Fondé en 1986, The Hitman Blues Band est drivé par Russel ‘Hitman’ Alexander, un chanteur guitariste new-yorkais. Il avoue pour influences majeures, Elmore James, Buddy Guy, Johnny Winter et Duane Allman. Son blues band réunit une section rythmique, un claviériste et un trio de cuivres.

Son premier album remonte à 2000. Il s’intitule "Blooztown". Un disque suivi par "Angel in the shadows", gravé en 2003 et caractérisé par l’intégration au sein du line up du claviériste Kevin Rymer ainsi que du saxophoniste Michael Snyder. En 2006, paraît "Live at Stonybrook University", un elpee qui bénéficie du concours de Mike Porter à la basse ; et enfin, en 2008, "Pale rider". "Blues enough" constitue son cinquième vinyle. Il recèle onze compositions ‘maison’ réalisées au studio Hot Sound à Brooklyn. 

"Blues enough" est imprimé sur un tempo vivace. Cette compo déménage. Elle est soulignée de chœurs et de cuivres. Rymer est le premier à mettre le nez à la fenêtre sur son l'orgue, mais il cède rapidement le relais à son leader, apparemment hanté par le spectre de Johnny Winter. Plus nonchalant, "Sam the Bluzman" rend hommage au regretté bluesman Sam Taylor, disparu à l’âge de 74 ans, début 2009. Hitman chante ce morceau passionnément mais aussi respectueusement. "Fishing where the fish are" s'ébroue sur des rythmes syncopés. Le piano et les cuivres sont bien présents au sein de ce climat instable. Mais la guitare fait mouche au cœur de cette ambiance néo-orléanaise. Blues de bonne facture, "Backhand drive" pourrait émaner de Chicago, mais aussi d’ailleurs. Une compo abordée dans l’esprit de Buddy Guy voire de Luther Allison, au cours de laquelle la slide est très remuante au milieu des cuivres. Lent, "Every peace of me" est un R&B de toute bonne facture. Le chant est impeccable. Les sorties de cordes et d’orgue sont solides. La guitare libère toute sa sensibilité sur "Streets of downtown", une autre ballade indolente très réussie. Retour à Chicago pour "Everything you do", un bon shuffle à la Elmore James. "Life's too short" évolue sur le Diddley beat. Neil Alexander se réserve l’harmo et Guy Lafountaine affronte les cuivres, de ses drums. Roots blues, "Better glass of bums" véhicule des accents swing et dixieland. Le trombone d'Al Alpert et la trompette d'Eric Altarac s’autorisent un billet de sortie. Encore une ballade R&B :"Deaf, dumb & Blind". Le saxophone brille de mille feux tout au long de cette piste séduisante et cool. Et l’album se referme par un morceau plus agressif, sans doute, à nouveau inspiré par Johnny Winter.   

Pour introduire cette interview, on va simplement vous rappeler l’essentiel de ce que vous avez déjà lu ou entendu, dans la presse spécialisée ou non, au sujet de “Liquid love”, le 3^ème  opus de The Experimental Tropic Blues Band. Cet elpee a donc été enregistré sous la houlette de Jon Spencer. A New York. Au sein des studios de Matt Verta Ray (Heavy Trash). Et pas de prises digitales, mais comme autrefois, analogiques. Deux ou trois maximum. Afin que les compos soient les plus spontanées possibles. Le titre de l’album ? Inspiré d’un club de rencontres entre ‘blacks’, sis sur la Bedford Avenue, au sein duquel, Jon les avait invités. Un choix judicieux, puisque les lyrics parlent de sexe et de fantasmes. Et le reste, on vous invite à en prendre connaissance, en compagnie de Jeremy, alias Dirty Wolf, rebaptisé Dirty Coq, qui nous a accordé cet entretien à Liège, deux jours après le concert du trio, accordé au Magasin 4 de Bruxelles, c’est-à-dire ce 26 novembre.

Et inévitablement, il était intéressant de savoir comment s’était déroulé leur set. Réponse : « Perso, j’ai vraiment pris mon pied, comme je ne l’avais plus pris depuis longtemps ; enfin je veux dire comme je le prends rarement. En tous cas, sur la scène, c’était très bien, très intense aussi. Maintenant, je n’étais pas au sein du public. Mais après le concert, j’ai croisé de nombreux spectateurs qui m’ont avoué avoir adoré notre prestation. Et toute la soirée, dans son ensemble, s’est parfaitement déroulée. Une affiche très rock ’n roll, entamée par les Magnetix et clôturée par DJ Ponpon et Bronco Billy. Une belle fête, du début à la fin. Partagée par le public… »

On entre maintenant dans le vif du sujet. Et tout d’abord le recours aux bandes analogiques, lors des sessions d’enregistrement. « C’est différent. On n’avait jamais enregistré sous cette forme. Et au début, on a été un peu effrayés, parce quand tu te plantes, tu te plantes. Tu ne sais pas rectifier les erreurs aussi facilement qu’en digital. Bref, tu disposes de bien moins de marge d’erreur qu’en numérique. Mais finalement, les sessions se sont plutôt bien déroulées. En y laissant nos qualités et nos défauts. Et puis on y a gommé toutes les fioritures. Ce qui rend le disque plus humain… La différence entre l’analogique et le numérique ? C’est que l’analogique, ce n’est pas parfait. Et c’est dans l’imperfection que se fait la perfection. La magie, en tout cas. C’est dans l’imperfection que la magie prend naissance… » Pourtant, les trois musicos sont des éternels insatisfaits. Aussi, avec le recul, qu’auraient-ils changé à cet album, maintenant qu’ils ont eu le loisir de le réécouter ? « Bonne question ! Parce que lorsque tu as réalisé deux albums, tu cherches à ce que le suivant soit parfait. Que les vocaux soient impeccables. De ne pas faire une seule erreur, même au niveau du rythme. Et là on s’est retrouvé en studio, en compagnie d’un mec qui nous dit d’y aller à fond ; et que si on se plante, c’est tant mieux. Et il y a des tas de morceaux où on s’est planté. Où ça sonne faux ou on pète une corde. Et il nous disait que c’était bon. Tu imagines, après ces incidents, on était un peu interloqués, en se demandant s’il n’était pas dans l’erreur. Je crois que c’était en mars que nous étions en studio (NDR : il s’adresse à JF, qui opine de la tête) ? Après ce laps de temps, on a un peu digéré cette aventure. Et finalement, je pense qu’il avait totalement raison de nous pousser vers la déglingue. Car en ‘live’, c’est ce qui correspond à notre identité. Ce n’est pas parfait. C’est même loin d’âtre parfait. Notre musique passe plutôt dans l’énergie et dans l’émotion. Et c’est ce qu’il a voulu reproduire en studio. Il a récupéré notre énergie et notre émotion pour l’immortaliser sur un support. Finalement, je n’ai aucun regret. Et je ne changerai rien à ce disque, parce que Jon a vraiment bien fait son job… » Alors, à l’avenir, le groupe a-t-il déjà une petite idée du prochain producteur, en compagnie duquel, il aimerait travailler, pour enregistrer leur futur elpee. La réponse fuse : « Le prochain ? Ce sera nous trois. Parce qu’en enregistrant ce disque, on a appris énormément. Vraiment. Aujourd’hui, nous sommes suffisamment mûrs pour se charger de ce boulot. Nous ne serons plus dans nos petits souliers, quand on pénètrera dans un studio d’enregistrement. Nous ne serons plus honteux, parce qu’on n’est pas super bien en place. C’est cette spontanéité qui va faire notre force. Et on sera tout aussi bien capable de la traduire sur un support… »

Jon Spencer a produit l’elpee. Mais s’est-il également investi au niveau instrumental. Un peu de theremin ? Des claviers vintage ? Des interventions à la guitare ? Ou quoi encore ? « Il ne joue pas de claviers, mais c’est lui qui nous a proposé d’en jouer. Des idées un peu improvisées. Il imitait un motif de la voix. Et après il fallait le reproduire. Puis on recherchait les notes avec lui. Et quand c’était à son goût, on pouvait foncer. C’est vrai que le clavier, c’est pas habituel chez les Tropics. Mais c’est aussi la raison pour laquelle on lui a demandé de produire le disque. Afin d’avoir des idées qui sortent de l’ordinaire. Avant de le rencontrer, ce genre de fantaisie ne nous aurait même pas effleuré l’esprit… Et il n’y a pas de theremin. En fait, ce sont des sonorités produites par les nouvelles pédales de disto. Après les avoir enclenchées, il suffit de moduler le bouton de volume pour obtenir le même résultat. Par contre, oui, il joue de la guitare ; et notamment sur ‘Do it’. C’est lui qui se réserve le solo. Sans quoi, il participe essentiellement aux chœurs et aux voix criées… »

Un détail qui permet de passer au chapitre suivant. L’analyse des plages de ce ‘Liquid love’. Dont la compo la plus influencée par Jon est manifestement ‘Nothing to prove part 2’. Pas dans l’esprit du Spencer, mais plutôt de Pussy Galore. « Tout à fait. Parce qu’il n’était pas convaincu du refrain proposé par Jean-Jacques. Et il lui a proposé une autre ligne vocale. Et elle est clairement estampillée Jon Spencer (NDR : il la reproduit au chant). Je veux dire très rythmique… » Quant à ‘Keep this love’, c’est incontestablement la compo la plus radiophonique de l’opus. Un peu ragtime, très country & western, mais sous une forme qui peut rappeler Johnny Cash. Jeremy acquiesce : « Johnny Cash, Buddy Holly. Ces légendes issues des 60’s. Un peu, c’est vrai. Et c’est assez curieux, car quand on l’a enregistré, on n’y pensait même pas. On a limité l’instru à une gratte, un harmo et une boîte à rythmes. Mais c’est après l’avoir enregistré qu’on s’est seulement posé des questions. Enfin, c’est Jon qui nous a dit que cette compo lui rappelait Johnny Cash. Mais c’est aussi lui qui a voulu qu’elle sonne ainsi. Car la musique, ce n’est qu’une question de son. Je veux dire que si quelqu’un d’autre enregistrait cette chanson, elle ne ressemblerait pas du tout à du Cash ou du Holly… » Après l’entretien, dans la voiture qui me reconduisait au centre de Liège, je me suis quelque peu entretenu avec JF. Justement au sujet de cette compo, qui pourrait, vu son sens mélodique, passer en radio. Et même faire un hit. J’ai donc été très étonné d’entendre que chez Pure FM, on estimait que le son n’était pas assez propre. Sans commentaire…

Lors des sessions, le trio a donc eu recours à une boîte à rythmes, on vient d’en causer, mais aussi à l’électronique, malgré l’immortalisation sur bandes analogiques. Et c’est manifeste sur ce fameux ‘Do it to me’, dont nous parlions en début d’interview. Mais sous une forme épileptique, abordée dans l’esprit de Suicide. « Encore une fois, et je le répète, lorsqu’on a composé ce titre et quand on l’a joué, on ne ressentait pas cette influence. Elle est apparue postérieurement. Jon nous avait confié, que si jamais, pour un morceau, nous souhaitions emprunter une certaine direction, de lui signaler. Il voulait qu’on lui cite des noms d’artistes. On lui a lancé, Suicide, Alan Vega. En fait, je pense que nous avons émis cette idée au même moment. C’était comme une évidence. Et sur cette piste, il y avait un long passage au cours duquel il y avait comme un vide. On se demandait ce qu’on allait bien pouvoir y insérer. Alors Jon a pris sa guitare et a branché son ampli. Il a joué un solo. Il nous a demandé si son intervention nous bottait. Et puis de la reproduire. On n’a pas insisté, on lui a répondu que la sienne était impeccable… » Les deux titres les plus frénétiques du long playing sont ‘Break up’ et ‘Sex games’. Dignes de Bad Brains. Un pur hasard, car finalement, ils ont été initiés par le drummer qui adore ce type de rythme. Par contre, après avoir écouté ‘Worm wolf’ et ‘Holy peace of wood’, il est clair que le groupe a cherché le lien manquant entre Captain Beefheart et Prince. « Très bien vu ! En fait pour ‘Worm wolf’, l’idée est née en studio. La compo n’aurait pas dû être enregistrée sous cette forme ; on devait uniquement entendre ma grosse voix (NDR : il la reproduit, à titre d’exemple). Mais lors de l’enregistrement, il en fallait une ‘témoin’. Et simultanément, en ‘off’, je chantais faiblement, de manière aigüe. Et Jon a dit que ça tuait. Qu’il fallait utiliser ma voix sous les deux formes. Quand au funk, il touche surtout ‘Holy peace of wood’. Une rencontre entre Prince et Captain Beefheart ? C’est ce qui s’est dit à New York… » Si le meilleur burger se prépare avec un gros morceau de punk, saignant à souhait, en y mettant beaucoup de sauce piano dessus, on se demandait quand même où les Tropics étaient allés pêcher un titre comme ‘TETBB Eat Sushi’. Pas au Japon, en tout cas ! Jeremy s’adresse à JF : « Dis tu l’as briefé avant ? » JF répond par la négative… Et notre interlocuteur de poursuivre : « Au départ ce morceau était instrumental. Et il n’avait pas de titre. En fait, tous les midis, Jon nous emmenait dans un resto différent de New York. Et nous sommes allés manger des sushis. Bref, lors de l’enregistrement de ce morceau, il a indiqué sur une pancarte, ‘TETBB Eat Sushi’. Il l’a brandie, derrière la vitre ; et il nous a dit, c’est ce que vous allez déclarer dans la chanson. Il ne nous l’a même pas proposé, mais imposé… »

Alors, ‘Liquid love’, album charnière ou simple exercice de style ? C’est vrai qu’il est moins blues, plus roots et surtout sujet à des influences inhabituelles pour les Tropics. La question méritait quand même d’être posée. « Album charnière, parce que je pense qu’on s’est déplacé à New York pour l’enregistrer et qu’on s’est imprégné du climat de la ville. De sa puissance. Et puis on a enregistré en compagnie de quelqu’un qui est assez connu dans le milieu underground. C’est ce qui nous a permis de franchir une étape. Enfin, je ne sais pas. Peut-être qu’auparavant, nous étions dans une situation de recherche. Et elle nous a permis d’aboutir à cet album. Nous ne sommes pas un groupe qui proclame jouer du blues ou du rock. Notre éventail d’influences est tellement large. On ne se focalise pas sur l’une d’entre elles tout particulièrement. On répète. On interprète naïvement nos morceaux et puis on les enregistre. C’est tout. Bien sûr, ce disque est beaucoup plus dur, plus rock’ n’roll aussi. Mais ce n’était pas conscient au moment de créer les morceaux. On les a composés, suivant le processus habituel. En répète, on crée un riff. Et il sert de base au morceau. Ensuite on passe au suivant. Maintenant, il est probable que nous allons prendre cette direction, par la suite. Enfin, je n’en sais trop rien, si ça tombe, on va s’engager dans une voie plus électro (rires)… »

Et Jeremy a confié un scoop à Musiczine. Pas le fait qu’il soit bleu du dernier album de Tom Waits. « Il me troue le c**. C’est un pote qui m’a informé de sa sortie. Il n’était pas trop emballé. Or, je possède tous ses disques en vinyles. Je suis allé l’acheter, simplement pour compléter ma collection. Et j’ai pris une claque comme c’est pas possible. En fait, si je l’apprécie autant, c’est sans doute parce que mon ami m’avait dit qu’il n’était pas terrible. C’est comme lorsque tu vas au cinéma voir un film que l’on t’a vivement conseillé. Faut que t’aille le voir ! Et quand t’es devant l’écran tu déchantes. Il n’est pas à la hauteur de tes attentes. Parce que tu es influencé. Et là, à l’inverse, l’avis négatif a rendu mon opinion positive. C’est mon disque de chevet, car il baigne dans un univers remarquable, unique en son genre. Et chez les Tropics on essaie de créer le nôtre. Je trouve que le plus important, dans la musique, c’est d’incarner un univers. Peu importe comment tu y parviens, avec ton corps, ton cul, ta bouche ou en te frappant dessus, l’essentiel dans la musique c’est d’incarner un univers. » On en vient quand même au scoop : « En fait, après les sessions, il nous restait encore deux jours à passer à New York et Jon m’a demandé d’enregistrer ma voix sur un morceau de Heavy Trash. Attention, il m’a précisé qu’il ne savait pas si mon intervention figurerait sur la version finale. C’est à l’état de démo. J’y parle de sexe (NDR : on y revient !), mais en français, pendant 2’30, à la manière de Serge Gainsbourg. C’est ce qu’il souhaitait. Touchons du bois pour que ce soit sur le disque… »

(Album « Liquid Love », paru chez JauneOrange ce 14/11/2011)

Malgré son patronyme fort curieux, le Super 300 est un groupe local yankee qui tient la route. Comme il en existe une multitude aux States. Un quartet réunissant d’excellents musiciens, même si ce ne sont pas des premiers rôles sur leur instrument. Apparemment, le leader s’appelle Jerry Feldman ; c’est aussi le guitariste. Il a d’ailleurs a écrit 7 des onze plages de l'album. Le chanteur/harmoniciste Brad Radis est l'autre personnalité du band. En fait, il y a déjà quarante ans qu'il côtoie Feldman. Ensemble, ils ont soutenu des artistes comme Shakey Jake Harris, Jimmy Witherspoon et Jimmy Reed. Le line up est complété par le bassiste Allan Hearn et le drummer Jim Snodgrass. Ce combo est drivé par les deux leaders depuis 18 ans. En 2005, la formation avait publié un premier opus, intitulé "West Coast boogie".

Nous sommes en Californie. Et on s’en rend compte dès les premières mesures d’"I'm not wild about that". Nous sommes même plongés dans le west coast jump. Feldman est un guitariste très versatile. Son compère Brad souffle puissamment dans son modeste instrument. "Five two blues" est bercé de swing. A cause de la présence de Mr Paul Tuvman, invité au piano. L'intro d’"I'd rather drink muddy water", une compo qui figure au répertoire de BB King, ne libère que les notes nécessaires, mais elles sont chargées d’une extrême sensibilité. Faut dire que Jerry est un sixcordiste au jeu subtil, susceptible de se frotter au jazz. La voix de Brad est un peu rugueuse, âpre, et ne colle pas toujours à tous les styles ; par contre, son intervention sur l'instrument chromatique est pertinente. De bonne facture, "Boogie woogie feelin" est une plage dont le tempo est imprimé par le drummer, Jim Snodgrass. Le "Lollipop mama" de Roy Brown s’attarde dans le jump, un morceau au cours duquel les cordes de Feldman s’intègrent à la perfection (NDR : Roy Brown était un chanteur de R&B issu de la Nouvelle Orléans ; il était aussi notoire dans l’univers du jump blues!) La lecture du "T-Bone shuffle" de T-Bone Walker poursuit dans le même style. Super 300 souffre cependant de l’absence d’un vocaliste performant. Radis n'est pas un chanteur médiocre, mais il n’a guère de charisme. Lors de la reprise du "Two-headed woman" de Willie Dixon, la section rythmique  sur lequel la section rythmique manque de caractère. A contrario des deux solistes qui tirent parfaitement leur épingle du jeu. Un instrumental : "West Coast '51". Et l’elpee s’achève, à nouveau dans le jump, lors d’un "Just right of center", caractérisé par la réplique de tous les musiciens et au cours duquel on retrouve Tuvman.

Sous-titré, "Featuring Johnny Dyer and Big Joe Turner", cet elpee est dédié à la mémoire de Pee Wee Crayton. En fait, il devait participer à ces sessions ; mais il est décédé suite à une crise cardiaque, peu de temps auparavant. L'ambiance est ici assez différente de celle du premier volume. On n’a plus cette impression de partager un moment privilégié au sein d’un cabaret de nuit. Le tracklisting recèle moins de grands classiques du blues, également. Mais même si la qualité du son est loin d’être parfaite, l’ensemble tient parfaitement la route.

Retour donc en 1985. A Topanga Canyon, quelque part entre San Fernando Valley et l'Océan Pacifique. Pas tellement loin de la mégalopole de Los Angeles. Les membres de Canned Heat s’y réunissaient souvent. D’ailleurs, c’est dans les parages qu’Alan ‘Blind Owl’ Wilson avait mis fin à ses jours, en septembre 1970. Dans ce patelin, se déroule un petit festival local organisé pour célébrer le troisième anniversaire d’existence de la Southern California Blues Society. Une radio locale avait suivi l’événement. Et l’avait immortalisé sur quelques bandes. Ce sont ces reliques poussiéreuses qui nous permettent de revivre cet épisode.

Le Magic Blues Band ouvre les hostilités par un "No more lovesick blues" très saignant. Chuck Jackson chante autoritairement avant de se concentrer sur ses cordes qui rivalisent avec les interventions à l'harmonica de Rod Welk. Chuck prend alors la parole. Il rend un vibrant hommage au grand Pee Wee Crayton, alors disparu depuis quelques semaines ; c’est-à-dire en juin 1985. Un moment d’émotion ! Le band se lance alors dans un "Blues for Texas" de toute beauté. Comme on l’aime et empreint d’une grande simplicité. D’ailleurs, le blues proposé sur cet elpee est d’excellente facture. Welk est épatant aux cordes tout au long de "Why wait". Il réussit tous les exercices de style enseignés par Little Walter. "Black & blue" s’ébroue sur un riff menaçant ; mais la guitare bien électrique s'envole une nouvelle fois. Une silhouette noire se faufile sur le devant de scène. Chuck nous le présente : il s’agit de Johnny Dyer, un chanteur/harmoniciste originaire du Mississippi. De Rollin' Fork pour être plus précis, tout comme le grand Muddy Waters. Dyer connaissait personnellement Muddy. Son style l’avait d’ailleurs marqué d’une trace indélébile. Johnny puise ici dans le répertoire du Chicago Southside. Ses coups d'harmo sont lacérés au rasoir. Il adapte "Everything's gonna be alright", le slow blues légendaire de Waters, "Nineteen years old" et l'inévitable "Mojo workin'". Un spot radio de l'époque nous restitue la présentation de Big Joe Turner. Il était arrivé de Kansas City en compagnie de ses musiciens ; et en particulier sa section de cuivres et son organiste. Big Joe est une des voix extraordinaires du blues. Son timbre est surpuissant ; mais une émotion nous étreint lorsqu’il nous accorde une interprétation extraordinaire du blues lent "Down home blues". L’orgue Hammond ronronne. Le saxophone ténor prend son billet de sortie et la guitare est intenable. Quelle claque! "Honey hush medley" est imprimé sur un tempo allègre. Le blues shouter se fait plaisir au sein d’un climat sonore parfaitement homogène. Big Joe nous parle alors d'une tranche d'histoire relative à la musique de Kansas City. Son timbre est très grave. Ce géant mesurait près d’1m90 et pesait 110 kg. Il allait disparaître la même année. En 1985. A Los Angeles. A l’âge de 74 ans. Les cinq derniers morceaux sont de moindre bonne qualité acoustique. Les sources d’enregistrement sont sans doute différentes. On suppose qu’il s’agit bien du Magic Blues Band. La férocité des vocaux dispensés tout au long de "My baby she left me" rappellent Johnny Winter. Il s’agit plus que probablement de Rod Welk qui s’en charge. Le souffle de son harmonica est, en outre, fort percutant et agressif. Et il continue à étonner sur "I don't play". Jackson chante "Tore down" d’une voix puissante. Le "Take out some insurance" de Jimmy Reed a été rebaptisé, pour la circonstance, "Assurance Alt". Talonné par les cordes de son partenaire Chuck, Welk est aussi à l'aise dans la peau de Reed que celle de Little Walter. "Have a good time" achève cet opus. Un titre qui en dit plus long que n’importe quel commentaire. Une bonne tranche de blues!

Le tout premier elpee du Magic Blues Band vient donc d’être réédité sous la forme du compact disc. Sous-titré "Live in 1985 – Featuring Special Guest star Mr ‘Pachuko Hop’ Chuck Higgins", il a été immortalisé au Guildner Brothers Body Shop de Northridge, en Californie. Un disque qui a donc été enregistré ‘live’. Sur les planches, on retrouve John Williamson et Rocky Jackson aux guitares, Rod Welk à l’harmonica, Jesse Serrano à la basse, Michael Herman aux drums et bien entendu Chuck Higgins au saxophone ainsi qu’au chant.

Charles Williams ‘Chuck’ Higgins est né en 1924. A Gary, dans l’Indiana. Chanteur de R&B, il a décroché un hit en 1952 : "Pachuko Hop". Remarquable saxophoniste, il était, alors, soutenu par le guitariste notoire Johnny Guitar Watson. Atteint du cancer, il est décédé en septembre 1999.

Le Magic Blues Band est donc réuni lors d’une nuit torride de 1985. Et cet opus va nous restituer, en 19 plages (NDR : dont de nombreux classiques), plus d'une heure de blues et de R&B de toute bonne facture. Higgins chante et joue du saxophone sur quatre titres. Dont "Love for you" qui ouvre les hostilités, l’excellente reprise du standard "Shotgun", "Stormy Monday blues" et une superbe version du "Got me runnin'" de Jimmy Reed. Tout en laissant éclater son ‘honky’, il permet à ses musiciens de sortir de leur réserve ; et en particulier Jackson aux cordes ainsi que Rod Welk à l'harmonica. Une intervention sublime, par ailleurs. Rocky Jackson se réserve l’essentiel des parties vocales, lors de ce set. Il jouit d’une voix solide. Un organe qui illumine des compos comme "Tore down", "Aw' baby", "Dust my blues", "Rock me baby", "Help me" ou encore "My babe". Rod ‘The rocket’ Welk chante cependant "Up the line" et "Tore down", alors que le brave Williamson se focalise davantage sut des titres plus rock'n'roll. A l’instar de "Buick 59" (NDR : il faut souligner qu’il est fasciné par les grosses voitures américaines construites au cours des fifties ; des modèles reproduits sur toutes les pochettes de ses albums), "Cold chills" et "Shake rattle & roll". Cette dernière plage libère une fameuse dose de vibrations. Les musiciens chantent en chœur. Welk est au sommet de son art. Faut dire que tout au long du show, cet élève de Little Walter se révèle brillantissime ! Le concert s’achève par "Intro inst", un curieux instrumental au cours duquel les différents acteurs ont le loisir de se présenter au public, avant que Rod Welk leur accorde un dernier solo aussi enchanteur qu’excitant.

Pour enregistrer leur second elpee, Boogie Snake, Dirty Wolf et Devil d’Inferno ont décidé de capturer le son le plus proche de leurs prestations scéniques. Résultat des courses, ce « Captain Boogie » est beaucoup plus brut de décoffrage et forcément, s’avère plus difficile à assimiler.

Produit par André Gielen, ce disque est découpé en 12 plages qui flairent la sueur et le souffre. L’aspect primal du rock’n roll y est privilégié. A cet égard, les Tropics se montrent dignes héritiers naturels des Cramps (NDR : drôle de coïncidence, Lux Interior, leader et chanteur du combo new-yorkais, vient de décéder). Et ils le démontreront sur le frénétique, « Hippidy hop », une plage également hantée par un certain Little Richard (NDR : il n’y manque que le piano). Sur le vicieux « Those dicks », ensuite. A cause de ce recours à la guitare surf et puis de la voix ‘hoquetante’ de Boogie Snake. Et enfin d’« I dig you much and more », une plage pimentée par un harmonica fiévreux et imprimée sur un tempo tribal. Un rythme que Devil imprime sur la plupart des compos de l’elpee. Comme sur le sauvage « Disco d’Inferno » (NDR : ben tiens !), un morceau enrichi par une basse hypnotique (NDR : si c’est une basse ?) et un saxophone stridulent. Ou encore le boogie « Baby sue », morceau qui aurait pu figurer au répertoire d’Alan Vega. Pensez au célèbre « Juke Box Baby ». Encore que dans le style, « Cock-a-doodle-do » rappelle davantage le hit du citoyen de Brooklyn, tout en adressant, via ce message de basse-cour un clin d’œil à Chuck Berry (NDR : cherchez l’astuce !) Le blues a évidemment également sa place sur ce disque. Tout d’abord à travers le lancinant et aride « Godammn blues » et ses riffs de guitare effilés. Sur « I’m gonna try », également. Une compo plus torturée, au cours de laquelle le crissement des six cordes peut faire penser à une fraise de dentiste qui vous abrase une dent. Ou encore le plus punk, donc furieux, « Oohh », dont les accents de blues sont paradoxalement contrebalancés par des accès de fête. L’elpee recèle encore un morceau plus inhabituel dans le chef du trio : « Bang your head ». Du funk/rap inspiré à la fois par des Rage Against The Machine et Red Hot Chili Peppers originels. Quant à la version garage de « Think it over », elle rend hommage à Buddy Holy. Reste le titre maître. Une composition qui alterne le menaçant voire le sinistre (NDR : qui a dit le gothique ?) et la fureur du punk extrême. Bref, un album dévastateur, à ne pas mettre entre toutes les oreilles. N’empêche, ce nouveau répertoire des Tropics devrait prendre une dimension apocalyptique sur les planches…

Lien vidéo "Those dicks" :  http://www.vimeo.com/5114123

Mick Fleetwood est un des fondateurs du Fleetwood Mac. Il a d’ailleurs participé tant à l’aventure anglaise (NDR : celle-ci avait débuté une journée d'août 1967 au Festival de Windsor) qu’américaine du groupe. Pour rendre hommage au Mac des années 60, il vient de fonder un nouveau blues Band. Pour la circonstance, Mick a rappelé Rick Vito, un excellent guitariste qu’il avait déjà côtoyé au cours des 80s. Et a complété le line up de son combo par le bassiste Lenny Castellanos et le claviériste Mark Johnstone. La formation sillonne les routes depuis quelques mois. Elle s’est même produite en Europe ; malheureusement ni en France ni en Belgique. Baptisé « Live », cet opus a été immortalisé l'an dernier au Sheldon Concert Hall de St Louis. En ‘bonus’, un second cd réunit quatre titres concoctés au sein des studios Maui de Mick, à Hawaï.

Je dois avouer beaucoup apprécier Rick Vito. Il a une bonne voix et impressionne à la guitare, en particulier à la slide. Lors des débuts du Mac, le secret de leur recette procède de la conjugaison de deux talents différents. Tout d’abord l'extraordinaire Peter Green. Chanteur, compositeur, et inoubliable gratteur, il puisait son inspiration chez BB et Freddie King ainsi qu’Otis Rush. Ensuite le petit Jeremy Spencer, adepte de la slide façon Elmore James et du rock'n'roll. Vito synthétise en une seule personne ces deux paramètres. Il n'a cependant jamais oublié un certain jour de l’an 1968, lorsqu'il a eu le bonheur de voir et d’écouter le Mac original à l'Electric Factory de Philadelphie.

Il débute d'ailleurs l’elpee par "Red hot gal" sur un riff notoire d'Elmore James ; un morceau pas piqué des vers et sans la moindre faille. Tout y est. La voix. La slide. Et le beat métronomique de Fleetwood. Pour attaquer son "Looking for somebody", Rick se met dans la peau de Peter Green ; et, s'il n'a pas sa sensibilité à fleur de peau, il reproduit le feeling, le vécu de Green dans son chant, tout en y communiquant une émotion bien palpable. Il ne concède aucune faiblesse. Et pour donner davantage de relief à l’expression sonore, Johnstone nappe le tout d’orgue. Autre morceau signé Vito, "Fleetwood boogie" rend hommage à son leader. Mick tape d'ailleurs comme un possédé sur ses peaux, tandis que notre gratteur prend son pied. "Stop messin' around", une plage qui figurait sur "Mr wonderful" (NDR : personnellement, j’estime que ce disque est le meilleur elpee de Peter) marque un retour au répertoire de Green. Caractérisé par ce riff rythmique, hypnotique, reptilien, "Rattlesnake shake" est un succès rock inoubliable. Lors de la longue partie instrumentale, traitée à la manière des jam bands, Vito étale à nouveau toutes les facettes de son talent. Rick chante son "When we do the lucky devil". Il y adopte son style bien personnel. Balisée par le rythme du chemin de fer, ses interventions sont brillantes. Il se frotte ensuite au meilleur blues lent jamais écrit par Green : "Love that burns". Il ne parvient cependant pas à restituer le mal de vivre éprouvé par le grand Peter, mais sa version est de toute bonne facture. Il nous réserve un autre extrait de "Mr wonderful" : "Rollin' man", une compo marquées par ses changements de rythme. Et puis, l’adaptation somptueuse du "Black magic woman" qui réverbère des tonalités propres à Green. L’elpee s’achève par "I got a hole in my shoe" et, sans surprise, le fameux "Shake your moneymaker" d'Elmore James, deux titres dominés par la slide de Vito.

Le second compact-disc réunit quatre plages instrumentales. Tout d’abord, l’incontournable  "Albatross". Deux compositions signées Rick Vito, ensuite. Soit "Napili noctourne", dont la mélodie rappelle manifestement "Sleepwalk" et "La mer d'amour", calquée sur "Albatross". Enfin le séduisant "The supernatural", une plage que Peter Green avait, à l'origine, enregistré en compagnie des Bluesbreakers de John Mayall ; et sans doute la toute première fois que sa six cordes affichait un son si personnel…

Conjure Root est un petit label monté par John Williamson. Objectif présenter ses différentes expériences. Flashback ! John vit à Atlanta, en Georgie. Nous sommes en 1993. Il fonde d’abord Crossfire, puis Buick 59, avant de diriger les Southside Jukes en compagnie de l'harmoniciste Joe Lee Bush. Chez Williamson, rien n'est jamais simple ou au contraire, tout est d’une simplicité enfantine. Cet enregistrement n'est pas d’un très grand niveau technique. Il est simplement (!?!?) le fruit de la rencontre entre des musiciens déterminés à recréer des sonorités susceptible de dater d'avant 1940. Des premiers enregistrements occasionnellement électriques. Rien de hi-fi, bien entendu. Pas de performances hors norme. Mais de la sobriété et d'excellentes vibrations.

Ces personnages se sont donné rendez-vous dans un infâme joint du Nord d'Atlanta. Ils entament leur set. Felix Reyes (NDR aujourd’hui il drive encore ses Cats) se réserve la six cordes. Le Dr Mighty Paul Linden (NDR : il a milité au sein du band de Sean Costello) souffle dans son harmonica ou siège derrière le piano. Ron Logsden est préposé aux drums, Matt Sickles à la basse, Eddie Tigner aux ivoires (quand Paul joue de l'harmonica) ; et, enfin, notre serviteur, John Lee cumule le chant et la gratte rythmique. Tigner est pianiste. Il est âgé de plus de 80 balais. Il a sévi au sein des Ink Spots, un groupe vocal de R&B qui s’était illustré par une version originale du classique "Route 66", un morceau qui figure d’ailleurs sur cette plaque. Il s’en était même servi pour intituler son premier opus solo. Un disque paru en 2001, chez Music Maker. Pour la circonstance, il avait reçu la collaboration du groupe Chicken Shack (rien à voir avec le blues band anglais), au sein duquel militait Reyes, Linden, Logsden et Sickles ; mais pas Williamson (NDR : le monde est petit!) Le tout est enregistré ‘Switch blade style’ comme ils le confessent! Pour créer les effets d’une chambre d'écho, ils ont utilisé un bocal rempli d'eau comme filtre. En fait, ils cherchent à restituer le son des premiers disques du label Trumpet, une époque au cours de laquelle le blues n'était encore qu'aux prémisses de sa popularité. Cette session n'a pas bénéficié d’un matos performant ; et, malgré le travail opéré sur les bandes, un souffle permanent altère le confort d’écoute. Ces acteurs de cette rencontre unique ont choisi pour patronyme celui de Mercury Brothers.

Le concert s’ouvre par le "Garden hose boogie" de Paul Linden. Le piano barrelhouse est excellent. Manifestement les musiciens s'amusent. Ils le démontrent notamment sur le saignant "No more doggin'", au cours duquel piano, cordes et voix se mêlent dans une même allégresse. Le piano de Tigner canalise le band vers un blues lent et ensoleillé. Il chante "Help me make it thru the nite", un morceau au cours duquel la guitare de Reyes et l'harmonica de Linden sont bien inspirés. De très bons moments émaillent cette grosse heure de blues d'une autre époque. J’en épinglerai cependant "Lickin' gravy", un slow blues chargé d'émotion. John Lee est aux vocaux, Felix se réserve les cordes et l'harmo de Paul monte dans les aigus. "Wait for me", ensuite. Une plage caractérisée par son dépouillement extrême. "Chop top car", encore. A cause de son swing et de son style inspiré par BB King. Et enfin "Mama stop breakin' down", une compo empreinte d’émotion et de mélancolie…

Le KABB nous vient du côté de Champaigne, dans l'Illinois. Nous ne sommes pas trop loin de l'Indiana, bien au sud de Chicago. Cette formation avait commis un album très prometteur en 2006 : "Put it in the Alley". Les musiciens sont jeunes. Ils ont presque tous la trentaine. Le line up n’a pas changé. Andrew Duncanson, chanteur/guitariste à la voix si caractéristique est toujours au poste. Il est soutenu par le guitariste Josh Stimmel, l’harmoniciste Joe Asselin (originaire du Maine), le drummer Ed O'Hara et le bassiste Chris Breen. Le seul vétéran de l’équipe, puisqu’il affiche plus de 50 ans. Le quintet signe les onze chansons de ce second opus, une œuvre produite par le génial Nick Moss. Manifestement l'originalité de Kilborn Alley procède du timbre vocal d’Andrew, son chanteur. Il est bouleversant, particulier, ténébreux et très personnel. Mais aussi susceptible de rappeler celui d'Eric Burdon. En outre, Duncanson vit sa musique. Le groupe puise ses influences majeures dans le blues urbain. En particulier celui de Chicago. C'est-à-dire cher à la génération des Muddy Waters, Howlin' Wolf, Otis Rush et autre Magic Sam. Tout en y injectant un chouia de ‘Southern fried soul’, dans l’esprit de Johnny Taylor, Denis Lasalle ou encore Tyrone Davis. Kate Moss a réalisé la pochette du CD. Illustrée par la porte d'entrée d'un vieil immeuble vétuste de Maxwell Street, on ne peut pas dire qu’elle soit très accueillante (NDR : mais existe-t-il encore ?)

"I'm spent" ouvre l’elpee. Mais ce titre ne donne pas le ton à l’ensemble. La slide lance le rythme et nous entraîne rapidement au cœur de l’atmosphère lourde du Delta. Le rythme galope. Le chant de Duncan est puissant. Joe Asselin et remarquable à l’harmonica. Il est même déchaîné. Ses courtes phrases sont acérées, tranchantes, agressives. Son souffle nous prend à la gorge. Chant blues imprimé sur un tempo lent, "Christmas in County" est coloré par l'orgue Hammond de l'ami Gerry Hundt. Duncan chante, la voix empreinte d’émotion. Elle traduit une immense peine. Son cœur saigne. Les lyrics décrivent la solitude qui ronge un détenu, dans sa prison, un jour de Noël, loin de sa famille. La guitare est très dense et mélodieuse. L'harmonica accentue ce sentiment de désespoir. Duncanson éclate en sanglots. Blues rapide et tonique, "Fire and fire" semble sortir tout droit du Westside de Chicago. La voix est proche de celle de Luther Allison. Asselin restitue le climat sonore d’un Junior Wells à ses débuts. "Crazier things" vire vers le Southside cher à Muddy Waters. Le son des studios Chess est ici reproduit. Assis dans un coin du studio, Gerry Hundt dispense un solo à la fois saisissant et sublime sur sa mandoline électrique. Il est immédiatement talonné par les cordes de Stimmel, tandis que Joe, les poumons gonflés à blocs, se libère. "Come home soul" change de style. Une ballade soul hydratée par l’orgue Hammond. La voix de Duncan est délicieuse. En fermant les yeux, il n’est pas difficile de voir se profiler l’ombre de Luther Allison. Le solo de Nick Moss est saturé d'émotion. Le thème de cette compo traite de la situation délicate des soldats américains en Irak. "Redneck in a soul band" épouse une sorte de country blues frénétique. L'harmonica est omniprésent, mais dans un registre réminiscent de Sonny Terry. Le morceau est très participatif. "It's a pity" est un blues lent, dépouillé. La voix d’Andrew y transpire son vécu. Il sort aussi de sa réserve sur les cordes de sa Stratocaster. Asselin est à nouveau bouleversant dans sa manière de faire vivre son instrument. Le titre maître est une invitation à se déhancher sur la piste de danse. Duncan et Abraham Johnson se partagent un duo aux vocaux. Johanson est un vocaliste noir, mais surtout l’ami de Duncan. Le sax de Dave Fauble appuie la rythmique très soul. "The weight on you" replonge dans la soul dansante. La voix est à nouveau en état de grâce. A l’instar d’un Sam Cooke soudain doté d'un timbre puissant et rocailleux. L'orgue Hammond opère son come-back. Savoureux ! "Lay down" prend la direction de Chicago. Mordante, la rythmique est terriblement proche du "Mellow down easy". La section rythmique accomplit un sacré boulot pour lancer Asselin à la poursuite de Junior Wells. Une formule reconduite sur "She don't know". Un dernier rappel nous est accordé sous la forme d’un bonus track. C’est-à-dire une version différente de "Redneck in a soul band" ; mais pour la circonstance, dans le style de Chicago exécuté à haut régime. Excellent!   

Outre son implication chez Blues Etilicos, Flavio Guimaraes se réserve une carrière individuelle. Un espace solo qu’il a déjà ponctué d’opus très intéressants. Et en particulier "Little blues" en 1995, "On the loose" en 2000, une "Jam for Big Walter", un "Tribute to William Clarke" et "Navegeita" en 2003, ainsi que "Coletänea" en 2005. Harmoniciste notoire, Flavio sévit au sein du tout aussi réputé Blues Etilicos ; un ensemble en compagnie duquel le musicien de Rio de Janeiro a participé à la confection de dix albums au cours des vingt dernières années. Ce nouvel opus a reçu le concours d’Igor Prado à la production.

L’elpee s’ouvre par "I may be wrong", une compo signée Count Basie. Le swing envahit ce boogie jump. Une plage idéale pour mettre la formation sur orbite. Le versatile Igor Prado se réserve la guitare et le chant, Ari Borger les claviers. Dans son style boogie, il s’agit du meilleur pianiste de blues brésilien. Une section de cuivres imposante communique parfaitement cette impression de big band indispensable à l'atmosphère Basie. Et il revient à Flavio de conclure à l'harmonica face aux 88 touches d'ivoire de Borger. Flavio est un élève, davantage même : un disciple du regretté William Clarke. Par conséquent de l'instrument chromatique. Il rend hommage à son maître sur "Missing Mr Clarke". Il s’y révèle très brillant. Une compo aux accents jazz et swing imprimée sur un tempo vif. Les échanges entre Flavio et les cordes d'Igor sont de bonne facture. Miss Jeannette Clarke, la veuve de William, a d'ailleurs déclaré tout le bien qu'elle pensait de ce "Missing  Mr Clarke". Ce morceau baigne dans un climat West Coast. "T-Bone shuffle" est le fruit d’un subtil cocktail de blues et de jazz. Flavio se concentre au chant et Prado prend son pied en épousant le style cher à T-Bone Walker. Constituée de Yuri Prado aux drums et de Marcos Klis à la basse acoustique, la section rythmique est légère et sautillante. Le duo est toujours au poste pour "Riding with Ray" ; mais pour la circonstance, Howard Levy a été invité à siéger derrière les ivoires. Howard est new-yorkais. Pianiste, mais également harmoniciste, il a milité chez Bela Fleck and the Flecktones. Igor brille au chant sur le sémillant "Please send her home to me". Son ton est même agressif. L’attaque sur l’instrument chromatique de Flavio est sublime. "Tin pan Alley" campe un slow blues traditionnel. Classique, si vous préférez. Flavio le chante en s’accompagnant à l'harmonica diatonique. Guimaraes rend un hommage chromatique à George ‘Harmonica’ Smith (NDR : la source d'inspiration principale de William Clarke) sur "George's boogie", un exercice instrumental semblable à "Missing  Mr Clarke". "Lazy thing" opère un retour au jump style. Flavio chante cette plage caractérisée par les interventions étincelantes d'Igor aux cordes. L’osmose entre les deux musicos est largement mise en exergue lors du shuffle instrumental "Below's shuffle". En soutien, Mr Yuri Prado assure un tempo à la fois bourré de vitalité et métronomique. Décidément insatiable, Igor en remet une solide couche sur son "Swing me baby". La partie de cordes est impériale. Les vocaux accrochent instantanément. Cet axe Chicago – Los Angeles passe par Rio. Flavio chante le traditionnel "Put the kettle on" que le PBB reprend en chœur. Un second harmoniciste entre en scène : Mr Ivan Marcio, collaborateur habituel des frères Prado. Il vient rivaliser avec Flavio. "Going home tomorrow" voyage au cœur des swamps louisianais. Coécrite par Fats Domino, cette plage semble se dérouler en l'absence de Flavio. Igor chante et joue chaleureusement ce blues. L'harmo d'Ivan Marcio suit cette compo à la trace. Après un dernier instrumental intitulé "Boogie do Cauê", l’opus s’achève par "Louise". Un morceau qui se recueille dans l'intimité acoustique d'un impeccable duo acoustique. Igor et Flavio conjuguent un dernier hommage à l’une de leurs influences majeures : Big Walter Horton. Un remarquable album!