‘Un paradis tropical’… : à les entendre inventer des slogans pour vendre leur camelote baba cool, Nick Franglen et Fred Deakin auraient tout capté à l’industrie du disque. Depuis leurs trois Eps compilés il y a cinq ans, ces deux esthètes du son policé n’ont jamais failli à leur réputation d’affairistes post-hippies (le revers du baby boom et de Mai 68 ?). Ainsi leurs disques se veulent des « œuvres totales » : pas seulement musicales, mais aussi graphiques et visuelles, et pour la circonstance nos deux amis ont mis les bouchées doubles. En plus des dix titres sonores, l’auditeur lambda peut donc se délecter d’un supplément en images, mix 5.1 et tout le bazar. Objectif (subliminal ?) du produit : accaparer l’acheteur en exauçant tous ses vœux sensitifs, pour qu’au prochain cd (etc.) du duo les mots « Lemon Jelly » provoquent chez lui un réflexe d’attirance pavlovien. Côté musique, on retrouve ce mélange d’électro et de rock extatiques, teintés de soul, de funk, d’ambient et de gospel (les samples). Côté filmique, ça part aussi dans tous les sens (au rayon des influences : Saul Bass, H5, John Maeda, Lewis Trondheim, M/M, la japanimation,…), sans qu’on n’y trouve quoi que ce soit à redire. C’est ici que se situe le problème : Lemon Jelly serait-il un ‘concept’ trop beau pour être honnête ? Subsiste en tout cas cette sensation tenace d’être un peu trop mené par le bout du nez… En voilà une idée : pour son prochain plan de carrière, Lemon Jelly devrait aussi penser à investir notre champ olfactif.

Trio belge, Les Générals Jack a signé chez Naked Productions, un nouveau label créé par l'ami Fabrice Hermans. Le groupe est né à Leuven. Du côté du port, où Bart Ieven vivait sur un bateau baptisé "The Jack". Il est constitué de Marc Bodart au chant et aux guitares, Bart Leven (probablement le frère de Ian, bassiste d'El Fish) à la guitare et au chant, ainsi que Toon Derison aux drums. Ces trois généraux sont même affublés d'un surnom. Alias Derison General Shoelace était le premier batteur d'El Fish. Guitariste chez Buttnaked, General Rock'n'roll Froggy (Bodart) a sévi au sein de Dr Brown et Chico & the Mojo en compagnie de l'ami Pierre Degeneffe. Quant au Général Impatients (Leven), il a transité par Temple Bellona et Harvey Lee. Au départ, la formation voulait franchement concocter du blues susceptible de véhiculer l'étiquette ‘A chacun son blues’. A l’arrivée, la musique produite appartient au roots rock ; mais dans un style largement coloré de blues et de funk.

 

Une sirène introduit "Burn baby burn", une plage funky rock song qui augure une musique aux ressources diverses, puisées notamment dans le meilleur des années 70. La voix assez haut perchée de Bart rappelle celle de Filip Casteels circa El Fish première époque. "Hairs in a tangle" s’ouvre dans un registre franchement country blues, épinglant un riff de guitare que n'aurait pas dédaigné John Lee Hooker. Les liens étroits entretenus par la section rythmique permettent de libérer les soli bien électriques dispensés par les deux guitares de Bart et de Marc. Sur "Seven four", ces mêmes guitares dissertent librement et construisent à nouveau de bien belles phrases électriques qui se fondent dans la mélodie. "Packed up my things" ébauche une ballade lente et majestueuse avant que le rythme ne passe au reggae, tout en impliquant une guitare acoustique subtile, légèrement hispanisante. Le retour de la six cordes électrique s’opère avec finesse, clarté, sans jamais perturber le sens mélodique. Toni Derison imprime un tempo galopant sur ses fûts pour soutenir "Long way home", une épopée très far-west balayée de guitares réverbérées et traversée par un piano sautillant qui assure sa part de rythme. "Mean old mambo" épouse une structure country blues syncopée et bien balancée. Epaulées par le travail de Toon, les guitares insatiables restent toujours aussi claires et précieuses. Les voix de Marc et Bart qui se conjuguent à l’unisson s'associent facilement aux choeurs. "Honest man" consomme un funk léger, tout en empruntant certains accents au Jimi Hendrix de l’époque Band of Gypsies. Les effets apportés permettent une cavalcade échevelée de cordes. Elles prennent même une allure de jam comme nous pouvions en goûter voici plus de trente ans. "Dry eyes" démarre comme une ballade aux accents graves. La richesse technique est ici indéniable. Les guitares qui s'entrecroisent constamment recèlent une inventivité permanente. Elles nous remettent en mémoire les meilleures formations des 70s qui réunissaient deux solistes. Un bottleneck, métallique, primaire, mène la danse au coeur du Delta sur "Tiger". Les Jacks n'abandonnent que rarement leurs racines blues. Le ballet des guitares se poursuit dans une ronde vertigineuse peuplée de sons étranges, mystérieux et aventureux. Le travail incroyable du percussionniste permet des changements de rythmes complexes. Ce climat persiste tout au long de "Hole in my soul". Le son des guitares est très dense et toujours aussi bluesy. Pas toujours facile à assimiler, la musique de Les Generals Jack multiplie les clins d'oeil au passé, aussi bien dans le domaine instrumental que vocal. Ce surprenant album s’achève dans le funk sur l'instrumental un tantinet nerveux "Rising sun". A découvrir absolument, même si cet opus mérite une écoute attentive avant d’être apprécié à sa juste valeur…

Si cet album débute dans les larsens les plus apocalyptiques – on croirait presque du black metal, ce qui nous rappelle que J Döerck a joué dans beaucoup de groupes de punk comme A Minor Forest – il vire ensuite dans de l’electronica revêche et bruitiste, assez proche des travaux les plus hermétiques d’Aphex Twin et de Kid 606. Difficile donc de cerner l’Américain, d’autant qu’aucune vraie mélodie ne ressort de ce capharnaüm peuplé de craquements industriels et de bleeps granuleux… Sans parler de ces tentatives crissantes de faire du hip hop (« Act V ») ou de l’ambient (« Act VI », et « Act VIII ») ! A l’instar d’un Cex ou d’un Blevin Blechtum (parmi les invités, outre Drew Daniel de Matmos), J Döerck joue avec les clichés de l’électro laptop pour en conclure qu’à part le silence ou le bruit blanc, tout a déjà été dit… Ne serait-ce pas ça, la vraie punk attitude ?

Il est là, on ne l’attendait plus : après deux ans de bourlingue destroy pendant lesquelles Carl Barât et surtout Pete Doherty auront davantage alimenté les colonnes ‘faits divers’ que celles des chroniques musicales, le voilà, ce deuxième album tant attendu. Et c’est un chef-d’œuvre, sans doute le ‘meilleur deuxième album’ de tout ce revival garage qui commence à sentir la vieille chaussette. « The Libertines », tout simplement, parce que rien ne sert d’en rajouter : Pete Doherty s’en est suffisamment pris sur la gueule, et puis c’est un titre qui résume bien le propos de ce disque de feu et de larmes, de colère et d’amour. Un disque autobiographique pour ces deux faux frères que même la drogue, les coups, les cambriolages, la prison, ne sépareront jamais : « How we’d love to keep it together », chante Barât sur la chanson d’ouverture, « Can’t Stand Me Now », un classique instantané, de ceux qu’on n’oublie pas de si tôt. Doherty table sur la chance, parce que parfois elle peut sauver (« … hope our luck is never ending »). Du naufrage. Du mauvais disque. Et Dieu sait si ce disque est bon, du début à la fin : en même pas 40 minutes, il déclasse même son prédécesseur au rang des tueries rock’n’roll de ces cinq dernières années. Il y a tout sur cet album : de la joie, de la tristesse, de la déconnade, de la mélancolie, du bruit, de l’allégresse, bref de la vie, brûlée par les deux bouts mais tellement belle qu’on en veut toujours plus. Quatorze titres, autant de tubes : des brûlots punk « Arbeit Macht Frei » et « The Saga » aux ballades magnifiques « The Man Who Would Be King » (la suite de « Tell The King » ?) et « Road To Ruin ». Et puis il y a ces sing-along façon sixties (le « shoop shoop, shoop doo lang a lang » du frétillant « What Katie Did »), qui donnent envie d’embrasser les filles dans la rue et de sourire de toutes ses dents, même en pleine tourmente. A la fin, les Libertines se demandent ce que leurs rêves sont devenus (« What Became Of The Likely Lads ») : on espère qu’il leur en reste, parce que ce serait dommage que cet album soit leur dernier. Pour l’instant, Pete Doherty ne donne plus signe de vie… Jusqu’à nouvel ordre. Et qui sait ce qui va se passer ! C’est l’histoire d’un groupe qui ‘voulait être roi’. Leur trône les attend, parce qu’une chose est certaine : ce disque est digne des plus grands (The Clash, The Smiths ?). Que tous ceux qui aiment le rock’n’roll se lèvent, car nous parlons bien ici… d’un authentique classique.

Refroidi par l’album de Lyrics Born paru sur le même label, j’avais un peu peur de me plonger au sein de ce « Spirit in Stone ». Pire encore je m’attendais à vivre une écoute désagréable. J’avais tort, cet opus constitue un beau premier effort pour ces hiphopers de Portland, dans l’Oregon. Entre De La Soul (pour les flows) et les Roots en plus fou (pour la musique), le trio Lifesavas présente un des albums de hip hop les plus consistant et inventif qu’il m’ait été donné d’entendre depuis longtemps. Mais il ne se contente pas de mériter ces éloges, ni d’imiter ses illustres modèles. Il s’attelle aussi à pondre des morceaux, qui, un peu aidés par les radios, pourraient devenir des tubes. Je pense à « Fever » et son hommage au légendaire dj jamaïcain Tenor Saw ; mais aussi à Hellohihey, tout entier porté par une imparable mélodie de voix. Je pourrais citer bien d’autres morceaux, mais la démarche me semble inutile. Il suffit de savoir que plus de la moitié des traces présentes sur l’elpee sont plus qu’excellentes, et que si vous êtes un nostalgique de l’époque où A Tribe Called Quest et De La Soul trustaient les hit-parades, ce disque est pour vous.

En direct d’Atlanta, Listener déroule ses rimes avec la constance d’un bûcheron au travail, sciant le tronc du rap mainstream pour le faire s’écraser dans un grand fracas dont l’écho s’entend jusqu’à Oakland, patrie d’Anticon et de ses frappadingues Sage Francis, Sole et Dose One. Ex membre de Deepspace5 et de Lablik, Listener mérite qu’on l’écoute, ne serait-ce parce qu’il propose un rap corsé comme l’écorce d’un arbre centenaire. Ses beats semblent trempés dans l’acide le plus virulent, celui qui attaque le rap FM à la racine : « Whispermoon », c’est du hip hop crade et sombre, abrasif et sans fioritures. De l’underground sans aucun doute, mais le regard fixé sur l’horizon, vers un futur qui s’il s’annonce apocalyptique, vaut toujours mieux que celui prêché par les kadors gangsta d’MTV Cribs. Listener on t’écoute, même si ta musique fout les boules. « You’re so underground », but we like it.

Ce jeune chanteur guitariste anglais jouit déjà d’une solide réputation en Europe. Et pour cause, il arpente les routes du vieux continent, depuis quelques années. Il y a bien longtemps qu’il gratte de la guitare. Tout gosse, lors d’un voyage à San Francisco, pour lequel il avait accompagné ses parents, il rejoint Coco Montoya sur la scène du Lou's Bar au Pier 49 du Fisherman's Wharf. A 18 ans, il fonde son premier groupe. Un trio, en compagnie duquel il enregistre deux albums. Deux disques, par ailleurs autoproduits. Il est ensuite remarqué par le label Ruf qui le signe. Il commet alors successivement "Aynsley Lister" en 1999, "Everything I need" en 2000, "Supakev'n pilchards" en 2002 (NDR : un elpee acoustique immortalisé ‘live’) et l’an dernier "All or nothing".

 

Ce nouvel opus ‘live’ a été enregistré en Allemagne. A Bonn, très exactement. En mars dernier, lors du festival Rockpalast Crossroads. Ce concert s’ouvre par "Aeroplane blues", une compo très agréable au cours de laquelle la guitare d'Aynsley égrène quelques accords rythmés, légèrement amplifiés. Un peu comme John Lee Hooker les accordait lors du début de ses concerts. La voix se pose sur ce boogie solitaire. Armé de sa guitare acoustique, il interprète "As the crow flies" de Tony Joe White. Seul sur les planches ! Il branche sa Gibson Les Paul noire à son ampli avant d’être rejoint par le bassiste James Townsend et la toute jeune drummeuse Sarah Jones (17 ans). Son blues se teinte largement de rock dès l’instant où le son se charge d’électricité. Il nous balance un "Say goodbye" très puissant. La section rythmique évolue au second plan. La guitare occupe bien le devant de scène. Elle remplit tous les espaces. Son chant devient frêle face aux cordes. Et ce concert se poursuit suivant ce schéma. La guitare règne sans partage ; et à chaque plage, Aynsley chante quelques couplets avant de laisser ses doigts disserter sur le manche sans relâche. Les soli n'ont guère de limite. Le tempo demeure assez uniforme, même lorsque défilent "Balls of street" et "Snake". Il revient en force pour un autre boogie très électrique : "Everything I need". La guitare est de plus en plus envahissante. Si notre Lister possède la fureur de jouer d'un Rory Gallagher, il ne possède ni le feeling naturel du blues ou du boogie, ni la légèreté et le plaisir de partager sa musique. Il reprend l'une de ses meilleures compositions : "Angel 'o' mine". Une plage assez lente qui ne manque pas de charme ; mais encore une fois, elle souffre d’une évidente lourdeur héritée en ligne droite du british blues rock. "Now you're gone " nous en met plein les tympans. Mais on n’en retire aucun plaisir. Et pour cause, ce nouveau prétexte à la démonstration frôle l'overdose. Imprimé sur un mid tempo, "Take me to the river" ose un blues rock aventureux. La guitare explore de nouvelles sonorités torturées. Quoique intéressant, ce voyage expérimental s’éloigne du blues. Shuffle bien ficelé, "Runnin' out on me" met en exergue le jeu puissant de Lister. Mais si la section rythmique assure, elle n'affiche pas le potentiel de leurs rivales texanes. Douce ballade, "Sometimes it gets 2 me" monte progressivement en puissance, suivant l’humeur contenue d'Aynsley. Dans les moments les plus calmes, il y ajoute une certaine tension, par de courtes explosions successives. En fin de concert, Lister se lâche dans un trip hendrixien en enchaînant "Soundman" et "Fallin' down". Deux clins d'œil indubitables adressés au maître ! Un opus que je conseillerai exclusivement aux jeunes fans de rockin' blues épais !

Le 27 mars prochain, Robert Lockwood fêtera ses 90 balais. Difficile, dès lors, d’imaginer un artiste aussi âgé capable de chanter tout en grattant malicieusement sa guitare, en public. Et pourtant, Robert est bien une des dernières véritables légendes vivantes du blues. Il est né à Turkey Scratch, dans l'Arkansas. Son enfance, il l’a vécue seul, chez sa mère. Il avait quinze ans à peine lorsqu'un soir, elle ramène à la maison un jeune chanteur guitariste qui répond au nom de Robert Johnson. Et ce dernier lui apprend à jouer des cordes. Robert n'a pas vingt ans lorsqu'il prend la route. Il y rencontre d'autres bluesmen, tels que Shines et les deux Sonny Boy Williamson. Il devient un des premiers guitaristes à électrifier sa guitare et enregistre ses premiers titres en 1941, à Chicago. Il devient ensuite le guitariste de Sonny Boy II, participant à son émission radio "King Biscuit Time", dont le siège était alors fixé à Helena, en Arkansas. Il repart ensuite à Chicago où il y joue en compagnie de Little Walter, Muddy Waters, Sunnyland Slim, Roosevelt Sytkes, et quelques autres. Avant de se fixer à Cleveland, en Ohio, où il vit toujours.

 

"Steady rollin' man", son premier album, est paru en 1970 chez Delmark. Pour l’enregistrer il avait reçu le concours des Aces, des frères Myers et de Fred Below. Depuis, il a trusté les distinctions honorifiques, dont quelques WC Handy Awards.

 

Le 24 juillet 2003, Robert est seul face au public. Sur les planches du Rhythm Room. A Phoenix, en Arizona. La casquette élégante, vissée profondément sur la tête, il tient fermement sa guitare à douze cordes. De sa voix graveleuse, un rien frêle, il laisse éclater son émotion en se lançant dans le "Meet me at the bottom" de Mance Lipscomb. Très respectueux, le public reste silencieux face à cette légende vivante qui se dresse devant lui. Robert prend confiance et attaque les cordes de manière assez nerveuse. Le répertoire du vieux bluesman n'est guère le fruit de sa plume, mais réunit des reprises qui ont émaillé son existence. Il mêle ainsi "Free like blowin' my horn" et "She's little and she's low" du pianiste Roosevelt Sykes avec "Mean mistreater Mama" et le célèbre "How long blues" signé par le notoire Leroy Carr. Ecrite par son mentor Robert Johnson, "Sweet home Chicago" serait la première chanson qu'il a apprise à jouer. L'émotion est donc à son paroxysme lorsque le presque nonagénaire l’interprète. Quand on pense que Johnson disparut tragiquement alors qu’il n'avait pas même trente ans. Il reprend encore trois autres plages de Johnson : "Love in vain", "From four until late" et "Ramblin' on my mind" ; et puis une autre plage signée Leroy Carr, "In the evening". Une tranche de blues, mais surtout une tranche d'histoire!

C’est un ancien membre du Beta Band qui se cache derrière ce regrettable pseudonyme. Le « pigeon esseulé » a eu l’idée de compiler quelques idées de chansons enregistrées à la maison sur un 8 pistes. Un concept qui a connu de fort belles applications si on repense aux premiers efforts de Babybird mais aussi à l’insubmersible double album de Cody Chesnutt sorti l’an passé. Mais il n’y a pas une once de soul music chez notre pigeon. Plutôt une pop psychédélique mélancolique qui n’en est pas moins agréable à l’écoute. Bourrées de guitares et de synthés brinquebalants, les chansons de Gordon Anderson sont souvent belles, surtout lorsqu’il chante. On n’est jamais loin des disques solos de Syd Barrett, mais aussi de tous ces groupes américains des années soixante qui expérimentaient autour du format pop classique. Evidemment, cette compilation ne réunissant que des démos, on n’échappe pas aux habituels morceaux totalement foireux et dispensables qui trahissent un abus de substances chimiques dans le chef de Gordon. Péché véniel si on considère que ce disque contient au moins cinq chansons vraiment brillantes. Faites alors un effort pour aller au delà de l’affreuse pochette et découvrir les quelques pépites qui se cachent à l’intérieur.

Jon Lord est loin d’être un illustre inconnu, même pour les fans de blues. Avant toute chose, ce claviériste a forgé sa notoriété chez Deep Purple, avant de rejoindre Whitesnake. Mais auparavant, il avait quand même sévi chez les Artwoods, un groupe de R&B qui impliquait Art Wood (le frère de Ron) et Keef Hartley… Apparemment, lors d’un périple en Australie, il a été contacté pour jouer en compagnie des Hoochie Coochie Men, une formation locale de blues rock. Une chose est sûre, le 7 février 2003 il se produisait au ‘Basement’, un club de Sidney. Et quelques jours pus tôt, c'est-à-dire le 23 janvier, à l’Opéra, pour y diriger le Sidney Symphony Orchestra. Blessé au pouce et incapable de jouer du piano classique, il s'était réservé l'orgue. Ce double opus immortalise donc le concert accordé au ‘Basement’.

 

Le premier morceau de plastique s’ouvre par "Hideaway". Un instrumental, et pas n’importe quel instrumental, puisqu’il est signé Freddie King. Une adaptation drivée par le guitariste Tim Gaze, un ancien membre du combo rock, Rose Tatoo. Tim et Jon ont écrit "Lonesome traveller blues". Jon se montre très à l'aise à l'orgue Hammond sur cette version labellisée Cream, largement pompée du célèbre "Crossroads". Ce qui n’est guère étonnant lorsqu’on connaît la polyvalence et les qualités de ce musicien. Tim Gaze se charge des vocaux. Son timbre n’est cependant pas inoubliable. Il est correct, sans plus. Jim Conway introduit "Blues with a feeling" à l'harmonica, une compo écrite, bien sûr, par Little Walter. Jon se fait plaisir en reprenant le célèbre "Green Onions" de Booker T, un titre qu'il interprétait déjà chez Red Bludd ; c'est-à-dire le premier groupe au sein duquel il a sévi dans les sixties !! "24/7 Blues" est le blues lent de rigueur pour un concert d’une telle dimension. Les fleurons notoires du Chicago blues commencent alors à défiler. "Baby please don't go", tout d’abord. Un fragment caractérisé par l’excellence du jeu d’orgue, "I just wanna make love to you" et "You need love", ensuite. Pas à la manière de Led Zeppelin, mais dans le respect de son auteur, Willie Dixon. Mené tambour battant, comme le ferait Nine Below Zero, "The money doesn't matter" et une plage très dynamique. Jim Conway se révèle très brillant dans cet exercice de style ! Consitutée de Rob Grosser aux drums et de Bob Daisley à la basse (NDR : un ex Mungo Jerry, Uriah Heep, Black Sabbath et Rainbow), la section rythmique assure bien son rôle. Tramée sur le dobro et le washboard, la version de "Strange Brew" est très calme. Une composition que chantait Clapton, à l’époque du Cream. Celle du "Dallas" de Johnny Winter est excellente, mais très roots.

 

Le second CD s'ouvre par le classique des classiques : "Hoochie Coochie man". L’ex leader de Cold Chisel, Jimmy Barnes, a été invité pour assurer le chant. Ce vocaliste possède une sacrée voix, très hard rockin' blues, dans un registre proche de feu Bon Scott, l’ancien chanteur d’ACDC. La slide largement amplifiée de Tim Gaze émerge de "New old lady blues", un R&B funky écrit par Daisley. L’opus recèle encore quelques bons morceaux. Tout d’abord le "Who's been talking" de Howlin' Wolf, une version soft qui met en valeur les différents musiciens. "Six strings down" ensuite. Un titre issu du répertoire de Jimmie Vaughan, caractérisé par quelques prouesses pyrotechniques aux cordes. Et enfin, l’inévitable "Dust my broom". Le concert touche à sa fin et Jon Lord se rappelle enfin qu’il a fréquenté très longtemps le Deep Purple. Dans son style si spécifique, il introduit le fameux "Back at the Chicken Shack" de Jimmy Smith, une adaptation très heureuse et surtout bien plus jouissive. Alors que les bonnes choses sont finies et que nous quittons déjà le ‘Basement’, Jimmy Barnes revient chanter avec douceur le "When a blindman cries" du Deep Purple de l’époque Ian Gillan…