Avant d’opter pour le patronyme KVLR, cette formation suédoise s’appelait Kevlar. Un changement opéré en 2002. Par nécessité. Suite à la plainte déposée par une entreprise dont la succursale répondait au même nom. Du line up initial de ce groupe fondé en 1996, il ne reste plus le chanteur Johan Sellman et le drummer Manus Öberg. C'est-à-dire les membres fondateurs. Si on ne tient pas compte de la compile « On planted streets », cet elpe éponyme constituerait le troisième album studio de KVLR. Une information à prendre au conditionnel, puisque les infos sont plutôt rares à leur sujet. Cocktail particulièrement réussi de no wave (Sonic Youth), de harcore juvénile (Hüsker Dü) et de cold wave lyrique, atmosphérique (Chameleons), la musique de KVLR est fondamentalement mélodique et contagieuse. A l’instar d’un Trail Of Dead. Même lorsqu’elle emprunte un tempo féroce, échevelé (« Spit ») ou s’aventure dans les méandres du psychédélisme (« Road closure »). Ce qui n’empêche pas la basse pneumatique de Magnus Öberg de libérer un groove viscéral et à la voix laconique de Johan de s’abandonner dans la mélancolie crépusculaire…

Alors que la plupart des groupes insulaires essaient de s’imposer chez eux avant de se tourner vers les States, Kaito a opté pour le processus inverse. Faut dire que sa musique possède davantage d’affinités avec la musique yankee que britannique. Pour concocter une telle expression sonore, ce quatuor doit impérativement aimer ou avoir aimé les Pixies, Sonic Youth (NDR : les débuts !), Blonde Redhead (NDR : mais pas le dernier album !) et Sleater Kinney. Une formation drivée par une fille : Nikki Colt. Qui possède une voix pas possible ! Elle ne chante pas : elle gémit, murmure, gazouille, bégaie, hoquette, aboie ou grogne, dans un registre aigu qui rappelle Kazu (NDR : la chanteuse de Blonde Redhead, of course !). En dispensant des lyrics incompréhensibles. Incarnant davantage une intention qu’une expression. A connotation sexuelle, vous vous en doutez. Le tout sur un noisy/punk/pop épileptique, torrentueux, frénétique, au sein duquel s’entre-déchirent riffs de guitare énergétiques, pépiants, élastiques, vertigineux et synthés ondulatoires, fiévreux, vulnérables ou miteux. Fragment le plus déjanté, « Nothing new » aurait pu naître d’une rencontre entre les Nymphs et X Ray Spex ; alors que « Driving manual auto» couve un feeling disco sordide. Ce premier opus recèle, en outre, six bonus tracks enregistrés ‘live’ au garage de Londres, ainsi qu’un clip vidéo de Should I ». Pas facile, mais très étonnant !

Les trois protagonistes de Karaté, Geoff Farina (guitare et chant), Gavin Mac Carthy (batterie) et Jeff Goddard (basse) sont bardés de diplômes et sont tous trois impliqués au sein de divers projets de groupe ou de studio, sur la côte est des States. Depuis dix ans, leur désir récurrent de jouer ensemble leur a déjà permis de mener à bien six albums avant celui-ci (bien que le décompte entre LPs et 7 inches soit un peu nébuleux). Ils se sont forgés une identité assez atypique, alliant, pour la forme, l'urgence du rock garage et, pour le fond, un pop-rock hybride solidement planté dans ses racines blues et surtout jazz. Soit un créneau suffisamment peu exploré pour éveiller l'intérêt. Et un résultat suffisamment accessible et immédiat pour le maintenir. Ni démonstration ni longs développements ici. Que des plages nerveuses, allant droit au but dans une ambiance de captation live. Un chanteur sobre au souffle court et un trio juste et cohérent au service de la concision. Seule la dernière plage étire son blues rock triste sur plus de 8 minutes pour clôturer un album très court. La comparaison est inévitable avec le Joe Jackson des tout premiers albums, avant que ce dernier renie la guitare. Mais l'univers sonore est ici délibérément moins poli et plus pesant. En conclusion un CD tendu et racé, franc et sincère, qui décoche sa rage contenue en moins de 40 minutes électriques et efficaces.

Derrière ce pseudo se cache le dénommé Thomas Sari, ingénieur du son et dj coté dans le monde de la lounge. Il a concocté cet album en hommage à feu sa compagne ; mais également à la ville de Chicago, qui a abrité les parrains de la house, style musical que Thomas affectionne particulièrement. Le menu de cette plaque est composé d’une part de chansons typiquement lounge ; des synthés vaporeux aux voix éthérées, aucun des ingrédients propres à ce genre musical ne manquent à l’appel. D’autre part, le reste est davantage orienté dancefloor avouant une nette préférence pour les sonorités disco-house, comme sur le très radiophonique « Why don’t U see ». D’un niveau fort honorable quoique fort peu original, ce disque devrait surtout plaire aux inconditionnels des genres musicaux mentionnés plus haut. Les autres peuvent passer leur chemin sans remords.

Si vous n’avez jamais entendu “Somewhere only we know” et « Everybody’s changing », c’est que vous n’allumez jamais la radio. A l’écoute du premier titre, vous avez sans doute pensé qu’il s’agissait d’une nouvelle chanson de Coldplay. Et du deuxième, de Travis. Ce qui vous donne une petite idée du style pratiqué par ce trio originaire du Sussex. Seule différence, Keane a troqué la guitare contre un piano et des synthés. Les deux hits susvisés figurent bien sur ce premier elpee de Keane. Ce sont aussi les meilleurs fragments. Tom dispose d’une voix douce et pure ; en outre, le sens mélodique des compos n’est jamais pris en défaut. Mais hormis le subtilement new wave « Your eyes open » et le plus électro « Untitled 1 », deux fragments qui évoluent au sein d’un univers proche d’un A-ha voire d’un Wet Wet Wet, le reste de l’opus ressasse inlassablement les mêmes clichés hymniques. Les espoirs déçus, les craintes se sont donc révélées fondées…

Est-il bien utile de vous dire tout le bien que l’on pense de Keelhaul ? Petits compagnons de label d’Isis ou de Cave In, compagnons de tournée d’Eyehategod et Botch, Keelhaul fracasse allégrement les oreilles, transperce les tympans tout aussi facilement ; et le pire est que vous risquez d’en redemander... Se caractérisant essentiellement par une musique quasi instrumentale, c’est en respectant la règle des paliers que le groupe vous amène dans les profondeurs d’une musique basée sur la répétition, adoptant une certaine idée de cycle. Un peu comme un crocodile qui maintient sa proie au fond de l’eau en patientant jusqu’à l’étouffement (n’est pas Tarzan qui veut), le groupe installe une moiteur qui colle parfaitement à la peau et une dimension fatale inexorable. Pour le plus grand plaisir des petits et des grands.

Disparue le 21 octobre 1990, Jo Ann Kelly fut incontestablement la chanteuse de blues la plus authentique, outre Manche. Elle a laissé un héritage discographique conséquent, mais ce double CD lui rend un bel hommage, puisqu’il se penche sur toute sa carrière. Depuis ses premières apparitions, opérées au cœur des 60s, jusqu'à ses derniers jours. Heureuse initiative, la pochette fournit de précieuses informations. En outre, elle est abondamment illustrée ; un phénomène assez rare chez cette artiste, pour ne pas le souligner.

 

Miss Kelly était née en janvier 1944. Dès les 50s, elle s'essayait déjà au skiffle ; et au début des 60s, elle montait sur scène pour jouer en compagnie des Yardbirds. A cette époque, un certain Eric Clapton y sévissait déjà à la guitare. En 1965, elle commence à écumer les clubs et pubs de Londres, de Bristol et de Newcastle pour chanter son folk blues, dans un style largement inspiré par Memphis Minnie. En 1966, Jo Ann interprète remarquablement "Where is my good man at" et "This is your last chance now", flanquée de son jeune frère Dave (Kelly bien entendu) à la guitare. Ce sont les deux plages qui ouvrent l’elpee. Ce disque inclut les plages enregistrées la même année par Mike Vernon, pour son label Purdah ; des morceaux qui sont parus dans la collection "Blues anytime – An anthology of British blues". "Keep your hands out of my pocket" et le bouleversant "No chance with you" remontent à 1968. Deux superbes plages qui transpirent l'authenticité. Le meilleur pianiste de blues et boogie anglais, Bob Hall, le guitariste Tony McPhee (Groundhogs) et l’harmoniciste Steve Rye lui apportent leur collaboration. Son adaptation d’"I can't quit you baby" vaut le détour. Elle chante a capella "Levee camp holler". Sa voix est est profonde, éclatante. A vous flanquer des frissons partout ! Entourée du duo de Bristol, Simon (Prager) & Steve (Rye), ainsi que de Bob Hall au piano, elle nous concède encore de très bons moments. "Louisiana blues", tout d’abord. Nous pouvons clairement y entendre Jo Ann jouer du bottleneck dans le style de Fred McDowell. Bob Hall est capable de passer du piano à la mandoline avec une facilité déconcertante. Il le démontre à plusieurs reprises. Et en particulier sur le "Boyfriend blues" de Joe McCoy (NDR : un des époux de Memphis Minnie) et "I've been scorned". Elle chante encore "Catfish blues", "Walking the dog", "Can I get a witness, le très barrelhouse "You win again" de Hank Williams et "It's too late that now", un boogie woogie accompli en duo avec Bob Hall. "Jump steady daddy" est un autre exemple de la pureté de son blues. Remarquable, ce premier disque s’achève par trois plages immortalisées en 1974, par la formation Tramp. Bob Hall est toujours au poste, mais aussi les guitaristes Pete Emery et Putty Pietryga, ainsi que les chœurs des Kokomo Singers. Cette même session issue de 74 ouvre le second elpee. Pour la circonstance, elle bénéficie d’un environnement amplifié. Ce qui n’exclut pas les bons moments. A l’instar de "Help me through the night", au cours duquel la voix est toujours aussi impressionnante. Une prise ‘live’ de Tramp, commise la même année, épingle Danny Kirwan à la guitare sur le "Baby what you want me do do" de Jimmy Reed. Bob Brunnning à la basse, Keef Hartley à la batterie et Dave Brooks sont également de la partie. La nouvelle version d’"It's too late for that now" est détonante. Les interventions de Bob Hall et de Brooks y sont brillantes. Jo Ann était également capable de s’illustrer dans d’autres styles. Le cabaret par exemple. Le pianiste Dick Welstood et le bassiste Lucas Lindholm nous plongent dans un milieu franchement jazz pour aborder "Make me a pallat", Key to the highway", "You got to move" de McDowell (NDR : dont le traitement gospel est surprenant), ainsi que la plage titulaire. Sa remarquable interprétation ‘live’ du "Big boss man" date de 1984. Elle s’appuie alors sur le Quaggy Delta Blues Band de son époux et le guitariste Pete Emery. En 1988, elle était en pleine possession de ses moyens. Elle nous enchante par son interprétation de "Come see about me". De nouveau proche de Memphis Minnie, elle manifeste un feeling pas possible, lorsqu’elle chante a capella "Rising sun shine on" et "Death have mercy". Cette remarquable collection s’achève comme elle avait débuté, dans le pur Delta Blues. Ne passez pas à côté de cette artiste qui avait enregistré ‘live’ avec Fred McDowell, en 1969. Et la même année, Bob Hite lui avait demandé de rejoindre Canned Heat. Ah, le blues!

Le premier CD de Ken's Novel,'The Guide', avait séduit par le punch et le caractère immédiat de son Prog- métal, sa production impeccable et la très belle voix de Patrick Muermans. Il aura fallu cinq ans au groupe belge pour mener à terme son successeur. Cinq ans des galères habituelles aux groupes semi professionnels: personnel instable, manque de fonds, … Successeur, ce nouvel opus l'est dans tous les sens du terme: comme le précédent, c'est un concept, qui de plus conte la suite des aventures de son 'héros' Ken. Musicalement, par contre, on s'éloigne notablement de 'The Guide'. Ce dernier péchait par une certaine stéréotypie: les intros des morceaux en étaient les seules séquences aventureuses et ils restaient par ailleurs plutôt figés sur leurs bases. Le chant y était de plus omniprésent. Ainsi, mis à part deux ou trois plages imparables, les autres enthousiasmaient pendant les 3 ou 4 premières minutes, avant de générer une certaine lassitude. Le moins que l'on puisse dire, c'est que le groupe a complètement revu sa copie. On a ici droit à un Prog riche, dense et touffu, capable de produite douze idées à la seconde et des breaks à tout berzingue. L'inspiration est aussi très variée. Prog et Metal y côtoient des séquences jazz, fusion...Violons et violoncelle y épaulent la très complète panoplie d'instruments modernes. L'album fourmille de petites trouvailles savoureuses. Tous les musiciens sont parfaits. Rien n'a été bâclé ou négligé. Et la mise ne forme mérite une médaille d'or. Maintenant, il faut reconnaître que l'album a les défauts de ses qualités. Tous les épisodes de ce Prog multicouche n'échappent pas à la surenchère. Au détriment de l'émotion. Et l'auditeur perd parfois le fil rouge au sein de cette boulimie de digressions. Par contre, certains sont de franches réussites, alliant avec équilibre vélocité, mélodie, sophistication et émotion. 'Crowd On Sail', deuxième chapitre, en est un brillant exemple. Ken a aussi droit à ses petites aires de repos. Très intelligemment, le groupe nous gratifie de deux plages courtes, simples et très radiophoniques ; en l’occurrence la ballade finale 'Distinctive Sign' , et surtout l'imparable 'Mirror Man', que les radios n'auront pas (NDR : espérons le !) le mauvais goût de bouder. Ajoutons que moins envahissant, le chant de Patrick Muermans continue d’exceller. Il est ici mieux mis en valeur et procure à l’ensemble une certaine touche de théâtralité. Enfin, le grand soin apporté à chaque détail est même répercuté à travers la pochette et le booklet. De la très belle ouvrage, assurément!

A l'écoute de cette réédition du premier album de Khali, projet parallèle de deux membres de Time Machine, groupe phare de la scène prog metal italienne, impossible de ne pas penser au monumental "Operation Mindcrime" de Queensrÿche. La démarche est très semblable, mais le résultat n'est évidemment pas à la hauteur du classique des classiques. Néanmoins, Khali possède de nombreuses qualités et a accouché d'un concept-album tout à fait intéressant. L'influence de Queensrÿche est évidente, mais fort heureusement cette impression est passagère, et nos Italiens s'éloignent bien souvent des sentiers battus. Les compos sont à la fois techniques et mélodiques, et il convient de saluer particulièrement le travail vocal qui a incontestablement fait l'objet d'un long travail. La force de Khali est aussi de ne pas être tombé dans la facilité qui aurait consisté à recycler certaines ‘chutes’ des différents albums de Time Machine. Plus mélancolique et expérimental, ce projet en forme d'échappée arrive à surprendre là où on s'y attend le moins. Les amateurs de power-prog auraient bien tort de ne pas s'accorder ce petit plaisir parfaitement ficelé.

… Kid 606, pardi ! Le gars n’en rate pas une pour nous vriller les tympans à coup de drill’n’bass dévastatrice : 16 titres d’une violence extrême, qui renvoient Techno Animal (alias The Bug), Squarepusher et Jason Forrest/Donna Summer à leurs châteaux de sable. A part quelques incursions ambient (« I Forgot To Finish », remixé par Cex) et acid (« Live Acid Jam », entre Plastikman et Aphex Twin), cette compilation servira avant tout comme défouloir bilieux, pour calmer ses nerfs ou faire c…. les voisins. « You’re inside the smallest rave on earth », annonce le premier titre : on prend note, et on sort le Red Bull du frigo. C’est parti pour une heure de rythmiques épileptiques et de refrains ragga radioactifs, d’avant les rhumatismes. Les plaques de Kid 606 ne sont pas à mettre entre toutes les oreilles : son truc à lui, c’est le breakbeat qui tabasse tout ce qui passe. Vous voilà prévenus : ce type « tue le son », et parfois ça fait peur.