Le joyeux bordel qui agrège, invite, indie rock, garage, Blaxploitation ainsi que hip-hop classique (NDR : et la liste est loin d’être exhaustive), cher à The Go! Team, sans oublier la présence d’une myriade de samples, opère son retour sur un 5ème excellent opus baptisé « Semicircle ».
Toujours emmenée par Ian Parton, la formation issue de Brighton ne déroge pas à la formule qui a forgé son succès et son identité. On y retrouve les mélodies bubble-gum truffées de guitares distordues, l’énergie digne d’une fanfare, les cuivres solaires et les invités divers. Bref, tout y est ! Amber Arcades pilote l’oriental « Plans Are Like A Dream U Organise ». Darenda Weaver transcende les mélodies de « The Answer’s No – Now What’s The Question ? ». Enfin, invitées habituelles, Ninja et Maki participent à un morceau chacune. The Go! Team s’érige une nouvelle fois comme une sorte de version très garage et euphorisante des Beach Boys. Un opus qui atteint son point culminant lorsque la chorale américaine Detroit Youth Choir apporte son concours à l’imparable « Semicircle Song », une collaboration qu’elle procure d’ailleurs, sur la plupart des morceaux de ce très agréable « Semicircle »…
The Furious Seasons est un trio qui vit dans les collines sises autour de Los Angeles. Il implique les frères Steinhart. Soit David au chant et à la guitare ainsi que Jeff à la contrebasse. Une fratrie soutenue par Paul Nelson aux guitares.
Son style ? Du jazz-folk-roots acoustique. Un style harmonieux, empreint de sensibilité et toujours mélodieux. On compare régulièrement son expression sonore à celle de Paul Simon. Et le titre d’ouverture, "Expo line", au cours duquel les cordes acoustiques sont à la fois délicates et cristallines, en est une belle illustration. Une compo qui donne le ton à cet opus. En outre, lorsque le chant se conjugue en duo, on ne peut s’empêcher de penser à Simon & Garfunkel ; et notamment sur le superbe "Marathon", une plage caractérisée par des cordes belles à pleurer… Ce sont même trois voix qui reprennent en chœur le refrain d’"Understood", alors que les grattes s’intègrent parfaitement à l’ensemble. Magique ! Tout au long de ce long playing, on est littéralement scotché par cette musique qui dégage tant de beauté. Et le titre final, "Come to LA", en est une dernière démonstration…
A l’origine, In Layman Terms réunissait un frère et une sœur. En l’occurrence le chanteur-bassiste Logan Layman et le guitariste Cole. Etablis en Virginie, ils ont monté ce projet, alors qu’ils avaient à peine 20 ans. Le duo publie un premier elpee, intitulé "Tangled". Puis rencontre l’étonnant trompettiste Hamed Barbarji qui rejoint la fratrie. Et en 2017, le batteur Nick Davidson complète le line up. Cette formation représentera le River City Blues Society lors du prochain International Blues Challenge de Memphis, en janvier 2019. En peu de temps, I.L.T. a acquis de l'expérience, de la présence et surtout, depuis l'arrivée d’un trompettiste, sa musique a pris une autre envergure…
R&b léger et dansant, le titre maître se distingue par les premiers envols des cordes de Cole et les interventions à la trompette d'Hamed. Un échange de voix sur fond de percussions amorce "I'm somebody", une forme de work song séculaire, avant que le rythme ne s'impose. Caractérisé par ses accents métalliques, la cigar box, bientôt soutenue par la trompette aux éclats feutrés, nous entraîne au cœur du Delta. Amorcé par les sonorités primaires de cette cigar box, "Make me yours" est imprimé sur un tempo lent. Si la voix de Miss Logan est sereine, mordante et féline, la trompette s’incruste et finit par s’imposer. Orignal et déconcertant ! Empreintes de douceur, les cordes alimentent "Ain't gonna fake it no more", un autre blues lent, mais plus classique ; cependant c’est une nouvelle fois Barbarji qui tire son épingle du jeu, grâce à ses interventions réservées, mais chargées de feeling. "Heartbroken" emprunte la rythmique à Howlin' Wolf. Harmonieuse, la voix de Logan colle parfaitement au tempo, alors que les solistes en profitent pour prendre leur envol. Une seule reprise, le notoire "Fever" de Cooley et Blackwell, une compo que Little Willie John avait traduite en succès dès 1956. In Layman Terms en réalise une version jazzyfiante parfaitement adaptée à la voix et la trompette. La basse de Logan introduit le funky "Way too far", une plage qui vire à la jam, concédant les ultimes soubresauts des cordes et de la trompette…
Beau contraste entre la douceur sucrée libérée par la musique du duo Mortalcombat et la violence cultivée par ‘Mortal Kombat’, un jeu vidéo culte sorti dans les années 90… Le couple bruxellois, réunissant Sarah Riguelle (Italian Boyfriend) et César Laloux (ex-BRNS et Italian Boyfriend), s’est lancé dans une nouvelle aventure pop au cours de laquelle les claviers sautillants et acidulés ainsi que la voix faussement ingénue prennent des « Vacances en France », sur un premier Ep. Mortalcombat y consigne 6 plages interprétées dans la langue de Molière qui fluctuent au gré des effluves synthétiques chères à Metronomy (« C’est L’Hystérie »). Le disque recèle, en outre, un hit empreint de mélancolique, judicieusement baptisé « Beau et Décadent ». Ce Mortalcombat risque d’être fatal à nos cœurs…
A l’instar de la formation punk talentueuse –et féminine– Coathangers, qu’elle accompagne régulièrement en tournée, L.A. Witch partage une même prédilection pour les artworks… moches. Ici s’arrête la comparaison, car le trio de ‘sorcières’ féminines californien adopte un profil davantage psyché/rock voire surf/rock tout en affichant une morgue garage que n’auraient pas renié les Cramps. L.A. Witch donne le ton dès le morceau d’entrée « Kill My Baby Tonight », une piste sont les couches de guitares shoegaze semblent piquées à Jesus & Mary Chain, alors que la voix au timbre nonchalant –pour ne pas dire opiacé– de Sade Sanchez véhicule des textes joliment nihilistes (‘If I can’t Have You, No One Can’). Et finalement, cette belle virée psyché évoque la version ‘dark’ d’un obscur ‘girl band’ issu des sixties qui se serait cramé sous les rayons de soleil de la Californie…
En 2015, The Chills publiait l’album « Silver bullets », dix-neuf ans après avoir gravé son précédent elpee. De toute bonne facture, cet opus célébrait le retour en forme de son leader Martin Philipps et surtout la stabilisation de son état de santé. Il n’aura donc fallu que trois années avant que le groupe néo-zélandais ne sorte son sixième LP.
Première constatation, la production est plus léchée et les arrangements particulièrement soignés. Ce qui rend les compos plus pop. Surtout les trois premières du long playing. Dont le contagieux « Time to atone », une plage idéale à siffloter sous la douche. Egalement le morceau d’entrée « Bad Sugar » qui tente d’expliquer pourquoi les gens se tournent vers la religion. Et puis la valse « The greatest guide », une piste désenchantée, subtilement glam, qui rend hommage aux icônes disparues, dont Bowie, Lou Reed et Prince. De valse, il en est également question tout au long du tourbillonnant « Lord of all I survy ». Très souvent autobiographiques, ses chansons évoquent les souvenirs de Martin ou abordent le sujet de la spiritualité, mais sous un angle paradoxalement optimiste. A l’instar du morceau final « In harmony », nonobstant son message politique. Uptempo mais aussi sauvage, c’est également un des meilleurs morceaux, par ailleurs. Tout comme l’excellent « Complex ». Et paradoxalement ces deux titres sont infiltrés de claviers fluides, ondoyants, rappelant ceux de Dave Greenfield chez les Stranglers.
Sans quoi, on retrouve la voix bien timbrée de Martin, les sonorités de gratte chatoyantes et étincelantes spécifiques aux Chills, sans oublier ce sens mélodique imparable qui a fait sa notoriété…
Dommage, néanmoins, que la boule de neige ne soit pas plus serrée…
Fondée en 1995, The Shovels est une formation originaire de la région de Hasselt. Son leader, Erik Debny, reconnaît pour influences majeures –entre autres– les Beatles et les Kinks. « Spaced Out In Outer Space » constitue déjà son cinquième elpee. Et il s’ouvre par la très jolie chanson « Judy », une compo particulièrement accrocheuse qui aurait pu figurer au répertoire de Pierre Rapsat. Mais le reste de l’album s’avère plutôt étonnant. A cause des vocaux, qui tour à tour lorgnent vers Mercury Rev (parfois même les intonations), Brian Eno (souvenez-vous de « Back Water ») ou encore Syd Barrett. Et puis des textes saugrenus. Il y a même une compo dans la langue de Vondel. Et le tout est dispensé dans une ambiance de pub, digne des Pogues. Original !
Difficile pour votre serviteur de se plonger dans un album de J. Mascis (Dinosaur Jr.) de manière totalement objective… Et pour cause, accro à sa mélancolie électrique depuis plusieurs années, comment ne pas succomber à ses mélodies crève-cœurs en format acoustique, proposées en solitaire…
Et ce 3ème effort solitaire, intitulé ‘Elastic Days’, remplit parfaitement son cahier des charges power folk-rock. Entrecoupé de quelques notes de piano et caractérisé par ses solos rageurs saturés d’émotion, les compos sont bercées par sa voix douce tellement identifiable, à l’instar du titre magnifique et inaugural « See You at the Movies ». Les détracteurs lui reprocheront que tous les morceaux se ressemblent, mais on leur rétorquera qu’ils possèdent chacun cette infinitésimale variation qui les rendent uniques. Un nouveau chapitre, une nouvelle réussite !
Vanished Souls est une formation hexagonale, issue de Chantilly très exactement, qui pratique ce qu’on pourrait qualifier du neo-prog. Après avoir gravé un Ep en 2012 et un premier elpee, l’année suivante (« CiTies R real »), il nous propose donc son deuxième opus. Et il est éponyme. Cinématographique, atmosphérique, mélancolique, hypnotique, la musique de ce quintet navigue au confins des univers explorés par Archive, Pink Floyd post « Dark side of the moon » et Yes. Une expression sonore à laquelle, le groupe a pris le soin d’ajouter des ingrédients électroniques, histoire de la rendre la plus contemporaine possible. Il y a même un flow rap sur l’étonnant « Am your shadow ». Enfin, dernier titre du disque, le complexe et majestueux « Silencio » lorgne vers le Radiohead de la mi eighties. Vivement conseillé aux amateurs du style…
Certains groupes cherchent constamment à se réinventer afin d’exploiter tout le potentiel dont ils disposent. Parfois brillamment, parfois sans grand succès, certains s’égarant au sein d’étranges nébuleuses, là où d’autres se redécouvrent en s’émerveillant.
Jonglant admirablement avec le facteur risque, The Oscillation livre un cinquième elpee bigrement audacieux et passionnant de bout en bout, parsemé de trouvailles sidérantes et de sonorités bigarrées…
Non content de sonder les travers du psyché/rock sous ses angles les plus captivants depuis 2007, Damien Castellanos explore encore et toujours de nouveaux terrains de jeux, emmenant dans son sillage la traînée étoilée d’un ciel teinté de couleurs vives, mais au climat sombre et inquiétant.
Kraut revisité, dub régurgité, Damien nous plonge au sein d’un univers vertigineux sous hypnose en escaladant, avant de dévaler à vive allure, les rails d’une montagne Russe qui conduisent directement à l’embouchure d’une gorge monstrueusement déployée.
Dansant, extatique, perturbant et follement excitant, les adjectifs ne manquent pas pour qualifier ce « Wasted Space » qui occupe tout le champ spatial, auditif et cognitif à la fois. Génial !
Goat Girl et un quatuor féminin londonien dont le premier elpee est éponyme. Découpé en 19 plages dont cinq interludes instrumentaux, l’album ne dure cependant que 40 minutes. Pas étonnant, dès lors que les morceaux ne vont jamais au-delà des 3’. Produit par Don Carey, l’opus prône une forme de philosophie post punk chère aux Raincoats ou aux Slits. Les textes sont décalés, sombres, sarcastiques et reflètent une forme d’exaspération lorsqu’ils dépeignent leur ville, sous un angle peu élogieuse, une City dont les habitants souffrent de plus en plus des inégalités de classe, de race et de sexe. Et c’est souvent dans un climat sociopolitique difficile que le rock renaît de ses cendres et redevient un moteur de la contestation des masses…
Mais revenons à ce long playing, dont les pistes, tour à tour effervescentes, lancinantes, percutantes, envoûtantes, mystérieuses, spasmodiques, épiques ou impétueuses sont interprétées d’une voix désabusée par Lottie Cream. On même droit à des interventions de violon jazzyfiant sur l’obscène « Creep », de la slide sur le bien enlevé et légèrement bluesy « The man » alors que « Lay down » adopte le tempo d’une valse. Mais même en y ajoutant un zeste de folk, de surf et une bonne dose de psychédélisme, vous ne serez pas au bout de vos (bonnes) surprises. Fascinant, le bien enlevé « Little liar » en est une. Mais également les deux versions d’« I don’t care » ainsi que « Country sleaze. Des plages réminiscentes de l’indie rock pratiqué sur la scène de Boston, début des eighties. Respectivement hantées par Throwing Muses et les Pixies circa « Sufer Rosa ». Excellent !
Il est de ces lumières émanant des ténèbres dont les beautés secrètes gisent dans l’ombre. Des beautés qui se languissent d’être caressées, embrassées, délivrées, possédées.
Hurlant de ce désir ardent d’être découvertes, exposées au grand jour jusqu’à s’en brûler la rétine au contact d’un soleil trop éclatant. Imprimant alors à notre imaginaire une photographie obsédante à laquelle l’inconscient se lie passionnément...
Telles la madeleine de Proust, ces lumières ont vocation de raviver le souvenir, le plaisir qu’on pensait éteint.
Agissant de même, le premier opus de Whispering Sons renvoie à ces plaisirs maladifs. Cette excitation particulière au contact d’une jouissance retrouvée.
Dans un style froid, pour ne pas dire glacial, le combo bruxellois inocule sa cohorte de mélodies funestes et addictives comme un poison fatal.
Abrasif et teinté de l’urgence du post punk, marbré et nimbé des ambiances d’une cold wave réinventée, ce premier opus évite tous les pièges du genre pourtant ouverts béants sous leurs pieds.
Découverts par le biais de quelques titres épars, notamment sur l’Ep « Endless Party », paru en 2015, ce quintet, vainqueur de l’Humo Rock Rally l’année suivante, est rapidement devenu digne d’intérêt. La sortie de ce premier elpee, simplement magistral, consolide cette impression et suscite l’engouement.
Dans un registre où il paraît difficile de ne pas sombrer dans la redite (au mieux) ou dans le ridicule (au pire), peu de formations sillonnent le paysage sonore aussi brillamment…
En évitant le piège de l’hommage à ses pairs et en prenant le parti d’user de codes en vigueur pour délivrer son propre style, Whispering Sons dépoussière un genre et pose sur la table la somme de ses arguments.
Emboîtant le pas à Kiss The Anus Of A Black Cat, autre formation noir-jaune-rouge incontournable, tout en empruntant les sentiers corrosifs et nappés d’une lave incandescente d’une généalogie anglo-saxonne fatalement indissociable, Whispering Sons grave ici son « Image » et surtout son patronyme dans la stèle des premiers albums frondeurs et incontournables.
Balisé dès la première ligne de basse, marqué immédiatement par l’empreinte de la voix androgyne de Fenne Kuppens, voix d’outre-tombe aux résonances spectrales, ciselé par une guitare nimbée de Chorus et martelé d’un bout à l’autre par des drums martiaux et compulsifs, « Image » aurait certainement fait le buzz à l’orée des années quatre-vingt mais ne pâlit d’aucune manière de cette référence, restant, en ce troisième tiers de l’année 2018, un album fondamental.
Loin de la hype et d’une certaine idée de la modernité, où l’immédiat voudrait s’imposer à tout prix, négligeant et bafouant ce qui est appelé à perdurer, Whispering Sons signe un album intemporel, résurgence d’un certain passé, mais sciemment tourné vers l’avenir, nous abandonnant livides et extatiques et surtout en attente de vivre encore davantage d’émotions.
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