Le mythique duo britannique Everything But The Girl, fondé en 1982 par Tracey Thorn et Ben Watt, officialise la parution de son onzième et dernier opus studio. Intitulé Blue Reservoir, ce long playing paraîtra le 19 février 2027 sous l'égide de Buzzin' Fly et Virgin Music Group. Afin de faire patienter le public, la formation partage dès à présent le premier single « Young and Dumb », dont le clip officiel est visible là
Ce projet s'inspire directement d'un retour inattendu sur les planches opéré en 2025. Délaissant l'électronique tranchante qui caractérisait leur disque de reformation Fuse en 2023, le tandem choisit de s'appuyer sur ses influences fondamentales. Le déclic créatif s'est produit en janvier 2026 lorsque Ben Watt a fait l'acquisition d'une guitare espagnole à cordes en nylon, un instrument devenu le véritable tremplin émotionnel de ce renouveau musical. Les dix compositions originales de l'elpee, principalement captées en direct aux RAK Studios de Londres durant l'été 2026, mêlent ainsi improvisation folk-blues britannique, lyrisme teinté d'influences latines et narration soignée.
Les textes croisent les regards vers le passé et l'avenir, portés par la voix automnale unique de Tracey Thorn, le contrepoint subtil de son partenaire et des harmonies épurées. Pour ce baroud d'honneur, le duo s'est entouré de ses collaborateurs de longue date, Rex Horan à la contrebasse et Evan Jenkins à la batterie, rejoints par le percussionniste Fabio de Oliveira. Le propre fils des musiciens, Blake Watt, intervient également sur deux titres. Écrit, arrangé et produit par le combo lui-même, ce disque bénéficie du savoir-faire de l'ingénieur Bruno Ellingham au mixage et de Miles Showell pour le mastering à Abbey Road. Une ultime pièce chaleureuse venant clore en beauté la trajectoire de cette signature majeure de la pop anglophone.
Le nouvel album des Flaming Lips, « The Teardrop Throbs », paraîtra le vendredi 22 janvier 2027. Ce nouvel opus a été produit par la formation, les Flaming Lips, Taylor Johnson, Dave Fridmann et Scott Booker, avec la participation de Jon Fridmann et Mike Fridmann à la production. L’opus est précédé par la sortie du premier single, « God Will Control The Werewolves ».
’God Will Control The Werewolves » est né d’une petite histoire mettant en scène mes deux fils (Bloom et Rex) et moi-même, jouant à cache-cache dans un parc alors que la nuit tombait’, explique Wayne Coyne, leader et fondateur des Flaming Lips. ‘Nous étions tous devenus très sensibles aux cycles lunaires lors d’un séjour dans un Airbnb avec vue sur l’océan, environ un mois auparavant. La pleine lune avait aspiré toute l’eau de cette crique, et nous avions marché un quart de mile sur le fond marin, observant d’étranges créatures marines accrochées aux rochers… Alors que nous jouions à cache-cache, Bloom m’a demandé si, pendant que lui et Rex se cachaient, les loups-garous allaient les attraper (ils avaient aussi regardé quelques films de loups-garous et savaient que la pleine lune était le moment où les loups-garous sortaient), et je lui ai dit que Dieu contrôlerait les loups-garous pendant un petit moment pendant que nous jouions à cache-cache… La façon dont j'imaginais cette chanson (dans ma tête), ça faisait un peu penser à « Dark Side of the Moon » de Pink Floyd, MAIS avec Syd Barrett toujours dans le groupe’.
Fondé à Oklahoma City, dans l'Oklahoma, en 1983, le groupe The Flaming Lips est depuis devenu l'une des forces les plus influentes, imprévisibles et dynamiques du rock alternatif américain. Au cours de leur carrière, The Flaming Lips ont établi puis battu d’innombrables records, créé des événements audiovisuels interactifs spectaculaires désormais considérés comme légendaires, fait d’innombrables apparitions dans des émissions de télévision de fin de soirée, contribué à plusieurs bandes originales de films emblématiques et collaboré avec un large éventail de fans et d’autres artistes, notamment Miley Cyrus, Chris Martin, Kacey Musgraves, Yoko Ono, Tame Impala et bien d’autres encore.
En 2026, l’album classique des Flaming Lips, « At War With The Mystics », a été célébré avec une édition Deluxe 20e anniversaire disponible chez Rhino / Warner Records. Sorti à l’origine en 2006, « At War With The Mystics » a marqué l’un des moments les plus riches en créativité de la remarquable carrière des Flaming Lips. Sur cet elpee, le combo a continué à faire évoluer sa musique dans des directions inattendues, en combinant expérimentation psychédélique, textures électroniques, couleurs orchestrales et mélodies pop grandioses avec cette écriture surréaliste et chargée d’émotion qui était devenue sa marque de fabrique.
Même après avoir sorti au total 22 long playings studio, 16 singles, 11 compilations, 11 EP et 11 œuvres expérimentales collaboratives atypiques autoproduites, les Flaming Lips restent au sommet d’une créativité sans limites. Ils sont ainsi devenus un véritable trésor national américain et ont créé un genre qui leur est propre.
Pour écouter le nouveau single « God Will Control The Werewolves », c’est ici
Les Tindersticks publieront leur nouvel album, « Dog Roses », le 12 mars 2027. En attendant, ils ont partagé le single, « Loving, leaving ».
‘Avec notre dernier album, « Soft tissue » sorti en 2024, nous avions l’impression de jeter un œil par-dessus la clôture vers un nouveau paysage, voire de nous pencher par-dessus. Au fil de nos 15 albums, nous avons appris que parfois, on avance pas à pas, et parfois, on fait des bonds en avant. « Soft tissue » était un grand pas en avant, mais il était temps d’essayer de franchir cette clôture d’un bond.
« Dog Roses » est né d’un nouveau studio, de nouvelles façons de travailler, de nouvelles envies, voire d’une nouvelle confiance en nous. Nous avons quitté notre studio bien-aimé, qui nous avait accueillis pendant les vingt dernières années – un lieu à l’ambiance particulière, presque une église – pour emménager dans un espace souterrain et caché. Un véritable choc. Un endroit où les anciennes méthodes ne semblaient plus fonctionner et où il fallait trouver de nouvelles solutions.
La plupart des choses que j’avais apprises, que je croyais savoir sur la création d’albums, se sont avérées peu utiles lors de la réalisation de « Dog Roses ». J’ai toujours eu un sens aigu du temps et du lieu dans mon écriture, mais parfois, en travaillant sur cet album, j’avais l’impression d’essayer de capturer uniquement un parfum ou la sensation d’un nœud dans l’estomac, ou encore d’apercevoir mon reflet dans un miroir, ces mille questions, pensées et émotions que l’on peut ressentir en un instant’.
Produit et enregistré par Stuart Staples, « Dog Roses » a été composé et enregistré entre décembre 2025 et août 2026. Le son reste le fruit de la musicalité unique de chaque membre : le jeu fluide d’Earl Harvin à la batterie, la basse toujours audacieuse de Dan McKinna, les touches et les choix inattendus de David Boulter, ainsi que la guitare de Neil Fraser, qui repousse sans cesse les limites des morceaux.
‘Pour « Dog Roses », nous avons été rejoints par des invités exceptionnels : Dave Okumu à la guitare électrique et Julian Siegel au saxophone. Et, bien sûr, les cordes sont mises à l’honneur sur deux morceaux, sous la houlette de notre collaboratrice de longue date, Lucy Wilkins’.
Le nouveau single, « Loving, leaving », est en écoute ici
Le quintette romain de rock alternatif Noble Sin vient de publier son tout dernier morceau intitulé « Nebo » (« ciel » en ukrainien), disponible depuis le 23 octobre 2026.
Cette composition forte est née en 2022, sous la plume de la chanteuse ukrainienne Alina Lykholat, établie à Rome depuis 2011. Pour mener à bien ce projet, elle s'est entourée du guitariste et manager russe Nikolai Fissenko, qui a grandi à Paris, ainsi que de trois musiciens italiens. Ensemble, la formation transcende les frontières pour livrer un récit poignant : l'histoire fictive de trois sergents issus d'armées différentes qui choisissent de désobéir. Face à la folie destructrice, ces hommes refusent de tirer, rappelant que les soldats dépassent largement le nombre des officiers. Une idée résumée par cette formule percutante : « We are an ocean against a drop of evil » (Nous sommes un océan face à une goutte de mal).
Si la trame narrative relève de l'imagination, le combo a choisi d'ancrer son œuvre dans le réel en y intégrant de vrais messages vocaux envoyés par des proches résidant dans ces pays en guerre. Ce refus final et universel résonne ainsi simultanément en trois langues : l'anglais, l'ukrainien et le russe.
Vous pouvez découvrir cet opus engagé et écouter le titre sur les différentes plateformes de streaming via ce lien DistroKid.
La chanteuse Nika Leeflang donne vie à ses compositions au sein d'un duo synth-pop électrique façonné en compagnie du talentueux musicien Cyril P. (alias BOLD ABRUPT). Passionnés par le sampling live, le Krautrock, la New Wave et la scène indépendante (Kraftwerk, The Cure, Gainsbourg, The Sound), ils fusionnent beats synthétiques et riffs de guitare minimalistes. Cette alliance engendre une poésie proche de Baudelaire, qui évoque l’impressionnisme métaphorique des émotions quotidiennes. Pour embarquer le public dans ce voyage électrisant, Nika module son style vocal, oscillant entre la cadence du spoken word, une émotion contenue et des techniques parlées acquises lors de ses tournées passées auprès de la formation The Limiñanas.
Le titre « Tendre Tigre » exprime la ferveur de la passion, vécue par et pour la musique. Il capture un instant suspendu sur la plage durant une tournée : un havre pour recharger les batteries, s'interroger sur le sens de l'existence et savourer le bonheur brut de la création. Le tigre y symbolise la démarche ondulante des rêveurs arpentant le rivage. Le morceau raconte également une histoire d’amour marquante auprès d'un musicien. Par pudeur, les textes de l'artiste recèlent plusieurs niveaux de lecture, mais la conclusion célèbre une joie pure, comparable au climax du titre : « et sans aucune raison, un sourire aussi large que l’horizon a illuminé mon visage. »
Auteure-compositrice-interprète originaire d'Occitanie, Nika parcourt les planches depuis de nombreuses années aux côtés de combos de renommée nationale et internationale (Papillon Paravel, The Limiñanas). Cyril, également auteur-compositeur-interprète, présente depuis longtemps son propre répertoire original (LPLPO, Bold Abrupt, DAHU). Leur rencontre humaine et artistique survient en 2024 lors d’un plateau commun à Béziers, déclenchant leur décision de collaborer sur les morceaux de la chanteuse.
Cette union créative forge une identité musicale singulière qui sublime des textes profondément intimes. Leur méthode de travail dynamique associe l’univers analogique et le sampling de Cyril au style pop-rock vif de la musicienne. Sur l'estrade, leur concert « The Story of the Electric Girl » associe synthétiseurs analogiques, boucles MIDI, boîtes à rythmes, batterie minimaliste (grosse caisse et caisse claire), chœurs, guitare électrique distordue échantillonnée en direct et voix modulées par des effets en temps réel. Ensemble, ils convient les spectateurs à un road trip immersif dans le quotidien d’une vie de tournée.
Découvrez l'univers visuel de ce long playing à travers le clip officiel du titre « Un jeudi noir », disponible sur YouTube là
Réalisé par Noisy Bay, cette vidéo met en scène l'acteur Gilbert Malvoisin (Le Maffiosi) entouré des « Paupières Magnifiques », et concrétise l'élan créatif du projet soutenu par les guitares de Nika et Yann CNT ainsi que la rythmique du drum producer Bastien Vernière.
Premier extrait du nouvel elpee de la formation normande Gogojuice, le titre « Interstate » puise son énergie auprès des bands de seconde main des années 90 tels que les Breeders, tout en captant la nostalgie de New Order ou de The Cure.
Éternels joyeux losers du rock normand, arborant un nom que les plus de 45 ans peinent à prononcer correctement et affichant plus de chèques perdus que de tremplins gagnés à leur actif, ils pourraient laisser croire que l’univers conspire contre eux. À observer l'allure des membres de Gogojuice, ces derniers semblent surgir du passé, quelque part entre le shoegaze des nineties et l’indie rock du début des années 2000.
Pourtant, derrière cette attitude décomplexée et scandaleusement récréative se cache l'un des combos les plus excitants des planches régionales. Un coup d'œil à leur collection de disques suffit pour décoder leur méthode : piocher partout, sans égard pour l'époque ou le style, afin de façonner une musique entêtante et de composer de petits tubes instantanés.
Après deux EP, le quartet a publié son premier disque, Rewind The Afterparty (2025), épaulé par quelques figures de la musique hexagonale : Adrian Dépinay (MNNQNS) au mixage et Maxime Maurel (Bryan's Magic Tears) pour le mastering. La suite ne s'est pas fait attendre. La formation enchaîne désormais sur son troisième elpee, Call In Sick, dont la sortie est programmée pour le 4 décembre 2026.
Le groupe industriel/metal américain Skumlove ouvre un nouveau chapitre de sa carrière en signant chez Candlepower Records, filiale de Virgin Music. Pour célébrer cette signature, la formation de Los Angeles vient de partager une reprise de « Blood And Roses », classique du légendaire groupe The Smithereens.
Une relecture personnelle et respectueuse de l'œuvre originale, comme l'explique Skum Love, fondateur du groupe : « La chanson originale a vraiment touché mon âme. La lutte entre la santé mentale et l'amour joue un rôle important dans beaucoup de nos vies. Pat DiNizio était vraiment l'un des meilleurs auteurs-compositeurs au monde. Je ne voulais pas enlever ce qu'il avait créé, mais y ajouter quelque chose sans perdre le message. »
Enregistré au Saints In LA Studio de Michael Ciravolo (Beauty In Chaos), avec la participation de Kevin Kipnis, le morceau a été masterisé par Maor Appelbaum, ingénieur nommé aux Grammy Awards.
Depuis plus de vingt ans, Skumlove développe un univers mêlant industriel, gothique, post-punk, metal et électronique. Le groupe a notamment partagé la scène avec Danzig, Type O Negative, Ministry, Static-X ainsi que Fear Factory, et collaboré avec Dino Cazares, Burton C. Bell et Tommy Victor.
Sur cette nouvelle sortie, Skumlove rend hommage à Pat DiNizio tout en offrant une nouvelle dimension à son œuvre.
« Blood And Roses » est en écoute là
Le guitariste, chanteur et compositeur stéphanois Louis Mezzasoma annonce son retour pour le 6 novembre 2026 chez Le Cri du Charbon / Inouïe Distribution. Ce cinquième opus célèbre une décennie de passion musicale et de concerts. Depuis ses débuts, le Français trace son chemin entre blues rugueux, roots-rock incandescent et folk authentique. Nourri aux influences de Robert Johnson, Rory Gallagher ou Seasick Steve, il s'est forgé une identité personnelle, soutenue par une voix habitée et un jeu de guitare généreux.
À travers ce long playing, l'artiste exprime l'intime et unit l'ombre et la lumière dans un langage commun reliant les instruments au chant. Il propose un blues brut, organique et engagé, où l’héritage des racines croise une écriture directe. Ce disque franchit une nouvelle étape : plus mature, spontané et instinctif, il conserve l'ADN de son fameux « Dirty Old Blues » tout en explorant des sonorités groovy, funky et soul. En compagnie de Maxence Melot à la basse et d'Arthur Parmentier à la batterie, le musicien livre onze titres, dont une reprise de Robert Johnson.
Soutenu par plus de 40 radios et salué par Blues Magazine, ce projet se dévoile à travers le single « Be Smooth » et le second extrait « She Told Me », est disponible ici
Certaines formations se moquent éperdument des étiquettes et des frontières musicales. Caravan Palace appartient incontestablement à cette catégorie. Depuis ses débuts, le combo parisien cultive un savoureux mélange de jazz manouche, de swing et de musiques électroniques. Cette alchimie singulière lui permet de conquérir les estrades internationales. Ce samedi 7 novembre, les Parisiens investissent le Cirque Royal pour une soirée placée sous le signe du groove, de l'exubérance et d'une irrésistible envie de danser.
Dans une salle qui affiche complet, le spectacle commence par la prestation de Zayka, membre du band en tête d’affiche. Zayka, c’est un trombone branché sur le futur. En première partie, il propose une entrée en matière particulièrement originale. Ce musicien français explore les possibilités offertes par la rencontre entre le trombone, instrument emblématique du jazz, et les technologies numériques. Les sonorités cuivrées se mêlent aux textures électroniques ainsi qu'aux constructions rythmiques contemporaines, donnant naissance à un univers aussi audacieux qu'inventif. Collaborateur régulier d'Ibrahim Maalouf, d'Electro Deluxe et de Malted Milk, l'artiste développe une approche expérimentale, illustrée par son premier opus solo, « Sixth Mass Extinction ». Sa prestation constitue une introduction cohérente à l'univers de Caravan Palace : les deux projets partagent un goût prononcé pour les métissages musicaux, même si Zayka privilégie une démarche davantage exploratoire. Une bonne mise en jambes pour ouvrir le bal page (‘Artistes’ ici).
Après cette mise en bouche, place aux Parisiens de Caravan Palace et à leur revue des années folles à haute tension. Depuis leur premier elpee éponyme, publié en 2008, les Français parcourent un chemin considérable. Cinq opus studio et des passages dans des festivals prestigieux comme Coachella ou Glastonbury témoignent de leur ascension. Mais c'est incontestablement sur les planches que leur musique prend toute sa dimension. Grâce au spectacle High Voltage Jazz Revue, le band revisite l'esprit des grandes revues américaines des années 1920 en y injectant une bonne dose d'électronique. Huit musiciens, accompagnés de deux chanteuses-danseuses, donnent vie à une scénographie où chorégraphies, jeux de lumière et performances instrumentales se répondent d'une précision remarquable.
Caravan Palace crée un univers esthétique où l’élégance rétro rencontre la modernité électronique. La formation parisienne transforme le podium en véritable cabaret électro-swing. Cuivres flamboyants, guitare jazz, claviers et synthétiseurs analogiques composent un impressionnant arsenal instrumental. Au premier plan, les voix féminines et les chorégraphies apportent une dimension théâtrale et festive. L’univers visuel repose sur des éclairages dynamiques, alternant faisceaux lumineux et ambiances contrastées. Le décor privilégie une esthétique moderne, laissant toute la place aux instruments et aux mouvements des artistes. L'ensemble évoque la rencontre entre les clubs de jazz des années folles et une discothèque contemporaine. Chaque musicien contribue à cette mécanique collective où virtuosité et énergie se rejoignent. Dans l’écrin circulaire du Cirque Royal, cette formule prend une dimension particulièrement immersive : une véritable machine à danser, aussi séduisante pour les yeux que pour les oreilles.
Dès les premières notes d’« Intro », le ton est donné. L'enchaînement avec « Clash » et le récent « Good Mouse », issu de la bande originale du jeu ‘MOUSE : P.I. for Hire’, augmente rapidement la température. Le mariage entre instruments acoustiques, cuivres, violon, guitare manouche et synthétiseurs crée une dynamique irrésistible. Libéré de la promotion d'un seul album, Caravan Palace propose un véritable voyage à travers près de deux décennies de carrière. « Wonderland » et « Raccoons » illustrent leur goût pour les rythmes swing endiablés, tandis que « Reverse » et « Midnight » instaurent des ambiances plus sombres et hypnotiques. La reprise énergique de « Black Betty » apporte une touche supplémentaire à ce répertoire déjà particulièrement éclectique. Une mécanique musicale parfaitement huilée.
La grande force de Caravan Palace procède de sa capacité à faire cohabiter deux époques. Un instant, l'auditoire se retrouve plongé dans l'atmosphère d'un cabaret des années 1930 ; quelques mesures plus tard, les pulsations électroniques le transportent au cœur d'un club contemporain. Derrière cette apparente insouciance festive se cache pourtant une remarquable maîtrise technique. Les lignes de basse bondissantes, les cuivres éclatants et les beats électroniques s'articulent autour d'arrangements soigneusement construits. Les solos instrumentaux, les envolées de violon et les échanges vocaux en scat témoignent d'une belle complicité entre les musiciens. Les compositions récentes comme « Mirrors », « Fool » ou « About You » trouvent naturellement leur place aux côtés de morceaux plus anciens tels que « Russian », « Aftermath » et « 81 Special ». Cette diversité permet au groupe de maintenir une intensité constante, sans jamais donner l'impression de se répéter.
Le dernier tiers du concert prend des allures de célébration collective face à une foule conquise. L'enchaînement de « Rock It for Me » et de l'incontournable « Lone Digger » déclenche une véritable effervescence. Les basses puissantes et les refrains entraînants font vibrer le Cirque Royal, tandis que « Mighty », « Supersonics » et « Brotherswing » viennent conclure le set principal sous les acclamations.
Après une courte interruption, Caravan Palace revient pour un rappel particulièrement festif. « Comics », « Je m'amuse » et l'emblématique « Jolie Coquine » prolongent l'euphorie, ce dernier titre étant repris en chœur par une fosse totalement sous le charme. Après plus d'une heure et demie menée tambour battant, les Parisiens quittent l'estrade sous un tonnerre d'applaudissements.
Sous l'impulsion de Zayka en ouverture, cette soirée illustre brillamment les multiples possibilités offertes par la rencontre entre le jazz et les musiques électroniques. Près de vingt ans après ses débuts discographiques, Caravan Palace démontre que sa formule n'a rien perdu de sa singularité. Entre virtuosité instrumentale, fantaisie rétro et énergie électro, le combo confirme son statut de référence incontournable de l'électro-swing. Une chose est certaine : le swing possède décidément bien le secret pour enflammer les pistes de danse !
(Organisation : Greenhouse Talent)
Setlist : « Intro » / « Clash », « Good Mouse », « Wonderland », « Reverse », « Raccoons », « Black Betty », « Midnight », « Miracle », « City Cook », « City Crook », « Moonshine », « Russian », « Tattoos », « Aftermath », « MAD », « 81 Special », « About You », « Mirrors », « Fool », « Rock It for Me », « Lone Digger », « Mighty », « Supersonics », « Brotherswing ».
Rappel : « Intro Rappel », « Comics », « Je m'amuse », « Jolie Coquine »
Feu !Chaterton dévoile « Toi ou la mer »
Fort du succès de Labyrinthe (certifié or en France) et d'une immense tournée de Zéniths & Arenas, Feu! Chatterton dévoile aujourd'hui Toi ou la mer, premier extrait d'une réédition à venir le 4 décembre 2026.
Un titre qui prolonge la fièvre d'Allons voir (single or) et résonne comme une étincelle de joie et d'espoir face au vertige contemporain.
Le clip est à découvrir ici.
Pour les fans de Lhasa de Sela, Francoise Hardy, Nick Drake, Jessica Pratt, Adrianne Lenker.
Après un premier EP a few notes (2023) et un son premier album printemps (2026) en trois langues, Aure présente " Mes idées noires", un morceau guitare-voix en français, dépouillé de tout arrangement. Elle l'a enregistré seule, chez elle, d'un élan spontané. Il est mixé par Etienne Caylou, masterisé par Jeffrey de Gans.
"Une chanson enregistrée dans ma chambre, sur la nécessité d'un peu de poésie même si le monde autour a l'air de se défaire. La chanson se veut volontairement naïve et directe. Elle évoque de façon sous-jacente la place de l'artiste ou simplement de celui qui crée et l'importance de continuer à partager les choses les plus simples." - Aure
printemps est un album du seuil, écrit là où quelque chose finit et où autre chose commence. Aure y évoque un nouveau départ et des repères qui se déplacent, une traversée mouvementée vers un lieu plus sûr à l'image de la migration des oiseaux.
Portée par le minimalisme poétique d'artistes comme Atahualpa Yupanqui, Facundo Cabral, ou Leonard Cohen, la force mystérieuse et les clair-obscurs de Lhasa, Jessica Pratt, ou Nico et la précision minimaliste de Bertrand Belin, l'auteure-compositrice regroupe de nombreuses influences musicales, langues, s'autorisant à les entremêler.
Le clip est à découvrir ici.
Julie Oz est auteure-compositrice-interprète.
Formée en chant lyrique, en solfège et en chant jazz (Bruxelles ), elle obtient en parallèle une agrégation de philosophie à l'Université Libre de Bruxelles.
Julie est autodidacte à la guitare et aux percussions. Elle a participé à de nombreux projets (jazz et chanson française) en tant que chanteuse et choriste et a été notamment lauréate du concours des Francofolies de Spa.
Son premier EP « Dans ce monde » sorti en 2013 (sous le nom de Julie LaRousse) est passé sur les ondes belges (La Première, Vivacité, Nostalgie) françaises (France Inter), allemandes...
Cet EP lui a permis d'être sélectionnée par Francis Cabrel pour participer aux Rencontres d'Astaffort et de rencontrer Laurent Lavige – une des grandes voix de France Inter – qui la présentera ensuite à l'artiste français Art Mengo. Julie accompagne Art Mengo sur scène pendant quelques années et coréalise avec lui en 2019 un second EP « pop-groove » en anglais intitulé « I don't want your help ».
Ce deuxième EP, soutenu par la Fondation Inter Fréquence (Paris), reçoit un bon accueil en Belgique : un titre en « playlist » sur Nostalgie et de bonnes critiques dans la presse écrite (Le Soir...).
Son troisième EP « Là où c'est doux », est une pop française intimiste aux mélodies vaporeuses et entêtantes.
Cinq titres où les mots effleurent plus qu'ils ne racontent, laissant l'amour, l'enfance, la nostalgie se répondre en filigrane.
Le clip est à découvrir ici.
Lude & les métamorphoses, composé de Lude Vial, Zach Ruegg, Pierre Ferrand et Laurie Fabre (prod.Valentin Perroud /Pylone) est un projet musical électro-pop et performatif, basé à Bruxelles.
En jouant avec différents contes et symboles, Lude s'inspire de sa transition de genre, du monde de l’enfance, du rêve et de la culture pop, qu'elle vient revisiter.
Mêlant textes intimes, références visuelles, groove et sensualité, le projet cherche ainsi à mettre en lumière certains vécus et émotions à travers la mise en scène de la musique.
Premier EP du groupe Lude & les métamorphoses, MASCARADES est conçu comme un petit album, dévoilant morceau après morceau les facettes d’un paysage intérieur coloré et éclectique.
À partir de différentes influences, de la ballade, à une dream pop indé ou un glam-rock electronica, Lude et ses acolytes cherchent leur vérités rêvées avec surprise, mélodrame, douceur et originalité.
Un extrait ici.
Diego Annuitti présente son nouvel EP, AND THE CRADLE STILL ROCKS, disponible dès maintenant en version numérique et sur les plateformes de streaming.
Avec AND THE CRADLE STILL ROCKS, le musicien et compositeur uruguayen Diego Annuitti s'est lancé un défi : secouer les fondations du rock pour découvrir si celui-ci est toujours vivant dans son expression la plus essentielle.
Pour ce nouvel EP, Diego délaisse les influences folk et psychédéliques de son premier album solo, Love Is Our Way, et se tourne vers le rock de la fin des années 1980 et du début des années 1990, une période particulièrement fertile pour le genre.
Une époque où l'efficacité d'un morceau reposait avant tout sur la force de son refrain : qu'il s'agisse d'un titre de rock énergique ou d'une grande power ballad, la mélodie devait marquer les esprits.
L'idée était de remettre cette recette à l'épreuve du temps et de voir si elle pouvait toujours fonctionner aujourd'hui, avec un son et une production contemporains.
Avec AND THE CRADLE STILL ROCKS, Diego Annuitti propose ainsi un retour à l'essence du rock, entre énergie, mélodies fédératrices et sonorités modernes.
Un extrait ici.
Christophe Willem faisait son grand retour avec « Systaime ».
Après l'annonce de son 7e album "Es-tu libre ?", le single « CDI » est un hymne à l’amour inspiré par une épreuve, celle de la mort qui l’a frôlé d’un peu trop près. Et qui rappelle, sur un groove lumineux, que la vraie vie se joue dans le hors-champ, que les belles histoires se construisent dans le temps, dans la joie comme dans les combats.
Il sera en tournée avec notamment 3 dates en Belgique : le 14 avril 2027 au Forum de Liège, le 15 avril 2027 au Théâtre Royal de Mons et le 2 décembre 2027 à Forest National.
Un extrait ici.
marcel diversifie sa musique avec ‘tǎng píng funk’*, un nouveau single aussi lent que menaçant, annonçant une série de morceaux conçus comme autant d’exercices de style pour se départir du strict post-punk: dans ce cas-ci, les guitares cisaillantes du funk viennent s’incorporer au rythme lancinant du doom métal, tandis que le texte appelle de plus en plus clairement à la grève complète de la race humaine, ou du moins à sa “mise au vert” radicale.
Par extension, marcel se positionne en faveur d’un monde avec moins (voire plus du tout) d’humains laborieux et plus d’arbres immobiles et demande instamment aux hommes d’arrêter “d’être des hommes” et de se rappeler qu’ils sont faits, comme les arbres, de matière pourrissante et périssable.
Tǎng píng funk est en écoute ici.
Avec Dreamer, l’artiste belge Ozark Henry présente son onzième album studio, qui fait suite à August Parker (2025). Piet Goddaer explore de nouveaux horizons musicaux où se rencontrent rythmes UK garage fébriles, grooves hypnotiques et compositions oniriques. Le résultat est un album plus nerveux et plus inquiet que son prédécesseur, sans rien perdre en subtilité, en richesse de textures ni en profondeur émotionnelle.
Après le morceau éponyme énergique, Videotape est le deuxième extrait de Dreamer. Il s’agit d’une interprétation singulière du morceau qui clôt l’album In Rainbows de Radiohead. L’original recèle une intimité étrange et déchirante : il ressemble à un dernier message, à une confession confiée à une machine qui survivra à son créateur. Ozark Henry dépouille le morceau de couches supplémentaires pour en atteindre l’essence. Déjà épuré, il devient presque nu : une voix, un piano et un silence plus lourd que n’importe quelle orchestration. L’intimité est si palpable que Videotape ressemble moins à un enregistrement qu’à une présence. Comme si quelqu’un était assis dans la pièce avec vous et prenait congé, sans jamais prononcer le mot.
Ensemble, Dreamer et Videotape révèlent les deux extrêmes entre lesquels l’album évolue : l’énergie nerveuse de grooves dansants face à la vulnérabilité de compositions dépouillées jusqu’à l’os, mais d’autant plus riches en sens et en détails
Dreamer se présente comme une pop minutieusement élaborée, qui oscille entre agitation et abandon, entre l’envie d’aller de l’avant et le besoin de s’arrêter. Un album qui ne se laisse pas saisir en une seule écoute, mais se dévoile couche après couche à celles et ceux qui prennent le temps d’écouter vraiment.
Sa date de sortie officielle est annoncée pour le 29 janvier 2027.
Le clip est à découvrir ici.
Ses chansons ont la mélancolie et le feu du journal intime qu’elle tient depuis l’enfance.
Vivienne compose et écrit à coeur ouvert, sublimant sa solitude et ses souvenirs en mélodies mélancoliques, entre folk vaporeuse et grunge rêveur.
D’abord seule avec sa guitare dans l’intimité de sa chambre, puis après plusieurs années
passées à explorer la scène alternative lilloise au sein de différents groupes, Vivienne affirme aujourd’hui son récit. Elle y mêle une écriture instinctive et poétique, en anglais, à un son teinté des 90’s. Sa guitare dessine des paysages tantôt cotonneux, tantôt rugueux, quelque part entre les nappes rêveuses de Lush, la mélancolie frontale de Soccer Mommy et les échappées brumeuses de Mazzy Star. Une musique à fleur de peau, où la fragilité n’exclut pas l’intensité.
Avec With The Nights, une ballade dévoilée en 2024, Vivienne ouvrait la porte de son monde secret. En 2025, elle s’affirmait avec Ashes, un premier EP de cinq titres autoproduit.
Elle revient aujourd'hui avec « Unwanted », premier extrait de son deuxième EP prévu pour début 2027
Un extrait ici.
L’onirisme doux-amer qui se dégage de la musique de Julien Pras puise son inspiration dans une littérature anglophone constellée de songes et de fantaisie.
Tandis que ses accords décrivent une nécessaire évasion, sa voix aérienne se réfugie dans un cocon de spleen, exprimant avec générosité son amour pour la folk et les harmonies.
Au-delà d'Elliott Smith, son travail se situe à la croisée d'autres grandes figures de la pop mélancolique comme Nick Drake, pour le côté éthéré, boisé et la douceur des arrangements acoustiques, et des artistes de la Sunshine Pop des années 60, comme les Beatles, pour la structure des morceaux et la pertinence des mélodies.
Personnage discret et authentique de la scène indé pop française, Julien Pras s’est illustré en officiant au sein de Pull, Calc ou encore Victory Hall. Il tient aujourd’hui le rôle de chanteur-guitariste dans le trio heavy psychédélique Mars Red Sky.
Le nouvel album “Minor Fall” est sorti fin octobre 2026 chez Les Disques du Paradis et Mrs Red Sound.
Un extrait ici.
Arrivée par hasard dans la musique en 2007, Nathalie Darimont s'épanouit d'abord dans le monde de la reprise, réinterprétant de façon très personnelle les incontournables de la musique Pop, particulièrement de ses modèles dont Norah Jones, Sherryl Crow ou Alanis Morissette.
Avec le temps, l'envie de créer ses propres chansons émerge. C'est en 2021 qu'elle lance son projet sous le nom d'OLIVE. Un EP (2022) puis un album (2023), fruits d'une collaboration avec l'arrangeur belge Nico D'Avell, explorent déjà des thématiques humanistes, avec une allure clairement mainstream. Mais l'artiste nourrit l'envie de cibler davantage son propos musical.
Avec ce nouvel album éponyme, subtilement intitulé OLIIVE avec un double « i », la compositrice, interprète et productrice belge OLIVE affirme une indie pop introspective et incarnée. Réalisé par Daran, artiste réputé pour sa rigueur et sa sensibilité, le disque marque un véritable « 2.0 » : une centration assumée sur la vérité artistique d’OLIVE.
Minimalisme, identité, profondeur : des textures électro qui insufflent matière et espace, un groove brut né dans l'habitacle d'une voiture, une voix feutrée qui murmure plus qu'elle ne chante, et des textes signés par trois auteurs bien connus de la scène francophone.
Un extrait ici.
Steven Wilson : "Requiem for a Village", un film pour les oreilles ?
Dans son neuvième album solo, Steven Wilson invite l'auditeur à découvrir un village britannique imaginaire, entre folklore inquiétant, expérimentations sonores et souvenirs d'un monde disparu. Une œuvre qui revendique l'écoute intégrale et célèbre, à rebours de la perfection numérique, les vertus de l'imprévu.
Steven Wilson n'a jamais été un musicien particulièrement enclin à se laisser enfermer dans une case. Sur "Requiem for a Village", il pousse cette liberté un peu plus loin encore. Après l'ampleur cosmique de "The Overview", paru en 2025, le musicien britannique délaisse les immensités célestes pour se rapprocher d'un lieu beaucoup plus intime : un village de campagne qui semble exister en marge du temps, quelque part dans les brumes de l'imaginaire britannique.
L'opus compte douze parties et se présente comme une œuvre continue d'environ 54 minutes. Une construction délibérée, qui correspond à la manière dont Wilson envisage la musique : non comme une succession de titres indépendants, mais comme un parcours à traverser dans son ensemble.
"J'aime faire des films pour les oreilles", explique-t-il lors de ses interviews. La formule peut sembler ambitieuse mais elle résume son intention. Il souhaite que l'auditeur s'installe, prenne le temps d'écouter et se laisse entraîner du début à la fin.
Le décor de "Requiem for a Village" emprunte autant au paysage rural anglais qu'à ses légendes les plus obscures. On pense naturellement au 'folk horror', et notamment à "The Wicker Man", mais aussi à Tim Burton. Dans cet univers, les apparences paisibles peuvent dissimuler une menace diffuse ; le familier se trouble et le quotidien semble obéir à des règles anciennes, jamais tout à fait explicables.
La narration participe pleinement à cette construction. Le texte a été écrit par Andy Partridge, le fondateur de XTC, tandis que l'acteur David Tennant, connu surtout pour son rôle en tant que Dr Who, lui prête sa voix de conteur. Cette présence parlée renforce la dimension cinématographique de l'ensemble : plutôt qu'un elpee traditionnel auquel on aurait ajouté quelques éléments narratifs, "Requiem for a Village" entend créer un monde sonore habité, avec ses personnages, ses mystères et ses zones d'ombre.
Musicalement, le village de Steven Wilson est loin d'être un endroit tranquille. Il revendique un album qui va "dans tous les sens", et est difficile à catégoriser. Ainsi, la plage titulaire permet la rencontre entre rythmiques asymétriques, riffs métalliques, passages ambient et éléments 'singer-songwriter'.
À l'échelle du disque, le spectre s'élargit encore : folk, psychédélisme, électronique, rock et musique 'ambient' s'y croisent sans chercher à former un mélange parfaitement homogène.
"Same River Twice" s'ouvre sur un piano bastringue pour s'envoler au son du mellotron vers un univers fantasmagorique où s'entremêlent le chant de Wilson, le clapotis de la rivière et la voix du conteur. Sans transition, "Now Departing" emporte l'auditeur ailleurs, à la faveur d'un riff au piano évoquant Happy The Man. S'ensuit une longue et magistrale composition dans le plus pur style prog de l'artiste anglais.
Après l'intermède apaisant de "Hiraeth", s’épanouit "On Chapel Slope", une longue litanie hypnotique hantée par une guitare 'bluesy'. "Murmuration" prends le relais pour emmener l'auditeur vers ce qui peut être considéré comme le point culminant de l'œuvre. Les arpèges à la guitare acoustique et le chant s'inscrivent dans la grande tradition de Wilson et de Porcupine Tree. Mais ici, l'instrumentation est baroque, et les bruitages, énigmatiques. On distingue aussi la voix de Katherine Priddy.
"Cursus Fingerprint" prolonge l'impression que l'on visite un cabinet de curiosités soniques. A la flûte du mellotron répond la voix de 'falsetto' de Wilson, inquiétante à souhait, avant que des coups de butoir ne retentissent, renforçant le côté hautement filmique de l'ensemble.
Parcourue par des séquences typiquement "hackettiennes", la composition suivante, "A Basket Of Bees", flirte par instant avec "Blood On The Rooftop" de Genesis mais reprend bien vite la structure syncopée post-metal qui est une des (multiples) signatures de Wilson.
"Great Green Map" et "Wheel" guident enfin le visiteur sans extravagance vers le chapitre final, "The Old God Is Buried". Ici, on y retrouve l'atmosphère lourde et inquiétante qui constitue le fil rouge du long playing, qui se clôture dans un chœur dissonant d'une centaine de voix, comme si tout le village se précipitait vers un précipice apocalyptique. Un final abrupt qui donne toute sa signification, terrifiante, au titre de l'album.
En un mot comme en cent, cet opus est "kaléidoscopique". Il peut apparaître comme un fourre-tout plus que comme un ensemble cohérent. L'approche s'apparente davantage à un collage, ou à un "cut-up", comme le pratiquaient les dadaïstes et William S. Burroughs. On pense tour à tour à King Crimson, période "21st Century Schizoid Man", à Jethro Tull, Genesis, Pink Floyd, Radiohead, ... La liste des références est longue et si "The Overview" était une tentative de créer un deuxième "The Dark Side of The Moon", on pourrait imaginer que "Requiem For A Village" s'inscrit dans la lignée de "Ummagumma", l'elpee le plus expérimental, le plus déconstruit, du Floyd.
C'est précisément cette déconstruction, ce refus de l'homogénéité qui intéresse Wilson. Il souhaite surprendre l'auditeur, déjouer ses attentes et proposer une musique qui échappe aux catégories habituelles.
Après plus de trente-cinq ans de carrière discographique, l’artiste connaît parfaitement son territoire et ses réflexes d'écriture. Au commencement de chaque nouveau projet, il cherche une idée suffisamment stimulante pour l'accompagner jusqu'au bout. La question est toujours la même : qu'est-ce qu'il n'a pas encore essayé ? Qu'est-ce qu'il peut apporter à une discographie qu'il qualifie lui-même, non sans humour, de déjà "bien encombrée" ?
La réponse émane, en partie, de son studio. Entouré d'instruments divers et accompagné par le multi-instrumentiste Randy McStine et le batteur Russell Holzman, Wilson a suivi un processus intuitif, presque ludique : saisir un instrument, chercher un son, suivre une idée sans trop réfléchir à sa destination. Un harmonica, un hautbois ou un synthétiseur étant susceptibles de devenir le point de départ d'une composition.
Sur "Requiem for a Village", cette curiosité l'a conduit à jouer lui-même du violon et de la batterie, alors qu'il ne prétend maîtriser aucun de ces instruments. Il a également adopté une règle inhabituelle : jouer les instruments tels qu'il les trouve. Là où un guitariste accorderait spontanément son instrument avant de commencer, Wilson a parfois choisi de conserver un léger désaccord.
De ce point de vue, cet opus s’affiche comme résolument "anti-IA". Wilson a déclaré que tout ce qui pouvait ne fût-ce qu'évoquer l'artificialité policée de l'IA avait été immédiatement écarté. Drôle d'époque : les artistes se sentent aujourd'hui dans l'obligation de rechercher l'imperfection pour échapper au diktat perfectionniste (et normalisant) de l'informatique.
"Requiem for a Village" ne cherche pas à démontrer une thèse ni à conduire l'auditeur vers une conclusion parfaitement balisée. Il propose plutôt une traversée, une succession de paysages et de sensations qui se répondent. Il reflète une conception exigeante mais accessible de l'écoute : prendre le temps, accepter de ne pas tout comprendre immédiatement et laisser une œuvre déployer son propre langage. Le résultat promet moins une promenade rassurante qu'une exploration des frontières entre mémoire, inspiration et mystère.
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Pour écouter les 3 titres déjà dévoilés, c'est là.
La dopamine est une hormone clé pour la motivation, le système de récompense et le contrôle de la motricité. Souvent qualifiée de « molécule du plaisir », elle ne procure pas ce dernier de façon directe, mais suscite le désir d'obtenir une récompense. Ce n'est pourtant pas cet aspect que la formation irlandaise a souhaité souligner dans le titre de son cinquième opus. « La chambre à dopamine » symbolise ici la décharge neuronale reçue par quiconque s'isole face à un écran, captivé par le défilement infini des réseaux sociaux.
Sous la houlette de James Ford (The Klaxons, The Last Shadow Puppets), Grian Chatten et son band s'éloignent, dans cet elpee, du post-punk de leurs débuts. Ils proposent un alliage de dark wave, de cold wave et de synth wave qui évoque tour à tour The Cure, Depeche Mode, Clan of Xymox, The Church ou encore le Fischer-Z de l'époque « Battalions of Strangers ». Ce disque s'avère très varié et d'une excellente facture du début à la fin, bénéficiant d'un agencement intelligent des différentes plages.
Tout commence par « Six Shot Morning », un morceau rythmé et percutant qui rappelle Joy Division. Vient ensuite le premier single, « Marianne » : une pièce à la mélodie magnifique que l'on écoute en boucle, subjugué par la voix de Grian soutenue par des synthétiseurs irrésistibles. « Mimesis » évolue à mi-chemin entre le Cure de « Charlotte Sometimes » et Clan of Xymox ; le titre se révèle particulièrement entraînant grâce à une ligne mélodique accrocheuse et des guitares qui dictent le tempo. Le combo plonge pleinement dans la cold wave sur « Happy for You », qui relate les douleurs d'une rupture amoureuse. La plage « Demolition », quant à elle, convoque l'esprit de « Battalions of Strangers » par sa rythmique soutenue et sa mélodie entêtante.
« Tongue » s’impose sans doute comme le morceau le plus singulier de ce long-playing, affichant des couplets très répétitifs et un refrain en rupture mélodique ; deux ou trois écoutes s'avèrent nécessaires pour l'apprivoiser. « One Man » se révèle plus calme et lancinant. Sur « Where Is Gone », Grian accueille l'auteure-compositrice-interprète, actrice et productrice espagnole ROSALÍA. Cette dernière s'illustre d'ordinaire par des compositions mêlant le flamenco et la pop, tout en raffinement. Sa voix, unie ici à celle de Grian pour une jolie ballade, scelle une vraie réussite. « You Miss Me » ramène les auditeurs sur un terrain plus familier : une ballade presque acoustique qui évoque le célèbre « Under the Milky Way » de The Church. « Japan » » constitue probablement le moment le moins inspiré de l'ensemble, restant une ballade sympathique, sans plus. Enfin, « Intimate » clôt l’opus en force. Aux côtés de « Six Shot Morning », cette composition est sans doute celle qui rappelle le plus les précédents disques du quintette.
En résumé, cet elpee bien balancé bousculera peut-être les fans de la première heure et en décevra quelques-uns, mais il s'avère idéal pour découvrir un collectif qui n'a pas fini de faire couler de l'encre. Le quintette cartonne d'ailleurs un peu partout en Europe et, bien sûr, en Grande-Bretagne.
The band : Grian Chatten (vocals + guitars), Carlos O'Connell (guitars + synths), Connor Curley (guitars), Connor Deegan (bass guitar) and Tom Coll (drums and percussion)
Produced by James Ford
Après des années à partager la scène dans divers projets, Lesneu et Djokovic ont finalement décidé de co-signer un album à quatre mains.
"Même si tout vous sépare" est le premier extrait de l'album "L'amour, la gloire, la beauté".
Album qui propose une musique quelque part entre la dream pop de Beach House, la folk hantée de Timber Timbre et la rugosité lo-fi de Women.
Sur scène, le duo s'élargit en quatuor avec Antoine Pasqualini (Monolithe Noir, Fourches) et Tiphaine Lemou (Dentdelion) pour donner à l'album toute l'ampleur qu'il mérite.
Découvrez le clip de « Même si tout vous sépare » ici.
Le nouveau single de Diego Straz « Les Corps qui tanguent » est sorti en cette fin d’octobre 2026
Diego Straz est un musicien belge, auteur- compositeur- interprète, multi-instrumentiste.
Il débute son parcours musical comme bassiste, ce qui lui permet de découvrir l'écriture et la composition via le chant.
Fin des années 90, il fonde le groupe pop-rock Tena signé chez Sony Music, où il occupe plusieurs rôles : guitariste, bassiste, auteur, compositeur et producteur.
En parallèle, Diego développe un projet solo singulier et puissant, et compte déjà 4 albums à son actif.
Découvrez le clip ici.
Extrait de Mesdames, Messieurs !! la nouvelle édition du premier album de Sam Sauvage, sacré Révélation masculine aux Victoires de la Musique, Comme Les Grands est le titre le plus personnel de Sam Sauvage, dans lequel il livre ses douleurs profondes liées à l’absence d’une figure parentale dans son enfance.
Mesdames, Messieurs !! sera disponible le 13 novembre.
Sam Sauvage c’est Une Victoire de la Musique/+de 40 millions de streams/+d’1 million d’abonnés/+de 70 dates en 2026/2eme artiste le + programmé en festivals et 1 Cigale et 2 Olympia complets
Mais surtout un futur grand de la pop française.
Découvrez « Comme les grands » ici.
“Voici mon cœur et un opinel. Ne me le rends pas sans l’abîmer. Ou bien ne me le rends pas du tout.
En quelques mots, Pierre de Maere pose le décor d’Opinel : celui d’une rupture que l’on voudrait rendre irréversible, parce qu’il est parfois plus facile de haïr que d’oublier. Si l’autre s’en va, qu’il ne parte pas en héros. Qu’il laisse au moins une raison de lui en vouloir.
Le clip prolonge cette tension : seul dans sa chambre d’hôtel, Pierre de Maere épie une femme de l’immeuble d’en face. Micros, machines et câbles composent le dispositif d’une enquête aussi méthodique qu’inquiétante, brouillant la frontière entre réalité et fantasme.
Entre thriller et romance, le clip culmine dans une rencontre sous les feux d’artifice, avant qu’un dernier Opinel ne laisse planer le doute : désir, menace ou obsession devenue incontrôlable ?
Opinel est le nouveau single extrait d’Ave de Maere, le second album de Pierre de Maere.
Le clip est à découvrir ici.
Depuis le mitan des années 1990, le compositeur britannique Matt Elliott explore les textures et les frontières sonores.
Bristol tout d'abord, où il joue au sein des groupes Movietone et Flying Saucer Attack ; il fonde ensuite son propre projet The Third Eye Foundation, enregistre un premier album (Semtex, 1996) avant d'être signé chez le label anglais Domino avec lequel il publie trois opus. Post-rock ? Électronique sombre et hantée ? Trip hop baroque ? Les étiquettes, les catégories et les chapelles ne siéent pas aux atmosphères ténébreuses et tourmentées du musicien. Un « rock fantôme » comme celui-ci pourrait lui-même le définir ?
Nancy ensuite, où l'auteur s'installe et signe sous son nom depuis l'orée des années 2000, et en collaboration avec le label Ici D'Ailleurs, des albums à la beauté envoûtante. La musique de Matt Elliott n'a pas de frontière, elle brasse les peuples, les pays et les continents. On perçoit le blues du delta, le jazz noir des sous-sols, l'âme vibrante du fado portugais, les chants rébétiques grecs, les sonorités festives et poignantes de la musique des Balkans et bien d'autres cultures.
This World Is No Place for Children, (sortie le 13 novembre) est le dixième album studio de Matt Elliott. Il explore les zones d'ombre les plus sombres de l'humanité : l'avidité sans limite ou notre défaillance collective vis-à-vis de la jeunesse. Et pourtant, comme souvent chez le musicien, une indicible lumière perce des ténèbres. Les compositions sont à la fois des lamentations, des prières païennes et une invitation au réconfort. La musique ici s'adresse aux sens.
This World Is No Place for Children est en écoute ici.
Enregistré à San Francisco, au 41 Turk Street, dans le Tenderloin District, quartier désolé n'offrant comme échappatoires que la boisson, le crack et autres dérives nocturnes, ...Well? (initialement paru en 1992) est le second album de Swell ; il s'agit du deuxième opus d'une trilogie qui s'achève en 1994 avec 41.
Le quatuor explore ici un son singulier qui deviendra sa marque de fabrique : chant désabusé, guitares revêches et déflagrations électriques, basse aride et lointaine, batterie telle un axe vertébral précis et souverain. Et toujours ces bidouillages maison : micros placés à distance, multipistes analogiques. Plus de trente ans après, le pouvoir d'attraction demeure, et Swell reste, pour certains d'entre nous, au panthéon du rock.
...Well? est aujourd'hui réédité en vinyle, accompagné d'un livret de huit pages, ainsi qu'en version numérique, dans une version remasterisée par les soins de JJ, Golden Mastering.
Le nouveau single d’Elephant, « About You », se révèle être une chanson douce-amère
évoquant une époque où l’amour et la vie semblaient plus simples. Cette nostalgie imprègne le son, fortement inspiré par les années 90. Le morceau a été enregistré aux Rockfield Studios au Pays de Galles par l’ingénieur Nick Brine, qui officiait déjà derrière les manettes du mythique Morning Glory (What’s the Story) d’Oasis trente ans plus tôt. Sur ce titre, Elephant affirme pleinement son identité musicale. Les éléments signatures de la formation demeurent : chaleur, mélodies et voix décontractées. Une urgence nouvelle s'y ajoute, offrant un rendu plus ample, précis et organique.
Ce quatuor de Rotterdam, figure du rock indie néerlandais, avait façonné son univers sur un premier opus salué, Big Thing (2022), mêlant guitares mélodiques et voix feutrées sur fond de mélancolie sous-jacente. Sur le disque III paru en 2025, les musiciens ont intensifié leur son pour investir des podiums majeurs tels que Lowlands, Pinkpop et Best Kept Secret.
Une tournée européenne partagée en compagnie des icônes indie Nada Surf a débouché sur une invitation du producteur Ian Laughton (Nada Surf, Ash). Ce dernier s'est associé à Nick Brine (Oasis, The Stone Roses) pour aider le combo à capturer son essence authentique à Rockfield. Le résultat est visible dans le clip officiel d'« About You », qui illustre parfaitement cette évolution vers un son puissant et direct.
Le clip d’« About you » est disponible là
Le quatuor punk de Sacramento, Destroy Boys, sortira son cinquième opus, FOIE GRAS, le 5 mars 2027. Cet elpee, façonné par le producteur Zach Tuch (Knocked Loose, Touché Amoré), bénéficie des contributions de Frank Iero, guitariste de My Chemical Romance. Pour en dévoiler l'univers, la formation propose le single « Hysteria », illustré par une vidéo officielle (à découvrir ici)
Né d'improvisations frénétiques, ce morceau mue la colère de la classe ouvrière en un hymne fédérateur aux refrains entêtants. Si les fondations punk demeurent, une trajectoire alternative s'y affirme. Co-réalisé par la guitariste Violet Mayugba en compagnie de Vince Lopez, le clip puise son esthétique cauchemardesque dans l'« analog horror » (The Mandela Catalogue, Backrooms) et le film Shining.
Cette nouveauté pousse le band au-delà des structures pop habituelles pour explorer un territoire indiscipliné où s'entremêlent guitares grunge, éclats hardcore, rythmiques post-punk, incursions britpop, breakbeats et bossa nova. Cette rupture musicale épouse la tension des textes d’Alexia Roditis, où le chaos intime rejoint les crises politiques mondiales. Choisis lors d’une tournée européenne, le titre et la métaphore du gavage dénoncent ce que la société ingère de force : désinformation, surconsommation et récits politiques aliénants.
Formé en 2015, le combo a évolué des clubs underground aux grands festivals comme Coachella ou Rock en Seine. Dix ans plus tard, Destroy Boys préfère réinventer son art plutôt que de s'enfermer dans un mouvement figé.
Désormais installés entre Cologne, Amsterdam et Berlin, les membres de SMILE dévoilent le premier extrait de leur premier long playing, intitulé « GUN-SHY ». Les amateurs dont le cœur s’emballe aux noms de Sonic Youth ou Dry Cleaning feraient bien de prêter l’oreille. Rédigé par Anika, le communiqué de presse introduit un univers visuel fort : la pochette du disque expose la chanteuse Rubee Fegan sous un déguisement de caniche rose, tandis que le clip vidéo l'entraîne dans une traversée de sa ville natale d’Albuquerque. Reconnu pour ses prestations physiques qui s'apparentent à de véritables montagnes russes émotionnelles, le quintette transmet des frissons garantis par la seule présence magnétique de sa vocaliste. À travers ces compositions inédites, la formation s'est efforcée de capturer l’énergie brute de ses concerts afin de la graver sur le sillon.
Une esthétique punk et sans filtre
SMILE livre des récits noise-punk rythmés, miroirs d’une réalité rugueuse. Le combo s'habille d’atours post-rock, se masque derrière des têtes d’animaux, s'orne d'un eye-liner épais et de résilles rose vif, le tout submergé par des guitares hurlantes. Sans aucun filtre, les mâchoires serrées, les musiciens retiennent l'auditeur au sein d'une communauté soudée par les valeurs du Do It Yourself (DIY).
Nés durant les heures suspendues du Covid, les cinq complices ont investi l'estrade DIY de Cologne. Pour eux, l'art exige de quitter les écrans pour investir les salles. « Cette philosophie consiste à créer de la musique en compagnie de ses amis, dans un espace ouvert à tous », affirme le bassiste Max Schmidt. Résolument anti-establishment, la formation privilégie l’authenticité au marketing : « Si nous ne générons pas de clics, c’est que notre démarche reste intéressante. »
L'énergie du live capturée en studio
SMILE ne fuit pas la vérité, il la hurle. Les textes féministes et anticapitalistes de Rubee Fegan appellent à la rébellion et rejettent la misogynie, tout en côtoyant les fêlures humaines. Tranchants, les morceaux percent les apparences pour révéler la sensibilité sous-jacente. Pour préserver la spontanéité des planches, le combo privilégie les démos et les premières prises. « Notre musique prend tout son sens lorsque le public partage notre espace et s'enflamme de notre énergie », confie la chanteuse.
Nourris par l'héritage de Fugazi, Slint ou Women, ces enfants des années 90 ont grandi au rythme de Limewire et des t-shirts de groupes. Privilégiant l'atmosphère aux structures conventionnelles, leurs morceaux cinématographiques naissent souvent d'une formule de Rubee ou d'un rythme pulsé par le batteur Marius Szarnych. Le guitariste Lars Fritzsche conclut : « Nous cherchons les zones d'inconfort, là où le son devient chaotique et dangereux. » Conçu sous la houlette du producteur Olaf Opal (connu pour ses collaborations initiales avec The Notwist), cet elpee s'écoute comme un voyage ferroviaire intense, bousculé par des paysages sonores sombres, des lignes de basse espiègles et de subtiles touches kitsch.
Extrait de cet opus, "Gotta run" est à voir et écouter ici
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