Si j'avais dû rédiger cette chronique, à l'issue de la première écoute de cet elpee, je dois avouer qu'elle aurait été largement négative. J'ai donc pris la peine de réécouter cette plaque, afin d'étayer la critique. Depuis, mon avis est un peu plus mitigé. En fait sur les 13 fragments qui composent l'opus, six sont franchement dispensables, lorsqu'ils ne sont pas soporifiques. Mais le reste ne manque finalement pas d'allure. Depuis la délicate ballade " Never grow old " au postcard (Smiths ?) " Do you know ", en passant par le single vivifiant et hymnique " Analyse ", le syncopé " Time is ticking out ", le classique " This is the day ", le titre maître, dont la mélodie onctueuse est littéralement dynamisée par les riffs de guitare bringuebalants dispensés par Noël Hogan ainsi que l'allègre et contagieux " I really hope ". Des chansons sur lesquelles la voix haut perchée de Dolores O'Riordan atteint toute son amplitude. Sur l'édition limitée de ce " Wake up and smell the coffee " figure une version " live " de Salvation ", accordée à Paris ; et puis une très jolie cover d' " In the ghetto " de Presley, rehaussée par la présence d'une slide guitar, question du lui conserver un parfum country. Un elpee qui a bénéficié, en outre, du concours de Stephen Street (Smiths, Morrissey, Blur), à la production.
Réconcilié avec son compère guitariste Billy Duffy, Ian Astbury a reformé The Cult, après cinq années de séparation. Que les inconditionnels se rassurent, le tandem fonctionne toujours à merveille ; et la production signée Bob Rock fait la part belle aux grosses guitares tout en flattant la voix reconnaissable entre mille d'Astbury. Un personnage qui est toujours parvenu à maintenir un certain équilibre au sein du groupe ; aussi bien dans sa période new wave (Death Cult), gothique (Love), hard rock (Electric) que heavy (Sonic Temple). Aucune des entreprises solo des deux leaders n'a porté ses fruits depuis l'éclatement de 95. Ce qui explique sans doute pourquoi l'idée d'une reformation avait déjà été avancée lors de la campagne promo du Best of de 2000. Si les tensions se sont apaisées entre les deux fortes personnalités, la rage est plus que jamais présente au fil des douze perles qui composent " Beyond Good and Evil ". Un disque qui se veut une synthèse de l'ensemble des éléments qui caractérise The Cult, un groupe de rock authentique, doué d'un sens de la mélodie inné et d'une spontanéité particulièrement forte. Une plaque qui vient nous asséner une baffe monstrueuse en puisant son énergie du côté de chez Led Zep, Aerosmith, Black Sabbath ou Monster Magnet. Privilège d'une longue absence, The Cult se permet de n'aligner que des titres forts sans jamais tomber dans l'auto parodie ou le mauvais goût. Un tout grand disque de pur hard rock, tout simplement.
"Boys don't cry", "A forest", "Let's go to bed", "The lovecats", "Close to me", "Lovesong", "Friday I'm in love" et les autres tubes inévitables figurent sur cette compile. Dix huit en tout ! Une aubaine pour toutes celles et tout ceux qui ne connaissent la bande à Robert Smith qu'à travers ces hits. Et qui voudraient se les procurer. Mais aucune utilité pour tout fan qui possède la discographie intégrale de Cure. Enfin, et surtout, une belle opération de marketing pour toute la chaîne de production du label…. Cependant, une édition limitée de ce " Greatest hits " propose, sur un deuxième CD, tous ces tubes en version acoustique. Et c'est ici que se situe l'intérêt de ce double CD. Car le Cure atteint une toute autre dimension sous cette formule. Souvenez-vous de leur prestation accordée dans le cadre de la célèbre et défunte émission TV ‘Unplugged’, sur MTV. Une dimension encore plus poignante, plus émotionnelle, proche de leurs débuts, que la plupart des médias ne les estimaient plus capables de manifester. Surtout depuis que la formation éprouve de plus en plus de mal à se renouveler. Et ce ne sont pas les fans de la première heure qui me contrediront…
Tenez-vous bien : une nouvelle formation de british blues sort enfin de l'ombre, outre-Manche! Je dois d'ailleurs avouer être resté sur ma faim au cours de ces vingt dernières années. Pas que la Grande-Bretagne soufre d'une disette, mais parce que le niveau général est demeuré trop longtemps bien en deçà des productions nées outre-Atlantique. Et ce n'est pas pour rien si parmi les meilleurs, on retrouve encore Paul Lamb and the Kingsnakes, Big Joe Louis and his Shuffle Kings et les Big Town Playboys. Auxquels il faudra ajouter bientôt les Cadillac Kings. Un combo bien dans la tradition actuelle du blues ; c'est à dire marqué par de forts accents de swing et de boogie.
Les Kings sont six : le chanteur Mike Thomas, Paul Morgan à la guitare, le jeune Gary Howard au piano, Gary Potts à l'harmonica, Bernie Brewster à la basse et Ray Maquis à la batterie. Ces deux derniers jouent ensemble depuis plus de trente ans. Ils ont sévi chez Key Largo, un groupe oublié du British Blues Boom qui avait enregistré, en compagnie de Mike Vernon, un album sur Blue Horizon. Le groupe s'est formé en 1998 sous le patronyme Third Degree. Il définit sa musique comme un cocktail de West Coast jump, T-Bone swing, Chicago blues et Texas shuffle. Et il en est probablement bien ainsi. Leur 1er album s'intitulait "I'm gone".
"Lou Ann" s'ouvre par "I'm leaving you baby". Une entrée en matière convaincante. Dès les 1ères notes, on croirait entendre les Kingsnakes. Il est vrai que Gary Potts est un élève de Paul Lamb. Cependant les Kings sont très différents. La guitare de Paul se veut très west coast, un style marqué par l'empreinte de Junior Watson et de Rusty Zinn. Le rythme monte d'un cran pour "Cadillac swing". Le piano est bien présent. L'harmonica se déchaîne et impressionne. "Cruise-o-matic" est une solide composition qui me rappelle l'homme de Boston, Rick Russell. Mike chante en s'accompagnant d'une slide décapante. Colin Hartshorn est venu souffler dans son sax tenor. Thomas possède une excellente plume. Et dans un style assez proche de Guitar Slim, "Was it something that I said?" est à nouveau superbe. La cohésion des musiciens y est remarquable. "Fortune teller" est un shuffle, plus proche de Chicago, caractérisé par un son de guitare pourri et un harmonica qui n'en peut plus d'éblouir. "The spirit is willing" est un long blues lent. Paul Morgan a parfaitement assimilé le style créé par T-Bone Walker. Lorsque Gary Howard empoigne l'accordéon sur "Turn your damper down", il ouvre une parenthèse zydeco. Changement de rôle lorsque Ray Maquis prend les cordes et Potts chante pour affronter le swing rapide de "Fat boy's Five & Dime". Et la finale nous plonge dans le rock'n'roll et boogie de "Lou Ann", "Bee boogie" et "Jump children". Impressionnant !
Le premier album de ce quatuor suédois était sorti en 1998 ; mais il vient seulement de bénéficier d'une distribution officielle en Belgique. Un disque dont la plupart des compositions sont hantées à la fois par la britpop d'Oasis (NDR : surtout son premier opus) et le garage d'Inspiral Carpets. Oasis tout d'abord. A cause du timbre vocal de César Vidal. Aussi miaulant que celui de Liam Gallagher. Et puis des sonorités dispensées par la six cordes. Electriques, vibrato, elles semblent sortir directement du manche de Paul ‘Bonehead’ Arthurs. La mélodie de " My abduction love ", semble même avoir été calquée sur celle de " Supersonic ". Inspiral Carpets ensuite. Dès que le farfisa entre en lice. Et aussi paradoxalement que cela puisse paraître, ce clavier n'est pas joué par un membre du groupe, mais par David Nyström. Un musicien de studio particulièrement apprécié sur la scène scandinave ; et qui marque véritablement de son empreinte l'ensemble de l'opus. Une empreinte psychédélique, revivaliste, dont le doigté est aussi savoureux et rafraîchissant que celui de Clint Boon. Autre invité de marque : Klas Ahlund. Un personnage qui avait apporté son concours à l'album " Desireless " d'Eagle Eye Cherry. Non content d'avoir produit l'elpee, il assure également la quasi-totalité des parties de guitare acoustique. Avec beaucoup de subtilité, il faut le reconnaître. Deux fragments épousent cependant un profil plus punk. En l'occurrence " Anything you want " et " She' a planet ". Et puis un seul une perspective gothique. L'intro "Sort it out". Un morceau qui libère un groove digne de Sisters Of Mercy. Excellent !
Si le premier opus de cet ensemble suédois était inspiré à la fois par la britpop d'Oasis et le garage d'Inspiral Carpets, il faut reconnaître que chez ce " Cherry kicks ", les influences semblent avoir été totalement digérées. Tout d'abord, David Nyström qui nappait la plupart des mélodies de son farfisa, n'intervient plus que sur deux fragments. En fait, il a cédé le relais au nouveau drummer, Nino Keller, qui en fait une utilisation moins envahissante, lorsqu'il ne rend pas les sonorités plus synthétiques. Ensuite, le chant de Cesar Vidal s'est presque débarrassé de ses inflexions ‘miaulantes’, ‘liamgallagheresques’. Enfin, à l'instar, des claviers, les guitares se fondent mieux dans l'ensemble. Résultat des courses, le garage pop de Caesars Palace a pris une forme fort proche de celle de 22 Pisterpirkko, mais en plus dynamique et en plus contagieux. D'ailleurs on pourrait facilement siffloter les douze chansons de cet elpee, le matin, sous la douche…
Aujourd'hui réduit à un trio, Cairo persévère dans sa quête du rock progressif axé sur les claviers. Ces nouveaux ambassadeurs perpétuent ainsi la tradition d'une musique symphonique façon Emerson Lake and Palmer. On comprend mieux aussi pourquoi ce nouvel opus a été signé sur l'écurie Magna Carta, spécialisée dans le prog d'outre-Atlantique. Une seule écoute ne suffit pas pour cerner le potentiel de ce " Time of Legends ". Plusieurs tentatives sont même nécessaires, voire indispensables. En huit morceaux épiques, dont " The Prophecy " qui excède les dix minutes, Cairo nous livre une plaque où les guitares se font lancinantes et où les harmonies vocales donnent le frisson. Tout un contexte propice aux mélodies dramatiques qui soutiennent les claviers puissants et omniprésents de Mark Robertson. Epoustouflant de technique et de beauté, l'ensemble reste néanmoins assez métal. Mais ce sont les passages typiques de rock prog, dans son acceptation la plus classique du terme, qui dominent les compositions à tiroirs d'une musique qualifiée par certains de pompeuse, tandis que d'autres préféreront utiliser le qualificatif grandiose.
Chris est californien. Il a accompli des études musicales à San José. Il avait opté pour le jazz et pouvait jouer du piano, de la basse, de la clarinette et du ténor sax. La guitare, il l'a apprise de lui-même. Son premier album, "Late night city blues", remonte à 1987. Un disque pour lequel il sera nominé pour quatre W.C Handy Blues Awards. Ce disque était sorti sur le label des frères Ford, Blue Rock'it. Ses trois elpees suivants paraîtront chez Blind Pig : "Cuttin' loose" en 90, "Can't buy a break" en 92 et "Somewhere along the way" en 95.
Pour enregistrer son cinquième, "Unscheduled flight", il réintègre Blue Rock!it. Nous sommes alors en 1997. La même année, il crée la revue musicale ‘Thunder knocking at the door’. Elle remporte un franc succès dans la baie de San Francisco, et lui permet de financer en 98, "Live at the Rep", un album qui épingle des chansons de cette revue. Cain a toujours été inspiré par Albert et B.B King. Il vouait aussi une admiration sans bornes à un fervent adepte de BB, Mike Bloomfield. Ce nouvel album porte bien son nom. Une œuvre très réussie qui rend un hommage avoué à B.B King.
Il est entouré de la section rythmique du Ford Blues Band. En l'occurrence Dewayne Pete à la basse et Patrick Ford à la batterie. Une section de cuivres permet de recréer le son de BB. Son choix s'est porté sur des chansons du répertoire de King, écrites entre les années 50 et 70.
L'entrée des cuivres sur "Heartbreaker" est majestueuse. La voix chaude de Chris colle bien à ce style si caractéristique. Mais ici, c'est surtout sa guitare qui accroche. Elle sonne même comme la sœur jumelle de Lucille. Lorsqu'il attaque "Whole lot of lovin", le mimétisme se propage à sa voix. Etonnant! Je ne vais pas cependant m'étendre à (NDLR : heureusement que tu n'as pas utilisé la préposition sur..) toutes les plages, car l'album forme un tout bien compact, un hommage vibrant à la légende vivante de Memphis. Cain reprend les différentes facettes du King. Aussi bien les ballades, à l'instar de "Better not look down". Que le blues lent. Sans bavardage excessif, "Gambler's blues" mérite même la médaille de 1ère classe. Et c'est également en économisant ses notes, qu'il séduit sur "Take it home" et "Looking the world over". Allez à la découverte de ce bel album qui s'achève en beauté par "Hummingbird"!
Qu'est ce qui ressemble plus à un album de Cake, qu'un autre album de Cake? Un nouvel album de Cake, pardi ! Il est vrai que, nonobstant le départ du guitariste Greg Brown, la musique de la bande à John Mc Crea n'a guère évolué en quatre opus. Seule différence, mais elle est significative, " Fashion nugget ", le deuxième, recelait quand même des hits de la trempe de " Perhaps, perhaps, perhaps ", " Frank Sinatra " ou encore la cover du standard intemporel, immortalisé par Gloria Gaynor, " I will survive ". A l'écoute de " Comfort eagle ", vous n'aurez donc ni de mauvaise, ni de bonne surprise. Il y a bien ça et là quelques accès de moog weezerien, mais sur les onze fragments que recèle cet opus, dix agrègent le plus naturellement du monde folk, country, hip hop, salsa, jazz, rock, pop et funk, dans un contexte latino. Seul " Short skirt/Long jacket ", pastiche humoristique du " Vicious " de Lou Reed, s'autorise une aventure dans le reggae/punk. Heureusement, la pâte sonore de ce Cake est légère et se digère facilement. Mais il serait peut être temps que le combo de Sacramento, pense à renouveler ses condiments…
Ce trio allemand, munichois pour être plus précis, pratique une pop sucrée, insouciante, allègre, légèrement jazzyfiante, née de la combinaison d'instruments digitaux et analogues. Un style que pratiquait, début des eighties, des groupes tels qu'Everything But The Girl ou encore Week End ; et que tente de remettre au goût du jour, mais à sa manière, Pizzicato Five. Cakeheads y ajoute une touche de funk, de soul, et de bossa nova, histoire de se forger un style un peu plus personnel. Coïncidence, la vocaliste de Cakeheads répond au doux nom de Mariko Okuyama. Et lorsqu'elle chante, elle me fait inévitablement penser à Maki Nomiya. Parce que les vocaux sont la plupart du temps assurés par Axel Koch (NDR : il est également le leader du groupe et le mari de Mariko). Et il possède une superbe voix, très ample, dont le timbre est capable de passer du baryton profond (Matt Johnson) au glamoureux clair et précieux (Neil Hannon). Un album fort agréable, mais qui risque fort de ne pas laisser un souvenir impérissable…
Au sein de Califone, on retrouve Tim Rutili, le chanteur/compositeur du défunt Red Red Meat, une formation qui avait concocté un superbe album en 1995, " Bunny gets paid ". " Roomsound " constitue le premier opus de sa nouvelle formation. Et l'atmosphère qui y règne n'est pas à la joie. D'abord à cause des lyrics. Teintés de désespoir et de solitude, ils sont chantés par Tim d'une voix déchirante, dont le timbre campe un hybride entre celui de Mark Lanegan, de Kurt Cobain et de Kevin Weatherill (Immaculate Fools). De la musique ensuite. Fruit d'un mélange de rock, de country et de blues, elle évolue sur un tempo plutôt lent, opérant des méandres entre les mélodies sinistres. Une musique qui repose sur une instrumentation minimaliste : guitare acoustique et électrique, slide et percussions clairsemées reçoivent épisodiquement le concours d'un piano, d'un banjo, d'un harmonica, d'un violon et de quelques bruitages électroniques. Un disque plutôt bien fichu qui me rappelle parfois " If I could only remember my name " de David Crosby, mais sans les harmonies vocales…
La nouvelle formation d'Axl Peleman, mieux connu pour avoir sévi au cours des 90's comme bassiste et chanteur du groupe Ashbury Faith, vient de commettre son premier album. Un disque beaucoup plus intimiste, que ceux qu'il avait enregistré à l'époque où il militait au sein de son précédent groupe. Pas de samples, de digitalisation, ni de bidouillages technologiques, mais une instrumentation basique destinée à alimenter une pop mélodique et contagieuse, qu'Axl épice de son timbre vocal fragile, légèrement nasillard, proche de celui d'E. A l'écoute de ce " Miscellaneous ", il ne fait guère de doute qu'Eels a exercé et exerce encore et toujours une influence majeure sur Camden. Tout comme les Beatles, Elvis Costello et Ben Harper. C'est d'ailleurs Axl qui le concède. Personnellement j'y ajouterai David Gray. A cause des accords raffinés que dispense par sa six cordes acoustique. Et puis le Band. Dès que les claviers poussiéreux, rognés, infiltrent la mélodie. L'opus recèle, en outre, un fragment consacré au trip hop (Mr HSP "), une aventure jazzyfiante (" That's just me "), une épatante cover, mise à la sauce blues acoustique, du " Cold turkey " de Plastic Ono Band et deux morceaux cachés.
Borknagar a enfanté un album qui peut véritablement être qualifié de black métal progressif. Après un "Quintessence" symphonique à souhait, les Norvégiens ont réalisé, à travers "Empiricism", un tour de force flamboyant, illuminé par l'arrivée du chanteur Vintersorg. Ce nom qui n'est pas inconnu auprès des amateurs de dark métal, constitue une référence en terme de vocalises mélodiques. D'une richesse inouïe, ce cinquième opus sera sans nul doute celui de la consécration, Car il s'agit bien de chef d'œuvre, tant Borknagar innove en brisant des frontières, en poussant les limites de la créativité jusqu'à leur paroxysme. Ici, on pense autant à Dimmu Borgir qu'à Anekdoten, à Satyricon qu'à Devil Dolls et on passe allégrement du black métal au rock progressif, ou du folk au rock symphonique. Aucun temps mort, aucune faute de goût. "Empiricism" est l'illustration parfaite d'un métal contemporain qui se veut évolutif, limpide, et lumineux.
De quoi mettre la puce à l'oreille : Man's Ruin n'a pas l'habitude de signer des tocards. Preuve supplémentaire s'il le fallait avec Bottom, trio féminin des environs de New York, dont voici le deuxième album. Produit par Billy Anderson (Mr Bungle et Neurosis), "Feel so good…" nous plonge dans un heavy basique, un stoner lourd et un rock digne de la frange des riot girls (L7 en tête). Inutile de préciser que tout ça sent bon le souffre, que les demoiselles secouent leurs chevelures sans compter, que le son est bien étouffé comme il faut et que le rythme ferait passer une tortue pour un lièvre. Signalons quand même que le chant de Sina tient plus des beuglements que de la voix d'opéra. Le tout forme une plaque lourde, hargneuse, bourrée de distorsions, parfois même abordée dans la droite lignée de Eyehategod. Les amateurs de slows langoureux, impatients d'inviter une des 3 furieuses, repasseront donc pour cette fois.
La face électronique de Bowie remonte à 1977. Après une cure de désintoxication, il part vivre quelque temps à Berlin. C'est à cette époque qu'il commence à enregistrer sa trilogie " Low "/" Heroes "/ "Lodger ", considérée comme une œuvre majeure de l'artiste ; une oeuvre qui va jeter les bases d'une nouvelle approche musicale et bouleverser les structures traditionnelles du rock. " Low " en compagnie de Brian Eno. " Heroes " flanqué du guitariste de King Crimson, Robert Fripp. Une chose est sûre, avant d'entamer ces enregistrements, il est tombé sous le charme du krautrock, et en particulier de Krafwerk. Sur les deux premiers elpees de cette trilogie, il développe des climats synthétiques, atmosphériques, industriels ou ambient qui auront une influence considérable sur la new wave dépressive de la fin des 70's et du début des 80's. Mais également sur toute la musique électronique qui suivra, y compris contemporaine, telle que la trip hop. Neuf titres sont extraits des deux disques en question. Deux de la bande sonore de l'émission TV " Buddha of Suburbia ". Un de " …hours ", commis en 1999 ; ainsi qu'une excursion symphonique entreprise en compagnie de Philip Glass, pour l'adaptation de " Low Symphony ". Sans oublier trois raretés (" All Saints ", " Abdulmajid " et " Crystal Japan "). Pas d'extraits de " Lodger ". Normal, " All Saints : collected instumentals 1977-1999" ne réunit des que des titres instrumentaux…
Boxharp est le projet du vocaliste de The Court and Sparks, MC Taylor. Une formation qui, à l'instar d'Uncle Tupelo et de Calexico, jouit d'une solide réputation sur la scène country alternative. Pour enregistrer son premier opus solo, Taylor a quand même fait appel à plusieurs collaborateurs. Et parmi ceux-ci, on retrouve inévitablement trois musiciens de son groupe. Un disque qui explore un même univers sonore, mais en plus expérimental, atmosphérique. Un peu comme si Sigur Rós s'était mis à la country & western. Car si on retrouve bien l'indispensable steel, des tas de guitares acoustiques, un piano tintant et l'inévitable voix âpre, graveleuse, crépusculaire de Taylor, l'œuvre est traversée subrepticement de bruitages insolites, tels que grincements de portes, bruits de pas, clameurs distantes, soupirs, souffle du vent, etc. Des chansons qui sont parfois teintées de gospel ou de blues. Toutes des propriétés qui accentuent le climat spectral, ténébreux, mystérieux, à la beauté poussiéreuse, de l'œuvre ; une œuvre peuplée de chansons aux lyrics douloureux, nostalgiques, empreints de solitude. Mais là, fallait s'en douter !
Batteur/chanteur, Boyd Small est originaire de l'Oregon. Il y a drivé les Terraplanes avant de fonder son propre band, le Boyd Small Big Blues Band. Il a aussi longtemps côtoyé Screamin' Jay Hawkins et Guitar Shorty. En 1997, il est curieusement venu se fixer à Amsterdam pour apporter son aide à la création du label Cool Buzz. Un label qui nous a permis de découvrir quelques révélations hollandaises telles que Drippin' Honey, T-99, Sugarcane et Cuban Heels. Boyd a même enregistré l'album "This time no lies" pour ce label.
Au sein du Boyd Small Band, nous retrouvons de nombreux musiciens de Sugarcane. En l'occurrence le guitariste Bas Flesseman, le bassiste Jasper Mortier et les cuivres, Aldo Groen, Matthijs Willemsen et Jon Spijker. Mischa den Haring, le guitariste de T-99 est également de la partie. Boyd Small possède un style particulier, très personnel, qui ne permet guère de comparaison. Inutile donc de lui coller des étiquettes. Il compose l'intégralité de son répertoire et sa voix fort originale, légèrement nasillarde, campe une espèce de Lou Reed bluesman.
L'harmoniciste Richard Koster pointe le bout du nez sur "Jungle Law" qui démarre de fort belle manière. "Say when" laisse transparaître une richesse et une complexité insoupçonnées. A cause de la trompette de Willemsen qui ouvre les soli, de la guitare de Flesseman toute en réverbération et des chœurs qui répondent à Boyd. Les cuivres se déploient telle une fanfare avant de se fondre dans "Straight up", une ballade envoûtante dont les cordes discrètes de Bart vont et viennent. Son solo sur l'éclatant "Just one" est très impressionnant. La guitare rythmique imprime le riff. L'harmonica intervient sur fond cuivré. Le ton monte. Boyd pousse ses cordes vocales, pour emprunter un timbre proche de Bono. Excellent! Le rythme se développe, s'accélère sur le très R&B "Too down for the fight", tout comme sur "Paper bag" d'ailleurs. Un fragment marqué par un nouveau changement de rythme et un accompagnement de chœurs du meilleur effet. La richesse de la composition est telle que les accents prennent parfois une forme pop, mais dans le bon sens du terme. Et je pense tout particulièrement à "64 Belair" qui manifeste toujours cette explosivité instrumentale, rehaussée ici par la présence du sax de Jan Spijker. Même schéma pour "Lessons never learned", "Solid ground" et le joli "Kansas" de Willie Barber, abordé derechef sous la forme d'un clin d'œil à Lou Reed. Chanté avec passion et discernement, "I'm bitter" est un slow blues dont la sensibilité perce nos âmes. Le sax de Jan monte en puissance. Les chœurs s'élèvent. Encore une réussite ! Ce très bon album de blues pop ne plaira sans doute pas aux puristes ; mais il est tellement différent dans sa démarche qu'il mérite qu'on s'y intéresse. Définitivement attractif et original !
Julian Cope est de retour. Mais au sein d'un trio, impliquant deux membres de Spiritualized, Doggen et Kevlar. Le line up idéal pour entreprendre une aventure cosmique, pensez-vous. Et bien non. En fait, le premier opus de Brain Donor est avant tout sculpté dans le métal urbain, inspiré des Stooges, de MC5, de Blue Cheer, voire des Troggs. Un métal dont le flux sonique évoque la face la plus féroce, frénétique, distordue du Spacemen 3, voire de Loop ; mais un métal abordé sous un angle psychédélique, obsessionnel, hypnotique, réminiscent du mouvement krautrock des Can, Faust, Amon Düül II et consorts. Une seule composition est contaminée par le sens mélodique pop à coloration ‘new mersey sound’, auquel Cope nous avait habitués : " Lughnasad " ; mais c'est bien le seul répit qu'il nous accorde sur huit longues compositions … Impressionnant !
Peut-on résumer Brassens à un double CD de 45 chansons ? Il y a celles du début (" La mauvaise réputation ", " Le gorille "), les délicieux poèmes (" Les passantes "), les gros mots (" Le pornographe "), une ritournelle pour enfants (" La chanson du hérisson ") et même ma préférée : " Supplique pour être enterré sur la plage de Sète ", avec son implacable rythmique (si, si !). Et je ne vais pas énumérer ici toutes celles qui auraient mérité de se retrouver sur la compilation ; nous serions vite proche de l'intégrale ! Mais quel est donc l'intérêt de cette compile ? Si vous ne disposez pas encore les chansons en CD et que vos grands enfants ignorent que des textes ont été écrits avant MC Solaar, cette anthologie constitue une belle entrée en matière. Car, après ces 45 chansons, on cherche les autres. Qu'est-ce que ça devait être à l'époque quand Brassens sortait un nouveau disque ; quand on découvrait soudain une douzaine de chansons dont on n'avait jamais entendu la moindre strophe ? Tout cela permet de se rendre compte qu'il sera sans doute impossible d'égaler un jour les textes de Brassens, d'évoluer encore dans ce registre, dénué de tout artifice et pourtant si difficilement imitable.
Lorsqu'on évoque le mouvement ‘riot grrrl’ on pense immédiatement à Veruca Salt, Juliana Hatfield ou encore aux Breeders. Moins à Bikini Kill ou à Bratmobile. Normal puisque ces deux formations ont nettement eu moins de succès. Pourtant, elles ont eu une influence majeure sur cette scène. A cause de leur attitude fondamentalement féministe. Que Bratmobile n'a jamais eu trop de mal à observer, vu son line up exclusivement féminin. Ce trio s'était pourtant séparé en 94, avant de se reformer quatre ans plus tard. Ce qui n'a pas changé grand chose à leur démarche musicale. Et ce " Ladies, women and girls " en est le plus bel exemple. Un disque découpé en treize fragments instinctifs, contagieux, féroces, sauvages, imprimés sur un tempo tribal, impitoyable et lacérés par le vocal gémissant, grinçant d'Allison Wolfe, responsable de lyrics aussi sarcastiques qu'effrontés. Il plane même les spectres des Cramps, d'X-Ray Spex, des Raincoats, d'Huggy Bear ou même des Avengers sur leur solution sonore, qui doit autant au punk, à la pop, au surf qu'au psychobilly. Et lorsque Jon Nikki (The Primadonnas, Gene Defcon) injecte ses claviers fluides, psychédéliques, c'est même aux 13Th Floor Elevators que l'on se met à penser. A l'instar de " Your're fried ", " Well you wanna know what ", " Flavor of the month club " ou " Affection training ", les meilleures chansons de cet elpee. Enfin, pour être complet, sachez que c'est Jon qui partage la production avec Tim Green (Bikini Kill, Sleater-Kinney, Melvins).
Issu de Kiel, en Allemagne, Marc est un harmoniciste réputé dans son pays où il a décroché quelques prix. Personnellement, je dois avouer ne pas le connaître. Pour l'instrument chromatique, il avoue des influences aussi diverses que Toots Thielemans, Stevie Wonder et Paul deLay, côté diatonique, Paul Butterfield, Magic Dick, Jean-Jacques Milteau, William Clarke et Little Walter tout de même.
Jack Cook est né à Seattle. Il a presque 40 balais. Un guitariste séduit par la slide d'Elmore James et la tonalité de Sleepy John Estes. Il a sévi au sein de l'Isaac Scott Band, en compagnie de l'harmoniciste Steve Bailey. Plus récemment, il a milité chez le trio acoustique, les Phantoms of Soul.
Jack a une fort bonne voix. Il débute par "About to lose my mind" d'Arthur "Big Boy" Spires. L'harmonica qui l'appuie laisse augurer de très agréables choses pour la suite. Elles sont d'ailleurs confirmées dès "Put it all in there", une composition dont le texte a été écrit par Wild Child Butler. Marc aborde ce titre avec beaucoup de verve. La rythmique imprime le beat de Bo Diddley. Je suis assez étonné par la virtuosité naturelle et originale affichée par ce jeune musicien allemand. Il passe à l'instrument chromatique pour interpréter "Outside man", de Junior Parker. Différents thèmes sont abordés sur cet opus. Le bon vieux jazz pour "Chicken ain't nothin' but a bird" (de Louis Jordan), qu'il dédie à son ami Carlos Del Junco, et le country blues sur "Saturday blues", exécuté en duo avec le dobro de Jack. Cook rend hommage à son maître, Sleepy John Estes, en exécutant avec brio "Goin' to Brownsville", toujours armé de son dobro. Il adapte également "Just give me a chance" de Silas Hogan, en hommage à Stevie Wonder, et "Work song" de Nat Adderly en hommage à Paul Butterfield. Jack Cook termine en solitaire par la plage titulaire. Un très bon album de blues acoustique.
" Letting off the happiness " n'est pas un nouvel album de Brigt Eyes, mais un elpee paru en 1998 qui bénéficie, enfin, d'une distribution officielle en Europe. Au début de cette année, il nous avait gratifié d'un opus fort intéressant et surtout particulièrement original ; un disque dont j'avais d'ailleurs dit le plus grand bien. " Letting off the hapiness " est tout aussi intéressant. Mais beaucoup plus expérimental, il est aussi plus difficile à assimiler. Partagé entre chansons intimistes, limitées au vocal versatile de Conor Oberst et à sa six cordes acoustique, et compositions étrangement déchirées entre country industrielle et lo fi alternative, où une foultitude de collaborateurs , parmi lesquels figurent des membres de Cursive, Lullaby For the Working Class, Drip, Neutral Milk Hotel, Of Montreal, Sorry About Dresdin et quelques autres, se partagent accordéon, claviers étranges, drums, samples, pedal steel ou piano, cette œuvre reflète les pensées et les inquiétudes confessées par Conor Oberst, chanteur/compositeur et surtout seule constante de l'entité à géométrie variable, Bright Eyes…
Brim est un vétéran du blues contemporain. Né dans le Kentucky en 1922, il fêtera donc ses 80 ans l'année prochaine. Il prend ses 1ères leçons de blues au contact de Tampa Red et de Big Bill Broonzy. Il monte à Indianapolis en 41 et enfin à Chicago en 45. A partir de 1950, il enregistre plusieurs 45 tours sur différents labels, avant d'atterrir chez Chess. En 53, il y sort son seul hit, "Ice Cream man". Il a joué en compagnie de grosses pointures telles que Little Walter, Robert Jr Lockwood, Willie Dixon et Fred Below. Il a également disparu régulièrement de la scène musicale, avant de sortir un 1er album solo en 1994, "Ice cream man" sur Tone-Cool, sur lequel Bob Margolin et Jerry Portnoy ont collaboré.
Il nous revient en 2001, flanqué de son backing band au grand complet, line up renforcé par la présence du réputé Billy Flynn aux cordes. "Jake's blues" s'ouvre par "Tougher times", une toute nouvelle version de son "Tough times", qui date d'un demi-siècle. Brim possède la voix caverneuse du vieux noir ; une voix un peu terne et limitée, mais qui chante le blues sans concession. Son style, vous vous en doutez, appartient au Chicago blues du début des 50s, période Chess. Sur le lent mais exquis "What may be your name", il chante comme un Muddy Waters un peu atone. Il shoute sans passion "Hey woman", sous les coups d'harmo de Rick Gerek et surtout la slide de Billy Flynn, dont le jeu transmet sans difficulté la flamme du prestigieux passé. En voilà un qui a tout compris ! Cette même impression se dégage sur "Hey baby". Soutenu par le rythme soudainement injecté, il reprend "You put the hurt on me", en compagnie de ses Tough Time Boys ; une chanson qu'il avait enregistrée en 1971, avec sa femme Grace à la batterie et son fils John Jr à la guitare. Le fantôme de Grace Brim, qui a disparu en juin 1999, est omniprésent. Lorsque le guitariste Jan Artenas lui fait découvrir en studio une bande qu'elle chante et dont il ne connaissait même pas l'existence, son cœur chavire. Il trouve l'inspiration et le feeling sur le champ pour mettre en boîte deux prises de "Dedicated to Grace". Elles figurent sur cet opus. Le chant inédit de Grace apparaît cependant tout en fin d'album, sous le sigle "*". L'émotion se dégage à l'écoute de deux fragments, "No place I go" et surtout, "Oooowee", au cours duquel le vieil homme dialogue avec ses cordes Un moment très intense !
My Bloody Valentine sommeillant au beau milieu d'un champ de violettes rêvait d'une Galaxie 500 où brillait une Mazzy Star. Une belle métaphore pour définir la musique de ce duo londonien. Du nord de Londres, très exactement. Un duo constitué de Martine Roberts et de Clive Painter responsable d'une musique légèrement psychédélique, résolument atmosphérique et inévitablement mélancolique, hantée par le vocal intimiste, glacé, austère, de Martine, dont le timbre rappelle tantôt Alison Shaw (Cranes), tantôt Harriet Wheeler (Sundays). Et lorsque l'univers sonore se charge d'électrons cuivrés, jazzyfiants, c'est alors à Robert Wyatt qu'on se met à penser…
N'en déplaise aux esprits chagrins, mais que ce soit en compagnie des Stone Roses ou pour son compte personnel, Ian Brown a toujours eu le bon goût d'apporter un soin tout particulier à la finition de des albums. A contrario de ses prestations scéniques qui ont souvent été brouillonnes. Bref, son nouvel opus solo ne déroge pas à la bonne règle. Un disque riche en arrangements, en orchestrations (parfois symphoniques) et en effets spéciaux puisés dans la technologie moderne, que la production parvient à harmoniser avec une rare maîtrise. Faut croire que sa brève collaboration avec UNKLE lui a été très profitable. Et la plus belle preuve nous vient de " The gravity train ", résultat hypothétique d'une composition de Hall & Oates qui aurait remixée par Stereo MC's. Tout au long de cet opus, les rythmes électroniques flemmards servent de support aux confidences de King Monkey, responsables de lyrics bileux, à l'humour sauvage, qu'il dispense de sa voix de stentor, au timbre chaud et ample. La guitare n'a cependant pas été négligée. Mais elle n'est cependant maître du jeu que sur le seul " Stardust ". Torturée dans son électricité, elle semble même rendre un hommage aux Stone Roses. Sans quoi, ses interventions parcimonieuses se limitent à quelques envolées floydiennes, ou alors purifient la mélodie de leur picking acoustique.
Comme son titre l'indique, cet album a été enregistré en public, à l'Olympia de Paris. Le 6 juillet 1995, très exactement. Au cours de ce set physique, intense, d'une virulence rare, il avait notamment repris le " Kick out the jams " de MC5. Un climat qu'il maintient tout au long de " Dream brother " et d' " Eternal life ". Le reste de l'opus s'inscrit davantage dans l'esprit de " Mystery white boy ", réunissant les inévitables " Lilac wine ", " Grace " ou " Hallelujah ". On a même droit à un pastiche assez humoristique du " Kashmir " de Led Zeppelin, auquel Jeff vouait pourtant une grande admiration. L'opus est, en outre, enrichi d'une version de " What will you say ", qu'il avait interprétée dans le cadre du festival des musiques sacrées de Saint-Florent-le Vieil, le 18 juillet de la même année, en compagnie d'un des plus grands chanteurs mugham, l'Azeri Alim Quasimov. Le 29 mai 1997, Jeff Buckley disparaissait tragiquement dans les eaux du Mississipi. Son corps ne sera retrouvé que le 4 juin de la même année, en aval, au pied de la célèbre Beale Street de Memphis, le berceau du blues…
Destin curieux, tragique et analogue pour le fils et le père Buckley, disparus à la fleur de l'âge. Respectivement à 30 et 28 ans. Ils se sont pourtant peu connus. Tim ayant quitté la maison familiale, lorsque Jeff était encore très jeune. Mais l'incontestable point commun qui existe entre les deux personnages, est la voix. Une voix extraordinaire, capable d'embrasser plusieurs octaves ; une voix qui ne peut laisser indifférent. Mais ici s'arrêtent les comparaisons. Car si Jeff s'est noyé accidentellement, dans les eaux du Mississipi, Tim est décédé d'une overdose. Ce qui ne les empêchera pas de faire l'objet, tous deux, d'un culte auprès des nécrophages… Mais venons-en à ce " Honey man ", un elpee qui constitue le dernier volume d'une trilogie entamée par " Dream letter " et suivie par " Live from the troubadour ". Un disque dont les sessions d'enregistrement ont été immortalisées " live " le 27 novembre 1973. Et dont les 9 fragments sont partagés entre compositions acoustiques, gravées sur ses elpees précédents, et jams aussi frénétiques qu'impressionnantes. Ce sont d'ailleurs ces morceaux qui font la différence. Et quelle différence ! Tim, comme emporté par la folie, la passion, la sensualité dans toute sa crudité orgasmique et dans un irrésistible besoin de dépassement des barrières de la sensibilité, parvient à communier avec son public, comme seul Jim Morrison pouvait le faire. On comprend mieux pourquoi, depuis trois décennies, son style musical spécifique, ni tout à fait jazz, rock ou folk, mais tout à la fois, a influencé et continue d'influencer autant de groupes et d'artistes de la scène pop et rock. Un testament !
Michael est né en 1957 à Milwaukee. Dès le berceau, il pouvait entendre son grand-père Joe jouer le Delta blues à Camden, dans l'Arkansas. Frederick, son père, jouait de la basse dans les clubs de blues. Il lui arrivait même de se produire derrière Sonny Boy Williamson II. Il a appris la guitare à Michael, alors qu'il n'avait même pas cinq ans. Les Burks sont revenus se fixer dans l'Arkansas au cours des 70s. Ils y tenaient leur propre juke joint, le Bradley Ferry Country Club. Michael pouvait y jouer avec sa propre formation! En 1994, il monte un nouveau groupe et enregistre pour ses débuts, l'album "From the inside out". Nous sommes alors en 1997.
" Make it rain " constitue son deuxième opus. Edité sur Alligator, il a été produit Jim Gaines et Bruce Iglauer. Michael annonce la couleur dès les premières mesures de "Hit the ground runnin". Sa Gibson Flying V produit un son métallique, très réverbéré, dense et électrique, qui me fait parfois penser à Son Seals. L'homme aime ponctuer son chant de petites phrases assassines comme Buddy Guy sait si bien le faire. C'est le bonheur sur le funky "Got a way with women". L'accompagnement reste sobre et toujours de qualité. D'anciens vieux routiers de la bande à Buddy Guy sont venus prêter main forte à Burks. En l'occurrence Ernest Williamson aux claviers, David Smith à la basse et Steve Potts aux drums. Sans oublier le guitariste rythmique Vasti Jackson, responsable d'un album autoproduit voici quelques années. Il aborde les tempos lents avec la même aisance. "Beggin' business" est un slow blues bien électrique et "What can a man do?" un gospel très doux. L'orgue d'Ernest reste discret à l'avant-plan. La guitare ne distille que les notes nécessaires. Même schéma pour la plage générique de l'album. Caractérisée par une ligne mélodique délicieuse, saturée d'émotion, Burks y produit des notes belles à pleurer. La Flying V est un merveilleux outil. Elle nous fait naturellement penser au légendaire Albert King. Notre Michael adore le Roi Albert. Une admiration qui transpire de partout. Et c'est tout à fait évident sur "Mean old lady" et surtout sur "Everybody's got their hand out", un vibrant hommage à peine voilé. "Heartless" par contre, fait immédiatement penser à un autre King baptisé BB. "Pack it up" constitue sans aucun doute, un des meilleurs titres. Un R&B très entraînant, taillé pour la danse qui sonne très Memphis. Ce superbe album se referme par " Voodoo spell ", une composition dépouillée à l'extrême, dont l'authenticité est très proche des sources du blues…
Depuis quelques années, Burnside est devenu un bluesman incontournable. Un statut qu'il doit probablement à son affiliation au sein de l'écurie Fat Possum. Originaire d'Oxford dans le Mississippi, cet ex-fermier et pêcheur affiche aujourd'hui trois quarts de siècle. C'est au contact d'un de ses voisins, Fred Mc Dowell, qu'il s'est imprégné du delta country blues. Une musique qui est devenue depuis, la base de son inspiration. Les autres influences détectables dans le Burnside blues ont pour nom John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins et Muddy Waters. Mais attention, R.L a tellement de personnalité qu'il a su créer son propre style. Cet opus provient de bandes qui datent de 86 à 93 ; et les perles s'y bousculent.
Cela débute en mai 86 par une version live du "Nightmare blues", immortalisée à Charleston, en Caroline du Sud. Un frisson vous parcourt l'échine. C'est lors de l'hiver 86, dans une maison sise au bord du Mississippi, qu'il commet le saignant "Staggolee". Une interprétation tout à fait bouleversante accordée en présence d'un Curtis Saldado tombé sous le charme. Il interprète aussi le "Last night" de Little Walter. Beau à pleurer! En avril 91, il commet "Poor boy" à La Haye ; en décembre 92 un émouvant "How many more years", à Athènes; et en avril 93 enfin, dans une maison de Gieterveen en Hollande, les décapants "Goin' down south" et "Mellow down peaches". Ces deux fragments sous la formule d'un trio. Au sein duquel on retrouve Jon Morris à l'harmonica et son beau-fils, Calvin Jackson aux percussions. R.L Burnside est bien un bluesman incontournable.
Le quatrième album de Bush devait s'intituler "Speed kill", et la pochette reproduire l'ombre d'un avion. Les événements tragiques du 11 septembre ont forcé le groupe à revoir sa copie. Tout d'abord en rebaptisant le disque " Golden state ", et puis en arborant un pochette plus sobre, et surtout moins équivoque. Pourtant, la formation n'est pas yankee, mais insulaire, basée à Londres pour être plus précis. Mais leur musique plait surtout au public américain. Un post grunge aussi tumultueux que celui pratiqué par Nirvana, Pearl Jam ou Soul Asylum, dix ans plus tôt. Faut dire que Bush pratique ce style musical depuis plus de dix ans. Et qu'apparemment, il n'a vraiment pas envie d'en changer. Pour preuve, son quatrième opus, " Golden state ". Il recèle bien l'une ou l'autre ballade, mais privilégie les morceaux volcaniques, tempétueux, hymniques, parfois même menaçants, balisés par des riffs de guitare croustillants, radicaux, saignants, fouettés par les accès de basse tortueux, stimulés par les drums implacables et hantés par le vocal ample, fiévreux, légèrement éraillé de Gavin Rossdale, responsable de lyrics qui parlent d'amour, d'espoir, de solitude et de désolation. Un album finalement bien fichu, mais plus tellement dans l'air du temps. Sortez vos chemises à carreaux !
Cette formation namuroise nous avait livré une démo prometteuse l'année dernière. Ce début officiel est réellement accrocheur. Buttnaked nous présente deux guitaristes solistes qui se partagent tout au long de l'album soli et vocaux. Marc Bodart et Patrick Louis s'acquittent parfaitement de cette mission. Marc a la voix frêle fine, très musicale, qui se manifeste tout en sensibilité. Patrick possède une voix plus soul et chaude. Composée du bassiste Miguel Pumares et du batteur Georges Triantafylou, la section rythmique est solide. Elle porte avec pugnacité les deux solistes. Oeuvre de Luke Alexander, la production est impeccable. Pour celles ou ceux qui l'ignorerait, Luke est également le guitariste de Last Call et un ancien Electric King!
Marc chante les deux premières plages. Une entrée en matière fort bien ciselée. "Cool cool woman" libère un maximum de punch. Les guitares semblent légères mais font mouche. Elles s'échangent différentes salves tout au long des 4 minutes. Marc embraie par un "Far from home" au tempo moyen. La guitare est trafiquée, laissant échapper un son torturé. L'effet incombe, sans doute, à Luke Alexander qui avait déjà employé cette formule sur le dernier album de Last Call. Patrick vient chanter "Going to my baby's house", sur un rythme de mambo tissé par Triantafylou. Ex Electric King, Big Dave souffle de bien jolies phrases sur son harmonica. Ce rythme des îles se retrouve sur "Travelling shoes", prétexte à de superbes lignes de guitare. Sur un rythme de chemin de fer, les deux chanteurs s'échangent les vocalises sur "Somebody tell that woman" de Willie Dixon. "Night life" est une composition plus aventureuse, aux accents jazzy prononcés par le piano de Vincent Bruyninckx. La guitare sur le fil du rasoir se fait l'écho d'un certain Santana. Quand Marc Bodart commence à chanter "Right from wrong" quasi a capella, on peut mesurer la justesse de son chant. La guitare s'évade en nous rappelant le fantôme d'un Peter Green d'une époque déjà si lointaine. Excellent! Buttnaked consacre sa 2ème reprise au très célèbre "Got love if you want it" de Slim Harpo. Une occasion idéale pour retrouver les phrases enflammées de Big Daven, face à la puissance rythmique. Big reste très inspiré pour ponctuer le lent "Three cats" et introduire une de ses meilleures interventions aux cordes, qui libèrent ici un son nettement plus sale et gras!! Patrick attaque d'une voix bien mâle une nouvelle version de "Going to my baby's house". Une adaptation très funky qui démontre la réelle envergure de la section rythmique. L'apparition de Mr Spring Blues, Pierre Dejeneffe, est une bonne surprise. Inventif sur son harmonica, cet élève doué de Big Walter Horton consacre une finale très roots. Bravo à Buttnaked, car cet album est une réussite sans faille. Suffit de prendre le temps de l'écouter!
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