En 1993, les Spin Doctors commettaient “ Two Princes ”, un single qui allait cartonner dans les charts internationaux. Dans la foulée, le quatuor yankee sortait un premier album, “ Pocket full of kryptonite ”. Dont le chiffre de vente allait dépasser les quatre millions d’exemplaires. Puis, le soufflé est retombé. Leur deuxième opus marque le pas. Quant au troisième, il se solde par un échec retentissant. Le guitariste puis le claviériste se barrent. La formation recherche alors un remède miracle pour éviter le naufrage. Et engagent une multitude de musiciens de studio pour enregistrer ce “ Here comes the bridge ”. Le résultat n’est cependant pas très concluant, même si la production demeure impeccable et les arrangements très soignés. Mais seuls trois ou quatre fragments ont conservé ce feeling irrésistible, ce groove contagieux qui en avait fait sa notoriété. Pour le reste, ce n’est pas plus brillant que le dernier opus de Lenny Kravitz.
En débauchant Todd Rundgren pour produire son album, Splender a véritablement décroché la timbale. Pourtant, il y a bien cinq ans que le Philadelphien n'avait plus donné signe de vie. Mais il faut croire que la formation de NYC a pu trouver les mots pour le convaincre, et surtout la matière première pour le décider ; terrain fertile qui lui a ainsi permis d'accomplir une performance aussi remarquable que celle qu'il avait réalisée fin des eighties, lors de la mise en forme de l'album " Love junk " pour la formation canadienne, Pursuit of Happiness. Au sein de ses propres studios Utopia à Bearsville, excusez du peu ! Assisté, il est vrai par l'ingénieur du son Mike Shipley (Green Day, Dave Matthews, Aerosmith). Splender n'est cependant pas à Rundgren ce que Nirvana était à Butch Vig. Parce que le combo possède un talent fou pour mettre en forme une pop rock vivifiante, hymnique, aux harmonies vocales soignées, dignes de Tears For Fears ; et dont le sens mélodique subtilement électrique est aussi contagieux que celui du groupe australien, Deep Blue Something. Ce qui ne l'empêche pas, à l'une ou l'autre occasion, d'emprunter l'un ou l'autre accent à Bowie, à XTC et même à Queen...
Cette compilation consacrée aux compositions préférées du boss a le bon goût de réserver une place à l’une ou l’autre bonne surprise. Et en particulier à une nouvelle version solo acoustique de " The promise ", que Springsteen avait commis en février 99, ainsi que deux raretés. Tout d’abord " The fever ", titre qui remonte à 1973, et " Trouble river ", une composition qui avait été écartée de l’album " The human touch ". On retrouve, bien sûr, et parfois sous des versions inédites, la plupart des standards de Bruce, tels que " Rendez-vous ", " Loose ends ", " I wanna be with you ", " Born in the USA ", " Pink cadillac " et bien d’autres ; mais pas de trace de " Linda let me be the one ", ni du pourtant très classique " Born to run ". M’enfin, célébrer un quart de siècle d’existence en " 18 tracks ", c’est déjà une fameuse performance…
Bien que suédoise, cette formation semble particulièrement contaminée par la scène pop rock américaine. Et en particulier par Afghan Whigs, Brad, Sunny Day Real Estate, American Music Club ou Red House Painters. Le mélange des cordes de guitare acoustiques et électriques est particulièrement réussi. Le piano est profond et sonore. Les interventions de claviers discrètes ou subtiles. L’instrumentation est bien équilibrée. Les harmonies vocales soignées, le plus souvent falsetto. Différence, mais elle est de taille, la sensibilité pop prend le pas sur les desseins désespérés ou sinistres des formations yankees susmentionnées. Et si certaines compositions sont un peu plus fades, un peu trop tendres à notre goût, si vous préférez, l’ensemble ne manque pas d’allure, s’autorisant même une aventure plus progressive dans l’étonnant " Count with fractions ", réminiscence du King Crimson circa " Red "…
Issus du Pays de Galles, Manic Street Preachers et Stereophonics affichent certains points communs. Si vous ne vous en n’étiez pas rendu compte lors de la sortie de " Words gets around ", premier et excellent album du trio de Cwmaman, vous en serez totalement persuadés, après avoir écouté ce " Performer and cocktails ". Attention, pas le Manics à vocation pop, produit depuis la disparition de Richey James, et reconduit sur leur dernier opus, " This is my truth, tell me yours ", mais le Manics hymnique, mordant de " Generation terrorists " ou de " Gold against the soul ". Sans pour autant négliger l’aspect mélodique des chansons. Parfois, elles sont même adrénalisées par le punk, comme sur l’intro " Roll up and shine ". Mais en général, elles demeurent fondamentalement et passionnellement rock. De sa voix tour à tour meurtrière, âpre ou moelleuse, Kelly Jones épanche, avec une pointe d’humour, mais avec beaucoup de réalisme, des contes rongés par le malheur, la rumeur, le désir, les chuchotements, la tristesse, et même la mort. Des contes essentiellement inspirés de faits divers qui se sont déroulés dans leur petit village natal, du sud du Pays de Galles. Un seul reproche, une certaine uniformité dans le ton, impression qui nuit quand même au climat général de l’album…
L’histoire de ce trio débute à Londres, lorsqu’une Irlandaise, répondant au nom de Jo Lloyd, rencontre David McGee. Elle chante, joue de la basse et compose au piano. Lui, s’est forgé une réputation de drummer, en bourlinguant au sein d’une multitude de formations londoniennes. Ils décident de recruter un guitariste. Par voie de petites annonces. Et sélectionnent un certain James Wright. Australien de naissance, émigré en Grande-Bretagne depuis l’âge de 4 ans. Mais comme leur musique ne semble pas vraiment correspondre aux aspirations du public insulaire, la formation décide de s’exiler aux States. A New-York, très exactement, alors que franchement, Boston, nous aurait semblé être une destination plus judicieuse. Pourquoi ? Parce que ce combo dispense une noisy pop allègre, qui cherche constamment, à l’instar du défunt Veruca Salt ou de Juliana Hatfield, un équilibre mélodique entre l’intensité électrique et la vulnérabilité des harmonies vocales ; harmonies conduites, il est vrai, par le timbre vocal fragile, délicat de Jo, qui campe un hybride entre celui de Tanya Donelly (Belly) et d’Harriet Wheeler (Sundays). Produit par Sean Slade et Paul Q Kolderie (Radiohead, Mighty, Mighty Bostones, Hole), leur premier opus, éponyme de surcroît, recèle en " Sorry ", non seulement un premier single, mais également le titre maître de la bande sonore du nouveau film de Miramas, " Teaching Mrs Tingle "…
En enregistrant sous la houlette du producteur des Happy Mondays, Steve Osbourn, Suede prenait le risque d’être contaminé par la dance. Il n’en est rien. Bien sûr, on y ressent la griffe très personnelle de Steve, qui n’a d’ailleurs pas lésiné sur les boucles, samples et autres bidouillages, dont il a le secret. Plusieurs compositions de " Head music " épousent ainsi un profil funk plus ou moins marqué. Et on pense tout particulièrement au single kravitzien " Electricity ", au fiévreux, languissant et sensuel " Asbestos " ainsi qu’à " Savoir faire ", qui s’ébroue dans un climat " Prince ", avant d’évoluer vers le trash de T Rex. Mais Suede ne s’est pas seulement contenté de soigner son groove. Accordant, suivant sa bonne habitude, une bonne place, au raffinement des arrangements. Comme sur la ballade pure Suede " Everything will fly ". Ou lorsque les orchestrations flirtent allègrement avec l’Orient. Tout d’abord sur " Indian Strings ". Et puis également tout au long de " She’s in fashion " ; même si la chanson est enrichie d’un piano électrique jazz funk post Steely Dan et abordée avec une attitude glamour, plus Cockney Rebel que Bowie. Un Bowie dont le spectre, traversé d’éclairs d’électricité " Frippertronics ", plane au-dessus d’ " Elephant man. Mais également sur " Hi fi ", sorte de " Station to station " revisité par le Human League adolescent. Et dans le domaine de l’alternatif, Suede a encore fait plus fort. Sur le luxuriant " Can’t get enough ", un morceau qui navigue à la croisée des chemins du Chicago Transit Authority, circa " I’m a man ", de la cold wave joydivisionnesque de " She’s lost control " et du psyché punk de Sonic Youth. Excusez du peu ! Autre innovation, Neil Codling, le claviériste, et Richard Oakes, le guitariste, commencent à participer à la composition, alors que de son côté, Brett Anderson s’est mis à la guitare, mais acoustique. Et dans cet exercice, ce n’est pas un manchot…
Après avoir commis deux albums, Sunny Day Real Estate, se sépare. Nous sommes alors en 1995. Nate Mendel et William Goldsmith rejoignent Dave Grohl, au sein de Foo Fighters, alors que Jeremy Enigk décide d’entreprendre une carrière solo. Quant au guitariste Dan Hoerner, il se retire du circuit musical, histoire de prendre un repos sabbatique auprès de son épouse et de son chien (NDR : si on en croit la bio !). Les membres du groupe n’ont cependant jamais perdu contact, puisque l’an dernier, ils se sont réunis pour enregistrer ce nouvel opus. Seul Nate n’a pas répondu à l’appel, et est ici remplacé par le drummer de Mommyheads, Jeff Palmer. Les musiciens de SDRE n’ont cependant plus le temps ni la prétention de poursuivre l’expérience full time. Ils se sont simplement promis d’y revenir circonstanciellement, sous la forme d’un projet. A l’instar d’un Brad, par exemple. Un groupe auquel, nous sommes également forcés de songer, après avoir écouté ce " How it feels to be something on ". A cause des vocaux falsettos d’abord, et puis du climat puissamment émotionnel, qui se dégage tout au long de l’opus. Sans le côté funk, cependant. Et puis, en moins languissant. D’abord, parce qu’il n’y a pas ou peu de claviers, juste un zeste de mellotron. Et puis, parce que les guitares sont toujours présentes. Acoustiques, semi acoustiques, ébréchées ou déchiquetées ; mais sans jamais submerger la texture mélodique, un peu comme chez Swell…
Super Furry Animals est un groupe qui déborde d’imagination. Et on avait déjà pu le constater lors de la sortie de ses deux premiers albums. Tout au long de ce « Guerrilla », il aborde la technologie avec un esprit futuriste, psychédélique, si vous préférez, sans pour autant négliger le sens mélodique des ses compositions ; que nous pourrions même qualifier d’omniprésent, quoique rampant. Un peu comme si Gorky’s Zygotic Mynci avait mangé du Blur. Et au fil de l’écoute, on va de surprise en surprise. En particulier, lorsque la formation galloise parvient à associer drum & bass avec une steel guitar, ou encore sur l’étonnant et aquatique « The door to this house remains open », abordé dans l’esprit d’Aphex Twin. Plus basique, cette fois, garage punk même, « Night vision », évoque ni plus ni moins The Fall, alors que le single « Nothern lites », aux sonorités transportées par la chaleur des cuivres et du xylophone, nous entraîne dans le monde des Caraïbes. Un disque franchement inspiré, qui bénéficie, en outre du talent de chanteur de Gruff, dont le timbre d’argile se fond naturellement dans l’ensemble…
Ceci n’est pas le nouvel album de SFA, sa sortie étant prévue pour l’été 99, mais une compile réunissant quelques flip sides de singles, des sessions d’enregistrement réalisées pour la BBC, les premiers morceaux de plastique pressés chez leur premier label " Ankst ", quelques raretés, et l’inévitable " The man don’t give a fuck ". Ce qui vous permettra de vous faire une petite idée du chemin parcouru par la formation galloise entre 93 et 98, dans le domaine de leur musique pop hybridée de rock, de punk, de psychédélisme, de space, de métal, de funk, de techno, de dub , de house et même de prog. Tout un programme ! Une occasion également de mieux comprendre pourquoi SFA incarne le Todd Rungren des nineties. Et croyez nous, ce n’est pas une " Utopia "…
L’attitude et le look moulé dans les sixties, la plupart des influences pompées dans les seventies, le romantisme pathétique profilé sur les eighties et les deux pieds dans les nineties, Supergrass est devenu aujourd’hui, une des valeurs sures de la pop britannique. Et si les douze compositions de son nouvel opus n’ont plus rien de surprenant, elles ont au moins le mérite de ne jamais décevoir. Parce qu’elles sont soignées, enrichies de ces harmonies vocales outrageusement raffinées, que nous pourrions qualifier tantôt de beatlenesques, de byrdsiennes voire de brianwilsonesques (NDR : Brian Wilson est le leader des Beach Boys) ; des chansons chargées de cette adrénaline juvénile que seul le trio d’Oxford est capable de nous inoculer. Et « Moving », premier single qui a été extrait de cet elpee éponyme, en est le plus bel exemple. Fruit d’une rencontre hypothétique entre le Floyd circa « Animals » et Average White Band, il ouvre la voie à des compositions tellement contagieuses, parmi lesquelles « Pumping your stereo », imprimé sur un boogie digne de « Jean Genie » voire « Rebel rebel » de Bowie, ou « Your love », dont la vivacité glamoureuse nous rappelle les débuts de Japan, nous semblent les plus représentatives.
Bien qu’issu de Glasgow, ce quintette flirte allègrement avec la britpop. Sous toutes ses formes. On y retrouve tantôt l’allégresse capricieuse de Blur, le lyrisme engagé de Carter USM, le groove de Primal Scream partiellement épuré de sa house, les harmonies vocales beatlenesques circa " Abbey Road ", le sens mélodique de Supergrass, le romantisme grandiloquent de Nilsson, et d’autres références encore qui enjambent plusieurs décades de pop et de rock, mais aucune de vraiment 'Supernaturals'. Ce qui nous permet de conclure que ce " A tune a day " est un opus agréable, sans plus.
Avant d’écouter cet album, nous avions eu la chance de découvrir cette formation batave sur les planches. Et malgré la maigre assistance devant laquelle Supersub a dû se produire, il faut reconnaître que le set fut tout bonnement impressionnant. On comprend mieux ainsi pourquoi Virgin s’est empressé de signer ce quartette. D’autant plus que le groupe peut compter sur deux excellents guitaristes. Et notamment sur un certain Felix Maginn, responsable des lyrics, mais également des lead vocals. Un Irlandais, né à Belfast, qui s’est très tôt exilé aux Pays-Bas, pour fuir le climat conflictuel qui opposait les catholiques et les protestants. " Fly pilot fly " constitue déjà le deuxième opus de Supersub. Treize fragments aux harmonies vocales impeccables, presque byrdsiennes, aux arrangements soignés partagés entre cordes ou de cuivres, claviers ou sitar ; treize compositions hyper mélodiques, contagieuses, sixtiesantes, dignes de Cast, mais en plus électrique. Un bien bel album !
Pas de méprise! Cet album n'est pas une œuvre posthume de la bande à Michael Gira et de Jarboe, mais le disque d'un obscur duo, apparemment néerlandais, qui ne semble pas avoir beaucoup de scrupules pour usurper le nom d'un mythe de la no wave new-yorkaise. D'autant plus que leur musique est mièvre, insipide, sophistiquée à l'excès, voire eurovisionulle. Excellents instrumentistes, les deux comparses auraient même intérêt à postuler pour un emploi auprès d'Obispo ou Dion...
La réunion des ex membres de Japan, sous le patronyme de Rain Tree Crow, n’ayant pas récolté le succès escompté, David Sylvian a donc décidé de reprendre sa carrière en solitaire. Dont le dernier fait saillant, l’album " Secrets of the beehive ", remonte quand même à une bonne douzaine d’années. Et pourtant, chaque fois, on tombe sous le charme. Oh, bien sûr, les méchantes langues reprocheront à cette œuvre d’être trop longue, trop atmosphérique, de renouer, sur l’un ou l’autre fragment, avec la new age orientale. Ils n’ont rien compris. Tant pis pour eux. En fait, David a souvent laissé une place à la recherche, sur ses disques. Le double elpee " Gone to earth " y était d’ailleurs totalement consacré. Et puis, dans le passé, il a également mené des expérimentations avant-gardistes ; tantôt en compagnie de Brian Eno ou de Robert Fripp.
A l’origine cinq des chansons de ce disque étaient prévues pour le nouvel album d’Ingrid Chavez, sa compagne ; mais comme elles n’ont pas abouties, il a décidé de les intégrer à ce " Dead bees on a cake ". Ingrid, participe cependant aux backing vocaux, sur deux compositions. Comme quoi, rien n’est jamais vraiment perdu. Mais venons-en au plat de résistance. Et tout d’abord à " I surrender ". A la fois cuivré et éthéré, il exerce un véritablement envoûtement, atteignant même des moments d’émotion vertigineux. Blues urbain, " Midnight sun ", réalise la rencontre hypothétique entre Tom Waits et Ed Kuepper, alors que " God Man, truffé de bruitages et d’arrangements, épouse un profil obsessionnel proche de " Gentleman take polaroids ". Notre titre préféré ! Un album finement ciselé dans l’élégance, le lustre et la spiritualité, qu’il enrichit de son baryton unique, profond, mélancolique, sensuel, en étreignant des paysages musicaux frémissants, empreints d’une spiritualité diffuse… Pour enregistrer ce morceau de plastique, David a reçu le concours de quelques invités de marque. Et notamment les musiciens de jazz Kenny Wheeler et Bill Frisell, ainsi que le docteur ès " world music ", Ryuichi Sakamoto, sans oublier son frangin Steve Jansen et sa dulcinée, Ingrid Chavez. Du grand art !
Fondé en 1990 par les frangins Shaun et Rehan Hyder, Saddar Bazaar est issu de Bristol. Une formation qui n’a cependant aucun atome crochu avec la trip hop de Massive Attack, Tricky, Portishead et consorts, parce qu’elle explore les profondeurs les plus abyssales du psychédélisme. Avec beaucoup de bonheur, il faut le souligner. On a parfois l’impression de retrouver les climats orientaux développés au cours des sixties, par le Third Ear Band. Pas étonnant lorsqu’on sait que Shaun est un petit virtuose du sitar et Dave Spencer un mordu des percussions insolites (dholah agoual, tablas, etc.). Tery Banx aux claviers ‘hammond’ ou à l’accordéon et Rehan à la guitare, le plus souvent ‘slide’ complètent le line up. Les musiciens du quatuor sont d’ailleurs d’excellents amis de Cornershop, qu’ils ont probablement influencés, tout comme Kula Shaker, et peut-être même Blur. Un groupe finalement fort intéressant qui avait bénéficié, dans un magazine insulaire, d’une métaphore plutôt flatteuse, puisqu’elle comparait ni plus ni moins Saddar Bazaar à un Velvet Underground qui serait né à New Delhi au lieu de New York, mais un Velvet Underground privé de vocaux….
Exclusivement instrumental, cet album est le produit de l’imagination d’un quatuor yankee. De Champaign dans l’Illinois très exactement. Un groupe féru de technologie moderne. Howie Kantoff, Rose Marshack, Jim et Rick Valentin, disposent ainsi d’une armada de machines les plus sophistiquées les une que les autres pour concocter leur solution sonore. Pourtant, le résultat sonne curieusement désuet. Le groupe conjuguant son post rock sur un mode revivaliste. Au temps des sixties, pour ne rien vous cacher. Surtout lorsque les claviers poussiéreux et psychédéliques, rognent littéralement les mélodies…
Onze longues années que Scritti Politti n’avait plus gravé d’album. Il avait bien sorti un single en 1991, mais rien de très personnel, puisque le morceau choisi pour figurer sur ce disque n'était autre qu’une reprise du « She’s a woman » des Beatles. Tout au long des onze fragments de son nouvel opus, Green Gartside jongle avec la hip hop, le rythm’n blues, la pop, le funk et même le psychédélisme, sans jamais se départir de cette sophistication bien personnelle qui lui avait permis de commettre, dans le passé, des hits de la trempe des « Wood beez », « Absolute », « Hypnotize » ou encore « The word girl ». Pour enregistrer cet « Anomie & bonhomie », il a reçu le concours de rappers aussi réputés que Mos Def ou encore Allen Catto ; mais également d’une multitude d’ingénieurs du son. Ce qui n’est pas étonnant, lorsqu’on sait qu’il a toujours été à la pointe du perfectionnisme. Une œuvre qui alterne ballades tendres, intuitives, emmiellées par son timbre vocal falsetto, et compositions hybrides, où le hip hop contemporain new-yorkais s’infiltre astucieusement dans l’excentricité du sens mélodique, pour libérer un groove irrésistible…
Apparemment ce Scumbucket nous vient d’Allemagne. Une formation qui laisse transparaître, à travers ce " Battuu ", un goût très prononcé pour l’électricité. Qu’elle soit popcore (Hüsker Dü), Progressive (All), ou et surtout grunge (Nirvana). Si le groupe était né au cours de la deuxième moitié des eighties, on aurait crié au génie. Aujourd’hui, ça fait un peu réchauffé, nonobstant le recours circonstanciel au mellotron et un usage pondéré de la technologie moderne…
Imaginez un peu une rencontre entre Alice in Chains et Guns’ n Roses, légèrement saupoudrée de technologie moderne, qui ne négligerait pas les arrangements symphoniques, et vous aurez une idée plus ou moins précise de la musique pratiquée par ce trio yankee. De Seattle très exactement. Un combo qui risque pourtant de faire recette auprès des amateurs de hardcore contemporain, nonobstant une absence totale d’originalité…
Ne pas confondre The SeeSaw et Seesaw, même si les deux formations pratiquent un style musical assez proche. La première est néerlandaise et est drivée par une chanteuse. La seconde, celle qui nous concerne, est allemande, de Francfort, pour être plus précis. Un quatuor qui a bénéficié du concours d’Opal (Liquido), pour produire son premier album. Un disque dont vous avez plus que probablement déjà entendu ou écouté l’un ou l’autre fragment à la radio. Soit le superbe et vivifiant « Smoke », soit la reprise assez réussie du « Come back and stay », immortalisée par Paul Young. Et hormis l’une ou l’autre ballade plus dépouillée, plus proche de la lo fi, l’essentiel de l’œuvre trempe dans la même électricité juvénile ; sorte de popcore, pour ne pas dire noisecore, dont l’intensité mélodique, nous rappelle Buffalo Tom. D’ailleurs, si la voix de Lothar Muller possède certaines inflexions proches de Paul Weller ou de Mark Eitzel, elle est aussi chargée d’émotion que celle de Bill Janovitz.
" No security " constitue officiellement le septième album ‘live’ des Stones. Un disque dont les enregistrements proviennent de leur tournée réalisée en 1997, à l’occasion de la sortie de leur disque " Bridges to Babylon ". Et en particulier lors de leurs sets accordés à Buenos Aires en Argentine, à l’ " Arena " d’Amstedam, au " Zeppenlinfeld " de Nuremberg, à Saint Louis dans le Missouri, et puis à l’occasion d’un show d’MTV, " Live from the 10 spot ". Première bonne surprise, le morceau de plastique évite de tomber dans le piège des compiles pour supermarchés, en sélectionnant quelques un des meilleurs fragments, commis par la bande à Jagger/Richards, dans le domaine alternatif. On a ainsi le plaisir de retrouver des versions plutôt bien réussies de " Gimme shelter ", " Sister Morphine ", " The last time ", " Respectable ", " Flip the switch ", et une adaptation d’ " Out of control " de près de huit minutes. Autre bonne surprise, le concours de Dave Matthews pour " Memory hotel ", et celui de Taj Mahal, dans l’interprétation d’une de ses propres compositions, " Corinna ". Du pur jus Rolling Stones !
En sortant cette compile, Perry Rose a voulu rendre hommage à ses parents et grands-parents, autrefois jongleurs, dans un des plus vieux cirques irlandais, le " Duffy circus ", toujours en activité aujourd’hui d’ailleurs. Il a donc sélectionné ses compositions qui mettent le mieux en avant ses racines celtiques. On retrouve, ainsi, avec beaucoup de plaisir, des chansons telles que " Because of you ", " Green bus ", " Why should I worry ", et bien d’autres, dont un " Celtic circus " que ne désavouerait pas les Levellers. Le booklet est, en outre, richement illustré de photographies d’archives de ce cirque ; des clichés qui remontent plus que probablement à la première moitié de ce siècle et qui privilégient, bien évidemment, les numéros exécutés par les membres de sa famille…
Deuxième opus pour cet artiste batave qui jouit d’une flatteuse réputation dans l’univers musical de la roots, puisque en 1998, il avait été invité au festival " South by South West " d’Austin, au Texas ; et puis dans la foulée, accordé trois concerts dans le cadre des journées musicales de Chet Atkins à Nashville, dans le Tennessee. Faut dire que ce chanteur/compositeur/guitariste a côtoyé un tas d’artistes réputés dans le monde, et notamment Sir Doug Sahm, les Jayhawks, Chuck Prophett, Sam Brown, Flaco Jimenez et Ilse Delange, avec laquelle il partage d’ailleurs en duo, l’interprétation d’" Amsterdam, sunny night ", sur le nouvel opus. Si la plupart des médias comparent son mélange de country, de folk, de rock et de blues, à la musique de John Hiatt, de Townes Van Zandt, de Jackson Browne et de Van Morrison, c’est plutôt du côté du Band de Bob Dylan que nous lorgnons. Davantage à cause du son très particulier diffusé par le hammond de son claviériste que de sa voix. Celle si campant un timbre proche de Chris Rea, mais en plus ténébreux. Si vous rêvez de grands paysages arides et d’autoroutes désertiques, ce " Deeper shades " devrait vous combler…
Les vétérans du désordre. Un choix judicieux opéré par Neil Hagerty et Jennifer Herrema pour intituler leur nouvel album. Un désordre organisé que le couple expérimente à travers sa musique depuis déjà quatorze années. En parcourant l’histoire du rock’n’roll. Avec courage et compassion. Audace et inspiration (NDR : qui a dit gangrène et putréfaction ?). Alternativement, si vous préférez. Le gros problème, c’est que le résultat n’est pas toujours facile à ingurgiter. Parce qu’au lieu de s’inspirer béatement des mythes du passé, Royal Trux les exhume pour leur rendre vie ; un peu comme s’ils étaient devenus des spectres, pis encore, des zombies. Une pratique sordide, occulte qui rend la démarche du groupe véritablement unique en son genre. " Veterans of disorder " possède sa propre trame, son propre squelette son vous préférez. Il porte sans aucun doute les stigmates de Captain Beefheart, des Troggs et de Suicide. De bien d’autres légendes underground également. Mais là, nous vous laissons le soin de les découvrir, en creusant quelque peu vos méninges.
On savait Hugo Race de plus en plus branché par la technologie moderne, mais on n’imaginait pas qu’il allait un jour nous servir de la trip hop. Attention, pas n’importe quelle trip hop. Celle qui lui permet de jongler librement avec le blues, le psychédélisme et le jazz. Le titre de son dernier album constitue à cet égard, plus que probablement un message : " The last frontier ". Celle qui lui permet encore de naviguer quelque part entre tradition et post-modernisme. Avant de basculer, peut-être, dans la musique expérimentale… Ce disque laisse cependant encore de la place à la musique basique, urbaine, qui sied si bien à Hugo. Obsessionnelle, réminiscente des Bad Seeds, au sein de laquelle Hugo a d’ailleurs évolué, elle libère une intensité émotionnelle desséchée, mais tellement redoutable...
Qu’est ce qui ressemble le plus à un album de Rage Against The Machine ? Un nouvel album de Rage Against The Machine, pardi ! Une déduction particulièrement critique lorsqu’on se borne à constater l’évolution du groupe. Mais une excellente nouvelle pour les aficionados, qui ne voient pas d’un très bon œil une éventuelle métamorphose de la musique de leur groupe fétiche. A méditer ! Car tout au long de cet opus, RATM martèle le même métal funk avec la même passion venimeuse et la même furie impétueuse. Toujours pas de samples, de bandes ou de boîtes à rythmes, mais un son radical produit par un quatuor basique. Section rythmique dévastatrice, riffs de guitare incendiaires et voix gonflée à l’hélium constituent les sempiternels ingrédients de base du combo. Sans oublier les lyrics marxistes crachés par Da Rocha, sous la forme de slogans, à la figure du système politique et économique yankee. Et rien que les titres de chansons telles que « Guerilla radio », « Calm like a bomb », « Sleep now in the fire » ou « War within a breath » vous donnent une petite idée de l’engagement philosophique de cet éternel rebelle…
John Frusciante de retour, nous nous attendions à vivre une nouvelle excursion musicale aventureuse dans le funk rock. Nous avons dû revoir notre copie. Pas que cet opus soit de mauvaise facture. Que du contraire. Il s’inscrit d’ailleurs dans la lignée de " One hot minute ". En moins sombre, c’est vrai. Privilégiant les compositions hyper mélodiques, contagieuses, loin de la folie dévastatrice qui en avait fait sa réputation. Pensez à " Freaky style ". Il y a bien sûr quelques titres bien saignants. Mais en général, l’énergie brute est rapidement canalisée, apprivoisée, n’explosant plus qu’à de trop rares occasions. Toujours produit par Rick Rubin, le disque demeure cependant très agréable, et à la limite, idéal pour décompresser, lorsqu’on est sous la douche ou dans son bain. Et franchement, après plusieurs écoutes, on a vraiment envie de fredonner. Le plus désopilant, dans l’histoire, c’est que les lyrics sont toujours aussi ambigus, à la limite du lubrique. Rien que le titre de l’album vous donne d’ailleurs une petite idée de l’état d’esprit licencieux du quatuor californien. Maintenant, n’imaginez pas qu’ils vous invitent à vivre de doux ébats aquatiques. Quoique !
On ne peut pas dire que la solution sonore dispensée par Reef, soit notre tasse de thé. Pourtant, il faut reconnaître que le quatuor gallois a fait un gros effort pour alléger son goût métallique. Comment ? En concédant, sur son troisième opus, une place plus importante aux guitares acoustiques, espace qui permet au chanteur, Gary Stringer, de ne pas se contenter de brailler. Ce qui n’empêche pas Reef de continuer à violer et à piller l’âme du rock’n roll. Un peu à l’instar d’un Black Crowes. Normal lorsqu’on sait que c’est George Drakoulias qui produit cet album. Tout comme le précédent d’ailleurs. Mais, ce qui nous a le plus botté sur cet opus, sort complètement du contexte musical habituel de Reef. Un fragment intitulé " Funny feeling ". Qui est tellement truffé d’arrangements et enrichi d’une telle panoplie d’instruments, qu’il en devient prog rock ! Un peu comme si le Van der Graaf Generator de " H to he am the only one ", avait décidé de se shooter à la Morphine, mais en studio…
Pour enregistrer son deuxième album, Remy Zero a bénéficié du concours d'Alan Moulder à la production, un personnage dont la carte de visite mentionne quand même la mise en forme d'œuvres de formations aussi huppées que Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Depeche Mode et U2. Tout comme sur son premier opus, Remy Zero embrasse une expression résolument britpop. Un paradoxe lorsque l'on sait que le quintette est issu de l'Alabama et qu'il vit aujourd'hui à Hollywood. Ce qui lui permet d'avoir un œil critique sur tout ce qui se passe autour de lui, que ses membres jugent décadent. Et de reproduire ce regard oblique à travers des textes riches en images mythologiques et modernes. Jusque-là, rien à voir avec la britpop. En fait, cette impression se traduit dans leur musique dont les mélodies contagieuses hymniques sont sculptées les plus souvent par des guitares électriques. Parfois quatre, trois le plus souvent. Des mélodies satinées par le timbre vocal cristallin de Cinjun Tate. Et si l'opus recèle l'une ou l'autre chanson plus tendre, plus acoustique, plus intimiste, abordée dans l'esprit d'un REM, il se pose en incontestable chaînon manquant entre Supergrass et Radiohead. Et ça, c'est une référence!
Deuxième album pour les Rentals, projet parallèle du bassiste de Weezer, Matt Sharp. Un disque pour lequel il a reçu le concours de grosses pointures. Notamment, le chanteur de Blur, Damon Albarn, et celui d’Ash, Tim Wheeler, ainsi que la guitariste d’Elastica, Don Matthews et la violoniste de That Dog, Petra Haden. Un disque toujours aussi influencé par les Cars, auquel Matt voue d’ailleurs une grande admiration. Et si à l’instar du précédent opus, " The return of ", l’ombre de Jeff Lynn (ELO) ou de Gary Newman, plane encore sur l’un ou l’autre fragment, le ton est résolument plus optimiste, plus léger, plus pop, quoi !
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