu'en juin 1934, lorsqu'il entre pour la première fois en studio en compagnie du guitariste Big Bill Broonzy. Il y enregistre un elpee qui réunit des compositions écrites entre les années 38 et 49. Il disparaît ensuite pour réapparaître à New York en 1961, en compagnie de Memphis Slim. Il retourne à Chicago, où il est assassiné en mars 1966. Durant les années 30, il a connu une certaine popularité auprès du public noir. A l'instar d'un certain John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson, lui aussi, disparu de manière violente dans une rue de Chicago. Les plages de cet album ont été enregistrées pour le label Bluebird avec lequel il a collaboré durant 14 années ; et 9 d'entre elles ont été commises en compagnie du réputé Broonzy.
Nous le retrouvons en juin 38. Il est flanqué de ses Jazz Boys, parmi lesquels figuraient Big Bill et Washboard Sam à la planche. Deux témoignages illustrent cette période : "You're laughing now" et surtout "I'm gonna get it". Jazz se révèle instantanément un instrumentiste inventif, capable de swinguer avec une facilité déconcertante (NDR : ce qui explique son surnom). Il arrache des phrases écorchées de son harmo, un peu comme Snooky Pryor le fait dans l'exercice du boogie. Le piano effectue son entrée lors de la session suivante, "Let her go". Celle de décembre 41 est superbe. Le son est très bien restitué sur "War time blues" ainsi que sur le boogie "You are doing me wrong". Il interprète également le "Down south blues" de son ami Sonny Boy I. En 42, il reprend le célèbre "I'm gonna leave you on the outskirts of town", mais aussi les titres rythmés "I counldn't help it" et "Tell me mama", flanqué de Blind John Davis au piano et pour la dernière fois, de Mr Broonzy. En 1946, la guerre est finie. Big Maceo Merriweather au piano et un tout bon Leonard Caston à la guitare participent au blues bien accompli, "Long Razor blues". Pour les toutes dernières sessions menées de 46 à 49, le climat est au beau fixe. On remarque ainsi la présence du brillant bassiste Ransom Knowling sur "The blues what am" et celle du jeune pianiste Eddie Boyd, pour "Take a little walk with me" de Robert Lockwood. Jazz Gillum est un bluesman qui mérite votre reconnaissance.
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