Casey Hensley est chanteuse. Elle signe la majorité de son répertoire qu’elle consacre au blues, à la soul, au swing et au rock'n'roll. Cette authentique jeune Californienne vit non loin de la frontière mexicaine, à San Diego très exactement. Elle n'a pas encore trente ans. Ses débuts discographiques remontent à 2017, année au cours de laquelle elle avait déjà gravé "Casey Hensley Live", sur le label notoire Vizztone. Elle est toujours soutenue par un backing group impliquant d’excellents musicos, parmi lesquels figure la guitariste Laura Chavez, ex-gratteuse de feu Candye Kane, qu’elle a côtoyé au cours des dernières années de son existence. Et comme le monde est petit, Evan Caleb Yearsley se charge des drums. Il s’agit, en fait du fils de Tommy Yeartsley, le bassiste des Paladins, et de… Candye Kane. Le line up implique également un autre musicien issu de San Diego, en l’occurrence, le vétéran Jonny Viau. IL se charge des saxophones. Le second elpee de Casey Hensley est découpé en neuf pistes.
La plage éponyme met rapidement en exergue la voix imposante et autoritaire de Casey. Quand elle passe au tempo boogie, c’est pour autoriser la première sortie fulgurante de Laura sur les cordes. Et c'est bien ce schéma de l'union entre les deux femmes qui va s'imposer sur toutes les pistes. Le charisme de Miss Hensley s’impose naturellement sur les titres lents, et notamment lors des ballades aux accents R&B, comme "Love will break your heart" ou "Don't want it to stop", mais encore lorsqu’on est plongé dans l'ambiance du Chicago Westside chère à Magic Sam, comme sur "You should be so lucky". Et puis, l'ombre de Candy Kane se met à planer sur les jumps californiens, "Be my baby" et 'All in", des morceaux au cours desquels Laura Chavez peut laisser éclater son énorme potentiel. Un excellent album !
Land of Kush est une forme d’ovni musical qui sied bien au mythique label montréalais Constellation. Derrière cet étrange patronyme se cache Sam Shaladi, un musicien canadien d’origine égyptienne. On lui doit quelques albums signés Shaladi Effect. Il y a une dizaine d’années, il s’est lancé dans l’aventure Land of Kush. Pour mener à bien ce projet, ce musicien avant-gardiste dirige un orchestre d’une trentaine de musiciens.
Sur ce troisième opus intitulé « Sand Enigma », Sam Shaladi agrège les musiques classiques arabes, les rythmes traditionnels égyptiens et le jazz, tout en y injectant un soupçon de musique électronique. Cet album réunit quatorze morceaux, s’étalant entre 1 minute et 10 minutes. Mais nonobstant sa grande richesse instrumentale (cuivres, cordes, percussions, claviers, tout y passe…), il faut reconnaître que pour apprécier sa musique, il faut s’accrocher. Tour à tour brutiste ou bucolique, notamment lorsque les compos sont traversées par les interventions d’une flûte, mais encore arabisante, climat accentué par les interventions de la chanteuse Nadah El Shazly, l’expression sonore n’est pas facile à assimiler. Et franchement, votre serviteur vous déconseille vivement d’écouter ce « Sand Enigma » après une soirée bien arrosée ou après une journée difficile. Vous risquez de ne pas apprécier du tout. Mais, si vous êtes bien disposé et que vous êtes ouvert aux musiques sans structures et aux improvisations, alors, « Sand Enigma » pourrait vous plaire…
Actif depuis 1985, Wide Mouth Mason est un duo canadien qui pratique du blues/rock. Issu de Saskatchewan, il réunit le chanteur/guitariste Schaun Verreault et le percussionniste Safwan Javed. "Wide Mouth Mason" constitue déjà son 8ème opus. Originale et rafraîchissante, sa musique puise ses racines dans le blues originel.
"Bodies in motion" ouvre l’elpee, un morceau dépouillé qui baigne dans le delta. La voix est excellente et la mise en forme impeccable. Subtiles, les interventions à la slide ne demandent qu’à se mettre au service du répertoire. Très clean, la voix apporte une coloration pop à "Every red light", un blues très proche de ses origines. Un petit joyau ! Plus pop encore et particulièrement mélodieux, "Anywhere" est enrichi des cordes et de chœurs ! Parmi les titres qui adoptent un profil country/blues plutôt classique, "You get used to it" est marqué du sceau de la beauté et de la pureté. C’est la piste qui clôt cet opus. De cet LP, on épinglera cependant encore deux compos : "Erase any trace" et "Only child". Imprimées sur un tempo boogie, elles permettent à Verreault d’y étaler sa technique à la trislide lap steeling. Imparable !
Tom Gilberts est aujourd’hui établi au nord-ouest des States, quelque part dans l’Oregon. Tout comme lui, la plupart des membres de sa famille sont musiciens. Il joue de la guitare, de la basse et même du violoncelle. Et pourtant, dans la vie, Roberts est avant tout, médecin. So dernier elpee, "Grit", avait été fort bien reçu par la critique. Il a pris des cours de guitare auprès d’un des maîtres de la scène issue de Portland, Terry Robb. C’est d’ailleurs lui qui produit cet "Old school". Roberts signe toutes les plages. Lors des sessions, il a reçu le concours de musicos locaux ; en l’occurrence le bassiste Dave Captein et le drummer Brian Foxworth. On suppose que vu sa profession, entre les consultations de ses patients, il se met à gratter une six cordes. Ce qui explique, sans doute pourquoi, parmi les douze pistes du long playing, sept sont instrumentales.
Eclectique, l’opus oscille entre le picking swing (« Zoot suit shuffle »), le traitement des sonorités à la Jeff Beck (« Sun Vibe »), les accents manouche (« Dark clouds »), le jazz blues mélodique (« The North Fork ») et la distorsion hendrixienne (« The Fuzz ») lorsqu’il ne frôle pas la beauté sensuelle du Peter Green originel (« Brown's Camp »). Lorsque Dr Roberts chante, il privilégie les tempos lents, à l’instar du jazzyfiant et dépouillé "Lady Luck", un morceau au cours duquel la ligne de basse souligne parfaitement la voix et la guitare, une guitare responsable de tonalités particulièrement fluides. La voix est empreinte de mélancolie tout au long du slow blues "Nighttime", une compo qui s'étire lascivement au sein d’un climat de western spaghetti. Superbe ! Caractérisé par son bottleneck aux sonorités métalliques, le titre maître baigne dans le delta du Mississippi. La fin de cet elpee est certainement la plus intéressante ; et en tout cas, un créneau que Tom devrait approfondir. Tout d’abord le shuffle subtil "You missed me", une plage ponctuée d’une intervention de cordes particulièrement inventive. Puis l’élégant et dépouillé "Ass, gas or grass", une piste bien balisée par la section rythmique au cours de laquelle, l’envol sur les cordes est parfaitement maîtrisé…
Née en Angleterre d'une mère britannique et d'un père français (NDR : en l’occurrence Albert Jordan), Sass est chanteuse. Elle est à peine âgée de 3 ans quand sa famille s'établit au Canada, du côté de Montréal. Très jeune, elle s’intéresse à la musique. Son premier opus, "Tell somebody", est paru en 1988, sur le label Atlantic. En 1992, elle forme un duo avec Joe Cocker pour chanter "Trust in me", un morceau qui a servi de B.O. pour le film "Bodyguard". En 2002, elle interprète le rôle de Janis Joplin dans la comédie musicale "Love, Janis". Si jusqu’alors, elle pratiquait du rock, à 57 ans, elle a décidé d’enregistrer un album de blues. L'enregistrement et la production sont signés Jeremy Darby, un Anglais qui a bossé, dans le passé, notamment pour Caravan, Joe Jackson et… Lou Reed. Lors des sessions, elle a reçu le concours de son backing group, The Champagne Hookers.
Le long playing s’ouvre par une superbe reprise du "Leaving trunk de "Sleepy John Estes. La voix de Sass est éraillée, rauque même ; mais elle dispose d’une fameuse réserve de puissance. Sur ce morceau, elle est épaulée par le brillant harmoniciste Steve Marriner (NDR : ce musicien qui a décroché à 6 reprises l'oscar du meilleur souffleur au pays de l'érable milite au sein du band canadien Monkeyjunk). Il est toujours au poste sur la seconde plage, "My babe", un canon de Willie Dixon, traduit en hit, dès 1955, par le légendaire Little Walter. En outre Chris Caddell s’y distingue sur son dobro. Excellent ! "One way out" est une compo écrite 60 ans plus tôt par Elmore James et Sonny Boy Williamson II. Elle figurait au répertoire de l’Allman Brothers Band. La nouvelle version s'inspire manifestement du jam band floridien, les deux gratteurs et le pétillant harmoniciste Marriner conjuguant leurs efforts à l’unisson. L’adaptation du r&b "Palace of the King" de Leon Russell et Don Nix est respectueuse du titre originel. Autre cover, le "Too much alcohol" de J.B Hutto. Une parenthèse roots exceptionnelle, poignante, magnifiée par la slide de Caddell. Et c’est la reprise du classique "Still got the blues" de Gary Moore qui clôt cet excellent opus…
Blues Band issu de la région de Tampa, en Floride, le BBB roule sa bosse depuis 1980. "Your baby has left" constitue son 7ème opus ! Le combo pratique un blues électrique qui emprunte les courants traditionnels de Chicago et du Texas. Deux solistes tirent leur épingle du jeu : le chanteur/harmoniciste Sonny Charles et le chanteur/guitariste Kid Royal. La prise de son a été opérée chez eux en Floride. Au menu, six plages écrites par Sonny Charles, deux par Kid Royal et une reprise.
Blues rock classique, amusant et séduisant, "Best friend's grave (Joy, Joy, Joy)" ouvre les hostilités. Promulgué ‘Vainqueur du Coolest Blues song of the year’, ce titre se distingue par son refrain accrocheur et de très belles sorties des solistes. La voix de Sonny Charles est autoritaire. Elle colle parfaitement aux plages énergiques, à l’instar de "Your baby has left", étonnement proche du "Boom boom" de John Lee Hooker. Le groupe déménage pas mal sur "Dixie grill", bénéficiant du renfort de cuivres et du piano de Bruce Katz (de Boston). Une seule reprise, le "Natural born lover" de Jimmy Reed, une piste attaquée comme un shuffle et dynamisée par la rythmique caractéristique de Reed. Très bien ficelés, les deux derniers titres sont issus de la plume de Kid Royal. Tout d’abord, le très rock’n’roll "She might get mad", révélant un Charles très saignant à l'harmonica. Et puis la finale "Time is hard", un blues lent qui s'étire longuement et libère au passage quelques éclairs instrumentaux.
Originaire du Michigan, Jan James est une chanteuse de blues rock qui jouit d’une solide réputation. Elle rencontre à l'université celui qui deviendra, jusqu'à ce jour, son partenaire : le chanteur et compositeur Craig Calvert. Le duo émigre vers Chicago. Il se produit dans les meilleurs clubs de la grande cité du blues, et tout particulièrement au Buddy Guy's Legends ainsi qu’au House of Blues. Son premier LP, "Last train", sort en 1994 chez Provogue, écurie sur laquelle, elle va graver plusieurs elpees. En 2005, le couple a fondé son propre label, Blue Palace. La prise de son a été réalisée à Chicago. Onze des douze plages sont signées par le duo ; et bien sûr, Craig est chargé de la mise en forme.
Funky blues, "I'm always coming back" ouvre la plaque, une compo mélodieuse dont le refrain est repris en chœur… par les chœurs féminins. Face à l’orgue Hammond de Bob Long, Craig brille déjà sur ses cordes. Il semble hanté par Jimi Hendrix tout au long du titre maître. Il écrase frénétiquement sa pédale wahwah, alors que la voix de Jan emprunte un tour subtilement tragique. A cet instant, elle est vraiment dans son élément. C’est d’ailleurs sur les ballades indolentes qu’elle est au sommet de son art. Et elle peut ainsi étaler toute la puissance de sa voix. "Try", "Where you gonna run to" et "Never in the game" en sont certainement les meilleures illustrations. Calvert est intenable tout au long du rock'n'roll sémillant "Lucky U R ". Le reste du long playing est partagé entre plages de blues/rock sans grande surprise et une reprise du "Honky Tonk woman" des Rolling Stones quelconque.
Il y a une dizaine d’années, la jazzwoman Matana Roberts s’est lancée dans un projet particulier qui lui tenait à cœur. Elle l’avait baptisé Coin Coin Project. A travers les douze chapitres annoncés, la native de Chicago revient sur l’histoire sombre de l’esclavage aux Etats-Unis en utilisant l’outil qu’elle maîtrise le mieux : le saxophone. Sur les treize morceaux de « Coin Coin Chapter Four : Memphis », elle relate les mémoires d’une jeune femme dont les parents ont été assassinés par le Klux Klux Klan. Cette histoire se déroule à Memphis, lieu de naissance de sa grand-mère. Comme sur les précédents chapitres, elle a invité des collaborateurs pour apporter davantage de substance à l’ensemble. Si auparavant on a déjà eu l’opportunité de croiser des musiciens du label Constellation (qui sort l’album) ou encore Prefuse 73, pour cet opus, elle convie un autre habitué du label montréalais, Sam Shalabi (que l’on a récemment croisé au sein de Land of Kush). Sur ce quatrième LP, Matana Roberts réalise un cocktail entre free jazz déstructuré et folk spirituel. Alternant passages plus ambiants sur lesquels viennent se poser une voix et d’autres qui laissent place aux impros dont elle a le secret. Et il fallait s’en douter, le gospel a également voix au chapitre sur cet opus...
Attention, si vous n’êtes pas réceptifs au free-jazz (NDR : ce qui est le cas de votre serviteur), l’écoute de ce disque risque de vous donner du fil à retordre ; mais au fil du temps, pourrait vous réserver quelques moments de satisfaction.
Affichant un look androgyne à la Jeanne Added, la Belge Clemix enfonce le clou (NDR : ou persiste et signe, si vous préférez) en publiant un nouvel Ep singulièrement intitulé « Non merci » !
Il s’agit de son sixième essai en de son troisième en solo. Et la filiation dans le propos avec le duo CéléniaSophia est à s’y méprendre. Mais le talent en moins…
Clémentine Colette, de son vrai nom, a pris le parti de dicter les axes médians de sa jeune existence sous un flot de paroles souligné par une musique electro voire disco sur un groove tonitruant.
Si de prime abord, l’idée peut sembler intéressante, le résultat est décevant.
L’expression sonore manque cruellement d’originalité, de relief et consistance. Les compositions sont insuffisamment enrobées et manquent d’attrait. Les sonorités sont certes contemporaines, mais peinent vraiment à s’éloigner d’un modèle éculé.
Quant aux textes, à travers des thématiques qui abordent tantôt l’intimité, les relations ou encore les travers des réseaux sociaux, ils tentent, sans y croire, de défendre les couleurs d’un vécu réel ou imagé dans une immaturité totale, tombant rapidement dans une allégorie caricaturale.
Bref, cinq titres, c’est déjà beaucoup trop !
Quoique son ‘’Motherfucker’’, seule compo en anglais, pourrait faire le bonheur des dancefloor. Encore que…
Et si son « Non, merci » était en soi une conclusion ?
Inutile de jeter le trouble en précisant d’emblée de quelle formation contestée et contestataire sont issus deux des membres de Kreda, tant les 4 compositions de « Crest » sont personnelles, frondeuses et ne nécessitent aucunement un lien de parenté, qui du reste, fausserait, dans le cas présent, le prisme de la perception.
Voyez plutôt en cette formation anglo-slovène l’association maligne de talents curieux aux ambitions ouvertes sur différents types d’expression alliant musique expérimentale et installations visuelles. Si l'elpee dont il est question ici, ne propose pas, par la force des choses, d’embrasser les différents aspects de sa vision artistique, il s’agit néanmoins d’une excellente introduction à son univers.
Élément central de cette escapade aventureuse, la voix de Mina Spiler, atome autour duquel viennent tournoyer les deux électrons libres que sont Matevz Kolenc et Alastair McNeil, collaborateur de Roisin Murphy.
C’est donc cet élément vocal qui fabrique la matière d’un univers sombre et passionnant, recelant ses parts de lumière et d’espoir.
Des vocalises qui sombrent au cœur des ténèbres pour s’élever ensuite vers des cimes étoilées en l’espace d’un instant. Emmenant dans leurs sillages un voile de mystère troublant, telle une nébuleuse en mouvement.
Se faisant, les rythmiques et autres sonorités binaires qui jonchent le chemin sur lequel nos oreilles charmées ne tardent pas à se fondre, ne sont pas en reste. Car toute l’inventivité des compositions se révèlent en miroir, justes répliques aux accents et intonations de Milna Spiler.
Plus loin, la ballade onirique se prolonge, accentuant toujours l’intriguant voyage en ces terres balayées de mystère.
Mais si la musique s’adresse directement à l’intellect, elle ne laisse pas pour autant le cœur en friche. Dressant la cartographie de ses terres en peignant le portrait d’une humanité en recherche d’elle-même, « Emotional Tides » résume à lui seul la démarche du groupe.
Voyage au long des canaux vénitiens, il revisite l’histoire par le prisme des émotions humaines.
À l’instar de sa musique, le trio opère de façon anarchique ; s’imprégnant d’abord de la matière visuelle d’Atej Tutta, réalisateur et vidéaste vénitien avant de régurgiter des sons. Un concept qui laisse libre cours à une filmographie toute personnelle dont l’auditeur est libre de s’en accaparer les motifs pour en remodeler les contours.
Bref, une musique dont la genèse est l’image et qui génère un flux d’autres images, propre à chacun.
Il serait pertinent de découvrir Kreda et de s’immerger totalement dans cet ensemble, à l’embouchure de leur créativité, mais en toute vérité, les panoramiques offerts à notre imagination se suffisent déjà à eux-mêmes.
Une association de talents et de visions pertinentes, menant à un projet binaire excitant du début à la fin, sensiblement éloigné du berceau industriel du groupe dont sont issus la moitié de ses membres.
Still Corners incarnerait-il un énième duo dream-pop ? Oui mais pas seulement. Ce couple –sur scène comme à la ville– réunissant l’Anglais Greg Hugues et l’Américaine Tessa Murray est né suite à une rencontre hasardeuse qui s’est produite dans un bus londonien, en 2007. Et « Slow Air » constitue déjà son 4ème elpee, depuis ses débuts opérés chez Sub Pop, en 2011, lorsqu’il a gravé l’excellent « Creatures of an Hour ». Still Corners marche avec grâce sur les traces de Mazzy Star ou de Beach House. « Slow Air » répond d’ailleurs au cahier des charges grâce à la voix éthérée de Tessa Murray, les ambiances oniriques vaporeuses à souhait, les reverb’ omniprésentes et les mélodies pop langoureuses (« Black Lagoon »). Mais tout est fait avec une incontestable classe et un talent assez bluffant (l’instrumental « Welcome to Slow Air »). La production ne lésine pas sur les détails communiquant à l’ensemble une étrange douceur qu’on aurait adoré voir hanter des séries telles que ‘The OA’ ou ‘Twin Peaks’. Un magnifique moment en apesanteur…
Bon Iver (à travers son approche la plus expérimentale) et James Blake commencent doucement à entrevoir leur descendance. C’est particulièrement évident à l’écoute de "Novemberism", le premier elpee du jeune Oliver Spalding (23 ans). "Novembersim" pourrait se définir comme un concept en état de constante mélancolie et de tristesse profonde… Tout un programme ! A l'aide de son falsetto et ses boucles, son ‘autotune’ lacrymale et la production du très talentueux Ed Tullet (Novo Amor), qui l’épaule également à l’écriture, Oliver Spalding met tous les atouts de son côté. La ressemblance avec Justin Vernon s’avère parfois un peu trop forte (le très beau « Ahamé ») mais l’Anglais développe également un univers propre fait de saxo (« Everglades »), de dark R’n’B (« Her Crescent »), de synthé 80’s circa New Order (« Bow Creek ») ou de folktronica ambient (« Xanax »). Mars est un mois parfait pour découvrir ce "Novemberism".
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