Quatrième album pour ce groupe américain qui voudrait être Dream Theater à la place de Dream Theater. Authentique groupe de prog-metal, Shadow Gallery perpétue la tradition des breaks scientifiques, en développant des solos d'une grande technicité au sein de plages à tiroirs interminables. Les 34'18" du titre "First Light" livrent une somme de riffs et de breaks à faire pâlir de jalousie Yes ou le grand Rush. Certes la technique est irréprochable. Certes les membres de Shadow Gallery ont tous fréquenté un conservatoire. Certes l'organe du chanteur Mike Baker possède bien des atouts. Mais je déplore l'absence d'émotion manifestée par ce "Legacy". Un tantinet trop pompeuse, cette plaque comblera néanmoins de bonheur ceux qui ont craqué sur les derniers Ark, Fates Warning ou Ivory Tower.
La bonne blague de la semaine ! L'Italie ne s’abreuve pas seulement d'Eros Ramazzotti. Personnellement je n'en doutais pas. Mais bon... Tout d'abord, passez outre les quelques paroles en italien qui ne nuisent finalement pas trop; ensuite oubliez que Green Day (les titres punky), Fishbone (les cuivrés) et Skatalites (les skas donc) sont des noms qui reviennent en tête toutes les 3 mesures, et vous tenez là une bonne petite plaque de ska punk. Tout se tient finalement. A noter une reprise à la sauce ska de " Seek and destroy " des 4 de Metallica.
Ce jeune chanteur/guitariste anglais avait enregistré son 1er album en 1994. Intitulé "Touch of your love", il était paru sur Red Lightnin. Pour enregistrer ce nouvel opus, Todd s'est entouré de toute une série d'invités notoires.
L'adaptation du "I can't stop it" de Joe Liggins est un pur boogie woogie. Une ouverture caractérisée par une brillante intervention du pianiste Paddy Milner. Keith Dunn chante sur 7 titres. Un Américain, de Rhode Island très exactement, qui joua naguère chez Roomful of Blues. "Losin' this woman" bénéficie du concours d'une des meilleurs voix du blues anglais. Celle d'Earl Green, pour ne rien vous cacher. Un vocaliste qui sévit aujourd'hui au sein des Kingsnakes de Paul Lamb. "Ordinary fool" est un blues savoureux, inspiré par Guitar Slim. Brillant aux cordes, Todd libère un solo tout en sensibilité face à Eugene "Hideaway" Bridges, préposé au chant. Shuffle très entraînant, "Bird on a wire" est nourri par la présence de deux harmonicistes. On y reconnaît distinctement Paul Lamb. Il ponctue chaque phrase de petites notes qui font mouche à chaque fois. Quant au solo, il est l'œuvre du chanteur, Keith Dunn. Leo Sayer chante le R&B largement cuivré, "I think I'm blind". "Heart and soul" est un long blues lent traversé par le solo dramatique attendu. "Willow" est une plage instrumentale hantée par l'ombre de Carlos Santana. L'ambiance feutrée, latino américaine est omniprésente. Chanté par Earl Green sur un rythme soutenu, "Doghouse" atteint un autre sommet au cours duquel Todd engage un duel de cordes avec Snowy White et la slide de Mick Taylor. Hormis l'ouverture et "Look watcha done" de Magic Sam (NDR : une de ses références), Todd a composé l'intégralité de l'album. Paul Lamb démontre à nouveau toute l'étendue naturelle de son talent, lorsqu'il imprime avec force le rythme sur son harmonica. Il le démontre sur "Ball". L'album s'achève par une ballade douce et mélodique que Sharpville chante en personne. J'ai été agréablement surpris par cet opus. Un disque habillé ( !?!?) d'une superbe pochette. Faut dite que Jane, Amber et Charlotte ne manquent ni de charme, ni de sensualité…
Avant d'entamer une carrière individuelle, Virgil Shaw sévissait chez Dieselhed. Un groupe californien, de San Francisco très exactement, en compagnie duquel il a bourlingué une bonne dizaine d'années ; et puis surtout commis cinq elpees. " Quad cities " constitue donc son premier album solo. Un disque pour lequel il a quand même reçu le concours de quelques potes. Mais uniquement pour apporter quelques touches de sonorités insolites à sa solution basiquement acoustique, lo fi. Des sonorités clairsemées mais tellement lumineuses produites par des instruments aussi inattendus que la scie, les cloches, la trompette chinoise ou le vibraphone. Pour écrire ses chansons délicates, douloureuses, Virgil regarde le monde qui gravite autour de lui à travers des lunettes déformantes. Il y épanche alors ses émotions, ses angoisses, d'une voix savoureusement versatile, en s'accompagnant d'une simple guitare sèche, qu'il joue le plus souvent en ‘picking’. Néo country folk !
Le deuxième opus de Michael J Sheehy nous plonge au sein d'un univers atmosphérique, né s'un savant mélange de mélancolie, d'intimisme et d'indolence. Sis à la croisée des chemins de Nick Cave, de Tindersticks, de Cowboy Junkies et du Dream City Film Club sous son aspect le plus moelleux, cet univers est hanté par le vocal androgyne de Michael, dont les inflexions reverb, empruntées à Chris Isaak, sont régulièrement enrobées de chœurs gospel. Parfois, le ton peut néanmoins épouser une forme plus aride, plus agressive. A l'instar du tribal " Michael Jnr " ou de l'hypnotique " Wa'cha gonna do ? ". Deux titres que PJ Harvey pourrait facilement adapter au féminin. Coulé (?!?!) dans le delta, " Black holes is waiting (baby let's go) " est absolument superbe. Mais le meilleur fragment de l'opus est incontestablement la cover de " Mystery train ". Une chanson écrite par le tandem H Parker/S Philipps et immortalisée par Elvis Presley. Excitante, envoûtante, la nouvelle version vous remue véritablement les tripes. Un must !
Bien qu'issu de Boston, Sheila Divine puise essentiellement ses influences dans la musique insulaire. Et en particulier chez U2, Radiohead, les Smiths, Kitchens Of Distinction et la cold wave des eighties. Une musique qui libère beaucoup d'intensité électrique. Normal depuis que le line up du combo a engagé pour deuxième guitariste, l'ex-Lincolnville, Colin Decker. Une intensité électrique luxuriante, chatoyante, brumeuse, bringuebalante, soutenue par une section rythmique solide, hypnotique et modelée par un sens mélodique particulièrement contagieux. Une intensité électrique balayée par le timbre vocal languissant, déchiré entre passion et émotion d'Aaron Perrino, responsable de chansons tantôt tendres, tantôt frénétiques, tantôt houleuses, tantôt hymniques. Et là, vous allez me dire, encore un groupe qui use et abuse des clichés britpop ! Et vous n'avez pas tout à fait tort. Car, si cet album est plutôt bien ficelé et même très agréable à écouter, il ne fera certainement pas avancer le schmilblick…
Comme rien ne s'approche de près ou de loin de Shelby Bryant dans ma discothèque (NDR : peut-être certaines productions de Thinking Fellers Union Local 282), cette critique va être coton. Tout d'abord, ce disque est paru chez Smells like records, c'est à dire le label de Steve Shelley (Sonic Youth), sur lequel on retrouve notamment Blonde Redhead. Dans ces conditions, ce " Cloud-woud music " devait forcément être intéressant. Il ne m'a effectivement pas déçu. Et c'est déjà un bon point. Car cette plaque est curieuse voire anachronique. Pensez-donc, ouvrir ce disque en chantant "It's a lovely day", et ne pas en démordre jusqu'à son terme, mérite que je leur tire mon chapeau. D'un optimisme béat, presque écœurant, nonobstant la présence en filigrane de mélodies à 2 balles et d'instruments bontempi, les compos frôlent à tout moment la pire des indigestions. Mais comme le sieur Bryant est un personnage attachant et que sa bonne humeur est communicative, c'est tout le contraire qui se produit. Reprendre une chanson de Daniel Johnston est d'ailleurs preuve de bon goût. Johnston qui doit partager sa chambrée avec Bryant, soit dit en passant. Même imagerie infantile, même naïveté dans les propos, même humour décalé nourri de dessins animés et de comics. En conclusion, "Cloud-wow music" constitue le truc le plus original et le plus surprenant que j'ai pu écouter, et donc apprécier, depuis belle lurette… Vous voulez une preuve ? J'en consomme plusieurs morceaux, au minimum une fois par jour !
Lorsque Sheller s'entoure d'un groupe traditionnel en plus d'un ensemble à cordes, je crains toujours le pire. En général, ça casse plus souvent que ça ne passe. Impression confirmée par cet enregistrement live de la tournée qui a suivi la sortie des "Machines Savantes", dernier album studio en date. Dès la deuxième plage, la batterie enlève toute la finesse de "Moondown". Au troisième, le solo de guitare saccage "Les millions de singes"… Sans le groupe, les choses s'arrangent sur les quatre fragments qui suivent : "Les orgueilleuses", "To you", Centre ville" et "Un endroit pour vivre" ; pour finalement repartir sur du rock (ou du métal) de bas étage. Fin du premier cd. Le second est différent. Sur les 11 titres seuls 3, regroupés en fin de concert, sont taillés dans le rock (dont "Rock n' roll dollars"). Sheller ne s'y trompe d'ailleurs pas et plaisante à ce sujet lors de la clôture. Parce qu'il doit reprendre l'exécution de sa "Chanson lente", tant l'écart entre les deux mondes, qu'il tente de faire cohabiter, est grand. Bon, voilà pour l'aspect "technique". L'interprétation générale est évidemment de qualité, la présence d'une clarinette ou d'une trompette ça et là donne une nouvelle dimension à certaines chansons. Le track list judicieux recèle quelques classiques ("Genève","Une chanson qui te ressemblerait",…) et de nouveaux titres. Mais si tout se marie plutôt bien, ce mélange rock/classique ne soude pas spécialement l'ensemble. Alors soit vous créez une programmation, soit comme moi vous réécoutez Sheller. "En solitaire" !
Les Shins nous viennent du Nouveau Mexique. D'Albuquerque, très exactement. Une formation qui puise allègement dans la pop des sixties pour composer ses chansons. Et tout particulièrement chez les Kinks, les Beach Boys, Syd Barrett, Simon & Gardfunkel, les Byrds et les Beatles circa " Rubber soul ". Ce qui doit vous donner une petite idée du style qu'elle pratique. Qui n'a pourtant rien de revivaliste. Car elle possède la capacité de transcender ses influences, de manière à les fondre dans un contexte très contemporain. Ou alors tout simplement dans la mélancolie post punk. Ce qui explique pourquoi l'électronique n'est pas exclue. Elle est même parfaitement intégrée. Les Shins recèlent également des affinités avec les Lilys, Neutral Milk Hotel ou encore Kings Of Convenience, mais à des degrés divers. A cause du chanteur/compositeur, tout d'abord. En l'occurrence James Mercer. De son timbre éthéré, presque falsetto, régulièrement délayé dans de superbes harmonies vocales cristallines, il épanche ses lyrics douloureux, introspectifs, ésotériques, communiquant une certaine beauté fragile à des mélodies facilement mémorisables, le plus souvent semi acoustiques et légèrement teintées de psychédélisme. Et pour ne pas tomber dans la morosité, les Shins ont eu le bon goût d'intercaler, sur cet " Oh, inverted world ", l'une ou l'autre composition ensoleillée ou alors tout simplement plus enlevée. A l'instar du complexe, presque prog, " Caring is creepy ", réminiscent de Sunny Day Real Estate, du ferroviaire " One by one all day ", du power pop, presque new wave, " Girl on the wing " ou encore de l'allègre " Pressed in a book ". Un chouette album !
Après avoir publié " Low Budget ", " Walk " et " Plenty of time ", ce roots singer helvétique nous propose son 4ème album chez Crosscut. Si Hank chante et assume toutes les parties de guitares, il serait indécent de passer sous silence le rôle de Thomas Erb. Il a composé 13 des 14 plages de l'album dont il est le producteur et l'ingénieur du son. Excusez du peu ! Baptisé tout simplement " Hank Shizzoe ", cet opus est bien plus personnel. Solitaire même. Et ne cherchez pas le nom d'un autre musicien, Hank joue de tous les instruments sur cette œuvre intimiste au ton très folk.
Hank ouvre le disque par " Don't bore me, man ". Le climat est confidentiel, la voix chaude, proche de Tony Joe White, et la guitare sonne comme celle de Mark Knopfler lorsqu'il aborde son répertoire le plus folk. La ballade " Small time " s'inscrit dans le même registre. Elle est aussi la composition que je préfère. Les cordes sonnent parfois métalliques, proches des sonorités produites par la steel guitar. A l'instar de " Forget about taste ", pourtant plongé dans une ambiance hawaïenne. Hormis "No ghosts around here", il faut reconnaître que le blues est assez boudé. A contrario, le disque regorge de chansons sombres, minimalistes, à travers lesquelles transparaît l'ombre de Léonard Cohen. Et je pense tout particulièrement au doux et bien joli " You make it sway ", à " Sally goes home ", et puis à " Serious shopping ", plongé dans un climat carrément noir et blafard. Rare plage électrique, " Rock around the moon " est assez étonnante. A cause surtout de l'utilisation de vocaux, ma foi, extraterrestres et puis de l'explosion d'un étrange harmonica. Une idée à creuser ! Enfin, enrichie de dessins réalisés par Philip Brand, la pochette est fort soignée. Cet album reste de bonne facture, mais je lui préfère les précédents, exécutés au sein d'un véritable groupe…
D'après la biographie, le premier album de cette formation suédoise transpirait à plein pores le métal urbain des Stooges. Une caractéristique beaucoup moins évidente sur " Citizen Bird ", leur nouvel opus, même si le guitariste a souvent tendance à torturer sa guitare comme Ron Asheton. Nonobstant le clavier rogné, poussiéreux, leur nouvelle ligne de conduite se rapproche davantage de celle de Loop. A cause du tempo hypnotique qui balise le climat franchement psychédélique. D'ailleurs, sous sa forme la plus space rock, la solution sonore épouse un profil aussi obsessionnel que chez Hawkwind, alors que lorsqu'elle s'évapore dans l'éther atmosphérique, elle flirte avec l'univers de Spacemen 3. Au fil de l'album, les compositions se révèlent beaucoup plus éclectiques. Acoustiques, également. A l'instar de l'excellent " Axe moon ". Lorsqu'elles n'épousent pas un profil new wave. Surtout lorsque le synthé se substitue à l'orgue. Seul le final " I love you " nous rappelle que la musique de Siverbullet est profondément marquée par Iggy Pop et ses Stooges…
Le retour. Baromètre du néo-métal (vous savez, le genre), Slipknot enfonce le clou dans la surenchère. C'est que nous avons à faire aux spécialistes en la matière, s'il est nécessaire de le rappeler. Et avouons qu'un nouveau palier vient d'être franchi : celui du foutage de gueule, intégral cette fois. Autant le premier album passait à moitié, autant celui-ci lasse très vite. De par sa monotonie très certainement. Mais surtout par sa complaisance envers les codes en vigueur. Plus spécialement au chant ! C'est du beuglement pour du beuglement et les passages plus aériens (vous savez, encore le genre) sont d'une niaiserie affligeante. Même le batteur, principal intérêt selon moi du groupe, ne tient plus la cadence. Slipknot se singe déjà, se mord la queue, mais vendra comme des petits pains sa cargaison de " Iowa ". C'est tout le mal qu'on leur souhaite. Les masques tombent déjà…
"Lookbook" constitue déjà le troisième album de Slut. Un quintette allemand dont la musique évoque, à premier abord, New Order, Talk Talk et Naked Eyes. A cause des arrangements particulièrement soignés, parfois même sculptés dans les instruments à cordes ; du sens mélodique mélancolique, à la sensibilité new wave. Du timbre vocal tendre, clair, chargé d'émotion de Christian Neuburger. Et puis du rôle majeur joué par le claviériste/pianiste. En finale, " Hope " est même découpé dans une mélodie cold wave digne du Cure. Et pourtant, au fil des écoutes, on se rend compte que Slut est capable d'embrasser différents horizons sonores. Tantôt progressif, technologique ou même complexe. A l'instar du curieux " No say ", plus qu'inspiré par Brian Eno. Mais les compositions les plus intéressantes sont aussi et cependant les plus électriques. Abordées avec un esprit britpop. Et je pense plus particulièrement au convulsif et blurien " No time ", à " Global cut ", qui s'inscrit dans la lignée de Radiohead, Muse, Coldplay et consorts ; et puis d' " On fire ", dont la longue construction de plus de sept minutes épouse un profil fort proche de Kent. Un ensemble à suivre de très près, c'est une certitude !
Le plus agaçant (NDR : mais aussi le plus stimulant !) pour les inconditionnels d'un groupe, c'est de découvrir sur un " Best of " ou un " Greatest hits ", l'un ou l'autre titre inédit. L'édition limitée de cette compile ne devrait pas trop faire hésiter les aficionados de Smashing Pumpkins, puisqu'elle en recèle une bonne dizaine. Pour la plupart excellents ! Faudra quand même qu'ils se grouillent, puisque la vente de ce double CD est limitée dans le temps. Des morceaux issus des sessions d'enregistrements de " Melon Collie and the infinite sadness ", de " Adore " et de " Machina ". Mais aussi des raretés et des faces " b " de singles. Pour celles ou ceux qui viendraient de découvrir l'existence ( ?!?!) du défunt groupe chicagolais (NDR : ça arrive, faut pas rigoler !), réputé pour son mélange très personnel de métal et de psychédélisme, ce recueil découpé en 34 fragments constitue une excellente introduction. Pour en savoir davantage, je les invite quand même à utiliser notre moteur de recherche…
Figure emblématique de la scène des années 80, cet ensemble canadien avait forgé sa réputation en brassant un subtil alliage de rock progressif, teinté de musique médiévale, à des éléments typiquement hard rock US. Après un passage à vide, amorcé en 1985 par le trop poppy " Behaviour ", Saga réussissait un beau tour de force, il y a deux ans, en sortant " Full Circle ". Un opus qui renouait avec le son qui avait fait son succès jadis. " House of Cards " en est la suite logique et renferme lui aussi tous les ingrédients qui ont façonné ses classiques. " God Knows ", " The runaway " et " Always There " séduiront d'emblée les inconditionnels du groupe période " Heads or Tales ", tandis que le " Chapter 11 " (NDR : les fans comprendront), dont le riff rend hommage au fameux single " Careful where you step ", concilie passé et présent avec fougue et brio. Mais la marque de fabrique de Saga demeure la voix superbe, unique, caressante, veloutée, immédiatement identifiable, de Michael Sadler. Loin de constituer une œuvre passéiste, House of Cards jouit de l'apport modéré des nouvelles technologies, comme les samples par exemple. Ainsi, sur le titre " That's how we like ", le combo s'est amusé à repiquer la foule chantant son refrain lors d'un concert à Toronto. Et ce n'est là qu'une des surprises qui jalonnent ces onze nouvelles fines pièces de dentelle !
Curtis n'est pas très connu chez nous. Pourtant il possède une solide aventure musicale derrière lui. N'a-t-il pas inspiré John Belushi pour la création des Blues Brothers? Il est né en 1954 dans le North West américain, mais vit aujourd'hui à Eugene, dans l'Oregon. Le premier fait saillant de sa carrière remonte à 1976, lorsqu'il décide de rejoindre le Robert Cray Band, pour assurer le rôle de chanteur/harmoniciste. Il y restera six ans. En 1984, il entre dans le Roomful of Blues. Toujours comme chanteur/harmoniciste. Il y sévira deux ans. De retour à Portland, en 86, il forme les Stilettos en compagnie du bassiste de John Lee Hooker, John Mazzocco.
Il sort son 1er album, "Curtis Salgado", en 91. Et le suivant, "More than you can chew", en 95. La même année, il rejoint Santana pour participer à une tournée nationale. En 97, il grave "Hit it and quit it" ; mais en compagnie de Terry Robb, un guitariste de l'Oregon. On raconte que Curtis avait une voix comparable à celles d'Otis Redding et de Paul Rodgers. Je ne pense pas qu'il soit judicieux d'évaluer son timbre de cette manière. Curtis, c'est… Curtis. Sa voix est superbe, expressive, légèrement éraillée, très personnelle. Maintenant, il est vrai que la plupart des plages de cet album auraient pu être chantées par Otis ou Paul. Mais le résultat aurait été différent. Le style dispensé tout au long de cette œuvre, qui alterne le bon et le très bon, est le fruit d'un mélange entre R&B et soul. Encore que le tempo soir rock, et le plus souvent imposé par les six cordes. Deux guitaristes collaborent à 7 des 11 titres. En l'occurrence Jesse Young et John Wedemyer, le gratteur attitré de Charlie Musselwhite.
La section rythmique est très soudée, dense, et s'impose en permanence. En ouverture, "Old enough to know better" bénéficie du concours d'un troisième guitariste, Jimmie Vaughan. Pas pour rien qu'il s'agit d'un des meilleurs morceaux ! "The harder they come" se distingue par un son très catchy, très contagieux, si vous préférez. Curtis est un harmoniciste brillant. Il est dommage qu'il ne manifeste pas plus souvent ce talent. Il nous réserve quand même un joli solo mélodique sur l'exercice de style, "Portable man" ; et sur un instrumental puissant, enrichi de la guitare de Lloyd Jones, "Lip whippin". La fin de l'album est superbe. Rehaussé par la présence de la chanteuse Lou Ann Barton et par le retour de Jimmie Vaughan aux cordes, "Hip hip baby" est un rocker qui sent bon le Texas. Quel bonheur! Jimmie reste en place pour attaquer, en finale, un autre rocker : "More love less attitude", comme à ses plus beaux jours…
Eric Sardinas incarne la version contrastée de Johnny Winter. Il commet l'album "Treat me right", en 1999. Pour accomplir ce second chapitre, il n'a rien changé, profitant à nouveau de l'absence prolongée de son idole albinos. Eric n'est pas texan mais californien. Il dirige son trio sans concession, flanqué du bassiste Paul Loranger et du batteur Scott Palacios.
"Piece of me" ouvre l'album. La slide réverbérée dégage un maximum d'énergie. Le chant est éructé à la manière de qui vous devinez. Sardinas déballe sa National steel pour aborder "My sweet time". Son jeu sur l'acoustique est de qualité. Il se permet par ailleurs une version étonnante du "Gambling man blues" de Honeyboy Edwards, quand il chante en duo avec le mythique bluesman. Pour obtenir le son que dégage la slide, il a recours à une guitare resonator acoustique amplifiée. Une technique qui donne d'excellents résultats pour les plages inspirées par le Mississippi Delta country blues, telles que "Aggravatin' Papa", "Be your man" et "Devil's train". Eric peut adoucir son tempo, et même un tantinet calmer son chant. A l'instar de "Killin' time blues". Son cœur s'arrête du côté de Chicago, lorsqu'il reprend le "My kind of woman" d'Elmore James, en dispensant le riff de slide bien connu. Une autre facette intéressante du personnage relève de son attachement au southern rock. Et il le manifeste à travers "Country mile" et "8 goin' south". Pour produire ce " Devil's train ", Eric a reçu le concours de Neil Citron. Et la mise en forme accomplie par le duo est de qualité. (NDR : Loranger, puis Citron ; faut croire qu'il aime les agrumes…)
Réponse insulaire à Slint et à Low, ce quatuor de Nottingham pratique une musique intimiste, mélancolique, ténébreuse, indolente; une musique minimaliste, traversée de courants légèrement jazzyfiants, réminiscents du Soft Machine de Hugh Hopper voire de Mark Hollis, où l'instrumentation parfois insolite, partagée entre guitare, vibraphone, basse, percussions, trompette et piano, murmure, vibre; pendant que la voix de Graham Langley, fragilisée par une incroyable tristesse, se lamente, gémit… Et s'il se sent seul et désespéré, à l'instar de " There is nothing new here ", il a le courage de résister. Nous aussi !
Après avoir commis " Beyond Skin " en 1999, le porte-parole du label Outcast nous revient avec un quatrième album. Guère de changement par rapport à l'opus précédent, même si Nitin Sawhney fait toujours preuve d'un bel éclectisme, pour élaborer son savant mélange d'electro et de world music. Parmi les meilleures compositions, je retiendrai surtout les superbes morceaux de trip hop " Nothing " et " Nothing More ", pour lesquelles Tina Grace est venue donner de la voix, celui de world music ", Moonrise ", auquel participe Cheb Mami, un rap tramé sur fond de guitares saturées, " Ripping Out Tears ", rehaussé par la présence de Pinky Tuscadero, et enfin, " Breathing Lights ", fragment caractérisé par une rythmique jungle et enrichi de sublimes arrangements de cordes. Valeur sûre de la scène electro british/asiatique, Nitin Sawhney confirme donc, sur " Prophesy " tout le bien que l'on pensait de lui, même si personnellement j'ai toujours un petit faible pour son précédent elpee. N'hésitez pas à fouiner du coté du label Outcaste, car si Nitin Sawhney vous branche, le label grouille d'artistes de la même trempe.
Scared of Chaka pourrait un peu être au punk-rock-pop-garage (ordre aléatoire) ce que Bob Log III est au blues. Nous nous retrouvons donc face à une formation instantanément contagieuse. Et sans l'ombre d'un doute capable de déclencher l'adhésion inconditionnelle des fans. Le son est brut, la production réduite à son plus strict minimum. Face à tant de bonne volonté mélodique, d'intégrité musicale, un seul constat : Scared ne se repose pas sur ses lauriers. Et si on veut bien survoler sa discographie, il faut bien admettre que nous sommes en présence du prototype même de formation qui mouille sa chemise, saute sur chaque opportunité, mais qui, je pense, ne se leurre pas trop sur son avenir. En toute logique, le groupe ne devrait jamais sortir des limbes underground ou alors très fugacement. Mais là n'est pas l'essentiel. En effet, l'attrait réside ici dans la spontanéité, dans l'évidente urgence à jouer. Mais surtout dans le plaisir. En perpétuant, en respectant les genres abordés, mais aussi en tentant d'imprimer sa propre vision, Scared of Chaka évite un intellectualisme fatigant, les honneurs de type " Sauveur " (‘woaw, sans vous nous serions passés à côté, grand merci…’), réhabilitant une certaine insouciance et une spontanéité, qui, au hasard, fait maintenant défaut au… Jon Spencer Blues Explosion…
Si on ne tient pas compte du mini elpee " Messenger in the camp ", " Surviving the quiet " constitue le premier véritable album de ce quatuor londonien. Un opus dont l'édition limitée est enrichi d’un deuxième cd quatre titres.
Naviguant quelque part entre lo fi (Pavement, Sebadoh), noisy pop (My Bloody Valentine, Sonic Youth) et noisecore (Pixies), Seafood diffuse une pop mélodique, contagieuse, parsemée d'éruptions d'électricité caustiques, métalliques, voire même frénétiques. Et pourtant, parfois la musique semble baigner au sein d'un climat plus paisible, plus atmosphérique. Mais le plus souvent, c'est pour mieux libérer l'intensité des cordes jumelées produite par les deux guitares. Ce qui ne veut pas dire que leurs chansons manquent de nuances. Que du contraire. L'opus réserve d'ailleurs la place à l'une ou l'autre composition plus countryfiante, enrichie d'une pedal steel guitar. Ou même à un intimisme rafraîchissant. A l'instar de " Beware design ". Chantée par la drummeuse Caroline Banks, cette mélopée puérile est ainsi subtilement soulignée par un violoncelle. Bref, un album déchirant, déchiré entre punch et douceur, dont la sensibilité est accentuée par le timbre vocal plaintif, aride, de David Line. Superbe !
Trio féminin amstellodamois, Seedling ne bénéficie de la collaboration du bassiste Bas Jacob, que sur les planches. Un musicien qui a quand même participé à l'enregistrement de cet opus, mais pour une seule composition, " Silver & blue ". Tout comme chez les Throwing Muses de la fin des eighties, cette formation adopte la formule vocale du dialogue décalé. Ce qui procure à leurs mélodies une forme plus complexe, plus underground. Des mélodies sculptées dans l'intensité blanche popcore. Qui peuvent même s'aventurer dans le semi funk blanc. A l'instar de " 27 hours ". Lorsqu'elles ne débordent pas d'adrénaline électrique. Maintenant, n'imaginez pas que Seedling marche sur les traces des Veruca Salt, Breeders, Belly, Juliana Hatfield et consorts. Il s'en inspire, c'est vrai. Mais plus encore de That Dog. A cause des interventions au violon de Susanne Linssen. Le plus souvent frénétiques ; surtout lorsqu'elles se fondent dans l'ensemble. Mais aussi grinçantes, à l'instar du dEusien " High on the downside ". Ou encore gémissantes et mélancoliques. Comme sur le minimaliste " Malice ". Le combo n'hésite pas non plus à tirer parti de la technologie moderne. Question de donner plus de mordant au groove. A un tel point qu'une chanson comme " Cool baby " aurait pu naître d'un hypothétique croisement entre Garbage et PJ Harvey. Rafraîchissant !
Sully Sefil est un artiste ambigu. Il véhicule, d'une part, une image de rappeur qui a sévi dans le groupe Koalition, avant de commencer sa carrière solo ; et dont la notoriété a explosé grâce au single " J'voulais ". Un tube matraqué par les radios, et dont le succès fut foudroyant, mais de courte durée. D'autre part, Sully Sefil est le fondateur de la marque de vêtements ‘Royal Wear’, du collectif Royal Squad, et de la boîte de production Royal Produksheun. Une chose est sûre, il cumule…
Mais venons-en à l'album. Nonobstant plusieurs écoutes, force est de constater que disque ne brille pas par son originalité. A cause des lyrics, tout d'abord. Des textes qui transpirent une certaine sincérité, plus ou moins crédibilisée par le fait que le monsieur ne cherche pas vraiment à se donner un style bad boy, mais qui ne dépassent guère le stade de la banalité. Des instrus ensuite. Surtout lorsqu'ils sonnent presque ridicule en optant vainement pour le format éléctro (" Hip hop de dingue ", " Pour mes ladies et mes lauss "). Pourtant, l'opus recèle quelques très bons titres. Et je pense tout particulièrement à " Putain d'journée " et à " Ca fait bizarre ". Ce qui explique pourquoi j'ai un avis plus que mitigé vis à vis de cet album. Mais de là à le qualifier d'indispensable…
Le premier album ‘live’ officiel de Radiohead réunit des compositions écrites pour leur deux dernier elpees, "Kid A" et "Amnesiac", ainsi qu'une chanson qui avait été commise à l'époque de l'enregistrement du " OK Computer ". Intitulée " True Love waits ", elle n'avait toujours pas été reproduite sur CD. Enfin, officiellement. Un fragment minimaliste que Thom chante en s'accompagnant uniquement d'une six cordes acoustique. Les sept autres fragments nous replongent dans cet univers étrange, avant-gardiste, presque glacial, qui envahissait les deux derniers opus. Ce qui paradoxalement, n'empêche pas ces adaptations de libérer une dose d'émotion assez phénoménale. En fait, l'instrumentation basique a beau prendre ici le pas sur la technologie moderne, les morceaux sont tellement imprégnés du nouvel état d'esprit affiché par Thom Yorke, qu'ils conservent toutes leurs propriétés lugubres et douloureuses. Et à travers cette œuvre anti commerciale, on se rend compte que Radiohead manifeste de plus en plus le désir de revenir au cœur de l'underground. Quoique j'estime tout à fait paradoxal que les spectateurs aient dû débourser plus de 30 euros (NDR : faites le change en dollars, puisque les enregistrements sont issus de leur dernière tournée accordée aux States) pour assister à ce type de concert. Enfin, pour être tout à fait complet, sachez que l'opus est habillé d'une superbe pochette. Probablement une des plus belles de l'année !
Alors que la presse spécialisée ( !?!?) martèle depuis plusieurs mois que le nouvel album de Radiohead sera aussi saignant et électrique que son best seller " OK Computer ", Radiohead vient de publier un deuxième volume de musique expérimentale. De quoi désorienter encore davantage les fans de la première heure. Pourtant, lorsqu'on sait que la plupart des chansons de cet " Amnesiac " sont issues des mêmes sessions d'enregistrement que " Kid A ", le résultat ne pouvait souffrir d'aucune équivoque. Le groupe d'Oxford avait même pensé, l'an dernier, sortir un double CD. Puis s'est ravisé. Histoire d'en remettre une couche.
Tout comme pour " Kid A ", je risque donc de me démarquer à nouveau de l'impression générale laissée par ce disque. Parce qu'il est fort intéressant. Plus aussi surprenant que " Kid A ", mais aussi instinctif et créatif, il nous précipite dans un abîme digital. Les onze titres qui le composent méritent en tout cas, une radioscopie individualisée…
Austère, crépitant sur un lit de percussions electro-tribales, " Packt like sardines in a crushd tin box " navigue aux confins de l'univers d'Aphex Twin. Parcouru par des accords de piano luxuriants, orageux, " Pyramid " (NDR : le single !) se glace littéralement au contact de la voix spectrale de Thom. Exercice de style étrange pour " Pulk/Pull revolving doors ", dont la robotique distordue est coulée dans le drum'n bass. Peuplé de lyrics rebelles, " You and whose army " marque le retour de la guitare ; et puis embrasse une construction mélodique plus conventionnelle, réminiscente même de " Karma police ". " I might be wrong " porte les stigmates métalliques du Led Zeppelin. Il ne nous mène pas pour autant en ballon. " Knives " constitue, à mon humble avis, la plus belle chanson de cette œuvre. Pas parce qu'elle a nécessité plus de 300 heures de travail, mais à cause de cette progression de cordes acoustiques et semi acoustiques, dont Johnny Marr avait le secret lorsqu'il sévissait encore chez les Smiths. " Morning bell " figurait déjà sur " Kid A ". Rebaptisé " Morning bell/Amnesiac ", il a subi un traitement davantage atmosphérique. Fragment le plus complexe de l'opus, enrichi d'orchestrations symphoniques somptueuses, pleine de " Verve ", " Dollar and cents " palpite sur un tempo hypnotique, krautrock dans l'esprit de Can. Exclusivement généré par des boucles, l'interlude instrumental " Hunting bears " était tout à fait dispensable. Avec pour seule toile sonore turntables et bandes passées à l'envers, la voix de Thom tisse le fil conducteur de la mélodie sur l'avant-gardiste " Like spinning plates ". Dernier fragment du morceau de plastique, " Life in a glasshouse ", est une composition plus ancienne. Dotée de lyrics aussi surréalistes que le " Whiter shade of pale " de Procol Harum, elle a été reciselée en studio pour la circonstance. Et le lifting est plutôt remarquable, puisqu'il implique toute une série de cuivres, dont la trompette de Humphrey Lyttleton. Un vétéran du jazz qui éclabousse la composition ‘neworleanesque’ de son talent.
Oeuvre au climat particulièrement sombre, sinistre même, " Amnesiac " reflète l'état d'esprit plutôt torturé de Thom Yoke ; un personnage qui avoue avoir une obsession maladive de la mort, mais en même temps et heureusement, détenir la force d'âme pour vouloir rester en vie. C'est plutôt réconfortant…
L'étape du troisième album est toujours un moment décisif dans la carrière d'un groupe rock. Après avoir commis un "Herzeleid" martial à souhait et un "Sehnsucht" qui leur avait fait connaître amour, gloire et beauté sur tout le globe, les Allemands de Rammstein allaient-ils se conformer dans cette formule électro-métal-gothique sophistiquée, sans prendre le risque de valider de nouvelles théories musicales? Ces derniers temps, les interrogations étaient grandes. Dès "Mein herz brennt", premier titre caractérisé par son riff qui n'est pas sans évoquer le "Kashmir" de Led Zeppelin, le ton est donné. Les Teutons n'ont rien perdu de leur sens aigu du heavy qui tache, mais y ont ajouté une touche épique, des harmonies sombres, mélancoliques, et renforcé le symphonisme par l'apport de chœurs féminins et d'un ensemble à cordes. Savante alchimie entre métal glacial et mélodies aux structures plus complexes, "Mutter" apporte son lot de joies, de surprises et d'émotions au fil des onze titres qui le composent. Et citer les "tubes" potentiels se résumerait tout simplement à énumérer son tracklisting dans son intégralité. En distillant ses chansons dans la langue de Goethe, Rammstein a réussi à imposer à l'échelle internationale, en l'espace de quatre ans, ce que Nina Hagen et Die Toten Hosen tentent vainement d'atteindre depuis l'aube des années 80. Avec un "Mutter" en forme de symphonie martiale, qui devrait arriver en tête des référendums de fin d'année, le combo peut prétendre au titre du groupe métal le plus prometteur du moment.
Joey Ramone n'est plus. Emporté par une maladie imputable à une vie jalonnée d'excès en tout genre, le leader du groupe punk américain le plus influent de l'histoire laissera des traces de son passage dans le monde des vivants. Et pas seulement une kyrielle d'albums devenus des classiques ; mais aussi une multitude d'élèves biberonnés à son rock n'roll survitaminé.
Sans les Ramones, les Green Day, Offspring, Rancid, et autres combos pseudo hard core n'auraient sans doute jamais vu le jour. Avec cet "Anthology", on pourrait penser que Warner cherche à capitaliser sur la mort du big Joey. Pour notre part, nous préférons voir en ce double album un ultime hommage au plus binaire mais au plus furieux groupe de rock de ces vingt-cinq dernières années. D'autant plus que le travail a été accompli minutieusement, et qu'aucune période de la carrière des Ramones n'a été oubliée. Cinquante-huit titres, pas moins, retracent l'histoire du band de 1976 à nos jours. L'objet idéal pour quiconque voudrait s'initier à la Ramones mania, sans avoir à casser sa tirelire pour se procurer l'intégralité de l'oeuvre, forte de dix-huit albums. "Blitzkrieg Bop", "Rockaway Beach", "Rock n' roll high School", "Mama's Boy", "Psycho therapy", "Somebody put something in my drink", "Pet Semetary", "Chinese rock": ils y sont tous ! Que des classiques, du pur fun, de l'énergie, de l'adrénaline, le tout construit sur trois accords et une rythmique des plus simplistes...Les Ramones quoi ! Absolument incontournable.
Si vous avez délaissé Pierre Rapsat depuis quelques années (c'est mon cas), voici une bonne occasion de réécouter le chanteur liégeois. L'album s'ouvre en force par "Les rêves sont en nous", sans doute l'une des plus belles mélodies créées par Rapsat au cours de sa longue carrière. La chanson vous porte gaiement sur la voie des vacances. Des vacances que notre homme passe volontiers dans un petit port du nord de Barcelone. Il raconte "La folie catalane", cette région où ‘la mer et la montagne se sont rencontrées’, où Salvatore Dali a vécu et où les incendies de forêts peuvent être très impressionnants. Je peux confirmer que la chanson sonne juste: il l'ignore certainement mais Pierre Rapsat et moi avons passé plusieurs étés dans le même village catalan...
Néanmoins, Rapsat ne parle pas uniquement de vacances. Il tient des propos nettement plus sérieux sur notre vie qui ressemble de plus en plus à des sitcoms où ‘après usage on jette’ ; sur ce monde effrayant où ‘chacun pour soi’ devient une maxime trop facilement intégrée. Et il s'étonne et se réjouit qu'‘on existe encore’ sur cette planète au milieu des OGM, des caméras de surveillance, des serial killers et des chapeaux d'Amélie Nothomb. Le propos est pertinent. Suffira-t-il à convaincre les réticents ? On peut en douter car les défauts du personnage demeurent : les compositions ne surprennent que très rarement et le chant, à vouloir être trop beau et trop juste, prend un tour sentencieux. Bref, il manque un grain de folie dans cet album. Mais le single, lui, trotte bien dans nos têtes.
Ray Norcia est un chanteur harmoniciste qui force le respect. Il avait formé les Bluetones en 1979. A Boston. En compagnie du guitariste Ronnie Earl. Cet ensemble est responsable de deux albums pour Rounder, "Knock out" et "Don't stand in my way". Il a également participé au live de Big Walter Horton, "Little Boy Blue", paru sur J.S.P. En 1991, Sugar Ray est devenu le chanteur du big band, Roomful of Blues, en compagnie duquel il a commis 4 albums. Il a également enregistré aussi pour Michelle Wilson et Otis Grand. Au cours des dernières années, il a également collaboré à la confection de la collection "Superharps", pour le label Telarc. Enfin, ces derniers mois, il a réuni du beau monde pour remonter les Bluetones: Mudcat Ward à la basse, Neil Gouvin à la batterie et Kid Bangham à la guitare.
Le Kid a fait partie en son temps des Fabulous Thunderbirds. Et, croyez-moi, cet album nous ramène à la grande époque de T-Birds. Même la voix de Ray emprunte les intonations de Kim Wilson. Et en particulier lorsqu'il attaque "Rockin' sugar daddy". Les doigts de pied s'emballent, et notre esprit opère immédiatement un rajeunissement d'une bonne vingtaine d'années. Il poursuit sur sa lancée en alignant le prototype des meilleures chansons reprises par les harp bands, dont "I got love if you want it" de Slim Harpo. Emaillé de petits shuffles brûlants, "Call me lonesome", "The picture" et "Low down lady" sont de véritables délices à écouter. Mais aussi "Room 531". Un blues lent à l'intensité dramatique, composé par Bangham. Soulignons aussi la présence de "Lonesome cabin" et de "It's my life, baby", imprimé sur un tempo à peine plus rapide. A l'instar de tant d'autres harmonicistes, Sugar Ray est largement inspiré par Little Walter. Il reprend ici l'instrumental "Off the wall". "You can't be the one for me" se traîne paresseusement dans les swamps de la Lousiane. Un bon album des Bluetones !
" Old Ramon " constitue le sixième album de Red House Painters. Pourtant, ce disque a failli ne jamais paraître et la formation ne jamais se remettre de ce coup du sort. En fait, les sessions d'enregistrement datent de fin 97 ; et le label major, chez qui RHP avait eu la mauvaise idée de signer, n'a pas voulu le sortir. Motif ? Pas assez commercial. Entre-temps, Mark Kozelek, chanteur/compositeur/guitariste et surtout leader du groupe, n'est pas resté inactif ; puisqu'il a gravé deux elpees solo (" Rock'n roll singer " et " What's next to the moon ") et trempé dans le monde du cinéma, comme scénariste et même acteur.
Finalement, RHP a atterri chez Sub Pop qui s'est empressé, après un reliftage, de l'éditer. Et croyez-moi, ce disque est remarquable ! Rien que les 11'24 de " River " valent leur pesant d'or. Et les 8'38 de " Between days ", à peine quelques carats en dessous. Deux chansons qui s'ébrouent sous une forme acoustique, puis s'électrifient insidieusement, progressivement, avant de s'irradier au contact de l'intensité blanche. Une intensité blanche tellement pure et envoûtante qu'elle en atteint l'âme. Une formule à laquelle Neil Young flanqué de son Crazy Horse et le Dinosaur Jr de John Mascis ont parfois recours. Mais de manière beaucoup moins atmosphérique. Car, s'il fallait mentionner une œuvre de référence, ce serait " If I could only remember my name " de David Crosby que je citerais. Pourtant, si le timbre vocal de Mark est toujours aussi lugubre, hanté, angoissé, indolent, sa musique est beaucoup moins pessimiste (NDR : je n'ai pas dit plus optimiste, nuance !). Ce qui permet aux mélodies d'embrasser une gamme d'émotions beaucoup plus large. De manifester beaucoup plus de relief, structure accentuée par un judicieux équilibre entre instrumentation acoustique et électrique. Un must !
Iverson ‘Lousiana Red’ Minter est né en 1932 dans l'Alabama. Il perd sa maman quelques jours plus tard. Quant à son père, il sera assassiné par le Ku Klux Klan, en 1941. Sa jeunesse n'a donc pas été facile. Il ne fait donc aucun doute que sa rencontre avec le blues en a été facilitée. Depuis 1981, il vit en Allemagne, mais se rend désormais régulièrement dans son pays.
Bluesman remarquable, authentique, marqué par Muddy Waters et Lightnin' Hopkins, il a déjà signé quelques albums d'excellente facture pour Earwig. Notamment "Sittin' here wanderin" en 95 et "Millenium blues" en 99. Il reste avant tout un véritable blues writer, dont les lyrics prennent toujours tout leur sens. Comme par le passé, il se partage entre son blues acoustique ancré dans le Delta, et un blues urbain, puissant, largement électrique, à l'instar de l'ouverture "Driftin". Les musiciens sont de 1ère classe. Pas difficile à comprendre, puisqu'on y retrouve les mêmes que sur son précédent opus. En l'occurrence le pianiste Allen Batts, l'harmoniciste Willie "Big Eyes" Smith et le bassiste Willie Kent. Il est seul, assis, au bord du Mississippi, pour crier son "Hard hard time", avec pour unique compagnon, son dobro. Il embraie par le "Bring me some water" de Lightnin' Hopkins, avec un tel naturel et une telle présence, qu'il en devient impressionnant. Pareille pureté dans le blues se fait rare de nos jours. C'est toujours en solitaire qu'il nous accorde un boogie sale, primaire, éclairé de sa voix dominante : "Leaving Grandma". Petit hommage à une légende vivante, "The day I met B.B King", marque son retour à l'amplification. Red hurle alors son mal de vivre au Seigneur ; un cri de douleur épanché sur "Keep your hands on the plow". Il signe alors un témoignage, acoustique celui-ci : "I met Lightnin' Hopkins". En fin d'album, plusieurs plages électriques rappellent le Chicago blues de naguère. Et en particulier "Powder room blues" et "Train station blues". Une époque au cours de laquelle Muddy Waters régnait sans partage. Un excellent album!
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