Cette compilation réunit une sélection de compositions commises entre 90 et 95 sur les albums "The crushed velvet apocalypse" (1990), "The Maria Dimension" (1991), "Shadow Weaver" (1992), Malachai (1993), "Nine lives to wonder" (1994) ainsi que sur deux des opus gravés en 1995, "Chemical playschool vols 8/9" et "From here you'll watch the world go by", mais pour deux nouvelles versions. Depuis 1982, Edward Ka-Spel et ses disciples poursuivent leur processus continuel d'exploration dans le psychédélisme, où chaque découverte est un point de départ. Un périple qui dure depuis près de vingt cinq albums et ne trouvera probablement son épilogue que dans l'espace infini et le temps. D'un style baroque déchiré entre électronique, krautrock, punkadelic, muzak, avant-garde, musique de chambre et industrielle, TLPD s'est progressivement tourné vers un langage cosmique, atmosphérique, expansionniste. Un moyen d'expression destiné à nous transporter dans son monde étrange, kaléidoscopique, sis entre la frontière du réel et de l'irréel...
Lorsqu'on évoque le krautrock, on pense immédiatement à Can, Neu et Faust, trois formations qui ont marqué des ensembles de post rock contemporains tels que Tortoise et Stereolab. Ash Ra Temple appartenait également à cette scène germanique et semble avoir eu une influence majeure sur la musique de Leanan Sidhe. Un groupe italien. De la région de Florence, très exactement. Responsable d'une musique atmosphérique, ambient et psychédélique à la fois. "Planesequence" évoque des paysages sonores où s'épanchent paresseusement des textures sinusoïdales traversées de vocaux éthérés chuchotés, de cordes de guitare bourdonnantes, de claviers fluides, de boucles et d'effets spéciaux. Parfois l'ombre de Spiritualized Electric Mainline plane sur cet album. Parfois celle de Labradford, de Ui, de Flying Saucer Attack. Et puis lorsque la solution polarise toute son intensité et son énergie sur la section rythmique, celle de Pink Floyd circa More...
Derrière le concept Lambchop se cache un étrange personnage qui répond au nom de Kurt Wagner. Aucun rapport cependant avec Richard, même si la musique de ce quadragénaire épouse un certain profil symphonique. Pour enregistrer "How I quit smoking", cet auteur compositeur interprète et guitariste s'est aussi entouré d'une section à cordes. Responsable d'orchestrations somptueuses, sophistiquées, bouleversantes qui dynamisent une texture country relativement basique, alimentée par le concours d'une bonne quinzaine de musiciens de studio. Paradoxalement, alors que le titre de l'opus s'intitule "How I quit smoking", la voix de Kurt campe des inflexions aussi éraillées et nicotinées que celles de Stuart Staples, chanteur de Tindersticks, pour être plus précis. Une œuvre fascinante, que nous pourrions situer à la croisée des chemins de ce même Tindersticks, de Palace et des Triffids circa "In the Pines"...
Labradford nous entraîne dans une spirale multidimensionnelle à la découverte de paysages psychédéliques chatoyants, cosmiquement paisibles. Réduit depuis peu à un duo composé de Carter Brown et de Mark Nelson, Labradford croit fermement à la dimension spirituelle de l'exploration sonore. La voix est volontairement sous-employée, confessionnelle, enfouie profondément à l'intérieur du brouillard instrumental. Les drums absents à l'instar d’Hugo Largo. Rien que des cordes de guitares, des synthés et une pléiade de pédales de distorsion. A conseiller aux consommateurs d'ambient qui regrettent les élucubrations sonores commises par Eno et Fripp au cours des seventies...
Il est bien loin le temps où Lush émargeait à la noisy pop angélique. Où sa musique s'élevait dans l'éther atmosphérique ‘mybloodyvalentinesque’ ou se chargeait d'esthétisme glacé ‘cocteautwinesque’. Sur "Lovelife", il ne demeure d'ailleurs plus que de vagues traces de ce lointain passé. Notamment sur le simple "Single girl" et puis surtout sur les deux derniers titres, "The childcatcher" et "Olympia". Pour le reste, on se rend bien compte que la bande à Emma Anderson et à Miki Berenyi a décidé de s'ouvrir de nouvelles perspectives sonores. Plus extroverties. Plus basiques. Jarvis Cocker, chanteur et leader de Pulp, partage ainsi les vocaux avec Miki sur "Ciao!", alors que "Ladykillers", futur single, et "Heavenly nobodies" émargent à la new wave de la new wave. Respectivement inspirée par Echobelly puis par Elastica. Enrichi d'orchestrations beatlesnesques, "I've been here before" aurait pu tout aussi bien appartenir au répertoire de Boo Radleys alors que "Last night" adopte un profil filmique, presque ‘eniomorriconesque’. Bien que bénéficiant du concours d'une section à cordes, "Papasan" et "Tralala" flirtent avec la romance minimaliste. Reste "500", dont le phrasé de guitare semble avoir été repiqué sur l'album "Forever Fleshtones" du mythe new-yorkais... Rafraîchissant!
Rien que le titre de cet album vous donne une idée du style pratiqué par ce quartette issu du Nebraska. Dont la musique pourrait si facilement se savourer auprès d'un feu de bois, le corps enveloppé d'une couverture chaude. Et pourtant, la fibre basiquement acoustique manifeste un sens mélodique particulièrement développé. Parfois on pense aux Go-Betweens, aux Walkabouts et même à Poco dans sa période la moins grandiloquente. Pas à cause de ces subtils arrangements de cuivres ou de cordes. Mais surtout parce que l'électricité y fait de très éphémères mais très efficaces apparitions. Un peu comme chez Deadly Nightshades, formation australienne, aussi peu connue que ce Lullaby For The Working Class. Mais suffit pas toujours d'avoir un nom ronflant pour mériter un certain crédit...
Sur le label Flying Nun, les 3D'S et Loves Ugly Children incarnent les tendances les plus dures, les plus âpres de la scène néo-zélandaise. Mais L.U.C. va encore plus loin sur ce "Cakehole". Procédant à des expérimentations soniques, psychédéliques dans le noisy punk. Un peu comme le Sonic Youth l'opérait au tout début des eighties. Mais cette exploration fondamentalement mélodique, quoique dispensée à un régime frénétique, est littéralement déchiquetée, mutilée par une surabondance d'électricité statique. Seul "Latest product", onzième morceau sur les quinze que compte le CD, embrasse un profil plus pop, plus conventionnel, plus ‘Clean’...
Rick Rubin est vraiment un drôle d'oiseau. Un producteur expérimenté, très sollicité, respecté, mais un type bizarre. Déjà, pour l'enregistrement de "Blood sugar sex magik", il avait entraîné les Red Hot dans une villa réputée pour son mauvais œil. Une aventure que les musiciens n'avaient d'ailleurs par très bien vécue. Confrontée à de multiples incidents techniques, émaillée de troubles psychologiques, elle avait cependant débouché sur une œuvre particulièrement brillante. Rick vient donc de remettre le couvert. En compagnie de Love & Rockets, cette fois. Résultat des courses, tout a été ravagé par un incendie. Demos et équipement, en particulier. Daniel Ash, David J et Kevin Haskins ont d'ailleurs failli y laisser leur peau. Ou leurs os, si vous préférez. Mais par leur âme. Car cet incident a décuplé leurs forces et les a incités à remettre leur ouvrage sur le métier. Mais à Londres, cette fois. Rubin terminant alors la mise en forme dans son propre studio, à Los Angeles. Et il fait reconnaître qu'il a ici réalisé un travail d'orfèvre. Valorisant à la perfection les différentes phases de psychédélisme affichées par le trio depuis 85. C'est à dire après le split de Bauhaus. Psychédélisme extatique, lancinant où l'électricité sursaturée, torturée est épurée de satin acoustique. Psychédélisme climatique, ouaté de chœurs sensuels, enrobé d'orchestrations majestueuses. Psychédélisme hanté (!) par les spectres de Syd Barrett, de Kevin Ayers, de Spiritualized, du Floyd circa "More", de Primal Scream et même du "Magical Mystery Tour" des Beatles, ou l'inverse. Une œuvre qui recèle en outre un titre purement expérimental, à la limite du free jazz, "Here come the comedown", un hommage à Natacha Atlas, vocaliste de Transglobal Underground ("Natacha"), et puis surtout une perle de psyché pop contagieuse, fascinante, indélébile: "Judgment day". Tout un programme!
Ne cherchez aucune signification au mot Loog, puisqu'il s'agit tout simplement du nom du leader de cette formation bostonienne. Ancien guitariste de Lemonheads, Corey Loog Brennan a cependant dû faire appel à Chris Brokaw, ex guitariste de Codeine, mais toujours impliqué chez Come, pour compléter le line-up de son quartette. Et "Meltown house" constitue la première application de cette rencontre. Un mini album de huit titres. Popcore. Inspiré tantôt par Veruca Salt, tantôt par les Muffs. Malheureusement, la production de Wharton Tiers (Sonic Youth, Dinosaur Junior, Helmet) étouffe les excellentes dispositions affichées par les musiciens. Seule la voix claire, voluptueuse (Wendy James?), parvient à apporter un zeste de fraîcheur et de sensibilité à une solution sonore qui se cogne continuellement la tête sur le plafond de la mise en forme. Dommage!
Longpigs appartient à l'aile la plus fragile, la plus tendre de la britpop. Hormis "Happy again" imprimé sur un tempo psychobilly et le sauvage, tourmenté "Elvis", sorte de Thousand Yard Stare en moins funk, "The sun is often out" est texturé à la fois dans l'électricité grésillante, pétillante et les cordes de guitares semi-acoustiques. Un peu comme des Bluetones qui auraient beaucoup écouté les LA's. Faut dire que côté harmonies vocales le quintette peut compter sur deux excellents chanteurs, dont l'un affiche un timbre vocal aussi capricieux que celui de Loz Paul Hardy (Kingmaker) alors que l'autre épouse les inflexions opératiques de Rick Witter (Shed Seven). Excusez du peu!
Tout comme O' Connor, Lohan est originaire d'Irlande. Mais si la première a la boule à zéro, la seconde se paie un look rasta comme à la plus belle époque de Bob Marley. Auteur/compositeur/interprète, Sinead Lohan est âgée de 24 ans et vient d'enregistrer son premier album. Sous la houlette d'un certain Declan Sinnott, personnage qui cumule les fonctions de producteur, d'arrangeur, et de multi-instrumentiste. Un Irlandais également. Ce qui peut paraître étonnant lorsqu'on écoute ce disque. La plupart des compositions s'inscrivant davantage dans un style proche de Joni Mitchell voire de Jan Baez, plutôt que de répondre à une certaine tradition celtique. En fait, les compositions sont surtout destinées à mettre en valeur le timbre vocal de Sinead. Limpide, fragile, velouté, il aurait cependant un meilleur impact dans un tout autre contexte instrumental.
A la base de Little Axe, on retrouve Skip McDonald, personnage qui a travaillé avec une multitude d'artistes. Aussi bien comme producteur, mixeur ou musicien. Pour enregistrer cet opus, il a reçu le concours de plusieurs de ses potes. Et en particulier de Keith Leblanc, de Doug Wimbish, et puis surtout de l'ingénieur du son, Adrian Sherwood. Donc il bénéficie des studios ‘On U Sound’. Ceux là même qui ont permis tout dernièrement à Gary Clail de commettre l'excellent "Keep the faith". Tout au long de "The wolf that house built", Little Axe réalise une parfaite fusion entre le blues et le dub avec la bénédiction du hip hop, du gospel et de l'ambient...
Jolie, glamour, sexy, Aimee Mann est issue de la scène de Boston. Début des eighties, elle a d'ailleurs sévi au sein de Till Tuesday, formation qui allait donner quelques années plus tard le coup d'envoi à la vague déferlante du rock féminin. Celle de Throwing Muses, Belly, Breeders, sans oublier des Blake Babies. D'autant plus qu'on retrouve Juliana Hatfield sur le deuxième elpee d'Aimee, pour quelques coups de guitare. Une liste d'invités complétée par la présence de Bernard Butler, ex Suede ainsi que de la charnière centrale du Squeeze, Glenn Tilbrook et Chris Difford, préposés pour la circonstance aux backing vocaux de "That's just what you are" et de "Frankestein". Mais l'essentiel de l'instrumentation est assuré par Jon Brion. Collaborateur de longue date qui produit par ailleurs le morceau de plastique. Un opus nettement plus agressif que "Whatever", paru en 1993, mais qui reste cependant encore en deçà de l'intensité électrique dispensée par des formations telle que Veruca Salt ou des Amps.
Porté disparu depuis le 1er février 1995, Richey James n'a jamais été aussi présent dans l'esprit du groupe. Pourtant, cette disparition a failli porter un coup fatal à l'existence du combo. Pensez donc, en 94, la formation avait raflé la plupart des distinctions honorifiques accordées par la presse spécialisée britannique. Et se préparait tout naturellement à entrer dans la cour des grands. Depuis, l'ensemble a marqué le pas, et le mystère reste entier... Après presque un an et demi de silence, M.S.P. s'est quand même décidé à reprendre la route... sous la forme d'un trio. Et d'enregistrer cet "Everything must go". Sur lequel on retrouve trois chansons de Richey: "Kevin Carter", "Removables" et "Small black flowers that grow in the sky". Plus deux ébauches achevées par Nicky Wire: "Elvis impersonator: Blackpool pier" et "The girl who wanted to be God". En ajoutant " Enola/Alone ", composition dédiée directement à la disparition de leur guitariste, il est facile d'imaginer le climat qui règne tout au long de cette œuvre. Pourtant, elle ne reflète pas exclusivement les sentiments d'angoisse, d'amertume, de colère et de désespoir nés de cette expérience traumatisante. Elle laisse également une place à la dignité, au courage et à une certaine forme d'espoir. Un espoir sauvage, reflété avec solennité, détermination et violence dans une pop qui laisse libre cours aussi bien aux arrangements symphoniques ou cuivrés qu'aux envolées incisives de punk rock. Un disque qui justifie finalement cette volonté de faire face à son destin plutôt que d'écrire, par résignation, un quelconque épilogue ou tout simplement un testament...
Avant d'entamer une carrière solo, Ann Magnuson était chanteuse et compositrice de l'ensemble culte Bongwater. En compagnie de cette formation, elle a ainsi commis cinq albums. Pour concocter "The luv show", elle a pu bénéficier du concours de plusieurs de ses anciens compagnons de groupe ainsi que de musiciens de studio réputés. De Richie Lee, également, bassiste d'Acetone. Et puis de Don Fleming à la coproduction. Une œuvre conçue à la manière d'une comédie musicale. Avec pour thème les avatars d'une provinciale piégée dans la toile d'araignée d'une grande ville. Du rêve à la réalité. Avec pour fil conducteur la névrose psycho sexuelle, le burlesque intellectuel et la dégénérescence pathétique. Quatorze fragments au cours desquels Ann aborde une multitude de styles. Le rock et la pop bien sûr. Mais également le rockabilly ("Miss pussy pants"), le music hall ("MKCF"), le rock sylvestre ("I remember you"), le folkcore ("Live, you vixen") la rumba ("Sex with the devil") et même la no-wave. Etonnant!
Pour enregistrer son troisième album, le quatuor géorgien a reçu le concours de Geza X à la production, vénérable figure de proue du légendaire Germs. Et alors qu'on aurait pu s'attendre à une solution sonore bien crade, punk et filandreuse, "Rubbing doesn't help" constitue probablement le disque le plus équilibré de Magnapop. Alternant compositions fougueuses et tendres. Affrontant une majorité de thèmes autobiographiques. Des expériences vécues mais également un sentiment d'incompréhension face à la mort. Faut dire que le groupe a vu disparaître ces deux dernières années plusieurs de ses proches ("Open the door"). Notamment un ami qui rêvait de devenir leur nouveau drummer, mais que la maladie a emporté avant qu'il ne puisse réaliser son rêve ("Dead letter"). Un album dont la sensibilité profonde, presque tragique contraste singulièrement avec le sens mélodique excentrique, presque allègre des compositions. Depuis les ‘pixiesques’, "I don't care", et "This family", la new wave de la new wave de Cherry Bomb, le post grunge de "Snake" (Hole?), la popcore féminine de Veruca Salt ou des Breeders ("Jucy Fruit", "Radio Waves"), le punkcore à la limite du noisecore de "Come on inside", jusqu'aux intimistes "Down on me" et "My best friend". Et surtout le superbe, intense, presque ‘remesque’, "Firebrand". Un album pour lequel Ruthie, la guitariste, participe davantage à la magie des harmonies vocales, apportant aux compositions un sens de la contre mélodie inimitable et irrésistible...
Par la faute de concerts inégaux, voire bâclés, Mad Dog Loose avait dangereusement entamé son potentiel crédibilité. Heureusement, ce "Material Sunset" a remis les pendules à l'heure. La production de Gilles Martin y est sans doute pour quelque chose. Mais aussi et surtout le talent des musiciens, apparemment plus à l'aise en studio que sur les planches. Un opus découpé en seize fragments où se croisent et s'entrecroisent le jazz funk de Butthole Surfers, le psychédélisme syncopé de Beck, le hardcore juvénile des Pixies, la pop progressive de Deus et la soft pop de So. Normal lorsqu'on sait que les deux derniers cités sont également belges et relèvent du même label. Une palette d'influences qui ne s'arrête pourtant pas en si bon chemin. Et que nous vous invitons à découvrir. Mad Dog Loose possède en tout cas un cachet bien à lui. Extrêmement riche. Et même si le nom se prononce beaucoup plus difficilement que Deus, cette originalité mériterait de lui ouvrir les portes du succès. A condition de soigner un peu plus ses concerts...
Encore une formation issue de la scène underground new-yorkaise dont on ne sait pratiquement rien, ou presque, et qui peut se targuer de faire à la fois preuve d'éloquence et de créativité. Un trio qui, à l'instar de Jon Spencer Blues Explosion ne compte pas de bassiste, mais une chanteuse au timbre vocal particulièrement percutant: Jean Smith. Imaginez un peu les capacités de Mélanie, Polly Harvey et Patti Smith concentrées sous un même larynx! Ce qui donne un cachet plutôt singulier à cette musique déjà très particulière par elle-même. Tantôt lo-fi (Pavement, Swell) ou noisecore (Sonic Youth) mais fondamentalement aride et minimaliste elle atteint même des climats où le sordide parvient à choper la fièvre comme chez les Doors...
En 1994, l'ex-leader du défunt et mythique Icicle Works débauchait le Crazy Horse de Neil Young pour enregistrer le remarquable "Head like a rock". Un disque qui n'allait pourtant pas récolter le succès escompté et surtout mérité. Dans la foulée, Ian persuadait Ralph Molina et Billy Talbot, de l'illustre cheval fou, de le rejoindre pour quatre concerts aux Iles Britanniques. Sous-titré "North west coast" et découpé en six fragments, le bonus track de ce CD immortalise cet événement. Mais ce qui est le plus paradoxal procède de l'album en lui-même. Ian est apparemment toujours sous le coup de cette expérience; et les treize compositions, pourtant commises en compagnie de son nouveau groupe, Afterlife, auraient tout aussi bien pu figurer sur "Head like a rock". Il y a bien l'une ou l'autre chanson plus romantique, plus pop, davantage dans la lignée de "This way up", mais en général les mélodies sont à la fois texturées dans l'électricité croustillante, étincelante des cordes de guitares et nappées de claviers fiévreux, fluides. La voix ample, vibrante de McNabb apportant une coloration toute particulière à ce flux d'intensité blanche...
Mazzy Star en est déjà à son troisième album. Les mauvaises langues reprocheront, sans doute, à la formation californienne de ne pas avoir évolué depuis 1990, c'est à dire depuis la sortie de " She hangs brightly ", voire de " Happy nightmare baby ", lorsqu'en 87, Sandoval et Robback sévissaient encore au sein d'Opal. Et pourtant, chaque fois, le charme recommence à produire ses effets. Une musique lancinante, psychédélique dans le sens le plus venimeux du terme qui vous envahit progressivement et finit par vous envoûter. A un tel point que vous ne pouvez qu'y succomber. La voix laconique, gémissante de Hope Sandoval s'enveloppe autour de votre âme et ne vous lâche plus, telle une proie capturée au beau milieu d'une toile d'araignée. Beau, sinistre, et inquiétant à la fois!
Auteur, compositeur, producteur, arrangeur, chanteur et musicien, Matthews partageait encore jusqu'il y a peu le leadership de Cardinal en compagnie de Richard Davies. Un groupe qui doit avoir un fameux coup de plomb dans l'aile, depuis que deux de ses membres ont décidé de suivre Eric dans son aventure en solitaire. Pour enregistrer "It's heavy in here", il a également reçu le concours d'une pléiade de musiciens de studio, et notamment de Jason Falkner, multi-instrumentiste chez Jellyfish, ainsi que d'une section à cordes. Eric se réserve la trompette, bien sûr, fruit de longues études suivies au conservatoire, mais surtout le chant, vocal subtilement mélancolique hérité de Nick Drake. Il joue également de la guitare électrique ou acoustique, de la basse, du piano et de l'orgue. Avec un raffinement et une délicatesse digne des intermèdes instrumentaux dispensés sur le troisième album du Genesis de Peter Gabriel, "Foxtrot". Un savant dosage de baroque et de pudeur, d'opulence et de retenue qui apporte aux quatorze fragments de cet opus une distinction rare à cette pop orchestrale...
Ne confondez pas Marillion et Marion. Le premier est un combo de baba cools endurcis. Le second un quintette britpop bien dans l'air du temps. Mais quel curieux nom pour un ensemble de pop rock! En fait, Marion n'est pas le nom de la chanteuse du groupe (NDR: rien que des kids, bande de machos!), mais de la grand-mère de Jaime Harding... "The world and body" constitue le premier album de cette formation de Manchester. Douze fragments absorbés par le côté sombre de la nature humaine et infectés par les caprices des émotions tumultueuses, douze chansons qui piochent dans la pop mélodique, mélancolique, électrique, furieuse, tendre, arrogante et hymnique à la fois. Evoquant tour à tour U2 circa "Boy" ("Fallen through"), Menswear ("Sleep"), Suede ("Vanessa"), le minimalisme postcard de James ("Your body lies"), Radiohead ("Let's all together") mais surtout les regrettés Sad Lovers & Giants et Kingmaker ainsi que le trop effacé Strangelove. Douze mélodies chargées d'adrénaline par les cordes de guitares chatoyantes, sauvages, intenses, la basse torturée, les éclats d'harmonica lancinants et sublimées par la voix ample, passionnelle de Jaime. Et encore une nouvelle fleur au chapeau de la pop/rock britannique!
En bisbille avec son ancienne firme de disques, Mission a donc dû attendre trois ans pour sortir ce nouvel opus. Une interruption qui aura apparemment suffi pour éliminer la plupart des caractéristiques gothiques de sa musique. Hormis l'hymnique " Dying room ", et dans une moindre mesure le post punk " Black & blue ", l'expression exsude une mélancolie presque maladive, accentuée d'arrangements pompeusement sub ELO. Seuls, " Coming home ", " Get back to you " et " Damaged " sauvent ce " Blue " du naufrage. Trois compositions hyper-mélodiques, contagieuses, sculptées dans les cordes de guitare dont les sonorités crémeuses, vibrantes, légèrement reverb, nous rappellent le " Dear prudence " des Beatles, alors que le tempo lorgnerait plutôt vers Spencer Davis Group voire les Stones. Dommage que tout l'opus de soit pas de cette trempe !
Si Ministry n'avait plus rien gravé depuis trois bonnes années, ses musiciens n'étaient pas pour autant demeurés inactifs. Un elpee de Revolting Cocks additionné à la production des albums de Reverend Horton Heat et de Buck Satan & the 666 Shooters figurent ainsi à l'actif de Paul Barker et d'Al Jourgensen. Pour enregistrer ce "Filth Pig", le groupe avait imaginé s'isoler du monde extérieur, en montant un studio dans un bled perdu du Texas. Mais l'aventure a plutôt mal tourné, puisque après avoir accumulé mystérieusement les problèmes techniques, les relations entre les musiciens ont commencé subitement à se détériorer, sans trop savoir pourquoi. Une véritable malédiction! Si bien que toute l'équipe a plié instruments et bagages pour revenir dare-dare terminer l'opération à Chicago, dans le studio personnel du groupe. Une aventure qui vous donne un peu le climat qui règne sur ce disque. Sombre, énigmatique, impitoyable, frénétique mais impressionnant. Malgré la texture écorchée par le vocal sableux, écorché de Jourgensen, la musique de Ministry n'a jamais été aussi proche des Young Gods, mêlant avec une habileté diabolique, groove hypnotique, arrangements électroniques austères et électricité croustillante; épinglant au passage un chef d'œuvre de hardcore post industriel de 6'30, "Lava", et puis une cover de Bob Dylan, "Lay lady lay". Mais là, on vous souhaite bonne chance pour retrouver l'esprit de la chanson, recouverte, à l'instar de tout le morceau de plastique, de poussières radioactives...
On savait Robert Wyatt de plus en plus attiré par les expérimentations technologiques contemporaines. Celles menées en compagnie d'Ultramarine en sont la plus belle illustration. Mais on n'imaginait certainement pas que l'ex-Soft Machine viendrait un jour enregistrer en Belgique. A Alost! Dans les studios du maître de la techno Jo Bogart, alias Technotronic. C'est donc chose faite aujourd'hui. Enfin, sa participation s'est limitée à trois titres. Mais rien que son timbre vocal éthéré, falsetto, donne une toute autre dimension aux compositions. La meilleure "Another great victory", qui ouvre l'opus bénéficie, en outre, du concours de la talentueuse violoniste Chikako Sato. Les sept autres fragments, dont une cover de Prince ("The cross"), n'ont malheureusement pas la même profondeur. Et nonobstant le concours de Michaël Brook à la guitare et le brio de Jo aux programmations, les interventions vocales d'un certain Blissphemy font pâle figure à côté de celles de Bob... N'empêche rien qu'"Another great victory", "Erup/ Plus" et "Igor Mortis" valent leur pesant d'or. Et c'est plus qu'un ‘civilized wor(l)d’...
Chroniquer objectivement "Load" n'est pas chose aisée pour quiconque a succombé en 1984 à l'énergie dévastatrice de "Kill em all", premier assaut de Metallica qui engendra à lui seul la vague trash et la tendance au metal extrême. Si le groupe se réclamait à l'époque de Motörhead, Discharge et Venom, James Hetfield et compères ne dissimulent pas aujourd'hui une certaine admiration pour Oasis, Neil Young et Aerosmith. Après avoir réussi l'ultime en matière de trash, Metallica présente aujourd'hui un parcours dans le registre de la diversité, de la nuance et du (hard) rock. L'alternance de tempos lents et enlevés, l'apparition de véritables refrains, et les nouvelles performances vocales d'Hetfield ont le mérite de surprendre, donc de susciter un intérêt certain. L'album que tous les métalleux ont attendu avec la langue pendante nous propulse dans un décor complètement différent, un scénario d'une grande richesse à des années lumière de tout ce qui apportera aux "Four horsemens" un nouveau noyau de fans, tandis que d'autres se consoleront en dévorant le dernier Sepultura.
Les Melvins viennent de commettre leur album le plus progressif à ce jour. Mais progressif dans le sens où l'âge de l'acier est un progrès par rapport à l'âge de la pierre. En fait, ce trio californien, jugé responsable de la naissance du grunge, n'a pas tout à fait renié le culte satanique qu'il voue à Kiss et Black Sabbath. Il s'est surtout adapté aux circonstances du temps et de la mode, inoculant un zeste de cuivres, une pincée de ‘scratches’, un doigt d'expérimentations post industrielles et quelques miettes de délire cartoonesque, dans sa débauche de riffs de guitares malveillants, fracassants, ses accès de basse menaçants, ses drums écrasants et ses vocaux monolithiques. Seul le pseudo folk (Tom Waits ?) " Cottonmouth " ainsi que le remarquablement floydien et allègrement psychédélique " Black box " échappent au naufrage. Mais c'est un peu maigre pour prétendre à une véritable évolution.
Bien que fondé en 1987, ce quatuor insulaire rame désespérément dans l'antichambre de l'élite musicale. Et ce n'est pas faute d'avoir essayé de s'en extraire. Ce "Soulscraper" constitue d'ailleurs son quatrième opus. Mais apparemment son style est boudé par les Insulaires qui lui reprochent, peut-être, de ne pas avoir accepté de se laisser enfermer dans le même sac grebo, où moisissent ou ont moisi, les Pop Will Eat Itself, Wonderstuff, Senseless Thing, Ned's Atomic Dustbin et consorts. De trahir davantage une dévotion pour le punkcore d'Hüsker Dü. Et ce n'est pas ce "Soulscraper" qui résoudra le dilemme. Déjà que les lyrics cultivent un sentiment de culpabilité et d'amertume. Mais en plus toutes les compositions reposent sur cette ambiguïté de ton. Agrégeant groove rampant, adolescent, véhément et sens mélodique vulnérable, dont l'énergie nerveuse, irascible est raffinée par des harmonies vocales immaculées, à la limite byrdsiennes...
Derrière Mr Bungle se cache le chanteur de Faith No More, Mike Patton. Enfin, lui et quelques potes. Notamment ceux avec lesquels il partageait sa sombre existence avant de remplacer Mosely au sein de FNM. "Disco volante" constitue le deuxième volet des élucubrations de Mr Bungle. Etranges, hostiles, déstructurées, hallucinées elles explorent un funk surréaliste, avant-gardiste, morbide, dérangé, dont la violence domestique rappelle les frasques étudiées du défunt et mythique Frank Zappa. Parfois, l'expression devient même filmique, et s'enfonce dans l'univers de la bande sonore cinématographique. Que n'aurait pas désavoué un Fellini. Ou alors David Lynch. Hallucinant!
Avant de fonder Sugar, Bob Mould était le principal acteur du mythique Hüsker Dü, groupe responsable de l'éclosion de la noisy rock américaine. Entre ces deux expériences, il avait déjà tenté une aventure en solitaire. Sans grand succès. Ce qui apparemment ne l'a pas dissuadé de recommencer. Il nous revient donc avec un album solo. Eponyme. Et il n'aurait pas pu mieux choisir son titre! Car toutes les compositions, toute l'instrumentation, toutes les parties vocales et même la production sont assurées par Bob. Dix compositions où l'artiste manifeste toute son amertume, sa douleur, sa révolte, ses angoisses à travers les lyrics. Musicalement, il aborde trois styles fondamentalement différents. Plus cold d'abord, plus lancinant, un peu à la manière d'un Love Spit Love ou d'un Jesus & Mary Chain. Comme sur "Anymore time between" ou "Next time that you leave", lorsque les guitares grinçantes, crépitantes se mêlent avec des rythmes convulsifs, excitants. Dans une style plus traditionnel ensuite, inévitablement proche de Sugar ou d' Hüsker Dü ("I hate alternative rock", "Art crisis"). Et puis finalement, de la pop plus harmonieuse, plus sophistiquée, plus accessible. Il n'a d'ailleurs pas hésité à utiliser les claviers et la guitare acoustique presque ‘edkuepperienne’ pour enrichir la texture de certains morceaux. Comme sur les petites perles "Fort Knox, king Solomon" et "Hair stew". L'opus implique même un intermède instrumental limité aux claviers, intermède dont la mélodie mystérieuse, presque occulte nous a littéralement glacé le dos. Superbe!
La dernière fois que nous avons entendu parler de cet ensemble norvégien, c'était en 1994. Il venait de sortir "Another Ugly". Un mini album qui insistait particulièrement, à l'instar de Lenny Kravitz, sur la sonorité très seventies des compositions. Multipliant les clins d'œil à Blind Faith, Free et Pretty Things. Entretemps, Motorpsycho a changé de label et gravé "Timothy's Monster". Un album totalement passé inaperçu, mais qui marquait cependant un changement radical d'orientation musicale (NDR: ça rime!). C'est apparemment avec le même esprit que de "Blissard" a été enregistré. Quoique le groupe ait pu bénéficier pour la circonstance, des célèbres studios d'Abba à Stockholm. Une œuvre qui comporte un morceau d'anthologie de 9'45. Composition qui fusionne un peu tous les styles présents sur cet opus. Depuis la lo-fi de Pavement au krautrock de Neu, en passant par la no wave de Sonic Youth et l'ambiant jazz de King Crimson ("Islands"). Sans oublier la part d'ambient que l'on retrouve à l'état pur sur le final "Nathan Daniel's tune from hawaii". D'une manière tantôt proto paysagiste (Labradford), cosmique (Cul de Sac), voire post industrielle (Cabaret Voltaire)...
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