Billy Boy est né à Chicago en 1935. Alors qu'il ne compte guère plus de 13 ans, il a l'audace de pousser la porte de son idole, John Lee "Sonny Boy I" Williamson ; le vrai ! En 1948, BB apprend donc les rudiments de l'harmonica au contact de ce musicien mythique, alors très populaire auprès des audiences noires. Il n'aura pas le temps de le rencontrer souvent puisque John Lee fut assassiné la même année, dans une rue de Chicago. Il connaîtra un autre fait mémorable lorsqu'en 1955, il enregistra le fameux single de Bo Diddley, "Bo Diddley / I'm a man".
Billy Boy enregistre ensuite pour Vee-Jay quelques titres incontournables, tels que "I wish you would" et "I ain't got you". Disparu de la circulation un long moment, il est réapparu ces dernières années, le temps de commettre 2 albums pour Alligator : "Back where I belong" en 93 et "Eldorado Cadillac" en 95.
Voici son grand retour en compagnie du Duke Robillard Band au grand complet, s'il vous plait! Duke est aux cordes, Matt McCabe au piano, John Packer et Jeff McAllister constituent la section rythmique ; alors que Doug James et Gordon Beadle se concentrent aux saxes. Et le résultat est probant ; le niveau musical est même très élevé.
Billy Boy a composé six des 12 titres, dont les toniques "Greenville" et "Come here baby". Il joue d'un harmonica très amplifié, dans un style proche de la légende Sonny Boy. Les meilleurs titres sont incontestablement "Let's work it out", un fragment assez jump boogie, et l'ouverture "Bad luck blues" parcourus par les plus belles interventions instrumentales de Matt et de Duke. "Hello stranger" est aussi une toute bonne composition. L'harmonica s'évade, pendant que la guitare de Duke veille au grain à l'arrière. Abordée sur un mode discret, assez laidback, la plage titulaire est particulièrement réussie. Stimulé par de bonnes apparitions très respectueuses du passé, de Duke et de Matt, BB se sent 40 ans de moins. Parmi les reprises, certaines valent le détour. Leur choix est sans doute inspiré par Duke. Ainsi soutenu par l'envol des saxes en solo, "Just got to know" et "Every night, every day", de Jimmy McCracklin, ainsi que "Home in your heart", pourraient figurer au répertoire du DR Band. Deux compositions de Ray Charles nous plongent dans une superbe ambiance. Tout d'abord "Greenback". Et puis "Blackjack", un slow blues procédant plus du style T-Bone que du Chicago blues ; mais que Billy Boy chante admirablement devant le piano de McCabe. Cet album sans faille est ponctué d'une interview de plus de 18', au cours de laquelle Mr Arnold nous raconte ses aventures vécues en compagnie de Sonny Boy et de Bo Diddley!
De bon petit groupe, Ash est occupé progressivement de passer au statut de très bon groupe. D'abord, il en est à son troisième album ; et la plupart des chansons qui le composent sont de véritables hits potentiels. On savait que Tim Wheeler était capable d'écrire de foutues bonnes mélodies, mais chez " Free all angels ", elles sont encore plus contagieuses, plus efficaces, plus naturelles. Un disque de power pop fort bien équilibré qui alterne ballades de pure pop (" Sometimes "), parfois enrichies d'orchestrations de cordes (" There's a star ", " Someday " et surtout le superbe " Candy " qui implique un sample du " Make it easy on yourself " des Walker Brothers "), punk pop torride (" Nicole ", " Shark ") ou pogotant (" World domination ") et house au groove post Happy Mondays (" Submission "). Les lyrics ne dissertent cependant plus sur la guerre des étoiles, mais parlent des filles et de l'été. Et si les sujets peuvent paraître futiles, ils sont ici traités avec beaucoup plus de pertinence que vous pouvez l'imaginer, permettant à Tim d'épancher toute la sincérité sombre de son nihilisme. Elargi à un quartette depuis l'arrivée de Charlotte Hatherley à la deuxième guitare, Ash vient probablement d'enregistrer l'album de la consécration. Enfin, c'est tout le mal qu'on lui souhaite…
" En toute sérénité " marque les débuts de cette jeune chanteuse belge, aux origines métissées. Parolière de quelques-uns des onze morceaux de son premier album, Leyna a, pour principale qualité, une voix sensuelle et ample. Mais elle paraît bien mal exploitée au milieu de mélodies banales qui confondent mollesse avec tendresse et romantisme. Simples pour ne pas dire simplistes, les chansons de cet album ont peu de chance de marquer les mémoires. Et quant bien même elles parviendraient à se faire remarquer ( ?), elles tomberaient rapidement dans l'oubli. Pire encore, son style ne parvient ni à émouvoir ni à séduire. En fait, sa musique ne possède pas ce petit plus qui retient l'attention, même quelques instants. A contrario de Sweet Jane, autre jeune vocaliste également peu connue, qui parvient à captiver l'attention par ses textes écrits tantôt en français ou en anglais, qu'elle chante en s'accompagnant de sa seule guitare acoustique. Peut-être faudra-t-il laisser à Leyna, le temps de mûrir son talent…
Comme son titre l'indique, cet elpee a été enregistré en public et sous une forme acoustique. Ce qui donne une nouvelle dimension aux chansons de cet ensemble parisien, d'Ivry sur Seine très exactement, tout en démontrant son aisance à se passer d'amplification électrique, sans pour autant perdre la puissance de son sens mélodique. Une formule qui met, bien sûr, davantage en valeur la voix de Fred, dont le timbre empreint d'une troublante sensualité, hésite entre caresse et morsure. Et puis également les textes du groupe. Une poésie torturée qui joue sans cesse sur les ambiances et les mots (NDR : ce qui doit plus que probablement indisposer ceux qui pensent détenir le monopole de l'humour !), sans pour autant négliger un engagement social certain. Et parmi les 13 exercices de style proposés sur cet opus, on retrouve les inévitables " Raisonne ", " L'âge d'or ", " Peu importe ", " Les codes ", " J'en rêve " et bien d'autres…
Astrid nous vient du nord de l'Ecosse. Un quartette dont le premier elpee, " Strange weather lately ", avait reçu le concours d'Edwyn Collins à la production. Pourtant, bien que pop, la musique de cette formation n'affiche aucune affinité avec le postcard, pratiqué en son temps par l'ex leader d'Orange Juice ; mais plutôt avec d'autres Ecossais : le Teenage FanClub. A cause des harmonies vocales angéliques, de ce savoureux mélange entre cordes de guitares acoustiques et électriques scintillantes, chatoyantes. Des mélodies contagieuses, hyper contagieuses, chargées tantôt d'adrénaline, de lumière ou de nostalgie. Pour enregistrer " Play dead ", Eddy a cédé le relais à Tony Doogan. L'ombre de TFC est cependant toujours aussi présente. Mais la forme épouse un profil légèrement britpop que ne renierait pas un certain Bluetones. Et le timbre vocal aigrelet de Willie Campbell, proche de celui de Mark Morris, y est sans doute pour quelque chose. Dans le style, c'est vraiment un chouette album !
De retour au Caire depuis 1999, Natacha Atlas semble de plus en plus se rapprocher de ses racines. Déjà sur son précédent opus, elle s'était totalement immergée dans le shaabi, la musique populaire traditionnelle égyptienne ; et puis surtout, avait écrit ses chansons en arabe. " Ayeshteni " s'inscrit parfaitement dans la lignée de " Gedida ". Un disque tout autant imprégné par la culture d'Afrique du Nord, son rythme et ses passions. Et tout au long de cet opus, qu'elle illumine de ses volutes vocales, les oscillations de cordes exotiques et les arpèges de cordes se conjuguent aux percussions tribales et aux accès de basse dub. Et cet équilibre délicat, établi entre production brillante, assurée par ses fidèles collaborateurs Tim Whelan et Hamid Mantu, et mélodies intenses, lui permet même de revisiter, avec beaucoup de bonheur et d'originalité, le célèbre " I put a spell on you " de Screamin' Jay Hawkins et l'intemporel " Ne me quitte pas " de Jacques Brel. Seul le remix de " Manbai ", opéré par Nitin Sawhaney, fait un peu tâche d'huile dans l'ensemble. Encore que les DJ's ne doivent pas du tout partager mon point de vue. Comme les puristes de world music, qui risquent même de tirer à boulets rouges sur ce qu'ils considèrent probablement comme beaucoup trop dénaturé par la technologie moderne. Mais ici, c'est une question de goût…
Alors eux sont pas près de crouler sous le fric. Vu les royalties qu'il vont devoir à droite et à gauche. En effet, la liste des samples est kilométrique (NDR : une avalanche !), et puise dans tous les styles : bossa nova, house, salsa, funk, disco, house, jerk… Bref rien que du dansant, pensez-vous ? Enfin, pas tout à fait. Parce que si le groove est omniprésent, la musique recèle un côté expérimental qui frise le délire. Ce qui dénote chez ce collectif australien, de Melbourne très exactement, un sens de l'anticonformisme particulièrement aiguisé. Enfin, si les 2 titres qui passent régulièrement sur les ondes radiophoniques vous ont fait remuer les doigts de pieds, alors n'hésitez pas, le reste est du même tonneau. Cet album ne tape jamais trop sur le système et reste une plaque très agréable à écouter. Surtout si vous aimez reconstituer des puzzles de plus de 500 pièces…
Album ‘live’, "Hoarse" réunit des enregistrements opérés pour la plupart au Bluebird Theatre de Denver, dans le Colorado, en mai 98. Seul " Fire spirit ", qui bénéficie de la collaboration du chanteur de Noir Désir, Bertrand Cantat, relève d'un set accordé en octobre de la même année au Bataclan de Paris. Sur les onze titres de cet elpee, trois sont consacrés à des reprises. Le susvisé " Fire spirit " de Gun Club, référence incontournable du groupe, " Days of the lords " de Joy Division ; et puis " Bad moon rising " du Creedence Clearwater Revival. Trois formations qui ont fatalement marqué 16 Horsepower, à des degrés divers. Maintenant, il faut avoir assisté à un concert du combo pour pouvoir imaginer la puissance que dégage leur country/folk/rock/blues. Une musique sauvage, ténébreuse, venimeuse, et si riche en sentiments et en mélodie qu'elle ne peut être qu'authentique. Pas pour rien que David Eugène Edwards projette, dans ses lyrics, une image des States qui n'est pas celle qu'on a l'habitude de nous faire voir, mais plutôt celle d'une Amérique sordide et déprimante. Ah oui, et l'album alors ? Bien, très bien même. Il n'y manque que l'image…
Les champions du recyclage sont de retour. Avec un album beaucoup plus électronique. Electro pop, pour être plus précis. Une tendance qu'on avait déjà pu constater sur la bande sonore du film " Downhill city ". Mais avec " Rally of love ", 22 Pistepirkko vient probablement de réaliser son " Technique ", au moment où New Order en revient à style plus basique. Sur cet opus, plus guère de trace de garage, de psychédélisme, de blues, de country ou de r&b (NDR : et si elles existent encore, elles sont bien cachées), mais une solution sonore sophistiquée, imprimée sur un tempo métronomique, enduite d'harmonies vocales falsetto dont le raffinement me fait penser aux Pet Shop Boys, mais en moins post adolescent. Un travail d'orfèvre auquel ont participé le producteur Per Sunding (Sort Sol, Wannadies), l'ingénieur du son Stefan Kvarnström et le mixeur Tore Johansson (Cardigans, Boss Hog). Mais le produit fini a beau être irréprochable, il manque de feeling, de chaleur, de cette audace créatrice, qui en avait fait, à ce jour, son originalité. Dommage !
Quel peut être le lien entre PJ Harvey et Dalida ? Dominique A bien sûr ! Il reprend " Les enfants du Pirée " sur un album entièrement produit par John Parish, connu pour son étroite collaboration avec Polly Jean. Parish joue même de la basse et de la guitare sur la plupart des chansons d' " Auguri " (NDR : meilleurs vœux en italien, paraît-il !). Tant que nous en sommes aux références, signalons que Dominique A commet une autre reprise sur cet album : " Je t'ai tant aimée ", de la formation belge Polyphonic Size. Une interprétation magnifique de douceur. Cet album, déjà le 5e du Français, respire la sérénité. On s'y glisse d'autant plus facilement que le chant de Dominique A semble cette fois spontané, débarrassé de tout acharnement à dérouter ou impressionner l'auditeur. Qu'il choisisse la sensualité, la tension ou même le clin d'œil ironique (les chanteurs sont mes amis), il s'en sort chaque fois avec les honneurs. Un grand moment !
‘Do you believe in rock n' roll ?’ Telle est la question soulevée par cette plaque. Mais du rock n' roll comme on l'imaginait dans les années 50/60. C'est-à-dire dépravant et dangereux pour une jeunesse influençable. Tout le monde sait ça. Adepte donc de la remontée temporelle, ce band mixte (3+3) mélange des rythmes punky à des vocaux féminins truffés de ‘ho ho’, ‘yeah yeah’ et autres joyeusetés. Sorte de Southern Culture on the Kids ou de B 52's mâtinés d'un esprit rageur et noisy plutôt que rigolo, The Action Time nous balance une plaque plutôt sympa, énergique sans pour autant nous propulser dans la quatrième dimension de l'excellence. Honnête, dirons-nous.
Malgré le coup de vieux que ce genre, apparu il y a deux ou trois ans, semble avoir pris ces derniers temps, le terme post-rock semble encore d'actualité pour qualifier ce groupe écossais formé en 1998 : envolées de larsens dignes d'un Mogwai première cuvée, sensibilité à fleur de peau suivie de brusques sursauts dans le rouge du potentiomètre. Bref on a affaire à des chansons à la structure décomplexée de tout couplet-refrain binaire, où le chant garde tout de même une place indéniable… Encore que : d'un timbre sibyllin, la voix du chanteur peut se transformer, sur certains morceaux, en un cri guttural digne des pires groupes de popcore juvénile, tendance Muse et consorts. Et c'est là que le bât blesse : entre pop songs gentillettes et finals métalleux gargantuesques, Aereogramme a du mal à choisir son camp. Les aiguilles s'affolent au moment où nos oreilles s'acclimatent confortablement aux abîmes délicats d'une chanson douce, ce qui provoque un léger sentiment d'agacement, et très vite d'abandon. Stop eject ! Pourtant, la groupe emmené par Craig B. (ancien leader des… post-rockeux Ganger) y met de la hargne et du cœur, aussi bien dans ses penchants lyriques (dans les meilleurs moments, on pense à Sigur Ros) que purement électriques (dans les meilleurs moments, on pense au Sonic Youth période " Goo "). Alors, JJ72 ou Pinback, Sepultura ou Fugazi ? Ils sont jeunes, indécis, et ont de la rage à revendre… Reste à voir de quel côté de la force ils se pencheront.
Chaînon manquant entre le Beta Band et Gorky's Zygotic Mynci, Alfie nous vient de Manchester. Un quintette qui parvient à incorporer à son folk, une multitude de styles musicaux. Tantôt la pop, le psychédélisme, le prog, le music hall, le jazz, la house et la bossa nova. Trempant le tout dans un bain de technologie moderne. Violoncelle, violon, piano, flûte, harmonica, tambourins et cuivres font ici bon ménage avec synthés, boucles et arrangements sophistiqués, pour emprunter des paysages pastoraux impressionnistes au sein desquels la voix laconique de Lee Gordon se plait à musarder. Pour concocter son premier elpee, la formation a remasterisé ses trois premiers Eps, auxquels elle a ajouté l'une ou l'autre nouvelle composition. Dont le luxuriant, " Umlaut ", caractérisé par ses orchestrations " flaminlipsiennes " ainsi que le syncopé et baroque " 2 up to down ". Sur les onze fragments que composent cette plaque, j'avoue quand même un petit faible pour " It's just about the weather ", dont les sonorités de guitare bringuebalantes me rappellent celles qui fleurissaient sur la six cordes de George Harrisson, tout au long de l'album " Abbey Road " des Fab Four ; et puis " You make no bones ", dynamisé par un groove digne de Gomez. Beaucoup plus acoustique, le reste se révèle, ma foi, fort agréable à l'oreille. En Grande-Bretagne, la presse spécialisée est déjà parvenue à étiqueter ce groupe de NAM ; traduisez New Acoustic Movement. Et elle le considère même comme le leader de cette scène. Pourquoi pas ? Si vous aimez les étiquettes…
Lorsqu'il n'officie par derrière les fûts au sein des Melvins, Dale Crover empoigne la guitare et pousse la chansonnette chez Altamont. Majoritairement rock, voire rock n' roll dans tout ce que le terme peut avoir de péjoratif, mais toujours avec une légère tendance au stoner, "Our darling" est une plaque honnête, mais rarement percutante. Seuls quelques titres surnagent ici et là. "Our darling" justement. A cause de cette voix féminine proche de celle d'Alison Shaw, la chanteuse des Cranes ; et puis de l'ambiance plutôt ‘Twinpeaksienne’. "Swami", ensuite. Un morceau oublié des Buttholes Surfers. Et enfin "Strippy Hole". Un instrumental atmosphérique angoissant. Finalement lorsque Crover ne chante pas. Bref, le reste du temps la musique d'Altamont est chargée des pires gimmicks de l'histoire du rock. Parfois même piqués aux Rolling Stones. C'est pas que j'aime pas les Stones, mais lorsque je veux m'en prendre une tranche, je préfère réécouter les originaux.
Tori Amos est un sacré bout de femme. On la connaissait pour ses prises de position résolument féministes. Mais de là à interpréter à sa manière, et sur un même album, 12 compositions écrites par des mecs au sujet de femmes, il y a un pas que je ne m'imaginais pas la voir franchir. Elle parvient ainsi à adapter la musique, mais aussi le sens des chansons. Même Eminem figure sur la liste (NDR : noire ?). Et ces nouvelles versions, prennent une toute autre dimension, souvent difficilement reconnaissable, presque malsaine. Le traitement sonore radical vise ainsi également " New age " du Velvet Underground, " Strange little girl " des Stranglers, " Enjoy the silence " de Depeche Mode, " I'm not in love " de 10cc, " Rattlesnakes " de Lloyd Cole, " Time " de Tom Waits, " Heart of gold " de Neil Young ", " I don't like mondays " des Boomtown Rats ", " Happiness is a warm gun " des Beatles et "Real men" de Joe Jackson. Le tout est emballé dans une superbe pochette où Tori pose dans treize tenues et coiffures différentes (NDR : sans oublier le maquillage) sur autant de photos signées Neil Gaiman. Et pour ceux qui aiment les collections, sachez que cette pochette est sortie sous quatre versions différentes…
Ce groupe danois n'a aucun lien de parenté avec Craig Armstrong (NDLR : et puis il compte un ‘r’ en plus dans son patronyme !), l'un des fers de lance de Melankolic, le label de Massive Attack ; et pourtant on décèle dans leurs compositions éthérées ce qui fait le charme des Bristoliens et de leur écurie : des rythmes concassés, une ambiance délétère faite de blips neurasthéniques et une voix chloroformée, celle de Marie-Louise Munck. Le groupe n'a aucun lien de parenté non plus avec Aim (auteur de l'album " Cold Water Music "), l'un des fers de lance de Grand Central, le label de Rae et Christian ; et pourtant, on décèle dans leurs compositions éthérées ce qui fait le charme des Mancuniens et de leur écurie : des breakbeats lessivés, du spleen à la sauce downtempo et une voix soul, celle de Marie-Louise Munck. Mais au contraire de la scène britannique, la scène électronique danoise n'a jamais véritablement été sous le feux des projecteurs, et pour cause : à vouloir copier les meilleurs, on n'accouche péniblement que d'ersatz. Et même si Amstrong s'est entouré de l'Orchestre Philharmonique de Prague, comme Badalamenti pour la musique de " Mulholland Drive ", on ne se perd pas ici dans les délicieux méandres d'une histoire musicale hypnotisante, mais plutôt dans une histoire à dormir debout. Et puis Marie-Louise Munck n'est ni Rebekah Del Rio (ah, ce " Llorando " !), ni Ursula Rucker, mais juste une pâle copie de ses divas du dancing que sont, au hasard, Louise Rhodes (Lamb), Jill Scott, ou même Liz Fraser.
Au terme de l'existence des Swans, Michael Gira a remonté aussitôt The Angels of Light et sorti dans la foulée un premier album. Depuis, notre homme s'est attelé à faire tourner boutique (NDR : Young God Record est son label). " How I loved you " constitue donc la deuxième fournée de ce véritable groupe drivé par une des figures les plus charismatiques de son époque. Annoncé par 2 titres sur la "Compilation 2000 AD", cet opus conforte l'impression qui m'avait été donnée à l'époque. A savoir une musique épaisse, fouillée, intrigante et bien à l'image de Gira. Outre la structure instrumentale classique guitare/basse/batterie, la variété incroyable d'instruments oscille de la scie musicale au piano, en passant par l'ukulélé et l'accordéon. Sans oublier les ambiances funèbres, l'angélisme des voix féminines et le timbre incantatoire de Gira. Tout un arsenal mis au service de véritables chansons, presque formatées pour certaines tranches horaires radiophoniques. A l'instar du magnifique "Jennifer's Sorry". Assurément une totale réussite ! L'ombre du corbeau Nick Cave plane parfois (NDR : c'est flagrant sur "My true body"). Mais rien à faire, s'il est un artiste dont l'œuvre est tellement personnelle qu'aucune comparaison ne parviendrait à altérer son originalité, c'est bien de Gira qu'il s'agit. Ah oui ! Qui a dit que Gira était un mauvais garçon ? C'est la photo de sa môman qui est reproduite au recto du digipack et celle de son pôpa au verso…
Au début des années 80, Annihilator est passé à deux doigts de devenir aussi populaire que Slayer ou Metallica. Victime d'un problème de promotion, mais surtout d'incessants changements de line-up, le groupe canadien pratiquait pourtant, déjà un trash technique, largement en avance sur son époque. Annihilator nous assène un nouvel opus fort copieux et jubilatoire, sous forme d'hommage à tous les groupes qui continuent à passionner le leader de cette formation, Jeff Waters. Mais qu'on ne s'y méprenne pas, si les clins d'œil aux géants du métal y sont légion, il ne s'agit en aucun cas d'un album de reprises. A l'écoute de " Shallow Grave ", impossible de ne pas penser à " Overdose " d'AC/DC. " Hunter Killerne " ne dépareillerait pas dans le répertoire de Slayer, le titre maître sonne comme du Blue Oyster Cult survitaminé, tandis que l'ombre de Judas Priest plane sur le violent " Time Bomb ". Soulignons encore la qualité de la production et la performance du chanteur Joe Comeau. Cet ex-guitariste d'Overkill réussit l'exploit de moduler sa voix tantôt à la Bon Scott, à la Halford ou encore à la Bruce Dickinson. Varié mais homogène, puissant mais souvent mélodique, technique mais pas nombriliste pour un sou, l'œuvre constitue au final un très très grand album de trash métal old school ; un opus tout à fait incontournable pour les amateurs d'un style détrôné depuis une décennie par le black et le death métal, qu'il a pourtant engendré.
Composé d'un trio, fait relativement rare dans le petit monde du néo-métal, Anyone a été initié, sous le nom de Sylvia, par l'ex Foo Fighters Taylor Hawkins, aujourd'hui retourné fonder un projet dans sa ville natale de Seattle. Nominé en 1999 aux Los Angeles Music Awards, il draine dans son sillage un public hétéroclite, amateur de surf, de hard core et de punk rock. Pour accentuer sa nouvelle orientation néo-métal, Anyone s'est payé un producteur dans le vent, en la personne de Rick Parasher. Sa complicité a mené le combo sur un tourbillon sonore où virevoltent avec légèreté les ondes psychédéliques de Pink Floyd, de Jane's Addiction et du Led Zeppelin. S'appuyant sur une basse saturée, un groove parfois funky et des drums souvent jazzy, la musique d'Anyone n'est pas assimilable dès la première écoute et mérite que l'on s'y attarde, pour en percevoir toutes les nuances qui se fondent avec merveille sur une trame paranoïaque.
« Une affaire d'état » constitue le premier album du Tournaisien. Enfin, Pierre Surquin et son band, car il faut reconnaître que ses musiciens ont largement contribué à l'enregistrement de cet opus. Tout d'abord Cédric Delahaye. Le claviériste. Qui a compris le rôle fédérateur qu'il devait jouer au sein de la musique de Pierre. Un seul dérapage, " Une idée arrêtée ". C'est aussi le seul fragment faible de l'elpee. Mais aussi le plus complexe. Si Pierre a écrit la musique, les lyrics sont partagés entre Fabrice Delmeire et Jacques Godard. Des textes, ou plus exactement des poèmes baroques, composés dans la langue de Voltaire, qu'il chante de son baryton profond, intimiste. Sauf pour " L'écho du havre ", un fragment dont l'aridité des guitares sculptées dans le funk blanc est adouci par son exercice en falsetto. Un seul instrumental. Et très court : " Les titres parlent d'eux-mêmes ". Et puis un morceau caché. Probablement intitulé " D'étranges affinités ". Qui libère une électricité sauvage, décapante, dont l'intensité me rappelle… Sonic Youth. Mais venons-en au cœur de l'opus. Particulièrement riche, " L'été se termine " est agité par un psychédélisme ambiant, tramé entre les guitares et les arrangements particulièrement riches. Tribal, envoûtant, " Et ça en est là " aurait pu figurer dans le répertoire d'un Bernard Lavilliers. Nonobstant les guitares redoutables, les claviers aquatiques et le zeste de techno, " La forge " épouse un profil mélodique proche d'un Voulzy, mais un Voulzy qui se serait intéressé à la pop alternative. Pop, satinée, légèrement cuivrée, " De l'infini à zéro " constitue probablement la chanson la plus contagieuse de l'elpee. Imaginez qu'Ultravox se soit intéressé à la bossa nova, et ce n'est pas " Rien qu'un malentendu ". Chez " Ce compagnon qui filait doux ", le minimalisme est de rigueur, mais un minimalisme chatoyant, chaleureux, légèrement cuivré, saupoudré de percus élégantes, de claviers organiques ou en boucles, et d'accords de guitare délicatement reverb. Apparemment calme, intimiste, " Ma vision est trouble " s'agite en permanence, se tourmente au fond de l'âme. Enfin " Langue pendue " s'ébroue sous une forme paisible, avant de glisser progressivement vers une consommation électrique de guitares libérées, vivaces, vivifiantes, réminiscences d'American Music Club et de Wheat… Pour un premier album, Pierre vient probablement de réussir un coup de maître…
Ce mini album est sorti début de cette année, mais n'a bénéficié d'aucune promo officielle. Un disque qui fait la part belle à l'instrumentation acoustique. Le violon et la guitare surtout. Une six cordes jouée le plus souvent en picking. Et puis de temps à autre un accordéon, un piano et quelques percussions. Des vocaux également. Moins omniprésents que sur les opus précédents. Vaporeux, délicats, régulièrement conjugués en harmonie sur mode falsetto, ils se fondent parfaitment dans la nature élégiaque, pastorale des chansons. Propices à la méditation, à la mélancolie, les mélodies chatoyantes, minimalistes de ce " Blue Trees ", s'abreuvent aux mêmes sources rafraîchissantes que Belle & Sebastian. Et comme pour nous rappeler qu'ils sont Gallois, les Gorky's ont interprété leur dernière chanson en gaélique.
Premier album pour ce trio batave, de Beverwijk très exactement, dont le slowcore marche sur les traces de Idaho, Codeine, Low, Spain ou Slint. Encore que des groupes aussi différents et majeurs que le Floyd circa " More ", le Red House Painters ou encore Yo la Tengo doivent avoir (eu) une influence certaine sur Gardin. De nature atmosphérique, sombre et mélancolique, la musique de ce combo s'épanche sur un tempo lent, très lent parfois même ; ne s'embrasant qu'en de très rares occasions. Mais lorsqu'elle s'embrase, elle libère une intensité électrique véritablement impressionnante. Découpé en 9 fragments, " Minor setbacks " propage une mélancolie douce, moelleuse ; une mélancolie insufflée par des cordes de guitares plaquées ou bringuebalantes, des drums feutrés, des accords de piano (NDR : à queue !) profonds, frémissants, que caresse le timbre vocal chuchoté d'Allan, parfois rejoint dans la confidence par Jessica…
Les douze titres qui figurent sur le 7ème album studio de cet ensemble gallois ont été enregistrés à la même époque que ceux du superbe mini elpee, " The blue trees ". Pastorale, rafraîchissante, mais beaucoup moins minimaliste que sur ce précédent opus, la musique des Gorky's explore, encore et toujours, la nature douce-amère de la nostalgie. La différence majeure entre les deux œuvres procède des arrangements. Toujours aussi soignés, n'ayez crainte. Mais beaucoup plus riches, ils flirtent parfois avec le symphonisme ou le jazz cuivré. Cependant, la formation opère cette mise en forme avec tellement de subtilité, qu'on a parfois l'impression que leur matière grise est déchirée entre le psychédélisme sinusoïdal des Fab Four, alors sous l'influence de " Lucy in the sky with diamonds ", et le folk de Stackridge (NDR : un ensemble né au cours de seventies, réputé pour son style à la fois pastoral, médiéval et humoristique). Plusieurs titres de cet elpee épousent cependant une forme plus pop, plus contagieuse. Et la présence de Norman Blake ainsi que de Teflon Monkey des Fannies, n'y est pas étrangère. Bref, empreint de délicatesse, de quiétude et de mélancolie douce, " How I long to feel that summer in my heart " nous entraîne au fond d'un jardin secret. Un espace magique peuplé de fées qui nous envoûtent de leurs charmes…
Janiva est originaire de Detroit, mais elle a essentiellement administré sa carrière depuis Los Angeles, où elle s'est fixée. " Blues ain't pretty " constitue son 3ème album. Il fait suite à "It takes one to know one" (sur FatHead) et "My bad luck soul" (sur Blues Leaf). Janiva est une chanteuse aussi à l'aise dans le blues que dans la soul music. Ses influences naviguent quelque part entre celles d'Etta James et de Memphis Minnie. La collaboration qu'elle mène en compagnie de Jeff Turmes est toujours d'actualité, puisque l'ancien bassiste/saxophoniste du James Harman Band continue d'apporter sa collaboration à l'instrumentation et à la composition.
La ballade swamp, "Blues ain't pretty", ouvre le bal. Légèrement rythmé, "Nobody loves you like me" campe un excellent blues. La guitare de l'ami fidèle Kid Ramos entre en lice. Nouveau parfum louisianais, swamp et voodoo à travers l'hypnotique "It's your voodoo working". Kirk Eli Fletcher propage de la réverbération dans ses cordes. Jeff Tumes souffle dans le sax baryton. "The more I keep on losin" est un blues lent, inspiré par T-Bone Walker. David "Kid" Ramos y est comme un poisson dans l'eau. Janiva possède une voix souple qui s'adapte facilement à toutes les situations. Elle le démontre tout au long du swing "Act right" et de la cover Memphis R&B de Ray charles, "Tell me how do you feel". Autoritaire, elle se montre sous son meilleur jour sur le Chicago blues "Help me to find my love". Face à l'orgue Hammond de Brother Red Young, elle se révèle sensible et suave. A l'instar de la ballade indolente "I don't know". Composé par Marcia Ball, la cover du très lent "St Gabriel"Ramos est remarquable. Ramos se montre parfaitement à son avantage dans un style qui n'est pas habituellement le sien. Faut dire qu'Eli Fletcher est un fameux soutien à la rythmique. L'opus aborde également du West Coast blues plus classique. Comme sur "I'm gonna play the honky tonks" et la cover de James Brown, "Tell me what I did wrong", au cours duquel un grand Fletcher et Steve Marsh au sax tenor démontrent toute l'étendue de leur talent. "Every dog has his day" s'ébroue comme un instrumental de Freddie King. Fletcher est au sommet de son art. Et c'est dans le swing que s'achève ce très bon album de la très sensuelle Janiva; une composition enrichie d'un piano et d'un sax baryton qui s'intitule "Heartbreaker".
C’est presque trop facile. L’unique album de The United States Of America s’offre tous les symptômes de l’album culte. Succès critique mais pas vraiment public. Sonorités en avance sur son temps. Groupe éphémère qui ne dépassera pas le seuil du premier album. Leader intransigeant et engagé. N’en jetez plus. S’il y a un album culte, c’est bien celui-là. Sorti en 1968, cet LP éponyme est une véritable merveille. En dix morceaux, il s’érige non seulement en synthèse brillante de son époque, mais il élargit aussi l’éventail des possibles comme le feront, dans les mêmes eaux, Silver Apples ou White Noise. Ce qui relie ces trois-là, c’est l’utilisation de l’électronique dans leur pop psychédélique, le génie de l’exploration sonore, la volonté d’aller plus loin que la simple reproduction de recettes existantes.
Bien sûr, on trouvera dans cet album des réminiscences du « Sgt. Pepper » des Beatles, l’ambiance musicale du premier morceau (« The American Metaphysical Circus ») renvoyant directement aux folies des Fab Four de cette fin des sixties. Mais comment blâmer un groupe de s’inspirer d’un tel monument, si actuel, si audacieux ? Impossible. D’autant plus que The United States Of America est loin de se limiter à un simple démarquage. Dominé par la personnalité de Joseph Byrd, le band décide de se passer de guitares pour profiter à plein des claviers électriques, des sonorités électroniques, des modulateurs et autres violons électrisés. Ce qui n’empêche pas un « Hard Coming Love » d’être furieusement garage et un « Coming Down » d’être pop hallucinée en diable. La privation de guitare n’entraîne pas une rupture avec l’air du temps. Elle ne fait que doper l’inventivité.
Radical, John Byrd revendique son engagement politique. Il se veut communiste, réfractaire à tout signe trop conventionnel, reniant un look trop aliénant. Elève de John Cage, il entend triturer la matière musicale, élevant l’audace sonore au rang de démarche artistique. Tout cela séduit donc la critique, mais pas le grand public qui ne se retrouve pas forcément dans cet ovni avant-gardiste. Pourtant, dans un texte écrit à l’occasion de la réédition de cet album en format CD, il y a dix ans, Joseph Byrd se rappelle d’une reconnaissance publique. C’était lors d’un concert à Boston. ‘Là, l’album s’était plutôt bien vendu. Les gens connaissaient les chansons. Lorsque Dorothy a entamé Love Song For The Dead Ché, j’ai été stupéfié de les entendre reprendre les paroles. C’était un de mes morceaux préférés et, aujourd’hui, j’ai encore des frissons rien qu’à me souvenir de ces centaines de personnes chantant ma musique’.
En 1968, l’album atteindra la 181ème position des charts américains. Trop modeste pour un LP de cette trempe qui en impose encore, de nos jours, par sa créativité débridée, sa beauté intemporelle. La suite ? Byrd lancera un nouveau projet (Joe Byrd and the Field Hippies) qui accouchera d’un album en 1969. Mais le cordon ombilical sera difficile à couper, le titre de cet opus n’étant autre que celui du premier titre du LP de 68 (The American Metaphysical Circus). La chanteuse Dorothy Moskowitz, elle, rejoindra Country Joe McDonald. Lorsqu’on l’interroge sur l’aventure de United States Of America, elle n’en brosse pas un portrait idyllique, se rappelant, notamment, de la difficulté à faire entendre sa voix dans le déluge sonore des concerts. ‘Nous n’étions pas aussi merveilleux que le prétendent nos fans actuels. Ce n’est pas à moi de juger, mais je crois simplement pouvoir dire que nous avons fait un remarquable premier album et que je suis chanceuse d’y avoir participé’.
Ce disque vient d'être plébiscité meilleur album de l'année, dans le NME. Etonnant, lorsqu'on sait que ce quintet ne compte qu'un peu plus de deux années d'existence. Mais il faut croire que les vertus du rock 'n roll sont immortelles ; et que nonobstant ses cinquante balais (NDR : le rock' n roll, hein !), il séduit toujours un large public. Rock 'n roll dans les lyrics et l'attitude, tout d'abord. Certains diront peut-être punk, mais c'est du pareil au même ! Cette bande de trublions n'hésitant pas à vilipender tout ce qui touche à l'establishment. Et en particulier les forces de l'ordre de New York. Le titre " New York city cops ", s'est même vu soustrait de l'opus aux States, peu de temps après les événements du 11 septembre. Il figure cependant toujours sur la version destinée au Vieux Continent. Rock 'n roll à cause de leur musique. Enfin, les puristes me rétorqueront garage rock ! Parce qu'on n'y retrouve aucun artifice technologique. Juste deux guitares, une basse, une batterie et un chanteur. Et comme le groupe nous vient de New York, il n'est guère étonnant que des mythes comme le Velvet Underground, Television ou Sonic Youth exercent une influence majeure sur la musique des Strokes. Mais également la scène urban rock de Detroit de la fin des sixties. Et je pense ici tout particulièrement à MC5 et aux Stooges. La voix de Julian Casablanca cumulant d'ailleurs le timbre de Lou Reed et les inflexions d'Iggy Pop, mais sans l'amplitude. Pas de solo de guitare intempestif, mais des cordes de guitares qui grattent, qui hoquètent ou jacassent, en s'appuyant sur une section rythmique rythm'n blues à coloration ‘motown’. Un sens mélodique particulièrement contagieux, opérant régulièrement une fusion entre celui des Smiths et du Jam. Et puis un groove qui évoque instantanément " Street fighting man " voire " Jumpin' Jack flash " des Stones. Les Stokes viennent de frapper un grand coup !…
Les témoins de leur époustouflante prestation accordée lors de la dernière édition du festival Pukkelpop ne me contrediront pas. Sigur Rós aura marqué l'an 2000 d'une empreinte indélébile. A cause de ses apparitions scéniques dont le souvenir me donne encore la chair de poule. Et de la sortie d'un album hors catégorie, " Agaetis byrjun ". Neuf titres qui nous plongent dans un psychédélisme nordique déconcertant, sis à la frontière du prog rock des 70's et de la pop scandinave de Kent. Rappelez-vous la première œuvre de The Verve, les expérimentations mélodiques de Spiritualized ou le Pink Floyd époque Syd Barrett. Une structure musicale complètement éclatée, enrichie d'une multitude d'instruments. De la flûte aux sections à cordes ou à vent, en passant par le piano et les guitares dont les tonalités atmosphériques sont produites à l'aide d'un archet et d'une montagne de pédales électroniques. Sans oublier les paroles, exprimées en islandais ; et qui à travers le falsetto de Jon Por Birgisson acquièrent une dimension pratiquement divine. La durée de chaque composition ne descend pas au dessous des six minutes. Comme pour prendre le temps de s'immiscer dans l'ambiance du moment. Comme au plein cœur de l'époque progressive. Et c'est vrai, chez Sigur Rós, il y a un quelque chose du passé. Mais aussi une substance nouvelle, inconnue, qui nous interpelle. Alliage magique extirpé en l'an 2000 du néant et qui, soyez en sûr, fera encore parler de lui. Mystérieux ? Tout simplement somptueux !
Les White Stripes se résument à un frère et une sœur. A moins que ce ne soit deux ex-époux. Jack et Meg White. Le premier chante et joue de la guitare. La seconde cogne sur les fûts. Un duo issu de Detroit, dans le Michigan, qui compte à ce jour trois albums à son actif. Et il faut avouer qu'à deux, ils libèrent bien plus d'énergie que pas mal de trios, quartettes, quintettes et consorts. " White blood cells " épouse l'esprit, pas la forme du blues. Un feeling que les Stones et les Animals manifestaient à la fin des sixties. Authentique, immédiate, contagieuse, la musique des Stripes est le fruit d'un mélange basique de rock, de folk, de garage, de punk, de country et bien sûr de blues. D'urban blues très exactement. Pensez aux Stooges. Un musique que la formation pratique à l'aide d'une instrumentation minimaliste : une guitare (le plus souvent électrifiée, sale, distordue, mutilée), des drums (intuitifs, martelés, fouettés), une voix (tour à tour âpre, falsetto, frénétique ou caustique) rappelant parfois Ray Davies des Kinks, et occasionnellement un clavier rogné ou un piano frappé. Chez les White, l'important n'est pas de savoir ce que vous jouez, mais comment vous le jouez. Ce qui explique cette énergie, cette urgence qui hante leurs mélodies trempées tantôt dans la puissance tantôt dans la douceur. Le disque nous réserve, en outre, l'une ou l'autre surprise. Et je pense tout particulièrement à l'expérimental " I think I smell a rat ", qui aurait pu figurer dans le répertoire du défunt Royal Trux. Au beatlenesque " We're going to be friends ", réminiscent de " Blackbird ", à la danse du scalp " Expecting " ; ou encore au final " This protector ", chanson envoûtante qui se limite au piano et au chant. Un must !
William ‘Jazz’ Gillum est né en septembre 1904 à Indianola, dans le Mississippi (NDR : tout comme plus tard un certain BB King). Très jeune, il apprend l'harmonica au contact de ses frères. En 1923, il part à Chicago. Puis on perd sa trace. Peu d'informations filtrent d'ailleurs à son sujet jusqu'en juin 1934, lorsqu'il entre pour la première fois en studio en compagnie du guitariste Big Bill Broonzy. Il y enregistre un elpee qui réunit des compositions écrites entre les années 38 et 49. Il disparaît ensuite pour réapparaître à New York en 1961, en compagnie de Memphis Slim. Il retourne à Chicago, où il est assassiné en mars 1966. Durant les années 30, il a connu une certaine popularité auprès du public noir. A l'instar d'un certain John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson, lui aussi, disparu de manière violente dans une rue de Chicago. Les plages de cet album ont été enregistrées pour le label Bluebird avec lequel il a collaboré durant 14 années ; et 9 d'entre elles ont été commises en compagnie du réputé Broonzy.
Nous le retrouvons en juin 38. Il est flanqué de ses Jazz Boys, parmi lesquels figuraient Big Bill et Washboard Sam à la planche. Deux témoignages illustrent cette période : "You're laughing now" et surtout "I'm gonna get it". Jazz se révèle instantanément un instrumentiste inventif, capable de swinguer avec une facilité déconcertante (NDR : ce qui explique son surnom). Il arrache des phrases écorchées de son harmo, un peu comme Snooky Pryor le fait dans l'exercice du boogie. Le piano effectue son entrée lors de la session suivante, "Let her go". Celle de décembre 41 est superbe. Le son est très bien restitué sur "War time blues" ainsi que sur le boogie "You are doing me wrong". Il interprète également le "Down south blues" de son ami Sonny Boy I. En 42, il reprend le célèbre "I'm gonna leave you on the outskirts of town", mais aussi les titres rythmés "I counldn't help it" et "Tell me mama", flanqué de Blind John Davis au piano et pour la dernière fois, de Mr Broonzy. En 1946, la guerre est finie. Big Maceo Merriweather au piano et un tout bon Leonard Caston à la guitare participent au blues bien accompli, "Long Razor blues". Pour les toutes dernières sessions menées de 46 à 49, le climat est au beau fixe. On remarque ainsi la présence du brillant bassiste Ransom Knowling sur "The blues what am" et celle du jeune pianiste Eddie Boyd, pour "Take a little walk with me" de Robert Lockwood. Jazz Gillum est un bluesman qui mérite votre reconnaissance.
Depuis le split des Pixies, Frank Black éprouve toutes les peines du monde à faire décoller sa carrière solo. Il a pourtant gravé 'Teenager of the year' en 1993, 'The cult of Ray' en 1996, 'Frank Black & The Catholics' en 1998 et 'Pistolero' en 1999. Des albums de bonne facture, variés, oscillant du punk au métal en passant par le surf et la new wave. Mais dont le succès n'a été que trop confidentiel. En fait, le fantôme des Pixies hante encore la musique de Frank. Un spectre dont il ne parvient d'ailleurs toujours pas à se débarrasser sur les planches. Un passé qui lui est aujourd'hui plus préjudiciable que profitable. Pourtant, si Frank n'est pas encore au bout du tunnel, il faut reconnaître que son nouvel opus embrasse un nouvel horizon sonore. C'est d'ailleurs principalement au sujet de ce 'Dog in the sand' que nous avons eu un long entretien…
" Au départ, le disque devait s'intituler 'Lano del Rio', mais le manager penchait plutôt pour 'The swimmer', alors que le batteur avait un faible pour 'I'll be blue'. Un jour, en me promenant, j'ai vu chien dans le sable, et cela a fait tilt ". Pas d'ordre alphabétique pour enchaîner les titres, cependant, comme sur les précédents opus ; même si au départ Frank en avait l'intention. " Nous avons décidé, après en avoir débattu entre nous, que 'Blast off' entamerait le CD et que le titre maître l'achèverait ". Enfin, à l'intérieur du booklet, des fossiles marins apparaissent en trame de fond, conférant à la pochette un petit aspect arty tellement caractéristique du design 4AD. A propos de son ancien label, la sortie simultanée de 'Complete B sides' des Pixies ne le dérange pas trop. Bien du contraire. " Rien de tel pour attirer plus de monde lors de mes concerts. Et puis pour la santé de mon compte en banque ! " Pour Frank, si les fans incarnent son inspiration, c'est parce que ce sont les mécènes. Il est l'artiste qui donne la représentation, et ils apportent l'argent. Un peu comme jadis…
Frank aime beaucoup la France. Sa cuisine, sa culture. Mais il ne baragouine que quelques mots dans la langue de Molière. Sur 'Blast off', il a ainsi glissé une phrase ('Union pour la promotion de la propulsion photonique') qui méritait bien une explication. " Il s'agit d'une organisation que je connais mal, mais qui s'intéresse à la planète Mars, en développant des arguments pour justifier le voyage pour s'y rendre. Robert Zubran est un personnage qui est beaucoup respecté dans l'industrie aéronautique. Il a travaillé autrefois dans la NASA avant de devenir interlocuteur privilégié chez CNN. En fait c'est un fameux personnage qui a toujours des bonnes idées à propos de ce périple. Il est même allé jusqu'à suggérer la méthode la plus efficace et la moins coûteuse pour réaliser le projet ; mais personne ne l'écoute. Faut dire que la bureaucratie et la lenteur du monde politique ralentissent considérablement les prises de décision ". 'Blast off' s'intéresse donc à ce voyage difficile entre la terre et Mars. Un voyage qui devrait durer entre 6 à 9 mois. " Je me demande ce que les passagers vont pouvoir faire pendant tout ce temps. Du point 'A' au point 'B' ". Mais pourquoi, alors évoquer dans la même chanson Samuel Beckett ? " Personnellement, voyager dans l'espace et vivre sur une autre planète est quelque chose de très abstrait. Et les abstractions me font penser à Samuel Beckett. Il était Irlandais, mais avait fait de la France sa deuxième patrie. Du moins, il avait décidé que sa deuxième culture deviendrait française. Ainsi donc, pour aller de la terre à Mars, tout le monde a son propre programme. Ses propres idées. Qu'elles soient politiques, économiques, financières, religieuses ou autres. Ce qui fait beaucoup d'opinions différentes à propos de ce qu'on devrait faire avec le nouvel espace à découvrir. Donc le sentiment qui circule dans la chanson c'est ma propre façon de voir les choses. Je retrouve ainsi l'Irlandais qui est en moi, le Beckett qui est en moi… "
Sur 'St. Francis Dam Disaster' il évoque un raz-de-marée qui a endeuillé la Californie en 1928. Un événement qui ne date pas d'hier, mais qui semble encore marquer la population de cette région, et surtout celle de Los Angeles. " J'ai vécu et grandi en Californie. On y voit de belles choses, mais aussi d'affreuses. Notamment dans le domaine de l'environnement. L.A. n'est pas une ville type comme on pourrait la connaître en Europe. C'est une métropole. Elle ne s'est pas américanisée. Elle est en quelque sorte futuriste. Et le responsable de cette situation est William O'Land (NDR : orthographe du nom pas garantie !), un ingénieur des eaux qui a imaginé la construction d'un immense barrage pour alimenter la ville en eau. La Californie pour le meilleur ou pour le pire ! Et sans cette alimentation en eau, L.A. serait un désert. L'eau détient donc ici le pouvoir. La métropole est-elle une bonne ou une mauvaise chose ? L'eau, la terre, le feu et l'air sont les quatre éléments fondamentaux de la nature. Ils sont plus puissants que l'être humain. L'eau va de la montagne à la mer. La détourner de son chemin naturel n'est techniquement plus un gros problème. Mais l'accident est toujours possible, car l'eau essaie toujours de trouver son propre chemin. L'eau a sa propre vision de son futur. C'est ce qui s'est produit en 1928. Il y a eu une gigantesque inondation qui a tout emporté sur son passage… et cette situation pourrait survenir un peu partout dans le monde… "
Frank a une aversion profonde pour les spots publicitaires, et il communique ce dégoût sur 'I've seen your picture'. Sympa, il me remercie pour avoir bien compris le sens de la chanson. " Parce qu'il y a beaucoup de monde qui en donne une interprétation erronée. Ce qui m'amuse. Nous sommes bombardés d'images. Je ne veux pas qu'on me prenne pour un socialiste, mais je suis opposé à cette publicité à outrance. J'ignore pourquoi ? Mais elle me rend malade. Tu sais, j'ai lu dans des magazines qu'on envisageait de mettre des panneaux d'affichage dans la stratosphère. Ce serait vraiment un comble ! On verrait la pub dans les cieux. Comme si on allait à la rencontre de la lune ou des étoiles. J'ignore si ce truc va se réaliser, mais j'ai des appréhensions. C'est un peu comme pour l'affaire des immenses panneaux solaires que la Russie imaginait y placer pour rendre la Sibérie plus lumineuse. Au premier instant, tu te dis que c'est génial, mais après mûre réflexion ; c'est une idée horrible et dangereuse… "
Joe Santiago est venu donner un petit coup de guitare sur 'Rober Onion', mais si cette chanson possède un climat proche des Pixies, ce n'est pas parce que l'ex guitariste des Pixies tient la guitare solo ; il s'est juste contenté de jouer de la rythmique. Autre invité de marque, Eric Drew Feldman. Ce vétéran qui a sévi dans le passé chez Captain Beefheart et Pere Ubu, avait déjà travaillé en compagnie de Frank. Mais sur le nouvel album, il y épand généreusement ses notes de clavier et de piano. Pourtant, Frank avait un jour déclaré que le recours à ce type d'instrument ne correspondait pas à l'esprit de sa musique. Il admet avoir changé d'avis, même si Eric avait déjà prodigué un peu de clavier sur 'Teenage of the year'. Et il remercie les Stones pour lui avoir ouvert les oreilles à ce sujet. Notamment à travers la chanson 'Sympathy for the devil'. Des Stones, le groupe a beaucoup écouté l'album 'Exile on main street' dans la camionnette. " Il était chargé dans un lecteur à 10 CD, et c'était toujours le premier qui passait. Parfois on en avait marre de l'écouter, et puis on le laissait quand même parce qu'on se disait qu'il était vraiment bien. "
Influence inattendue sur son nouvel opus : c'est celle de Dylan. Ce qui explique sans doute pourquoi le groupe a eu recours à une steel guitar et une pedal steel. Il faut croire que la formation voulait s'imprégner du climat laissé par le Zim, parce que 'Blonde on blonde' était également dans le fameux chargeur… " J'ai toujours aimé la musique de Dylan, depuis ma tendre jeunesse. Surtout son attitude faite de mystère et d'intellect, qui est intéressante. C'est difficile à comprendre. Il projette des images fortes dans ses chansons. Tu sais dans les années 60, un kid qui écoutait Dylan devait se demander ce qu'il racontait. L'impact politico-culturel d'une chanson comme 'Blowin' in the wind' est considérable, mais il faut avoir une certaine maturité pour comprendre son message… "
Aussi paradoxal que cela puisse paraître, Eric Burdon, un autre mythe des sixties a également exercé une influence sur le nouvel opus de Black. Et on le ressent très fort sur 'The swimmer'. " Exact ! J'ai un jour lu la critique d'un journaliste qui comparait ma voix à celle de Burdon. Et j'en étais fier. Oui, sur cette composition j'ai fait une fixation sur les Animals. Mais c'est particulièrement difficile à réaliser. On était un peu sur le mode de 'The house of the rising sun'. Dans le même style on a longtemps essayé de reprendre 'Sister isabel' de Del Shannon. Mais j'étais obligé de chanter une octave plus basse. Trop difficile, on a abandonné le projet ". Pour 'Stupid me', Frank a utilisé la reverb dans la voix, un peu comme Lennon. " J'allais oublier l'influence qu'il a eu sur moi. Jusqu'au jour ou un journaliste m'a dit que cette chanson lui faisait penser à Lennon. Teenager, j'ai beaucoup écouté ses disques…"
L'album a été enregistré sans retouches, ni overdubs. En prise directe quoi. " Il y a des groupes qui enregistrent en 4 à 5 jours, et d'autres qui campent pendant des semaines. Mixer et tout le bataclan pour ne tirer que le meilleur. Un peu comme si on voulait atteindre la perfection technique de Steely Dan. Après 15 années de route, cela fait du bien de se sentir musicien. S'asseoir près du producteur et discuter avec lui. Faire une prise et s'entendre dire : elle est bonne ! Le timing est là, les notes sont là, tout y est. Et c'est mieux que de toujours créer des fac-similés d'un morceau. On a déjà donné quand on était jeunes. "
Et pour terminer l'entretien, nous avons causé des OVNIS, mais vous ne saurez rien de la conversation, nous risquerions d'être fichés par les aliens…
Merci à Vincent Devos, Danièle (Aéronef) à Alice (Naïve).
(Version originale de l'interview parue dans le n° 91 - mars/avril/mai 2001 - de Mofo)
Issus de Handforth, dans le Cheshire, les Doves ne sont plus tout jeunes. Même s'ils n'en sont qu'à leur premier album. Ils ont vécu la scène new wave du début des 80's aux côtés des Smiths ou de New Order. A Manchester. Mais c’est en 1991 que leur carrière a vraiment débuté. A l'époque, ils répondaient au patronyme de Sub Sub et avaient même décroché un hit intitulé « Ain't no love, ain't no use ». Outre les frères jumeaux Jez (batterie et chant) et Andy Williams (guitare et chant), le groupe implique Jimi Goodwin. Et ce dernier, préposé au chant et à la basse, n'est sûrement pas un nostalgique de cette époque, car il ne verse même pas une larme sur la mythique ‘Hacienda’, l'endroit de ralliement à l'époque, qui a été transformé en appartements.
« C'est peut-être triste, mais tout a une fin. L'Hacienda n’était pas éternelle et en plus, il ne faut pas s'imaginer que c'était un paradis! Le club était confronté à des problèmes de violence et de drogue. On y a vécu de bons moments, mais aujourd'hui, il faut regarder vers le futur... » Les Doves n’aiment d'ailleurs pas trop les références à leur ville d'origine et encore moins l'évocation de la scène ‘Madchester’... « Ni les Happy Mondays, ni les Charlatans n'ont eu la moindre influence sur nous. On les a adorés, il y a dix ans, mais c'est tout. D'ailleurs, on n'a jamais cru à l'existence de cette scène baggy. Elle a était montée de toutes pièces par la presse. Il n'existe aucun groupe de chez nous qui passe son temps à regarder dans l'assiette de son voisin : New Order ne sonne pas comme les Smiths, les Smiths pas comme les Buzzcocks, les Buzzcocks pas comme The Fall et les Doves n'ont rien à voir avec Joy Division. La scène de Manchester n’a jamais existé… »
Pour en revenir au style du groupe, on dira qu'après avoir digéré des références house, les Doves en sont revenus à une instrumentation rock, influencée par la dance, mais qui va beaucoup plus loin... L'enregistrement de ‘Lost Souls’ a duré trois ans dans un studio... qui ne comportait aucune fenêtre! « Tout simplement pour éviter que les cambrioleurs ne viennent dérober le matériel… » De leurs contemporains, les Doves affirment apprécier Baldly Drawn Boy, avec lesquels ils sont partis en tournée. « On a participé à l'enregistrement de leur album et on est même devenus amis. » Ils estiment également Shack, mais davantage pour des raisons de sensibilité musicale. Enfin Embrace les a beaucoup impressionnés, en ‘live’. Mais Jimi respecte aussi une foule de groupes issus du passé. Il avoue ainsi un faible pour le King Crimson de l'époque ‘Discipline’ et ne s'en cache pas. « Je ne suis pas du style à brûler ce que j'ai adoré. Et tous ceux qui adoptent cette attitude sont des hypocrites… »
(Article paru dans le n° 89 du magazine Mofo de Février 2001)
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