Après avoir commis l'impressionnant " Deserter's songs " en 1998, Mercury Rev nous revient avec ce qu'on pourrait considérer comme une suite à ce chef-d'œuvre. En fait Jonathan Donahue, le leader du groupe, est allé encore plus loin dans le labyrinthe de sa propre imagination ; au point de ne sortir que très rarement de ce périple opéré au cœur même de ses rêves. Ce qui explique sans doute le titre de ce nouvel album. Nonobstant l'un ou l'autre thème plus filmique, et en particulier l'ouverture " The dark is rising ", abordé à la manière d'une bande sonore de western ‘enniomorriconesque’, l'opus navigue en plein délire visionnaire ; et seules la guitare et la basse nous rappellent encore épisodiquement que Mercury Rev était un groupe de rock. Pour enregistrer ce disque, le trio yankee a reçu le concours de Toni Visconti à la coproduction. Pour ceux qui s'en souviennent encore, Visconti avait travaillé en étroite collaboration avec Bolan et surtout Bowie, au cours des seventies. En outre, l'ombre de Jack Nietzche plane également sur cet opus. Un illustre ingénieur du son qui avait notamment travaillé pour Neil Young. Approché par le groupe pour assurer la mise en forme de nouvel opus, il est malheureusement décédé une semaine avant que le groupe n'entre en studio. " All is dream " constitue le cinquième elpee de Mercury Rev. Un morceau de plastique qui laisse une grande place aux arrangements et aux orchestrations symphoniques, à l'instar de son précédent disque, " Deseter's songs ". De son falsetto presque ‘neilyoungesque’, Donahue nous entraîne au sein d'un univers peuplé de serpents, d'araignées, de sirènes, de lutins, de requins et autres figurants sur fond de mythologie grecque ou de textes hindous. Un univers parallèle où " All is dream "… Un must !
Troisième album pour cette formation madrilène qui reconnaît pour influences majeures Tindersticks et Calexico. Ce qui devrait vous permettre de vous donner une petite idée du style pratiqué par Migala. Si le disque s'ouvre par deux instrumentaux, qui auraient pu relever de la plume d'un Ennio Morricone, le reste de l'opus baigne dans une atmosphère ténébreuse à la mélancolie saumâtre. Une sensation accentuée par la voix d'Abel, dont le timbre campe un hybride entre celui de Léonard Cohen et de Bill Callahan. Et qu'il épanche tantôt dans la langue de Cervantes, tantôt dans celle de Shakespeare. Seuls l'allègre " Suburbian empty movie theatre " et " Last food around " concèdent une petite lueur d'espoir. Mais pour les autres… Le plus étonnant chez Arde se situe dans la texture des chansons. En fait, la texture basiquement folk est successivement revisitée par l'électronique, la pop, avant d'être traversée de collages post industriels. Une curieuse cohabitation entre guitares acoustiques, électriques, violon, accordéon, trompette, piano, synthés, samples et arrangements à caractère symphonique, ponctuée de bruitages aussi divers que bris de verre, crissements de pneus, circulation urbaine, cris, conversations, accidents de voitures, passage du train sur les rails, etc. On a même droit à trois titres plus tumultueux. Tout d'abord " La noche " et " Cuatro estaciones " et puis surtout le titre maître. Un fragment d'ambient noisy qui aurait pu naître d'une rencontre hypothétique entre My Bloody Valentine et Robert Fripp. Maintenant, n'imaginez surtout pas que les compositions soient envahies d'expérimentations ou de bidouillages technologiques. Non, le tout est dosé avec parcimonie, de manière à laisser le charme subtil des mélodies produire ses effets…
Bien avant Rammstein et Marylin Manson, Ministry, groupe américain à l'humour cynique et grinçant, avait jeté les premières bases du métal industriel le plus sombre et malsain. Alors que le groupe de Paul Barker et de l'icône tourmentée Al Jourgensen n'ont jamais cédé aux chants des sirènes commerciales, ce best of apparaît comme un paradoxe dans la carrière sans faute du groupe. Une formation qui connut son heure de gloire dans les années 80, avant de se faire voler la vedette par un Nine Inch Nails qui, entre parenthèses, lui doit énormément. Avec " Greatest Fits ", Ministry aura vite fait de convaincre le néophyte qu'il demeure la référence ultime en matière d'indus brutal. Le band a volontairement fait l'impasse sur ses deux premiers opus 100% électros, "With Sympathy" (83) et "Twitch" (86), pour concentrer ses efforts sur sa période la plus prolifique. Et en particulier, celle du mythique "Land of rape and Honey" dont on trouve deux extraits, du multiplatine "Psalm 69", rendu célèbre par des compos aussi exceptionnelles que "N.W.O." et "Just one fix", ou encore du plus récent et sous-estimé "Reload". Les reprises du "Lay lady Lay" de Dylan et du lourdingue "Supernaut" de Black Sabbath laissent pantois! Quant aux vrais fans, qui possèdent déjà la discographie intégrale des dieux de l'indus, ils pourront toujours se rabattre sur la version live du monumental "So What ", sur le remix déjanté de "Reload" et sur le déjà culte "What about Us?", seul titre véritablement inédit de cet avant-goût de l'apocalypse.
Kylie Minogue est née en 1968. Et il faut reconnaître que nonobstant ses 33 ans, elle est vraiment bien conservée. Elle a débuté sa carrière "artistique" à l'âge de 11 ans dans un soap australien. Son premier single "Locomotion", est sorti en 1987. Un disque qui reste, à ce jour, le 45trs le plus vendu en Australie. Pour les années 80. Après avoir commis 8 albums, à une cadence régulière, disques plus ou moins remarqués en fonction des Music Awards décrochés, la belle nous revient avec un nouvel opus, " Fever ". Dont vous avez certainement déjà eu le loisir d'écouter voire d'entendre le single " Can't get you out of my head ", sur l'une ou l'autre station radiophonique, et d'apprécier le clip sur l'une ou l'autre chaîne de TV musicale ; entre parenthèses, un clip qui me semble destiné à une certaine catégorie du genre humain… Quoique dynamique et bien balancé, l'elpee devient, au fil de l'écoute, répétitif. Si le synthétiseur incarne l'élément commun des différentes compositions, la touche musicale nostalgique des années 80 - début 90 polarise son style. Composé de 12 morceaux très dance, il semble parfait pour communiquer ‘la fièvre’ aux soirées rétho…
Textes ambitieux, style parlé-chanté, voix fatiguée… Miossec a tout pour être une sorte de poète maudit. Sauf qu'il a du talent. Et pas un peu. Nul besoin chez lui de recourir au jeu de mots ou aux termes alambiqués pour avoir l'air intelligent. Miossec a l'art de nous balancer des évidences auxquelles on n'avait jamais songé : ‘On vouvoie le paradis et on tutoie l'enfer’. A-t-on déjà emprunté raccourci plus simple pour résumer la condition humaine ? Quand il joue à l'architecte, ses chansons aux constructions originales ne tombent jamais dans le piège de l'exercice de style. Et je pense tout particulièrement à cette subtile lettre à " Ma tendre S " ou à cette succession de questions – ‘comme on ne pose jamais les bonnes questions, pourquoi aurait-on un jour les bonnes réponses ?’ - qui aboutit à une magnifique chanson d'amour. Lorsqu'il tire un portrait, il évite ces raccourcis et vise juste : ‘elle était de ces femmes, qu'on embrasse sur les yeux’. Miossec nous offre donc de la vraie chanson. Et pourtant, sans doute est-ce son histoire personnelle ; mais on sent confusément le rock à chaque coin de ses couplets, sans qu'il ait besoin de grosses guitares électriques pour cela. Juste une atmosphère. Et une autre preuve de son talent.
Voilà donc la nouvelle perle de la guitare texane! Il est vrai que la prestation de Lee McBee flanqué de ses deux guitaristes, Johnny et Hash Brown, lors du dernier Spring Blues Festival, a été assez extraordinaire. Une véritable claque ; et le public ne s'y est d'ailleurs pas trompé. Le jeune Johnny n'est pas un débutant. Dès la fin des 80s, il faisait partie de Texas Heat, le groupe de Darrell Nulisch. Il a joué sur "It's Lewis" de Lewis Cowdrey, sorti sur Antones. Il avait aussi commis un album de funky blues, sur le même label de Société de Blues de Dallas. Intitulé "Return on the Funky worm", il avait reçu le concours de l'ancien Red Devil, Paul Size.
Indéniablement, Johnny détient une tonalité propre, rappelant parfois celle de Jimmie Vaughan. Il touche un peu à tout : au blues, au R&B, au rockabilly. Il est très bien entouré par son frère Jason à la batterie et par Matt Farrell au piano ; Mike Keller ainsi que Johnny Bradley se partageant la basse. Ce petit monde constitue habituellement le backing band de Lou Ann Barton. Son blues prend parfois les attitudes paresseuses des swamps. A l'instar de l'ouverture "Oh baby Oh", sur laquelle il prend déjà un superbe envol sur les cordes. Dans le style Baton Rouge, très bien chanté par Homer Henderson, "You turn to cry" (de Roy Head) est une de ces ballades qui semblent sortir tout droit des jukeboxes des mêmes 50s. Homer possède la voix traînante pour aborder ce style. Elle fait merveille sur la reprise de "You got me crying" de Jimmy Reed. "Thinking" (de Johnny Watson) est une petite perle dans le genre. Shawn Pittman est au piano, alors qu'on le connaît surtout à la six cordes. L'instrumental "Bak 'n' forf" est sous l'emprise du rythme des Caraïbes. Autre instrumental plus jazzy, inspiré de Wes Montgomery, "Slingin' Hash" traduit peut-être un clin d'œil adressé à l'ami Hash Brown. Boogie rock'n'roll, "Let's get high" déménage. Le piano de Matt roule de tous côtés, pendant qu'il chante comme un véritable rocker des 50s. Cette voix colle bien à l'ambiance de la plage rythmée, "Stagger Lee". Le Chicago blues n'est pas oublié à travers l'excellente reprise de "Worried life blues", de Maceo Merryweather. C'est le moment de gloire pour Matt Farrell qui chante et joue du piano à la manière de Big Maceo ou d'Otis Spann. Matt en remet une couche lors du traitement funky de "Mama, the way you look tonight", de Memphis Slim. Ce très bon album se termine sur "J's scratcher", un hommage évident à Slim Harpo. Prenez le temps d'écouter Johnny Moeller et ses amis, cela en vaut la peine!
Revoilà nos petits amis de Mogwai. Faut dire que chaque nouvelle sortie de ce groupe provoque l'émoi au sein de toute la scène noise/indie. Après un ep sorti en 1999, "Rock Action" est le véritable album consistant depuis "Come on die young". Bon, Mogwai ne révolutionne plus grand chose à l'heure actuelle. Imperturbable, il continue de tracer sa route. Peu de différences notables tout au long de ces 8 plages : les guitares vont toujours crescendo, les voix, de plus en plus présentes et piochées entre autres chez David Pajo (Aerial M), renforcent le côté mélancolique. Soulignons cependant l'apport non négligeable de cordes et une touche discrète, mais clairement audible, d'électronique. Deux titres tirent leur épingle du jeu ("You don't know Jesus" et "2 Rights make 1"), dans la pure tradition du band. Le reste demeure du Mogwai bon crû, peut-être plus accessible dans le format et la limpidité des structures que par le passé. Faut dire qu'aujourd'hui un groupe comme Godspeed You Black Emperor ! pousse bien plus loin les limites du genre. Maintenant pour ceux qui recherchent plus de spontanéité et moins d'intellectualisme, Mogwai reste en tête. Si vous avez également l'occasion de jeter une oreille à une formation du nom de Nought, ne vous privez pas....
Sur "Butterfly FX", dernier album des portugais de Moonspell, le travail était principalement axé sur la recherche de sonorités nouvelles et l'utilisation de samplers. Avec "Darkness and Hope", le léger alibi indus a volé en éclats pour aboutir à un résultat pour le moins inattendu. "Trois pas en avant, deux pas en arrière" diraient certains! Moonspell délaisse les effets technologiques et revient à la formule qui a fait le succès de l'album "Irreligious" en 1996. Mais en moins "trash" ; puis surtout davantage empreint de romantisme que de satanisme. Imprimé sur un tempo plutôt lent, l'oeuvre révèle des titres dans la pure tradition métal-gothique, laissant la place à l'émotion, aux climats brumeux, aux mélodies imparables. Produit par Hiili Hilesmaa, responsable du son de Him et de Sentenced, cet album a été enregistré aux désormais incontournables studios Finnvox en Finlande. Du beau travail ! En guise de point d'orgue, Moonspell nous livre pour la première fois de sa carrière un titre dans sa langue natale. "Os senhores da Guerra" semble d'autant plus insolite qu'il constitue le titre le plus accrocheur de cette nouvelle production jouissive à souhait.
Et un retour de plus au blues pour Gary, un!! Agé de près d'un demi siècle, cet Irlandais a vécu sa première expérience intéressante à l'extrême fin des 60's. Au sein du trio Skid Row. Il est ensuite embrigadé chez Colosseum II et Thin Lizzy avant d'entamer une carrière personnelle, en 1979. Son adhésion au blues l'amène à sortir l'album "Still got the blues" en 1990, et "After hours", l'année suivante. Un disque pour lequel il avait bénéficié de la participation d'Albert King, de BB King et d'Albert Collins. Il commet alors "Blues Alive" en 93 et la collection "Blues & Ballads" en 94. La même année, il participe brièvement au projet BBM, autrement dit Baker, Bruce & Moore. En 95, il rend hommage à son maître à jouer et protecteur de ses débuts, Peter Green, à travers l'album "Blues for Greeny".
Les premiers instants pourraient semer le doute. Mr Moore se mettrait-il à son tour à l'acoustique? Ce n'était qu'un leurre, la diversion ne dépasse guère les trente secondes. Arrêt brusque et mise en marche immédiate de la machine à rocker le blues. Pour démarrer, "Assez du blues", autrement dit "Enough of the blues" constitue un curieux titre pour annoncer son retour!! ! Crochet par le répertoire de BB King, avec la reprise d'"Upset me baby". Il reste dans un registre semblable avec son "Cold black night". Il s'attaque à son solo à la manière d'un Peter Green 1ère époque qui revendiquait lui-même BB. Malheureusement, il tombe très vite dans ses excès en voulant en faire de trop. Quand on veut se faire trop hard, on perd immanquablement la sensibilité indispensable au blues. C'est ensuite l'exercice du slow blues, le fameux canon de T-Bone Walker, "Stormy Monday". Et c'est bien sur ces tempos nonchalants que Gary puise sa joie de jouer. Il possède un sens de la mélodie ; les phrases et soli qu'il crée alors peuvent être très beaux, mais sortent du blues. Curieusement, ses meilleures chansons sont ici de jolies ballades, lentes, sur lesquelles il peut déployer son sens profond de la mélodie. Sa sensibilité se manifeste sur ce type de répertoire. Et notamment chez "Picture of the moon" et "The prophet". La guitare sur fond d'orgue de Vic Martin, me rappelle le dialogue entre Thijs Van Leer et Jan Akkerman du groupe hollandais Focus ; et enfin, "Drowning in tears". Un petit joyau chanté très doucement. La guitare prend la tonalité métallique et réverbérée de celle de Peter Green sur l'extraordinaire instrumental "The supernatural". Solide coup d'émotion, la finale est réellement superbe. Lors de ses exercices de style dans le blues, à l'instar de la reprise se du "Looking back" de Johnny Guitar Watson, la guitare est impeccable mais son chant ne transpire vraiment pas la sensibilité que nous sommes en droit d'attendre d'un tel artiste. A chacun d'en retirer ce qu'il attend !
Ceux qui ont aimé les Innocents ou l'Affaire Louis Trio devraient prêter une oreille à cet opus. Ils y retrouveront d'abord des mélodies enlevées, des accords de guitare dispensés par un artiste qui a dû écouter pas mal de rock avant de faire de la chanson. On se laisse emporter par " Je reviens de loin " et " Tout le monde se quitte ", les titres d'ouverture qui ont tout pour tourner en boucle sur les radios. Lorsque vous avez écouté 2-3 fois ce disque, vous avez envie de vous pencher sur les textes qui glissent sur les douces compositions. Et c'est du même tonneau : clins d'œil intelligents, éclairs amusants… Exemples : ‘j'ai suivi trop de flèches/de passages obligés/j'avais la gorge sèche et le moteur noyé’ ou ‘à la queue du peloton/j'assurais mes arrières/on tapait le carton/entre retardataires’. Paroles et musiques, les parallèles de Marc Morgan se rejoignent ainsi dans un sympathique mouvement qui ne sombre jamais dans la facilité mais ne décolle pas non plus vers le génie. Il manque un imprévu, une faille, une personnalité peut-être. Et le chanteur hutois le sait : ‘cette discordance est une délivrance car sous les apparences, c'est là que tout commence’, chante-t-il sur un étonnant petit rythme disco.
A l'instar de Mortiis, Jack D. Ripper demeure un phénomène à part entière dans le petit monde du métal glauque et horrifique. Il est en effet le seul et unique membre de Morgul et assure toutes les parties vocales, comme instrumentales. Lors de la sortie du sublime "The horror grandeur", en 1999, Morgul avait révélé au public son concept morbide, étalant une musique flippante qui baignait dans un climat malsain de folklore des Pays de l'Est, le tout renforcé par des parties de violon tziganes. L'album avait fait l'effet d'une bombe et on ne pouvait s'empêcher d'établir un parallélisme entre les délires de Morgul et l'œuvre noire du très sous estimé Devil Doll, dont nous vous recommandons chaudement la discographie dans son intégralité, pour peu que le métal horrifique ne vous laisse pas de glace. Plus mécanique, plus froid, plus électro, "Sketch of supposed murderer" a subi une légère industrialisation du son. Samael n'est pas très loin, Dimmu Borgir non plus dans les moments les plus speed. Mais l'essence même du "groupe" est toujours palpable au fil de ces neuf titres, toujours aussi sulfureux grâce, entre autres, à ces obsédantes incursions de violon. Le seul élément qui semble sortir du contexte Morgul est la reprise de la ballade "She" de Kiss que l'on retiendra plus comme une curiosité que comme un chef d'œuvre. Mais l'ensemble est à découvrir d'urgence !
"Green hills of earth" constitue déjà le 5ème album de cet ensemble californien. Un disque dont la plupart des compositions puisent généreusement dans l'univers des sixties. Celui des Faces, du Who, des Kinks, du Cream, des Byrds, et même des Beatles. En particulier sur " Seaward son ", le dernier fragment ; une chanson dont le raffinement évoque tantôt " Abbey Road ", tantôt " Magical Mystery Tour ". Un raffinement manifesté tout au long de l'œuvre. Et en particulier au niveau des arrangements. Les ballades demeurent cependant leur point faible. Et le recours au mellotron leur donne une coloration un peu trop surannée, à mon goût. Pire encore, " Sarah Belum ", aurait pu figurer dans le répertoire des Bee Gees, première époque. Mais c'est dans l'exercice du revivalisme le plus vivifiant et le plus allègre que Mother Hips me paraît le plus convainquant. A cause des lignes de guitare claires, chatoyantes, des accès de basse versatiles, aventureux, des harmonies vocales impeccables ; et puis surtout de ce sens mélodique tellement contagieux, hérité en ligne droite de la pop des sixties…
Ce trio californien puise généreusement dans la pop des sixties. Et en particulier celle du Who, des Kinks, du Cream, des Byrds, des Beatles et même des Bee Gees. Ce sont les termes que j'avais utilisés pour chroniquer leur cinquième opus, " The green hills of earth ", paru il y a quelques semaines. Et puisqu'on en est aux références, " Smoke ", un des trois fragments de ce disque, me rappelle soudainement le Free et Thin Lizzy, nonobstant son parfum country. Vous ne serez dès lors pas étonnés d'apprendre que le titre maître de ce nouveau single aurait pu relever du répertoire des Posies, les deux formations partageant la plupart des mêmes influences. Seul inédit, " Life in the city " aurait mérité, un quart de siècle plus tôt, de prendre place dans le bac de 45trs à slows, d'une discothèque mobile, au même titre que " I'm not in love " de 10CC ou de " Guitar man " de Bread. Qui a dit nostalgique ?…
Les sept compositions qui figurent sur le nouvel elpee de Motorpsycho ont été concoctées lors des sessions d'enregistrement de leur album précédent, " Let them eat cake ". Mais jugées trop rock, elles avaient été mises (provisoirement !) au placard. Ce qui n'avait pas empêché la formation norvégienne d'en utiliser l'une ou l'autre sur les planches. A l'instar de " Up' gainst the wall (high time) " et de " Dr. Hoffman's bicycle ". Trop rock, ou plus exactement trop r&b. Mais un r&b abordé dans l'esprit des Small Faces, d'Allman Brothers Band, pour lesquels ils avaient déjà rendu un hommage à travers " A song for a Bro " sur le dernier opus ; et puis des Rolling Stones auxquels ils adressent un clin d'œil sur " Star star star ". On a même droit en fin de parcours à une incursion dans le prog rock, question de rappeler, sans doute, que Motorpsycho apprécie toujours ce courant musical…
Depuis la sortie du superbe et mésestimé " Let them eat cake ", l'influence exercée par Flaming Lips, sur cette formation norvégienne, est de plus en pus palpable. A cause de la richesse des arrangements et puis du soin apporté aux harmonies vocales. Des arrangements qui flirtent même avec la symphonie, alors que les vocaux se conjuguent le plus souvent sur un mode falsetto. C'est à nouveau le cas sur le tendre et mélancolique " Bedroom ", le jazzyfyiant B.S., ainsi que sur " For free ", littéralement fustigé par un groove pulsant. Caractérisé par la superposition de ses lignes musicales et vocales, " Lanslide " lorgne même vers le prog rock de Gentle Giant. Des lignes qui épousent les courbes mélodique, au sein d'un univers presque médiéval… Les arrangements peuvent pourtant devenir envahissants, philspectoriens. A l'instar des dernier fragments de l'opus. On se croirait même revenu à l'époque de Love. Faut d'ailleurs croire que le groupe fait ici une fixation sur l'histoire de la musique américaine. Californienne très exactement. C'est tout à fait évident sur le remarquable " Go to California ", composition qui revisite à la fois les Byrds, les Beach Boys, les Doors et Iron Buttefly. Les Byrds et les Beach Boys, vous devinez aisément pourquoi. Les Doors en vertu du recours au clavier, ma foi, ‘manzarekien’. Le papillon d'acier, dès que Snah torture sa guitare, à la manière d'Eric Braunn. Pensez à In-A-Gadda-Da-Vida. Un véritable trip psychédélique au cœur des sixties.
Produite par Neil Kernon, la musique instrumentale de ce trio oscille entre fusion, rock progressif et programmations électroniques. Souvent l'alchimie fonctionne, bien que certains morceaux frisent le magma sonore, et les oreilles bourdonnent. Réservé avant tout aux amateurs de technique et de surenchère, ce CD rappelle parfois les heures glorieuses du krautrock, quand expérimentation rimait avec invention. Truffé de soli et de breaks de batterie à faire pâlir tout fan du Mahavishnu Orchestra, " Addition By Substraction " est une mine à trésors pour les abonnés au jazz-rock. Les autres passeront sans doute leur chemin, préférant Eric Truffaz (pour le côté jazz), Squarepusher (pour le côté rythmé) ou Muse (pour le côté surenchère).
Haaaaargh, les Melvins ! Je confesse être fan à 100% de ce groupe imprévisible et insaisissable. De Today is the day, Neurosis et Fantômas, également ! (NDLR : faute avouée est à moitié pardonnée !). Et les Melvins gravent de temps en temps des plaques de la trempe de cet "Electroretard". C'est-à-dire, pas du tout intéressantes pour les non fans et limites pour les initiés. En fait, le groupe n'a pas véritablement commis un nouvel album, mais une compilation à la sauce perso. C'est à dire constituée de reprises. Pas encore celle de Throbbing Gristle, mais des Cows, de Pink Floyd (" Interstellar Overdrive ") et une de je sais pas qui (" Youth of America "). Une intro melting pot de 3 minutes qui zappe sur une quinzaine de chansons du groupe, principe déjà utilisé lors de la sortie des 12X45t. Des réenregistrements encore plus barrés que les originaux (NDR : pour " Lovely Butterflies ", fallait quand même oser !). Bref, concrètement rien de nouveau. Mais cet opus apporte une pierre de plus au monument Melvins. En attendant la sortie du live qui devrait suivre la prochaine tournée et la véritable sortie d'un album qui s'annonce incroyable (NDR : texto sur le site d'Ipecac : ‘the melvinsfantômas big band’), cet "Electroretard" reste du pain béni. Et puis, quel humour ! Exhibez le booklet autour de vous et observez les réactions. Ce sont exactement celles que les Melvins attendent. Niark, niark, niark…
" Bachelor n°2 " constitue déjà le troisième album solo d'Aimee Mann. Mais nous, pauvres Européens, ne connaissons la demoiselle qu'à travers la B.O. de l'excellent film " Magnolia ". Grâce au succès remporté par " Save me ", chanson phare du film, son dernier album est enfin distribué chez nous. Entre parenthèses, ce dernier est déjà disponible aux Etats-Unis depuis plus d'un an ! Après écoute, on se rend rapidement compte que " Bachelor n°2 " contient plusieurs chansons (exactement trois) de cette bande originale. Une petite déception pour ses fans. Enfin, les personnes qui ont vu le film. De plus, les autres compositions restent dans le même ton et se rapprochent très fort de l'ambiance dégagée par la B.O. On a même parfois l'impression d'écouter le deuxième tome (NDR : j'espère qu'elle ne va pas nous en faire une saga !).
Après mûre réflexion, cet album pourrait rejoindre la catégorie des ‘voix féminines pop-rock’, que partagent Sheryl Crow, Tracy Chapman et Heather Nova … Des voix affichant leur spécificité et une certaine maturité. La musique d'Aimee Mann semble, tout particulièrement, constituer le versant " soft pop " d'Heather Nova. Elles se ressemblent parfois sur certaines chansons, même si Heather Nova hausse davantage le ton, sans toutefois atteindre le niveau mélodieusement guttural de Pantera and co ; alors que celle d'Aimee Mann ne change jamais de trajectoire. Mais le résultat demeure agréable à l'écoute, tout en étant suffisamment rythmé et entraînant pour ne pas tomber dans la mélancolie. De quoi se mettre de bonne humeur le matin !
Pour enregistrer son nouvel opus, Barbara Manning s'est entourée d'un nouveau groupe. Les Go-Luckys !, un trio teuton qu'elle a rencontré lors d'une tournée en Allemagne, puis engagé comme backing group. Si mes renseignements sont exacts, " You should know by now " constitue le neuvième album de Barbara. Un disque dont les premières écoutes peuvent paraître assez difficiles. Normal, puisque Barbara pratique une forme de post punk aride, grinçant, distordu, redoutable, rebelle, à la croisée des chemins des Breeders, de Sleater-Kinney, de PJ Harvey, de Come et des Raincoats. Les Raincoats, surtout à cause des lyrics radicaux et introspectifs que Barbara chante d'une voix plaintive, à la limite agaçante. Et pourtant, au fil du temps, l'oreille finit par apprivoiser ces mélodies sauvages, un peu comme un dompteur face à un fauve féroce, mais dont la vie est toujours suspendue au risque de l'accident fatal…
Harry Manx est né sur l'île de Man, au Sud de l'Angleterre. Mais il a rapidement émigré au Canada, où il vit toujours aujourd'hui. Au début des années 80, on le retrouve dans le métro et autres coins publics de Paris, où il joue de l'harmonica et de la slide. 10 années plus tard, il fait à peu près la même chose au Japon. Il se rend ensuite au Rajasthan à la recherche de Vishwa Mohan Batt. Musicien indien et spécialiste émérite de la slide, Vishwa avait enregistré auparavant en compagnie de Ry Cooder. Vishwa lui apprend tous les rudiments de cette riche culture musicale. Enfin, au printemps 2000, il revient chez lui à Salt Spring Island, au Canada.
Enregistré à Toronto, cet album marque un retour à ses sources : le blues. Manx est seul. Il accompagne sa voix d'une lap steel guitar, d'un harmonica et d'un mohan veena, une slide guitare indienne à 20 cordes, que lui a léguée le maître. Il entame cet opus par une version assez classique et impeccable du classique de Muddy Waters, "Can't be satisfied". La voix est celle d'un folk singer. Son timbre bien joli et doux caresse "Bring that thing", "Good morning stranger" et "Lay down my worries". La prise de son est limpide. Le toucher métallique sur les cordes est clair. Il vibre entre ses doigts. Son jeu d'harmonica n'est pas complexe mais très efficace. Lorsqu'elle rencontre l'Orient sa musique occidentale est d'une richesse insoupçonnée. L'essence du blues et la profondeur indienne créent des raga blues à quatre reprises : "Reuben's train", "Rag Bihag", "Song for William" et "Rag Jog". Harry est doté d'une sensibilité désarmante. Sa musique le hante, lui colle à la peau. Ses créations sont tellement belles et simples ; un art qu'il domine naturellement. "Sunday morning ascension" et "Love ain't no game" exhalent beaucoup de tendresse et d'intensité. Deux reprises figurent sur ce très bel album chargé de promesses, "Baby please don't go" et "Shame shame shame".
Après quelques albums d'un rare pessimisme, Marillion confirme une joie retrouvée à travers cette nouvelle oeuvre intimiste. Groupe hors norme à la longévité exceptionnelle, le très british Marillion n'est plus cet ersatz de Genesis, dont l'étiquette lui est restée collée à la peau jusqu'au départ de son emblématique chanteur Fish, remplacé en 1989 par le non moins charismatique Steve Hogarth. Aujourd'hui libre comme l'air, faisant fi du dédain des puristes qui lui reprochent ses amours entretenus avec les sonorités trip hop et la pop rock de Radiohead, Marillion se retrouve de nouveau associé à EMI, la grande maison qu'il avait quittée en 1995. Fort d'un noyau d'aficionados entièrement dévoué à sa cause, le groupe a fait financer son nouveau né par les membres de son fan club.
"Anoraknophobia" est de loin la meilleure production de l'ex groupe phare du rock progressif anglais depuis l'émouvant "Brave" ; un disque considéré par le band lui-même comme le point culminant de sa carrière. Bien qu'excellente entrée en matière, le single très rock "Between you and me" est peu représentatif de l'ensemble de l'œuvre ; une œuvre dominée par la richesse harmonique du sublime "Quartz" aux réminiscences Porcupine Tree et par les envolées aériennes de joyaux tels que "When I meet god" ou "Separated out". Les groupes issus des années 70 et 80 qui continuent à vivre sur leur passé sont légion. Marillion n'est pas de ceux-là et pousse l'honnêteté jusqu'à prendre le risque de perdre ses fans de la première heure en accouchant d'un album simplement authentique. La démarche mérite le respect. "Anoraknophobia" deviendra à coup sûr un classique, une référence qui n'aura pas pris une ride dans deux décennies.
A l’écoute de ce chanteur bruxellois, j'ai toujours eu du mal à rester objectif : ses deux précédents albums ont tellement tourné sur ma platine, que j'ai fatalement envie de prolonger sur le petit nouveau. Alors, je me glisse très facilement dans le reggae d'ouverture, au cours duquel Marka explique qu'il parle toutes les langues, sauf la langue de bois, ‘faite de ronds de jambes et de sourires narquois’. Je succombe à " Le monde est mal fait ", chanson qui illustre l'humour particulier de Marka, entre jeux de mots et dérision (‘les filles dont je m'éprends sont toujours prises’). J'apprécie, en fan de Clash, la version francophone, acoustique et à la trompette du fameux " Should I Stay or Should I Go ". Marka a fait pas mal de scène ces derniers temps et ça se sent dans les rythmes très entraînants qui marquent de nombreux titres. En tournée, il a sans doute eu moins le temps d'écrire et cela se sent aussi. Des trouvailles (par exemple, cette parodie de l'anglais yaourt) auraient peut-être pu être creusées un peu plus pour donner leur pleine mesure. Un petit effort supplémentaire aurait aidé les chansons sur les quotas ou la réincarnation à nous surprendre jusqu'au bout. Mais bon, ne faisons pas trop la fine bouche : s'il a déjà accompli de meilleures saisons, ce grand amateur de foot assure sans problème son maintien en Division 1.
Si vous aimez ou avez aimé la musique des Chills et des Moles, vous apprécierez celle de Marmoset. Evidemment, si vous ne connaissez aucun de ces groupes, cela vous fait une belle jambe… Marmoset nous vient d'Indianapolis. Un quatuor qui doit probablement avoir beaucoup écouté Syd Barrett. En solo, mais également à l'époque où il sévissait chez le Floyd. A cause du style qu'il pratique tout au long de ce " Record in red ", que je qualifierai d'excentrique, mais aussi de contagieux, de capricieux et d'énigmatique. Seul " Frendamine ", baigne dans un univers popcore, proche d'une Kim Deal. Les douze autres fragments allient à la fois simplicité mélodique et psychédélisme basique. A cause des inflexions vocales, tout d'abord. Sinusoïdales, légèrement reverb, elles accentuent le climat mystérieux des chansons. Tout comme les quelques filets de claviers aux sonorités poussiéreuses, presque mystiques. Des tonalités de la guitare, également. Plaquées ou syncopées. Le plus souvent acoustiques. Tout un contexte qui aurait pu se complaire dans une forme de revivalisme, s'il n'y avait la basse de Jorma Wittaker. Omniprésente elle dessine des motifs ténébreux, cold, un peu comme Peter Hook chez Joy Division et New Order. Ce qui donne un aspect tout à fait original à la solution sonore de Marmoset. Excellent !
Eddie Martin ne se contente pas uniquement d'enregistrer des albums solos. Il lui arrive aussi de s'entourer de son fidèle band, fondé en 1995. Un trio ! Et c'est en compagnie de Tony Caddle à la basse et de Mike Hoddinott à la batterie qu'il a commis cet opus. Des enregistrements immortalisés live lors d'une tournée américaine, vous l'aurez deviné, principalement accordés au Texas ; mais aussi au célèbre Slippery Noodle Inn d'Indianapolis.
L’EMB s'embarque illico pour trois plages tirées du dernier album "Fires and floods". Tout d'abord un blues lent très électrique à l'intensité dramatique, "Answerphone blues". Eddie s'y délecte à la guitare. Suit un très long périple (plus de douze minutes) dédié à Freddie King, "Hideaway". Un instrumental bien connu, mais dont l'interprétation campe à des années-lumière de la version originale ; notre bon Eddie s'identifiant plus à Hendrix qu'au King. La section rythmique savoure son instant de gloire, pendant que le solo kilométrique de l'ami Tony en remet largement sur le métier. Notez que dans le style, Tony n'a rien d'un manchot! Sur la réserve jusqu'alors, notre Mike vient à l'avant-plan pour introduire le "See red blues", géré par Eddie comme un boogie furieux. Eddie aborde son "Blue to the bone", titre générique de son 2ème album. Son riff bien saignant peut rappeler Magic Sam. Ed s'acharne comme un possédé sur son manche. Il se déchaîne en délivrant des flots de notes et en arrachant des sons inhumains de ses cordes. Pour chanter de sa voix écorchée un convaincant "Red lights", Martin a attaché son rack. Il peut ainsi souffler avec bonheur dans l'harmonica au moment où il attaque sa guitare. Eddie souffle à son tour dans l'harmonica sur "G-string" fling", un solo impromptu qui lui permet de changer en même temps l'une des cordes de sa guitare. Il reprend le somptueux, "Cleanhead blues", un blues lent d'Eddie "Cleanhead" Vinson, et conclut par le très swing "Birds and the bees".
Le bluesman anglais au crâne le plus dégarni est de retour ! Il avait déjà commis, dans le passé, un superbe album acoustique : "Solo in Soho". Il remet le couvert avec "The acoustic blues of Eddie Martin". Néanmoins, cet opus n'a pas été enregistré exclusivement en solitaire, puisque Eddie a reçu épisodiquement le concours de l'un ou l'autre collaborateur. Et notamment Paddy Milner au piano ainsi que Dave Griffiths à la basse et à la mandoline.
Dès l'ouverture, le piano souriant de Paddy soutient ainsi "The devils joker". Même sans amplification, Eddie est capable de vous remuer les doigts de pied. Ils bougent et frétillent tout au long d'"It's a mystery to me". "It hurts me too" de Tampa Red dégage beaucoup d'émotion et de délicatesse. Eddie se transforme volontiers en homme orchestre. Il est capable de jouer au même moment guitare, harmonica et percussions au pied. A l'instar de "Bundle up and go" qui figurait au répertoire de Leadbelly et de John Lee Hooker. Inspiré par le légendaire Barbecue Bob, "Barbecue bop" est un instrumental mitonné par la national steel guitare d'Eddie. Autre instrumental, "Jumping beans" est inspiré par Dr Ross. Au chapitre des reprises, signalons encore la présence du "Queen of spades" de Robert Johnson et du "Mean ole Frisco". Pour le reste, Martin a composé l'essentiel du répertoire, toujours aussi inspiré par le Delta. Ainsi "Toy Ballerina" est proche du thème de "Can't be satisfied" ; alors que plus rythmé, "Henry Ford" s'appuie sur une guitare à douze cordes et un harmo. L'album se referme sur "Fox Chase N°3". Un exercice de style à l'harmonica sur lequel il se délecte au "Whoopin" familier de Sonny Terry. Musicien complet, Eddie a retenu les leçons de Joe Hill Louis, de Dr Ross et du regretté Duster Bennett.
D'ici quelques mois (temps terrestre) les Yankees Matmos auront envahi les ondes de notre bas monde pour mieux le mettre à feu et à sang. L'étoile biscornue Björk vient en effet de leur donner à traiter ses extravagances musicales sur son prochain brûlot " Vespertine ". Notre fringuant duo transex, habitué à ausculter les ratages numériques pour en faire autant de ready made sonores, ne délaisse pas ici son côté " infirmier des oreilles spécialisées " à travers le déstabilisant " A chance to cut is a chance to cure ". Un concept album sans œillères qui assimile avec un je-m'en-foutisme intello musique concrète, discoïde homo et quelques millilitres ouatés d'electronica rêches puisés sur les rebords liquides des salles d'opérations. Un concept pour le moins intriguant, lorsqu'on sait que ces dépuceleurs du rythme binaire, déjà responsables de trois albums electronico- barrés sortis sur Domino, agencent bruits de liposuccion, de laser, d' acupuncture, de rat en cage, récoltés pour la plupart en prise directe, afin d'obtenir des fragments baveux, aux structures bâties sur les miettes gore de peau raclée, avec ce sens du burlesque troupier qu'on jugerait par instant provenir de la perfide Albion. Points d'orgue de cet elpee, " Spondee " et " For Felix " empruntent l'énergie et les montées d'adrénaline propres à la house millésimée des clubs de San Francisco, pour la moudre à des stridences qui, en s'éloignant de l'univers oppressant qui les génère, émeuvent. Tu cherches la lumière et c'est l'impasse disait Bashung. Pour une fois, l'impasse aura l'aspect d'un matin d'été éternel, comme une joie simple perpétuellement renouvelée.
Même si sur cette deuxième salve, Magnitude 9 reprend note par note le grand classique d'Iron Maiden "Flight of Icarus", il faudrait plutôt chercher ses influences du côté de chez Dream Theater, Queensryche ou Fates Warning. Déclinant un métal progressif teinté de hard FM, au fil de ses neuf nouvelles compositions, les Américains ne dénigrent pas les atmosphères épiques, parfois teintées d'un certain néoclassicisme. Construit avec intelligence de la première à la dernière note, " Reality in Focus " nous invite à parcourir des titres d'excellente facture, dont la durée dépasse rarement les six minutes. Un fait plutôt rare dans ce style métallique empreint de rock progressif. Le chant évoque Geoff Tate ou Bruce Dickinson, et le jeu de batterie, fin et précis, ne déplairait pas à Neil Peart de Rush. L'album nécessite néanmoins plusieurs écoutes avant d'en apprécier son contenu à sa juste valeur. Vaut le détour !
Fondé en 1993, Magoo est né au cœur du Norfolk. Une formation qui, à l'instar de Super Furry Animals, se nourrit de toutes les formes possibles de psychédélisme. Aussi bien cosmique, atmosphérique, viscéral, pastoral, expérimental qu'intello. Et dans ce domaine, les références sont légion. Après plusieurs écoutes, je suis parvenu à relever des traces de Spiritualized, de Labradford, de Loop, de Gorky's Zygotic Mynci et même de Wire. Il en existe d'autres, mais je vous laisse le soin de les découvrir. Heureusement, cette formation insulaire ne se contente pas de s'alimenter au psychédélisme. Elle a le bon goût d'épicer ses plats sonores. De krautrock, par exemple. Au goût Neu ou Faust. C'est tout à fait évident sur " Motorama ". Une composition imprimée sur un tempo hypnotique, viscéral, et infiltrée de claviers insidieux. Et puis sur " The only tests with guarantees ". Encore que sur ce titre, l'approche de la mélodie s'avère plus pop. Une pop juvénile, post adolescente cultivée par exemple chez Stereolab. Plus kitsch encore, " Powerman ", nous entraîne aux frontières de l'univers factice de Pizzicato Five. Mais un Pizzicato Five qui aurait emprunté les parties vocales aux Hollies. Maogo nous réserve quand même deux ballades intimistes, tendres, " The high castle " et " 2 dearborn ". Deux fragments qui privilégient le travail sur l'instrumentation acoustique et sur les voix. L'opus recèle également l'un ou l'autre titre plus énergique, plus tonitruant. Et en particulier " Nastro adhesivo ", un morceau coulé dans un trash/punk frénétique digne de Jane's Addiction. Pour clore l'opus, Magoo affronte le très futuriste " Revolutions of the planets ", un fragment aussi minimaliste qu'expérimental. Déconcertant !
Miss Malenfant est une chanteuse canadienne, originaire du New Brunswick. Au cours des dernières années, elle a régulièrement fréquenté notre plat pays. A ce jour, elle compte cinq albums à son actif : deux productions limitées, "Turtle blues" et "Your good thing", "Eye of the hurricane" (1994), un opus consacré aux chansons du répertoire de Janis Joplin intitulé "Little girl blue" (1997), et "Piece of my heart" (99). Le potentiel physique de Theresa respire la puissance. Et avant même de l'écouter, il n'est pas difficile d'imaginer que sa voix impose. Elle est même retentissante.
Pour enregistrer " Listen up ! ", elles s'est entourée du groupe belge, Midnight Believers. En ouverture, "Ain't nobody home" nous la présente comme un grande dame du R&B. Il est incontestable qu'elle eut aimé vivre au cœur de Beale Street, à Memphis. La suite du programme nous réserve de bien agréables surprises. "5 10 15 hours" est un très bon blues rythmé. La voix claire domine des musiciens bien inspirés. Et notamment Dominique Van Tomme au piano, le doigté aussi agile aux ivoires que derrière son orgue. Le calme apparaît au sein des studios de Destelbergen. Theresa commence à chanter une douce ballade aux accents majestueux. Elle y met tout son cœur. A l'instar de "First night alone without you". Miss Malenfant revient rapidement à ce qui est son style personnel, sur "Everybody's happy (but me)". Un blues rythmé, coloré chaque fois par le piano de Van Tomme. "Shaky ground" figure au répertoire de bon nombre de formations R&B. Le tempo funky qui colle à ce titre est ici bien emballé par la rythmique. Une rythmique constituée de Geert Bostyn à la basse et de Kristof Vandooren à la batterie, renforcée par les deux cuivres et l'orgue. "I won't be around" est une nouvelle ballade, une bien jolie ballade à la mélodie accrocheuse. Si la section de cuivres y tire son épingle du jeu, la guitare de Tom Brys signe une sortie réussie. Ce type de ballade me rappelle le meilleur de Miss Irma Thomas. Et croyez-moi, c'est un compliment ! Lorsqu'elle reprend Otis Redding, elle se met dans la peau de "Miss Pitiful" et nous confirme qu'elle adore le Memphis R&B, façon Stax. Jean Pol Cornelis dirige les sessions en studio. Il sort également sa guitare " slide " sur "Somebody up there likes me" pendant que Marjorie et Werner s'activent aux chœurs. "Come on down to the blues bar" d'Eddie Lusk concède des accents gospel, alors que Stefan Thaens au sax et Joery Dewachter à la trompette sortent tous deux d'excellents soli. Teresa a la voix de circonstance ; et cet album produit du bon R&B. Un opus qui se termine par des adaptations de King Curtis et de Wilson Pickett.
A l'origine, le premier album solo de Malkmus devait s'intituler " Swedish reggae ". Il est tout simplement éponyme. Première constatation, les compositions sont davantage structurées, les délires sonores balisés, les dérapages expérimentaux prévisibles et les mélodies beaucoup moins capricieuses que chez le défunt Pavement, dont la séparation remonte à 1999 et chez qui Stephen partageait le leadership avec Robert Nastanovich. Seule la voix, capable de se muer en falsetto, a conservé le goût de l'aventure. Ce qui n'empêche pas Stephen d'avoir recours indifféremment aux samples, à la slide, à la flûte ou à l'instrumentation basique. On comprend mieux aujourd'hui le rôle joué par Bob au sein du symbole yankee de la lo fi. Hormis " Church on white ", chanson écrite en souvenir d'un ami décédé suite à une overdose d'héroïne, le ton adopté est beaucoup plus récréatif, humoristique, ou plus exactement ironique, voire sarcastique. Certains fragments frôlent pourtant l'univers de Lou Reed. Mais son pôle le plus optimiste (NDR : il ne doit pas être facile à détecter !), le moins glacé ( !?!?). Bref, un disque fort agréable à écouter, mais loin d'être indispensable à se procurer…
Les Mama's Boys se sont formés en 1994 dans un vieux club de Los Angeles (Venice), le Babe & Ricky's Inn. Le leader est le chanteur harmoniciste Johnny Mastro. Il est entouré du guitariste Dave Melton, du bassiste Jeff Henry et des drummers Adam Johnson et Mike Owens. J'adore ce band. Son énergie. L'énorme groove qu'il libère. Les Mama's Boys sont incontestablement les dignes successeurs du Red Devils de Lester Butler. Plusieurs guitaristes ont participé à l'enregistrement cet opus. Et notamment Peter Malick, Michael D'Santi et Job Striles. La production est assurée par le chanteur/batteur Max Bangwell.
Les Boys sont de suite dans le coup. La section rythmique prend les rênes. Mastro peut se mettre en route. Sa voix nasillarde et ses coups d'harmo bouseux font monter le thermomètre de quelques degrés sur "Can't get ever". "You wrong" est extraordinaire. Le son de la slide de Melton est sale, poussiéreux. Elle libère une énergie primaire qui rappelle Hound Dog Taylor. L'harmonica de Mastro sonne très Sonny Boy Williamson II. En particulier sur la plage titulaire "Pinch the snake" et sur "Told my baby". La section rythmique manifeste beaucoup de rigueur et de rigidité sur "Bone dry". La guitare décolle par un son très métallique. "Dynamite" est un shuffle explosif. Blues lent, "Depending on you" permet à Melton de sortir le grand jeu. Son solo tout à fait excellent est prolongé par un travail aussi parfait, classique mais tellement évident, de Johnny à l'harmonica. La reprise de "Behind the sun" de Lester Butler est sans aucun doute un clin d'oeil vibrant au regretté disparu. Johnny Mastro a d'ailleurs tenu le rôle de Butler dans un concert hommage de "13". Les Boys osent une adaptation nerveuse du "Blues don't like no one" d'Otis Spann. La guitare toujours très musicale, piaille et gazouille à travers les haut-parleurs. A l'harmonica chromatique, Mastro se déchaîne à la manière de Little Walter. "Liquor store" a été écrit par Jimmy Reed. Le jeu d'harmo dans les aigus est très significatif, pendant que Melton joue le rôle d'Eddie Taylor. "Sadie" de Hound Dog est un excellent blues. La section rythmique et l'harmo montent graduellement en puissance avant que n'éclate la slide. "Bassman Mama" est un nouveau smoking shuffle. Et croyez moi, les Mamas ne sont pas prêts de déposer le gant ! L'elpee s'achève par le funky "Ocean Front Walk". Une plage aussi puissante que le reste, mais plus funky. Un superbe album… que j'adore…
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