Découvertes par Andrew Fletcher (Depeche Mode, minable pousse-disques à ses heures), les deux demoiselles de Client n'aiment pas trop qu'on les regarde : un peu comme ces putes qui prennent l'argent du beurre sans rougir, après leur sale besogne exécutée à la va-vite. " Available on request/We never say no/Satisfaction guaranteed/Superior quality ", chante l'une d'une voix monocorde sur " Client ", le morceau d'ouverture : vendant leur voix et leur corps mais pas leur visage (la pochette), nos deux hôtesses prétendent donc assouvir nos désirs les plus fous… De l'électro-pop eighties façon New Order (" Rock And Roll Machine ", " Price of Love ", " Civilian ", " Sugar Candy Kisses ") ? Du Pet Shop Girls ? De la techno kraftwerkienne en soubrette (" Pills ") ? Nos désirs, malheureusement, valent plus que ça. Et ne s'achètent pas avec quelques vulgaires fripons et des boîtes à rythmes de blondes frigides. " We innovate, never imitate " (" Client ")… Hum ! Désolé, mais le client est roi. Et il veut être remboursé.
Tout comme les White Stripes, The Clone Defect nous vient de Detroit. Leur premier single avait d'ailleurs été produit par Jack White des Stripes. Drivé par le chanteur/guitariste Tim Vulgar, alias Tim Lampinen, ce quartet a bâti sa réputation sur les planches, en accordant des concerts dévastateurs. Faut dire que leur musique transpire le rock'n roll avec une ferveur nuisible et une énergie survoltée : trivial, sale, insalubre, agressif, puant l'alcool, il est incontestablement influencé par les Heartbreakers, les Dead Boys, MC5 et les Germs. C'est à dire le punk, le glam, le garage et le rock pur et dur. J'ajouterai les Stones. A cause des traces insidieuses de soul et de ryhtm'n blues (motown ?). Qui transparaissent parfois à travers des riffs de guitare caractéristiques, probablement piqués à Keith Richard. Pensez à " Street fighting man " et à " Gimme shelter ". Tim a un jour déclaré que trop de musiciens ignoraient que les mots punk et rock'n roll étaient identiques. Pour lui, c'est un mode de vie, une attitude, avant d'être un courant musical. Et ce n'est pas Lux Interior des Cramps qui le contredira. Ce qui vous donne une idée de l'esprit qui hante les Clone Defects. Pourtant, au fil du temps la formation a appris à canaliser cette énergie chaotique pour la restituer dans un punk rock frénétique. Et ce " Shape of Venus " en est le résultat. Un album vraiment dans l'air du temps !
Un Cd et un Dvd composent ce "Live 2003". Des enregistrements opérés les 21 et 22 juillet dernier au Horden Pavilion de Sydney. Le DVD recèle un documentaire de 40 minutes consacré à la vie quotidienne des quatre musiciens et un enregistrement public d'une heure et demie. Sur les planches, Coldplay possède une aura différente. Lors de son passage à Forest National, on avait pu se rendre compte que le groupe était capable de libérer une intensité phénoménale. De passer de moments d'émotion à fleur de peau à la fièvre électrique la plus féroce, avec une facilité déconcertante. Mais surtout de donner une forme nouvelle à chacune de leurs chansons, afin de les rendre plus vivantes. Et puis il y a Chris Martin, un showman qui ne tient pas en place et dont le charisme procède davantage du capital sympathie qu'il affiche que d'une quelconque image ou attitude. Et pour votre information, sachez que si la plupart des standards de la formation ont été sélectionnés pour la circonstance, deux fragments devraient faire le bonheur des véritables aficionados : tout d'abord l'inédit " Moses ", et puis le rarissime " See you soon ". Sans oublier " One I love " ; c'est à dire un fragment issu du single " In my place ", un titre dont les guitares bringuebalantes rappellent ici encore davantage la période la plus brillante du défunt et mythique House Of Love…
Janine, chanteuse de ce groupe électro-goth qui n'a pas peur du kitsch, fait beaucoup de manières sur ce " Centipede " plutôt grotesque. Déjà, s'appeler Janine quand on chante dans un groupe, c'est pas la joie : imaginez si PJ Harvey avait pour prénom Paulette-Jeaninne… On comprendrait de suite le choix des initiales. Sur la pochette, Janine fait sa Belle de Jour, ligotée comme une fan de Die Form : justement, la musique de Column ressemble vaguement à un produit avarié d'EBM croisé avec du rock fainéant (tendance Garbage, voire Goldfrapp, pour la voix). Sûr que tout ça sent le faisan : des beats datés, des samples bon marchés, des vocalises horribles à la Nina Hagen… Assez, la coupe est pleine ! Autant se taper Within Temptation à l'Eurorock, au moins chez eux y a du spectacle.
Après trois beaux albums d'emocore et plusieurs années de bourlingue en Flandre, Reiziger n'est plus. Mais à peine le deuil consommé, voilà que Geert Plessers nous revient déjà avec un nouveau groupe, Confuse The Cat. La voie empruntée par Geert et ses trois compères s'avère cette fois plus minimaliste : un violon parfois, une note de piano, un riff suspendu au-dessus d'une mélodie qui peine à s'accrocher… Confuse The Cat se dérobe, comme au jeu, agaçant, du… chat et de la souris. Et quand le chat est parti, les souris dansent. Sauf qu'ici, elles tournent en rond et se tournent les pouces. L'indie pop de Confuse The Cat se veut limpide, elle n'est qu'insipide. Les titres s'enchaînent et se ressemblent, coincés dans une rythmique soporifique qui rend l'écoute rébarbative. Confuse The Cat a beau s'échiner à trouver la mélodie qui surprend, l'atmosphère qui réconforte, la note qui caresse, sa musique ne nous laisse qu'un sentiment diffus. Confus, le chat ?
Le double album est une gageure que peu d'artistes osent relever, tant l'entreprise s'avère casse-gueule : pour une trentaine de titres enchaînés, combien valent réellement la peine, et se distinguent des faces B habituelles, le plus souvent facultatives ? Les Beatles, Smashing Pumpkins, Bob Dylan (époque vinyle), GYBE !,… Rares sont ceux qui peuvent se vanter d'avoir captivé l'auditeur pendant (plus de) deux heures. Bonne nouvelle : Console, avec " Reset The Preset ", pourrait bien intégrer le cercle très fermé (et jalousé) de ces stakhanovistes de la musique, qui plus est dans la catégorie " électro ". Chapeau bas, monsieur Gretschmann : après avoir participé au carton plein de " Neon Golden " et de " Shrink " (le virage électro de Notwist, c'est votre idée), voilà qu'on vous retrouve ailleurs, toujours du côté de la pop synthétique (" Reset "), mais aussi aux confins de l'ambient (" Preset "). Finalement, c'est un peu comme du Notwist, sauf que le jaune (la pop) a été séparé du blanc (l'expérimentation) pour éviter l'omelette. Sacré parti pris que de concevoir deux albums aux styles différents plutôt que de mélanger les deux, n'est-ce pas Monsieur Gretschmann ? Heureusement, vous avez les mains vertes, et un certain talent pour réussir toutes vos recettes : que ce soit sur ce " Reset " électro-pop (Lali Puna vs Adult) ou sur ce " Preset " instrumental, vous évitez toute faute de goût. Encore bravo ! Nous, on préfère quand même le premier CD, pour l'ambiance festive et les tubes en puissance (" Surfin' Atari ", " A+A = B "). Le deuxième, on se le réserve pour nos soirées cafardeuses, ou pour calmer nos nerfs… " Preset " d'abord, pour se défouler (quoique tous les titres ne sont pas d'humeur dansante), puis " Preset ", pour se reposer : vous avez tout capté, cher Monsieur G. " Reset " : le dance-floor. " Preset " : le chill-out. Quel homme, ce Martin… " Reset the Preset ", c'est donc comme sortir en club, sauf qu'il faut pas débourser un kopeck : trop fort, le concept. Allez, hop, on y retourne… Hé, où t'a mis la boule à facettes ?
Une chorale d'enfants de maternelle assez craquante, relayée par une flûte enchanteresse qui, en deux notes, passe au registre dramatique pour introduire une fringante ouverture flûte/guitare/claviers héritière de Jethro Tull. Puis, place à la guitare sèche ; et enfin au chanteur, qui s'exprime dans la langue de Verdi, expressif mais pas maniéré. En quelques mesures, la magie opère et ce CD nous introduit dans l'antre d'un conteur truculent, d'un alchimiste guérisseur, d'un adorable saltimbanque. Dans ce règne blanc de Dooha, il y a à la fois sophistication et naïveté touchante, drame et tendresse, tourmente et 'dolce vita'. C'est un album concept progressif dans toute sa splendeur, mélodique et symphonique, avec une légèreté et une finesse, typiquement latines et des références palpables mais non-tyranniques aux seventies (PFM et Banco essentiellement). Les claviers règnent en maîtres (il y a deux claviéristes dans le groupe), mais sans imposer la moindre démonstration nombriliste. Au contraire, la fluidité et l'extraordinaire variété des sonorités sont des atouts majeurs de cet opus. Et s'il est vrai que la guitare électrique a bien du mal à se faire une place autrement qu'en rythmique ou en doublant les claviers (il y a quand même deux ou trois soli), guitare sèche, flûte, clarinette, cornemuse et autres classiques compensent élégamment et servent sans faillir des mélodies finement ciselées. Si le groupe a eu l'intelligence d'éviter les plages systématiquement longues (ceci dit, la dernière s'étale sur plus de 20 minutes), l'unité de l'ensemble est assurée par les quelques thèmes exposés d'emblée, qui se développent en parallèle, réservant quelques 'apparitions' au fil de l'œuvre. La chorale enfantine, par exemple, reviendra, portée par la puissance lyrique des envolées finales, mais annonçant la conclusion de l'histoire. CAP nous aura offert entre-temps une grande bouffée d'enchantement, de beauté tourbillonnante, de rêverie éveillée. Un cadeau inattendu mais espéré en silence, comme un peu d'Italie qui descendrait l'Escaut. Merci, amis milanais! CD à commander sur le site www.capgroup.it. N'hésitez plus.
Commençons par la bonne surprise : "Passed Away", le titre d'ouverture qui nous ballade en pleine ambiance gothique (Sisters en plein) grâce à un seul xylophone ; une ambiance teintée de punk rock mélodique bien entraînant. Une réussite totale. Passons aux mauvaises surprises : le reste. A mon avis Convict a senti que " Passed Away " était une bonne chanson, alors ils l'ont dupliquée 9 fois. Mais en oubliant ce qui faisait le réel intérêt du titre, à savoir : le xylophone et cette simili inconscience, improbabilité à marier 2 genres tellement codifiés, à la limite parodiques. Bon, ils reviennent à leurs moutons et ceux du label sur la suite et nous ennuient rapidement. Et ce n'est pas la reprise mollassonne du " So what " des Anti Nowhere League qui me fera changer d'avis.
Cette formation belge a été montée en 1998, pour accompagner la chanteuse Lieve Deconinck. Miss Lieve est entourée de Lieven Coudijzer à la guitare, son frère Bart à la basse, Frank Debode à la batterie et Willem Claus au saxophone. Joan Schotte, un vieil abonné du BluesBoarder, siège derrière l'orgue Hammond. Le style se décrit comme ‘Cool blue’. Un savant mélange de jazz et de blues au cœur duquel l'émotion et la spontanéité du blues fait bon ménage avec le caractère cool du jazz. Un style qui ne se base pas sur le rythme. Il se veut essentiellement ‘soft and slow’ ; doux et lent, si vous préférez. L'album a été enregistré live dans le plus célèbre juke joint belge : le Banana Peel de Ruiselede.
Le répertoire est classique. Il s'ouvre par "Dangerous mind" de BB King et embraie immédiatement par le fameux "I'll sing the blues" d'Albert King. Certainement un exemple type du style pratiqué par Cool Blue. Lieven joue sa partie de cordes avec habileté. Les musiciens soignent le décor. Willem sort de l'ombre pour signer son solo de sax. La voix me rappelle tantôt celle de la délicieuse Ann Vancanegem, tantôt de la chanteuse du regretté Red Rooster, tantôt encore de l'ex Vaya Con Dios, Dani Klein. Signé Mose Allison, "Mind on vacation" est un excellent blues. Lieve le chante avec passion. Lieven met la pression sur ses cordes, avant de céder le relais à Joan qui communique beaucoup de chaleur dans son jeu à l'Hammond. Lieven chante "Come rain or come shine" de sa voix de velours. Un exercice périlleux, sans filet, très dépouillé. Cool Blue interprète avec un réel bonheur le "New coat of paint" de Tom Waits. L'orgue Hammond apporte beaucoup de densité sonore à cette plage très soft and slow, en effet! "Things better left unsaid" hausse de rythme, histoire de permettre à Willem Claus de sortir le sax de sa réserve. L'improvisation du style pratiqué par Cool Blue est résumée en 8 minutes sur la plage titulaire. La voix féminine chaleureuse est entourée de sax, d'orgue et de guitare. Le groupe adapte le "Whipping post" des Allman Brothers. Une des plus belles pages d'histoire de la guitare, consacrée au Fillmore East par les duels échangés entre Duane Allman et Dicky Betts. Ici, Joan Schotte amorce les débats de la même manière que Gregg Allman. La version tient la route ! Elle conserve l'esprit de la version originale. Vers la fin du concert, Cool Blue renoue avec le rythme dans une adaptation bien jazzy et swing de "Route 66". En guise de rappel, Cool Blue interprète "Riviera paradise". Un long blues lent écrit par Stevie Ray Vaughan. Cette reprise très cool et imagée plait manifestement au public du Banana Peel. Normal, puisque Lieven, Bart et Joan s'en sortent à leur avantage. Madame et messieurs, je vous tire mon chapeau !
L'an dernier, cette formation liverpuldienne avait commis un premier album particulièrement intéressant. Un disque qui semblait avoir hérité de la fibre lyrique et psychédélique du mythique Teardrop Explodes, lorsqu'il ne trahissait pas, sous le format acoustique, une sensibilité mélodique proche des La's. Si l'esprit de la bande à Lee Mavers et à John Power continue de hanter les morceaux minimalistes, le 'garage' n'est plus maître du jeu. Il doit composer avec le blues, le folk, le reggae, le rythm'n blues et surtout la country. Pas seulement à cause du tempo très caractéristique. Mais aussi parce que cette country se révèle filmique, 'eniomorriconesque'. A l'instar des ténébreux " Secret kiss " et du remarquable " Don't think you're the first ", un fragment poussiéreux déchiré par un harmonica spectral (Wall of Voodoo ?) et dont la chevauchée fantastique s'achève dans le désert poussiéreux de la West Coast. Pour The Coral, du blues au ryhtmn' blues, il n'y a qu'un pas. Que " Talkin' gypsy market blues " et le final " Confessions of A.D.D.D. " n'hésitent pas à franchir ! Le premier en adressant un clin d'œil aux Yardbirds. Le second en libérant toute son énergie lors d'un final à la fois cuivré et déjanté. L'opus recèle même une plage rockabilly balayée par une guitare 'crazyhorsienne' (" Bill Mc Cai "), et puis " In the forest ", un titre à la fois mystique, sombre et romantique, rêve cotonneux au cours duquel l'orgue solennel rejoint la voix de James Skellyn, une voix dont le timbre me fait de plus en plus penser à Neil Diamond. Une impression qui se renforce encore sur les chansons les plus romantiques…
Difficile de savoir si la salsa est venue au jazz de Jack Costanzo ou si le jazz est venu à la salsa de Costanzo Jack ! Pas de dédoublement, pas la peine non plus de chercher un Docteur Jeykill et Mr Hyde en la personne du percussionniste américain ; car tout se mêle, la trompette avec les percussions, le rythme mambo avec un jazz qui rappelle, de temps à autre, Quincy Jones. Mais sans doute est-ce normal puisque Costanzo a été un des premiers percussionnistes à intégrer des tempos afro-cubains dans le jazz. Et parfois aussi, Jack Costanzo revient à ses premières amours en introduisant un hémistiche de percussions pures, vives et enivrantes ("Bongo Jam"). Son opus "Scorching the skins" est riche de tous ces sons vraiment chiadés, où chaque note devient importante. Mais surtout, cet album est une invitation au voyage et à la danse. Il vous sera en effet impossible de résister à quelques pas de salsa en vous imaginant à Cuba. Si le musicien autodidacte de 80 ans est mal connu, malgré la mouvance cubaine qui envahit les ondes, il a joué avec les plus grands jazzmen, dont Nat King Cole, Stan Kenton, Eddie Cano. Rarement un album a donné l'impression d'être aussi complet, régulier. Aucun morceau n'est à éviter, car chacun d'eux met en exergue le talent du maître des percussions. Un enchantement à l'état pur qui nous ferait presque oublier la réalité ! Entre les rythmes mambo, jazz, swing et salsa, Jack Costanzo fait ressortir chaque instrument et termine son album par l'excellent "After Hours", caractérisé par une délicieuse intro au piano. Un disque à se procurer très vite ; car sachez que les enregistrements de 1954 ("Afro Cuban Jazz North of the Border" et "Afro Cubano") n'ont jamais été réédités. Alors n'attendez pas cinquante ans pour vous offrir ce "Scorching the skins".
Octobre 1966, " Psychotic reaction ", la chanson d'un groupe obscur issu de San José, en Californie, décroche le n° 5 dans les charts américains. Un titre de rock garage directement inspiré par les Yardbirds qui restera, cependant, sans lendemain. Le quintet eut beau graver un elpee et toute une série de singles, sans doute un peu trop similaires, la formation va disparaître dans la plus grande indifférence. Jusqu'en 1972, moment choisi par Lenny Kaye, le guitariste de Patti Smith, pour l'inclure dans sa collection " Nuggets ". A partir de ce moment, à l'instar des Castaways, des Standells et de quelques autres, Count Five va devenir une légende du garage rock. Le label 'Big Beat' a donc décidé de leur consacrer une nouvelle compilation (NDR : un 'live' était déjà sorti en 1993). Soit la réédition de l'album paru en 1966, enrichi d'inédits, de démos et surtout d'une version jamais sortie à ce jour, du titre phare. N'empêche, en écoutant ce disque, on ne peut nier l'influence majeure que ces ensembles des sixties ont pu avoir sur des groupes comme les Hives, Clone Defect, les Strokes et autres Von Bondies. De tout ce mouvement 'garage revival' dont le charme désuet sent si bon le rock'n roll…
Ca y est ! Le black metal a infiltré la grosse industrie. Cradle of Filth est le premier groupe du style à bénéficier d'une signature sur un major, Sony Music en l'occurrence. Les vampires des temps modernes auraient-ils vendu leurs âmes noires au diable pognon en mettant de l'eau dans leurs calices de sang ? Que non par Lucifer ! Bien qu'agrémentées de parties orchestrales qui dégagent une atmosphère quasi biblique, les dix-sept pistes de " Damnation and a Day " exsudent toujours une agressivité féroce. Le tout pour une durée totale qui frôle les 75 minutes ! Epique et harmonieuse, même si on attendait une production davantage soignée, la pièce s'écoute sans interruption, jusqu'à la fin de l'histoire... Car Dani Filth et ses valets, épaulés par l'Orchestre philharmonique de Hongrie, ont brodé un concept historique et horrifique retraçant l'épopée d'un personnage qui, chassé du paradis, fait entrer le mal dans le monde des hommes. Cradle est sur un terrain qu'il connaît bien et on a peu de peine à imaginer, au fil des morceaux, le théâtre et les décors qui se greffent sur cette oeuvre sombre et malsaine. Outre les orchestrations grandiloquentes, rien n'a changé dans la musique du combo anglais. Peut-on réellement parler d'évolution? Dans les arrangements sans aucun doute, mais les bases musicales sont restées identiquement les mêmes depuis " Cruelty and the Beast " qui a ouvert les portes de la gloire à un groupe qui a, d'une certaine façon, popularisé le black metal. Les ventes seront bonnes et la tournée qui s'annonce un succès de foule.
Affirmer qu'on attend toujours avec impatience un nouveau projet de Carl Craig relève de l'euphémisme : depuis " More Songs About Food and Revolutionary Art ", et surtout depuis Innerzone Orchestra (l'incroyable " Bug In The Bass Bin "), Carl Craig continue à nous fasciner, ne serait-ce que par son aptitude à transcender les genres, de la techno au jazz, de la house à la soul. Son nouveau CD mix pour le label React (le premier) nous propose ainsi de découvrir quelques-unes de ses nouvelles pépites : de cet " Experimento " en ouverture du second CD aux deux morceaux signés Tres Demented, l'un de ses nombreux pseudonymes (tous publiés sur Planet E, son propre label). A côté de ces inédits qui témoignent de la bonne forme de Craig, d'autres titres comme le déjà culte " Hand To phone " d'Adult et l'" Emotional " de Soul Designer (alias Fabrice Lig) nous rassurent quant à l'éclectisme de l'artiste (à citer encore : Recloose, Gus Gus, Bugge Wesseltoft, Jah Wobble,…). Carl Craig a voulu un mix varié, à écouter " at any volume through any sound source ", partout et tout le temps. Et d'ajouter, sûr de son coup, que " The Workout is a tool for lifestyle… is there to be your personal soundtrack to your life… is the CD for you ". Hum, d'accord : la pochette en jette, comme la plupart des titres… Mais de là à dire qu'il s'agit de la bande-son de notre vie, il y a un pas, énorme, que nous nous refuserons quand même de franchir. Sans rancune, hein, Carl.
Après 5 longues années d'absence, les Cramps nous reviennent avec ce "Fiends of dope island". Vous avez certainement appris que Bryan Gregory, un des membres fondateurs, est décédé en 2001, suite à une pneumonie. Il n'avait que 46 ans. Mais, il est vrai qu'il avait quitté le groupe depuis 1980. Toujours drivés par Lux Interior et Poison Ivy, les Cramps ont encore changé de bassiste. Il s'agit de l'ex Mau Maus et Mr Badwrench, Chopper Franklin. Par contre, le quartet semble avoir trouvé en Drumdini, un drummer stable, puisqu'il figure dans le line up, depuis maintenant plus de 10 ans. Autre changement : le label. C'est presque une habitude. Mais, c'est pour ressusciter 'Vengeance' ; c'est à dire le label qui avait guidé leurs premiers pas. C'est aussi devenu leur propre label. Bref, venons en à cet opus. Un elpee qui porte bien les couleurs des Cramps. On y replonge dans les coins les plus reculés du psyché/rock'n roll primal, animal, tribal. On succombe toujours aux pulsions rythmiques de ce mélange dangereux, marécageux et un peu fou de rockabilly, de surf, de psychédélisme, de punk sixties et d'humour macabre. On y rencontre toujours les fantômes de Dracula, de Frankestein, d'Eddie Cochran et d'Elvis Presley. Oui, oui, vous pouvez mettre dans le même sac. Puis l'une ou l'autre cover d'artistes inconnus. Trois en tout. Dont une ballade mid tempo du standard exotique " Taboo ". L'opus recèle également deux sortilèges incantatoires : " Big black witchchcraft rock " et " Papa satan sang Louis ". Deux blues aussi. Urbain et effrayant, " Color me black " aurait pu être interprété par Nick Cave à l'époque de Bithday Party. Cryptique et délirant, " Dopefiend boogie " démontre bien que le Jon Spencer Blues Explosion est son héritier naturel. Encore qu'on pourrait croire le contraire, à l'écoute de "Dr Fucker M.D. ", tourmenté par un theremin étrange. Et si le déchaîné et survolté, " Wrong way ticket " évolue aux confins du paroxysme, " Fissure of Rolando " renoue avec la sauvagerie mélodique d'un " Human fly ". Avec un peu de promo, il pourrait devenir un hit radiophonique. Dommage d'ailleurs que cet aspect mélodique ne soit pas ici plus souvent mis en évidence. N'empêche avec un disque pareil, on peut à nouveau déterrer la hache de guerre et entamer la danse du scalp autour de la table du salon.
Chansons à boire, chansons à danser, chansons d'étudiants, chansons d'amour et... chansons de marins : ce disque est un véritable trésor pour les animateurs de soirées de mariage, de communion, de bleusaille et de noces en tous genres, qui souhaitent renouveler leur répertoire de farandoles. C'est vrai que depuis que le Grand Jojo a pris sa retraite, il n'y a plus guère sur Jean-Luc Fonck, qu'ils peuvent compter. Les pieds dans la Semois (NDR : ils ont originaires du sud de la province du Luxembourg, en Belgique) et un verre de rhum (NDR : pas de Sttellla) à la main, ce quatuor rêve de galions remplis d'or, de belles aux cheveux rouges flamboyants et d'îles aux trésors. L'un gratouille sa guitare, l'autre chante à tue-tête, le troisième tripote les boutons de son accordéon et le dernier fait jaillir des sons bizarres de son clavier en goguette. C'est probablement ringard, mais ça ne maque pas de charme, surtout lorsque la musique tutoie le folk celtique, au sein d'un univers sonore qui me fait parfois penser à Renaud…
Culture, honorable représentant de la vague reggae roots, sort cette année son trentième album. Si à l'origine ce trio vocal évoluait dans un registre fort proche de Burning Spear, aujourd'hui il est surtout associé à Joseph Hill. Chanteur principal il continue à mener la barque en compagnie d'Albert Walker. Mais cet autre membre fondateur se contente ici de participer aux chœurs. Ecrit et enregistré avant le lancement de l'offensive américaine en Irak, cet album est habité par le thème de la guerre. Les lyrics de Hill analysent la situation actuelle, tout en restant fidèle à l'optique positive qui est depuis longtemps la sienne. Enregistré en compagnie d'une formation complète (basse, batterie, section cuivres, fait rare dans la production jamaïcaine d'aujourd'hui), " World Peace " est un opus plaisant et de bonne facture. Certes il n'y a rien ici qui atteigne les sommets conquis par la formation au cours des seventies (" Two sevens clash ", " Peace and love "), mais l'ensemble réserve de très bons moments. A l'instar de " Sweet Freedom ", " Never Get Weary " ou encore de " Selection Train ", une énième relecture du " People Get Ready " de Curtis Mayfield, tant apprécié par les artistes jamaïcains. Culture poursuit donc sa route, auréolé de tous les honneurs ; si toutefois vous ne connaissez rien des travaux de Joe Hill, jetez d'abord une oreille sur ses précédents albums ; et en particulier sur " Trod On " (NDR : également chez Heartbeat) ou encore " Two Sevens Clash ", un elpee qui avait séduit les punks en 1977.
Originaire de Portland, dans le Maine, Nick Curran constitue une des dernières révélations de la scène blues rockabilly moderne. Et pourtant, il est à peine âgé de 20 ans. Musicien professionnel, son père lui fait découvrir Duke Robillard et les Fabulous Thunderbirds. A 15 ans, il joue dans le groupe de son paternel, avant de rejoindre Ronnie Dawson, une légende du rockabilly. Il se lie ensuite avec la reine du rockabilly texan : Kim Lenz flanquée de ses Jaguars. Cette dernière la pousse à rejoindre Dallas, où il se produit d'abord régulièrement aux côtés de Hash Brown. Nick entame ensuite une carrière personnelle ; et en 99, il enregistre son premier album, "Fixin' your head". En 2000, il monte ses Nitelifes ; et l'année suivante, il commet son second elpee, "Nitelife boogie". La même année, il émigre à Austin où il est remarqué par Jimmie Vaughan qui le prend sous son aile protectrice. Curran adore le vieux R&B et le jump des années 40 et 50. Ses idoles répondent aux noms d'Amos Milburn, Wynonie Harris, Roy Brown et Jimmy Liggins. Il est souvent comparé à un hybride entre T-Bone Walker, Little Richard et Johnny Guitar Watson.
Ses Nitelifes se résument à une section rythmique composée d'Eric Przygocki à la basse, et de Damien Llanes aux drums. Enregistré 'live' au sein des studios de Fort Horton à Austin, cet album a bénéficié du concours de quelques invités.
L'album s'ouvre par la plage titulaire. Nous sommes immédiatement plongés dans cette ambiance de la fin des 40s. Rev Murph Moticka et Joe Morales se réservent les saxes. De solides chœurs masculins appuient le chant rocailleux de Nick. La guitare et le piano de Matt Farrell sortent de leur tanière. Signé Freddie King, "Lonesome whistle blues" nous entraîne dans l'univers du Chicago blues. Celui de Magic Sam, du West Side. De puissants chœurs doowop soutiennent les parties vocales. La guitare distille un blues bien vécu. Le p'tit a tout compris ! Surtout qu'il est ensuite relayé par un maître du genre : Mr Jimmie Vaughan en personne. C'est le bonheur ici bas! Nick possède une voix assez ravagée, taillée au couteau. Elle peut aussi se révéler une solide rampe de lancement pour un chant plus rockabilly. A la manière de Little Richard, si vous préférez. Damien ne sent plus ses bras. Le piano de Matt frétille et sautille. Curran y va de son solo, très inspiré par le frère Jimmie. J'adore le style de "Drivin' me crazy. Un peu mambo, proche d'Otis Rush, mené à la manière des Paladins de Dave Gonzalez ; mais avec ce petit plus procuré par l'harmonica bien huileux de Gary Primich. "Don't be angry" reste planté dans le début des 50s. Un prétexte pour sortir à nouveau un nouveau solo à haut niveau ; mais secondé par le sax ténor, il évolue dans un registre plus jazzy. Ballade bluesy, "Please don't leave me" semble sortir tout droit des juke boxes nés au cours des fifties. Nick y dispense une intervention lumineuse. Le blues est rythmé. La guitare de Nick épouse une sensibilité très West Coast jump sur "Midnite hour". Une composition parfaitement ciselée, signée Clarence Gatemouth Brown, qui permet un dialogue entre Nick et Jimmie Vaughan. Une joute à très haut niveau ! "One more time", la fête continue tout au long de la rencontre entre le piano honky tonk de Farrell et la guitare très nerveuse, presque métallique, de Curran. Primich revient souffler sur le rapide "Can't stop loving you". Le langoureux "She's gone" est un moment chaleureux à partager avec votre partenaire. Toujours aussi diverdifiée, la palette conserve son intérêt en fin de parcours. A l'instar du swing "Beautiful girl", de l'amusante cover country de Hank Williams, "Cold cold heart", et du final explosif "Stompin' at the Fort". Instrumental, ce roadhouse boogie est caractérisé par une savoureuse succession d'accords de piano et de cordes. Un superbe album!
Amateurs de stoner rock et surtout du son de Detroit forgé par MC5 et The Stooges, c'est à vous de jouer ! Car Custom Made Scare est un groupe à découvrir. Véritablement underground, il possède toutes les qualités pour séduire les fans de Peter Pan, des Fuzztones et de Reverend Horton Heat. Accro aux sonorités les plus crades des seventies et à la country déjantée, il se qualifie de trucker-cowpunk band. L'énergie est au service de mélodies imparables, les riffs se succèdent sans jamais décevoir et le chant est tellement proche d'un certain Iggy Pop qu'on se croirait presque revenu à l'époque de "Raw Power". Plus punk que metal, mais plus metal que rock, Custom Made Scare brasse différentes influences, comme les Strokes ou The Datsuns, l'esprit 100% garage en plus. Un voyage en bahut qui mérite le détour.
C-Rayz appelle son rap ‘The Art of Energy’. Il se distinguerait des autres fonctionnaires du hip hop par son flow enlevé, ses rimes étranges et ses samples hippies (des flûtes hindoues aux trompettes de la mort). Du soleil ou de l'infini cosmique, C-Rayz semble tirer son inspiration (NDR : voir la pochette). Pourtant, son rap n'est pas baba, à peine sent-il la marguerite (rappelez-vous le " Daisy Age " et les Native Tongues - De La Soul, A Tribe Called Quest, etc.). On y parle aussi de flingues, de règlements de compte et de massacres… Mais de massacres de phoques (" Seal Killer "), et d'" armes d'éléphants " (" Elephant Guns "). Du rap goa, du hip hop new age ? Sur le fond peut-être, mais pas vraiment sur la forme : à part quelques sons de harpe (à la Rodney Jerkins), des barrissements et des samples limite bollywood, c'est du gros son bien burné… Mais inventif. A la Def Jux, quoi ! C-Rayz dénote un peu dans le paysage ultra balisé du hip hop tendance FM : tant mieux. C'est avec un réel bonheur qu'on écoute son " Ravipops " haut en couleurs, et en tubes (" The Essence ", " The Line Up " avec Vast Aire, MF Doom, " We Live ", " Battle Me "). Comme un léger vent de fraîcheur (en direct des paradis artificiels ?), cet album vient balayer tous les préjugés tenaces qui collent aux baskets (Adidas) du rap US. En ces temps de canicule, ça fait du bien.
Ne pas donner de titre à son disque, c'est déjà une déclaration d'intention, surtout s'il s'agit du quatrième : avec ce nouvel album, Caesar entend donc bien prouver qu'il n'a pas dévié de sa ligne de conduite originelle, à savoir proposer une power-pop de qualité, sans esbroufe mais pleine d'étincelles. Autrement dit, si vous avez aimez les trois précédents, dont ce " Leaving Sparks " produit par Albini, vous aimerez sans doute celui-ci, puisqu'on y retrouve à l'identique ce qui plaît chez le trio hollandais : des guitares accrocheuses, du piano primesautier, des chœurs féminins à la Bettie Serveert, des mélodies qui font taper du pied, bref de la bonne pop bien produite, entre Fountains of Wayne, Pavement (" Dark Matter "), Pixies (" The Safeword ") et Supergrass (" El Cat Race "). Roald Van Oosten, Semmi Automatic et Claire Obscure ne révolutionneront pas l'histoire du rock, mais là n'est pas le souci : du moment qu'ils se marrent et nous avec, ce n'est déjà pas si mal… Rendons donc à Caesar ce qui leur appartient.
Après deux albums pop un peu bancals parce que trop proprets (" Something Sweet " en 99 et " Great Fun " en 2000), les Bordelais de Calc ont cette fois mis les bouchées doubles en nous gratifiant d'un " Any Downs At All " de toute beauté. Pour donner forme à cet écrin pop qui n'a rien à envier aux albums d'Elliott Smith (cette voix !), Julien Pras et ses potes se sont adjoints les services de Rudy Coclet (Sharko, Arno,…). Résultat : aux harmonies vocales dignes des Beach Boys s'ajoutent la justesse des mélodies et l'éclectisme de l'orchestration (du theremin à la flûte traversière), érigeant l'ensemble au titre de meilleur album de pop française de ces derniers mois. Moins précieux que Tahiti 80, plus intime (et moins dansant…) que Phoenix, Calc n'a d'ailleurs pas à rougir face à ses collègues anglo-saxons, des (feu) Boo Radleys à Divine Comedy. Pourtant, le meilleur n'arrive qu'à la fin, c'est à dire après une demi-heure de classicisme pop-rock déjà surdoué : d'abord sur " Cracks in a Wall ", splendide ascension vers les plus hautes cimes musicales, et enfin avec " Drunk Operator ", dont le piano et la batterie au ralenti nous arracheraient presque une larme. En déroulant calmement ses charmes tout au long de ces onze titres, Calc nous rassure quant à l'avenir de la pop anglophile made in France. Un avenir qui, s'il est à l'image de ce disque, s'annonce radieux.
Hormis dans le domaine du cinéma et de l'opéra, John Cale n'avait plus rien sorti de consistant depuis " Walking On Locusts ". En 1996. Sur ce nouvel album, le Gallois semble vouloir redorer son blason d'avant-gardiste pop-rock, en misant sur l'électronique alors que les guitares reviennent partout en force. Le premier titre, " Zen ", s'ouvre ainsi sur une rythmique ambient particulière, avant que n'arrive la voix de Cale, singulier mélange de gravité et de pédanterie qui résume toujours aussi bien le personnage… Mais réduire John Cale à un timbre vocal, aussi unique soit-il, serait une grossière erreur : depuis le Velvet Underground, Cale n'a cessé d'étendre sa palette créative, et cette fois-ci encore il fait mouche. Si les deux morceaux suivants, " Reading My Mind " et " Things ", sont d'une facture rock assez conventionnelle (comparée du moins à certains pics imaginaires de sa carrière), la suite renoue joliment avec le Cale de " Paris 1919 " et de " Music For A New Society ", ses chef-d'œuvre d'innovation et d'expérience. Sur " Look Horizon ", on retrouve le violon de " Venus in Furs ", tandis que " Magritte " rappelle combien John Cale est un homme de culture et d'idées avant d'être un (incroyable) joueur d'archet… Quelqu'un qui, au-delà d'un talent certain de songwriter atypique, se veut l'un des derniers grands artistes post-moderne (à l'instar de Bowie), recyclant les genres pour mieux les sublimer. Il faut certes du temps et de la patience pour apprécier l'art multiforme de John Cale… Qui a la chance de le comprendre, voire de l'apprivoiser, en ressort exalté et repus, sûr d'avoir naïvement contribué à l'élévation d'une certaine idée de la musique pop.
Quatrième album pour Joey Burns et John Convertino, enregistré sous le patronyme de Calexico. Un duo qui a quand même reçu le concours d'un nombre invraisemblable d'invités (des cuivres, des cordes, une slide, etc.), pour la plupart issus de la scène locale. De Tucson, en Arizona, si vous l'ignoriez encore. Ce qui n'empêche pas Joey de se concentrer sur la guitare, la contrebasse, l'accordéon, le banjo et les synthés et John de se réserver les drums et les percussions. Pour un disque qui flaire le sud-ouest des Etats-Unis. Ses vastes étendues désertiques. Ses cactus. Son soleil brûlant. La poussière de couleur ocre. On est ici pas très loin de la frontière mexicaine. Et cette proximité se ressent dans la musique de Calexico. Ce n'est pas neuf. Mais tout au long de " Feast of wire ", les sonorités mariachi ne sont plus omniprésentes. Le tandem a voulu élargir son horizon sonore. Est-ce un bien ? Est ce un mal ? A vous de juger ! Personnellement, je reste attaché au style qui a consacré leurs albums précédents. Et en particulier à " Hot rail ", " The black light " et à " Spoke ". Surtout lorsqu'il est alimenté de sonorités latines propices aux visions les plus 'morriconesques'. Et c'est le cas chez " Close behind ", " Across the wire ", " Dub latina " et " Güero canelo ". Quatre titres perdus au milieu d'une multitude d'instrumentaux. Enfin, pas seulement. Il y a bien la valse lente " Sunken waltz ". " Black heart ", un titre de trip hop mélancolique et sophistiqué que Portishead aurait pu inscrire à son répertoire (NDR : avec arrangements de cordes et tout le Saint Tremblement !). Le jazz cool " Crumble ". " Pepita ", tout au long duquel la guitare acoustique est jouée en picking à la manière d'Ed Kuepper. " Attack el robot ! Attack ", fruit d'un hypothétique fragment électro revu et corrigé par Tom Waits (NDR : mais sans la voix de Tom Waits !). Et le poppy " Not even Stevie Nicks ", chanté en hommage à l'ex chanteuse de Fleetwood Mac. Mais la forme intimiste est un peu trop envahissante à mon goût. Et chez Calexico, ce que je préfère, c'est lorsque le combo cuisine sa country alternative à la sauce mexicaine ou cubaine. Et la plus épicée possible… Qu'on retrouve cependant encore sur un des trois bonus tracks.
L'amour parfait n'existe pas, et Cali l'a bien compris. Ses chansons, véritables terrains minés sur lesquels tout couple ‘idéal’ y laisserait son innocence, n'ont que faire des compromis. L'amour est un plat qui se mange froid, et la vaisselle d'être cassée sur les murs de la cuisine comme seul défoulement possible à la tromperie, le mensonge et la routine. " Le bonheur ", certes, " s'agrippe mal aux gens seuls ", mais les " lamentables démissions du cœur " valent parfois mieux qu'une vie d'habitudes sans plus d'étincelles dans le bas ventre. Ce qui choque chez Cali, c'est donc ce verbe cru et cette sincérité à toute épreuve, comme chez Miossec il y a quelques années, voire chez Dominique A… Mais le pire, nous vient de la musique : au lieu de nous conter ses histoires de trahison sur un mode mineur, en demi-teinte, le Français nous fait le (sale) coup de la valse à mille temps (" Le Grand Jour "), du piano sautillant (" Il y a une question ") et du cabaret-fanfare (" J'ai besoin d'amour "). L'auditeur, tiraillé entre les textes d'un désespoir à fleur de peau et la musique guillerette, ne sait sur quel pied danser : faut-il s'apitoyer ou taper du pied, pleurer ou danser ? Les deux à la fois : voilà la grandeur (décadente) de ce disque torturé, d'une honnêteté terrifiante. Cali a décidé que " mourir d'amour n'était plus de son âge ", et il a bien raison : le dire en chansons vaut mieux que tous les supplices, surtout si la femme d'en face ou d'à côté affiche son bonheur d'ailleurs avec une satisfaction et une indifférence écœurantes. En plus de sa répartie, notre homme a du goût, en littérature (la référence à Salinger dans " Il y a une question ") et en musique (voir plus haut). Ses expériences de couple n'ont peut-être pas été à la hauteur de sa verve discographique, toujours est-il qu'il sauvera bien des hommes (et des femmes, tant qu'à faire) du suicide/crime passionnel. " Quand on a que l'amour ", chantait l'autre : dans le cas contraire, il y a toujours " L'amour parfait ".
Camper Van Beethoven reprenant l'intégrale du "Tusk" de Fleetwood Mac peut vous paraître absurde. D'autant plus qu'il s'agit d'un double album. C'est pourtant ce challenge que le groupe a accompli. Pas récemment. En fait, les sessions d'enregistrement datent de 1986. A l'époque, les membres du groupe étaient en vacances. Histoire de se relaxer, avant d'entamer l'écriture de leur troisième opus. Mais le drummer s'est brisé accidentellement le bras. En faisant du ski. Pour ne pas rester inactif, le combo s'est donc lancé dans cette aventure récréative. Elle aurait dû le rester, car le résultat est loin d'être concluant. Il faut même croire que la formation ne l'avait pas trouvée à son goût, puisque qu'elle n'avait pas voulu le sortir. En outre, les bandes ont été (volontairement ou involontairement/ biffer la mention inutile) égarées. Et puis, au cours de l'année 2001, elles sont (miraculeusement ou malheureusement/ biffer la mention inutile) revenues à la surface. Quant à savoir qui a eu l'idée d'éditer ce disque, c'est une autre histoire. Une chose est sûre, ce n'est pas l'originalité qui l'étouffe. Les covers sont même largement inférieures aux versions originales. Conclusion, procurez-vous plutôt le Fleetwood Mac… c'est un des rares elpees incontournables de l'époque folk pop commis par la formation britannique.
Harmoniciste de couleur noire, Bill Hill est inspiré depuis bien longtemps par Little Walter. Il a enregistré cet elpee à Calgary (NDR : dans l'Alberta au Canada), entouré de Jimmy Payne à la batterie, Kevin Christensen à la basse et Russel Foreman à la guitare. " Ought to be a law " réunit douze compositions personnelles, inspirées largement par le Chicago sound de naguère. Bill et le véritable patron de son blues band. Il en est d'ailleurs pratiquement le seul soliste, son guitariste ne s'autorisant que de très rares billets de sortie. Bill possède une voix étonnante, difficilement comparable ; encore que parfois elle me fait penser à Charlie Musselwhite.
Dès l'ouverture, une plage légèrement funky intitulée "Keep on runnin", son jeu d'harmonica transperce l'horizon sonore. "Ought to be a law" élève sensiblement le tempo. Sa voix typée, plus veloutée et un rien plus grave que celle de Charlie, mène la danse. Très prometteur, son jeu à l'harmo est proche des géants : Little Walter, Sonny Boy Williamson,… Clair et concis, le phrasé franc, à peine appuyé, il laisse transparaître une évidente réserve de puissance. Caractérisé par un swing subtil, "Call my job" en est une belle illustration. "I'll play the blues" constitue son seul blues lent. Bill s'y complait dans une certaine torpeur. Il chante ce blues bien gentil à la manière d'un Elvis des débuts, la chaleur contagieuse dans la voix. Russel le guitariste met cependant, et pour la toute première fois, le nez à la fenêtre. Bill Hill élève le tempo et se réserve alors quelques sorties très convaincantes ; et notamment tout au long de "White on rice" et de "Sunshine's every day". S'appuyant sur le rythme de "Help me", "Cherry Red Ford" est une bonne composition. Il n'est guère surprenant d'entendre Bill y souffler à la Sonny Boy ; mais il est néanmoins capable de garder son style en appuyant son jeu de son souffle puissant. Sur le rapide "Hollywood", il me rappelle encore l'ami Charlie Musselwhite. Son jeu à l'harmo bonifie encore. Soudainement, l'ensemble se met à swinguer et l'harmo s'emballe. Excellent ! De plus en plus étonnant, le swing persiste chez "Nothing gives you le blues like a woman" (NDR : il n'a rien inventé dans les thèmes !), sans pour autant que le morceau ne perde de son intérêt. Une impression qui réapparaît lors de la finale, "Icing on the cake". "Can't take it with you" est un Chicago shuffle irrésistible. Sur orbite, rien ne peut désormais arrêter l'envolée de Bill. L'album s'achève par une interprétation en duo acoustique de "Just to be your loving man". Responsable d'un opus de bonne facture, cette formation vous est probablement inconnue. N'ayez crainte, je ne me rappelle même plus l'endroit où je l'avais repérée...
Ecouter ce disque est une expérience. Extrêmement jouissive ou totalement insupportable. Pour ce quatuor basé à Brooklyn, les limites à ne pas franchir n'existent pas : du rock, de l'électro, du jazz, de la musique concrète, peu importe quels genres, pourvu qu'ils soient maltraités, souillés, étirés, écartelés. Assez proche de la démarche expérimentale et improvisée de ses compatriotes Jackie-O Motherfucker, Black Dice n'éprouve aucune peur à tenter l'impossible, c'est-à-dire n'importe quoi. De ce chaos bruitiste où s'entrechoquent batterie folle, riffs atrophiés, machines endiablées, flûtes orientales (" Endless Happiness "), bruits d'oiseaux et de ressac, cris de possédés, voix déformées, ressort une impression tenace d'assister à la genèse d'un nouveau genre, sans cesse en ébullition, né sur les cendres d'un rock mutant qui aurait rendu l'âme face à toute cette démence. La seule évidence tient donc dans la manière de réagir : c'est certainement une expérience hors du commun, qui touche à tous nos sens… Mais le résultat, lui, est à l'appréciation personnelle. Soit on adore, et c'est la transe, soit on déteste, et c'est l'indifférence. Plus fort que Can et Montage, plus violent que Sonic Youth et Throbbing Gristle (" Big Drop " et ses hurlements tétanisants), la musique de Black Dice, en fin de compte, se vit plus qu'elle ne s'écoute. Basées avant tout sur la répétition, source d'hypnose (les vagues d'" Endless Happiness ", à l'effet relaxant), les cathédrales bruitistes de ce " Beaches & Canyons " n'auront certes d'impact que sur les plus coriaces, mais une fois leurs effets ressentis, à travers l'épiderme, et jusqu'au cerveau, c'est l'addiction assurée.
Kiss-Offs et Black Lipstick ont la particularité de partager les mêmes guitaristes/chanteurs ; en l'occurrence Philip Niemeyer et Travis Higdon. Mais si la première formation citée est surtout branchée sur la 'dance', la seconde cherche à remettre au goût du jour l'héritage du Velvet Underground circa 69. Même les drums sont conjugués au féminin, puisque le rôle de Moe Tucker est ici accompli par Elizabeth Nottingham. Dans un style, bien sûr minimaliste, métronomique (NDR : hormis pour " Yesterday's horoscope was right ", dont le tempo mod semble avoir été emprunté à Jam !). Et difficile de comprendre comment le groupe parvient à éviter le piège du revivalisme, lorsqu'au fil de l'opus les spectres de Sonic Youth (les 9 minutes de l'épique et torturé " Texas woman " valent leur pesant de comparaisons !), Violent Femmes et de Television commencent à vous hanter l'esprit. Même le timbre vocal lymphatique, de Philip campe un hybride entre celui de Tom Verlaine et de David Byrne. Sans oublier les sonorités de guitares tour à tour, écorchées, sales, malsaines, tumultueuses ; et la ligne de basse ténébreuse. Pourtant le quatuor ne nous vient ni de New York, ni de Milwaukee, mais d'Austin. Et c'est sans doute ce qui explique pourquoi ils possèdent l'art de mettre en valeur le détail sophistiqué qui les rend à la fois si attachants et contemporains.
Neal Walden Black Nous vient du Texas, mais vit aujourd'hui à Mexico. Agé de 44 ans, ce chanteur/guitariste est depuis si longtemps sur la route, qu'on pourrait l'imaginer usé par ce parcours de globe trotter. Chez lui, à San Antonio, il a d'abord écouté de la musique country, avant de goûter au blues des Johnny Winter, Hubert Sumlin ou Earl Hooker. Il fonde alors Dogman and the Shepherds. Il émigre ensuite à New York où il y monte ses Healers flanqué de Gib Wharton à la pedal steel guitar. Le groupe commettra deux albums : "Neal Black and the Healers" en 1992 et "Black Power" en 1994. Il rentre au Texas en 1998, pour y poursuivre sa vie de hors-la-loi désenchanté. Il concocte "Gone back to Texas" en 2000, avec le concours de l'harmoniciste Gary Primich.
Ce nouvel opus a été enregistré à Guadalajara, au Mexique. Un disque qui démarre dans un vrombissement de percussions. Les riffs profonds émanant des cordes de Black et l'harmonica gouailleur d'Oscar Michel embraient. Une belle entrée en matière, particulièrement électrique. Très hard, la guitare est prolixe. La voix de Neal est graveleuse, terriblement ravagée. Elle témoigne que l'homme a dû vivre d'excès. Mais l'ambiance explosive devient soudainement plus sereine, laissant alors la place à la voix suave de la Mexicaine Sara Valenzuela, le dobro de l'ami Gib Wharton, la guitare acoustique de Werther Ellerbrock et le banjo du leader. Quelle contradiction! La plage titulaire est un blues plutôt lent. Neal y récite ses paroles. Le piano d'Ivan Ocampo tisse des lignes mélodiques. La guitare s'aventure dans des phrases typiquement latino rock, largement amplifiées ; mais le doigté demeure très sensible. Résultat de luttes fratricides entre la guitare de Mr Black et la pedal steel de Wharton, "Take me" est une plage sculptée dans le country rock vivace. Neal chante de sa voix fatiguée "Hotel room in Mexico", une douce ballade très roots. Sa slide se réverbère dans un écho d'où se détachent un accordéon et une trompette. Ecrit par Willie Dixon, "It don't make sense" est un très beau blues atmosphérique. Le jeu de l'orgue Hammond est empreint d'une grande tristesse. Le désespoir est omniprésent. Le piano et l'harmonica se fondent dans l'ensemble. Et le duo vocal échangé avec Miss Valenzuela accentue davantage la douleur. En finale, Neal fait gémir sa guitare. Le mal de vivre nous envahit. "Shut up and confess" est imprimé sur un tempo rapide. La slide est torturée. Elle subit les derniers outrages avant d'être rejointe par le violon électrique de Cecilia Torres. Superbe instrumental, "Pigalle 4 am" baigne au sein d'une ambiance latino américaine de nuit parisienne enivrée. La guitare est d'une beauté immaculée. Une forme d'apaisement vous envahit. Une sensation renforcée par le piano de Ramirez et les percussions d'Hector Aguilar. Signée Link Wray, "Fallin' rain" est une jolie ballade pour deux voix, une guitare et un harmonica. L'album s'achève par une autre ballade : 'You're gonna make it". Interprétée sur un ton grave, elle sied bien à l'artiste. Le sentiment de détresse est amplifié par la slide, pendant qu'un bijou de sax est arraché des lèvres de Nathalie Braux.
Lors de la sortie de leur premier album éponyme, j'en avais conclu que si vous aimez ou avez aimé Jesus & Mary Chain, le Velvet Underground, My Bloody Valentine et Joy Division, vous adorerez la musique de BRMC ! A cause de leur rock'n roll sauvage, ténébreux et bruitiste, dont les ballades lancinantes, fiévreuses et soniques s'impriment sur un tempo implacable. " Take them on, on your own " ne se contente cependant plus de reproduire le même schéma. Il va plus loin. Oh oui ! Bien sûr ! L'électricité est toujours aussi subversive, venimeuse, féroce, croustillante, menaçante, implacable, et j'en passe. Rappelant inévitablement, sur plusieurs fragments, J&MC. Les vocaux nonchalants, visionnaires, qui véhiculent des lyrics tantôt philosophiques, tantôt psychotiques, tantôt rebelles, continuent de macérer dans un climat ténébreux, en projetant des images en noir et blanc peuplées de personnages aussi controversés que Lester Bangs, Marlon Brando, Jim et William Reid, Iggy Pop ou encore Noël Gallagher. Et même de Bush et de toute sa clique. A travers une chanson dont le titre est sans équivoque : " U.S. governement ". Mais le champ des influences s'est considérablement élargi. A un tel point, qu'au plus je l'écoute, au plus j'en découvre. Depuis le magnétisme malsain exercé par " Gimme shelter " des Stones sur " We're all in love " à la frénésie stoogienne dispensée tout au long de " Going under ", en passant par la noisy de type 'shoegazing' (Ride ?), concédée tout au long de " Shade of blue ", la ligne claire instituée par Sad Lovers & Giants (NDR : à force d'en parler, vous finirez bien par vous pencher sur ce mythe mésestimé) qui illumine le très beau " Suddenly " et la britpop hymnique, électrique et vivifiante puisée dans l'Oasis de " Defenitely Mabe ", chez l'implacable " Stop " et le vibrant " In like the rose ". Sans oublier le très beau et soft " And I'm aching", un fragment purement est simplement sculpté dans les cordes de la guitare acoustique. En finale, les sept minutes de " Heart + soul " replongent dans l'univers glauque de J&MC, en libérant une adrénaline à la fois malsaine et redoutable. Un must !
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