Enregistré à Ljubljana, en Slovénie, “Let it roll” constitue le sixième album de Willard Grant Conspiracy. Un disque qui marque un tournant dans le style pratiqué par la formation californienne. En fait, ce disque est partagé entre compos ténébreuses, mélancoliques, trempées dans le folk, l’americana ou le blues, ainsi que morceaux plus puissants, électriques, psychédéliques, dans l’esprit du Paisley Underground (NDR : pensez à Steve Wynn). Le titre maître en est d’ailleurs la plus belle démonstration, la voix de Robert Fischer y épousant même tantôt les inflexions de Jim Morrison, tantôt celles de Nick Cave. Pour concocter cet opus, Robert a pu compter sur le concours des musiciens qui ont tourné avec lui pendant deux ans, mais aussi de quelques potes à la finition, dont Dennis Cronnin (Lambchop), David Michael Curry (Thalia Zedek), Steve Wynn (NDR : évidemment) ou encore Mary Lorson (Madder Rose). L’opus recèle notamment une version morbide, lugubre, digne des Bad Seeds, du « Ballad of a thin man », une cover de Dylan qui figurait déjà sur « Uncut », un tribute album consacré à Dylan, paru à l’occasion du 40ème anniversaire de la sortie de « Highway 61 revisited » ; et puis en final « Lady of the snowline », une très belle chanson. Ténébreuse, indolente, hantée par un violon et une trompette, elle aurait pu figurer au répertoire de Léonard Cohen. Un album remarquable dont Robert Fischer nous parle dans son interview qui figure au sommaire de Musiczine, cette semaine…

Réduit aujourd’hui à un trio, The Vines nous propose son troisième opus. Un elpee qui fait suite à l’excellent « Highly evolved », paru en 2002 et au trop racoleur/accessible (biffez la mention inutile) « Winning Days », gravé deux ans plus tard. Craig Nicholls, le leader n’avait d’ailleurs pas tellement apprécié la critique négative qui s’était abattue sur sa seconde plaque. Faisant même le vide autour de lui. Finalement, il a accepté de se soumettre à différents examens médicaux. Et la faculté a diagnostiqué qu’il était atteint d’une forme assez rare d’autisme : le syndrome d’Aperger. Bref, on comprend mieux aujourd’hui ses réactions excessives. Et il faut lui reconnaître bien du courage pour avoir remis son métier sur son ouvrage. Malheureusement, ce « Vision valley » ne casse quand même pas la baraque. Et la présence de ballades inoffensives, pour ne pas dire inconsistantes, n’y est pas étrangère. On a même droit en final à un long slow de plus de six minutes, dont le Barclay James Harvest était si friand au cours des seventies. En outre, il faut se demander si Nicholls est atteint du syndrome d’Asperger ou de Kurt Cobain. Car le spectre du défunt leader de Nirvana hante la plupart des chansons de cette plaque. Il en a même chopé le timbre de voix. Et puis son néo grunge fait un peu daté. Même l’ouverture « Anysound », dont le riff de guitare semble avoir été pompé chez le « You really got me » des Kinks. Et pourtant, le disque recèle l’une ou l’autre petite perle. Et je pense tout particulièrement au hit potentiel « Don’t listen to the radio », compo power pop rampante, insidieuse, réminiscente des Cars. Du presque psychédélique « Candy Daze », tellement proche des Dandy Warhols. Et enfin de l’hymne insolite « Futuretarded ». Maintenant si vous êtes des nostalgiques des groupes qui ont marqué la scène de Seattle fin des eighties, début des nineties, vous pouvez acheter les yeux fermés…

Deux ans plus tôt, la sortie du premier album des Veils, « The runaway found » avait fait naître la polémique. Au sein même de l’équipe de Musiczine. Certains n’y voyaient que de l’emphase puant le lyrisme de bas étage. D’autres, une oeuvre chargée de promesses commise par une formation drivée par un véritable prodige : Finn Andrews. Le fils de Barry Andrews, ex-membre de XTC et de Shriekback. « Nux Vomica » devrait faire taire tous ses détracteurs. Bien sûr, il y a la voix écorchée d’Andrews qui pour certains peut paraître agaçante. Et pour d’autres tout simplement belle et insaisissable. Finn nous en parle par ailleurs lors d’une interview qu’il a accordée à Musiczine. Mais venons-en à cet opus. Un disque partagé entre chansons intimistes, allègres et morceaux plus blues, plus intenses, plus rageurs. A l’instar du titre maître. Une compo venimeuse, fiévreuse, convulsive, jalonnée d’éruptions frénétiques. Le lugubre « Jesus fot the jugular » ainsi que le torturé « Pan » évoluent dans un registre semblable. Et puis l’épique, le cinématique « Not yet », digne des Triffids. Probablement les quatre meilleures plages de la plaque. Les spectres de feus Tim et Jeff Buckley, mais aussi de Tom Waits y sont alors très présents. Le reste de l’opus n’en est pas pour autant moins intéressant. Epinglant chansons plus pop (le single « Advice for young mothers to be », le contagieux « Calliope ! ») et ballades abordées dans l’esprit tantôt de Nick Cave (le sensuel « Under the folding branches » et le confessionnel « House where we all live »), de Divine Comedy (« A birthday present » et ses arrangements surannés, très sixties). Sans oublier « One night on earth ». Subrepticement new wave (cold wave?), il trahit des réminiscences de Joy Division. Il serait cependant injuste de ne pas mentionner l’apport extrêmement précieux de Liam Gérard dont les accords de piano sonore (souvent) ou de claviers rognés (parfois) apportent davantage de profondeur aux chansons. Et puis bien sûr des backing vocaux de Sophia Burn. A contrario, ils leur confèrent une certaine délicatesse. Côté lyrics, les dix morceaux de cet elpee sont particulièrement inspirés, Finn peuplant d’abondantes références religieuses et mythiques, ses chansons flamboyantes consacrées à l’amour et à la mort…

Les 12 et 13 octobre 1982, les Clash se produisent en première partie du Who, dont c’est la tournée d’adieu, dans le state de base-ball du Queens. C’est également à cet endroit que les Beatles avaient tiré leur révérence scénique en 1966. Le second jour, il doit y avoir 70 000 personnes. Qui sont venus voir le Who. Héroïnomane, Topper Headon a cédé ses baguettes à Terry Chimes. Et à l’issue de cette tournée, Mick Jones va mettre la clef sous le paillasson. Pourtant, le groupe londonien va assumer et obliger même la bande à Pete Townshend à sortir le grand jeu. De cet épisode, SonyBmg a décidé de sortir ce « Live at Shea Stadium ». 16 titres parmi lesquels figurent la plupart de leurs grands standards : « London calling », « Police on my back », « Magnificent seven », « Rock the Casbash », « Should I stay or should I go » ou encore « I fought the law ». Le son est sale, les slogans sulfureux mais hymniques ; bref, c’est encore du Clash, juste avant leur grand ‘clash’.

Lien Youtube :  http://www.youtube.com/user/TheClashtv

Lien iTunes : http://clk.tradedoubler.com/click?p=24379&a=1303609&url=http%3A%2F%2Fphobos.apple.com%2FWebObjects%2FMZStore.woa%2Fwa%2FviewAlbum%3Fi%3D291262412%26id%3D291262406%26s%3D143446%26partnerId%3D2003

Cette compile constitue une rétrospective de dix années de carrière de Danielson, alias Daniel Smith, qui ont précédé la sortie de l’album « Ships ». On y aborde toute sa trilogie. En solo, en famille et puis élargie à ses meilleurs amis, dont « Ships » constitue le troisième projet. Et également le dernier, puisqu’il remonte à 2006. En fait, si à une certaine époque, ses frères, sœurs, beaux-frères, belles-sœurs, son épouse, etc., étaient à des niveaux divers, impliqués dans sa création, les événements de la vie (mariages, naissances, jobs, déménagements, etc.) l’ont forcé à changer de fusil d’épaule et à faire appel à d’autres musiciens. En outre, seul Daniel est musicien professionnel. Bien sûr, certains membres de sa famille apportent encore circonstanciellement leur collaboration. Lors des sessions de studio, par exemple ; mais ils ne suivent plus Brother Danielson en tournée. Ce recueil vous donne ainsi un bel aperçu de l’évolution musicale de cet artiste dont le style au départ minimaliste, est susceptible d’être contaminé par le folk, l’indie, le gospel, la prog et même le punk. Mais toute cette expression sonore est également mise au service de messages que Smith fait passer à travers ses lyrics, qu’il chante d’un timbre extatique. Des lyrics au cours desquels il affiche sa philosophie spirituelle (NDR : c’est un évangéliste !). A cet égard, si vous souhaitez en savoir davantage, je vous invite à relire l’interview qu’il a accordée à Musiczine en novembre 2006. Sans quoi cette double anthologie inclut également des inédits, des versions live et des raretés.

Kaiser Chiefs ne chôme pas. Et pour cause, “Off with their heads” constitue déjà le troisième album de la formation de Leeds en quatre ans. Plus de Stephen Street, cependant, à la mise en forme, mais Eliot James (The Rakes, Bloc Party) et surtout Mark Ronson (Lily Allen, Amy Winehouse). On aurait pu d’ailleurs éprouver les pires craintes en voyant débarquer le bidouilleur/producteur londonien. Pas de souci, il a juste fait appel à Lily pour une compo (le contagieux « Always happens like that ») et à Sway sur « Half the truth », un morceau qui s’ouvre en mode new wave, à la sauce XTC très précisément, avant que le rappeur ne vienne poser son flow en fin de parcours. Bref, hormis les dispensables « Good days bad days », « Addicted to drugs » qui pompe un peu trop « Addicted to love » de Robert Palmer et l’insipide « Tomato in the rain », le reste tient la route. Depuis les allègres « Spanish metal (NDR : un mélange entre flamenco, prog et metal) et « Never miss a beat » (NDR : bien balancé et vivace, c’est aussi le single) jusqu’à la ballade émouvante « Remember you’re a girl », chantée par le drummer Nick Hodgson, en passant par « Like it too much » et ses cordes à la « Eleanor Rigby » arrangées par David Arnold, le très eighties (Yazoo ?) « You want history », malgré son clin d’œil appuyé au « Girls & Boys » de Blur (NDR : l’esprit de Damon Albarn plane quand même souvent tout au long de l’opus) et le très sixties « Can’t say what I mean », caractérisé par ses claviers rognés et ses cordes de guitare croustillantes (Inspiral Carpets ?) Bon maintenant, il faut reconnaître que les lyrics ne cassent pas des briques, mais ce n’est pas la priorité chez ce type de groupe britannique, pourvu que les compos soient hymniques (ça rime !)…

Pour mieux cerner le concept de cet album, je vous invite à lire ou à relire l’interview que le guitariste Grasshopper et le drummer/claviériste Jeff Mercel ont accordée à Musiczine. Et pour cause, Mercury Rev a décidé de se frotter à la musique électronique. Une démarche comparable à celle de Radiohead pour « Kid A » et « Amnesiac », même si manifestement la perspective est différente. Beaucoup de softwares de la nouvelle génération on été utilisés. Et en particulier des générateurs de notes aléatoires. Pourtant, j’ai plutôt l’impression que sur leur septième opus, la formation américaine s’est surtout imprégnée des seventies et des eighties. De l’indus et de l’ambient, notamment. Puisant apparemment ses sources tantôt chez Tangerine Dream, Depeche mode circa ‘Violator’, Ryuichi Sakamoto, Boards of Canada et surtout John Foxx. Certaines compositions osent quand même des climats plus torturés. A l’instar de « People are so unpredictable (there’s no bliss like home) », caractérisé par ses cadences variées. Ou du trip hop « Dream of a young girl as a flower ». Et puis, il y a toujours la voix haut-perchée, emphatique, de Jonathan Donahue, responsable de lyrics aussi poétiques que visionnaires. Sans oublier la préservation du sens mélodique très spécifique à Mercury Rev. Maintenant, il est évident que ce type de solution sonore exige un indispensable support visuel pour être apprécié à sa juste valeur. A moins que sur les planches, sous une forme hybride, elle prenne une autre dimension. Mais franchement, je crains fort que les aficionados purs et durs du combo aient beaucoup de mal à accrocher…

Ben là, on baigne en plein dans l’ambient. Ce « Strange attractor » n’est disponible qu’en téléchargement via le site du groupe (http://www.mercuryrev.com) et est issu des mêmes sessions d’enregistrement que « Snowflake Midnight ». Pas de vocaux, mais un ‘spoken word’ en fin de parcours. Donc un album quasi instrumental. Difficile dès lors de faire plus visionnaire. Le groupe a d’ailleurs expliqué que les onze compos de cette œuvre reflètent parfaitement leur manière de travailler depuis deux ans. Et que si les morceaux ont une fin, ils laissent à l’imagination de chacun le soin d’y trouver un prolongement. Ambient donc, mais traversé d’un zeste d’indus et épicé d’un chouia de techno. Et là je me répète, mais si vous voulez en savoir davantage, il suffit de prendre connaissance de l’interview que le guitariste Grasshopper et le drummer/claviériste Jeff Mercel ont accordée à Musiczine. Personnellement, je me demande même si les plages les plus atmosphériques de cet opus ne pourraient pas servir de bande-son aux reportages ‘Ushuaïa’ de Nicolas Hulot… Quant au reste, il est digne de la production des meilleurs artistes électro, signés chez Warp. Lorsqu’il ne prend pas carrément ses sources chez un maître comme Terry Riley. Un avis que partagent d’ailleurs de nombreux magazines spécialisés britanniques…

Après avoir tâté de la soul et du rhythm’ blues sur “Fosbury”, sous la houlette des Yankees de N.E.R.D., expérimenté l’une ou l’autre aventure en solitaire (Xavier sous le pseudo Axe Riverboy, Pedro au sein d’un projet électro-dub baptisé MaRadioStar et Médéric à travers un concept electro lo fi répondant au patronyme de Rainbow Dogs), Tahiti 80 a décidé d’en revenir à ses sources. C'est-à-dire à de la pop fondamentale et sophistiquée. Qui navigue aujourd’hui quelque part entre les Zombies et Nada Surf, sans les envolées de guitare. C’est d’ailleurs le groupe rouennais qui s’est chargé de la mise en forme des douze plages de l’opus. Un disque dont le titre est inspiré d’un jouet Fischer Price destiné à l’éveil du nourrisson. Les musiciens de la formation ont même expliqué qu’il recèle tellement de boutons et d’alternatives, qu’ils ont fait le rapprochement avec leur studio. Les harmonies vocales sont limpides, parfois même ‘brianwilsonesques’, les mélodies ensoleillées, contagieuses, rafraîchissantes, l’instrumentation impeccable, la production raffinée (il y a même quelques arrangements de cuivres sur le slow très sixties « Fire escape » ainsi que sur « Come around » et un zeste de clavier vintage épice « Unpredictable »). La plupart des compos sont allègres et vous donnent même envie de les fredonner sous la douche. Alors que manque-t-il (NDR : rien à voir avec le coureur cycliste français décédé en 1987) à Tahiti 80 pour faire la différence. Le succès. Et là, il n’y a que le public qui peut décider…