John Foxx est un des fondateurs d'Ultravox. Au sein ce groupe mythique, il a été pionnier dans le mélange des genres glam, punk, art-rock, qui a donné naissance plus tard à la new-wave. John Foxx a quitté le groupe en 79 pour poursuivre une carrière solo ; ce qui lui a permis de développer un son minimal electro unique et d'obtenir un succès d'estime important en publiant le hit "Underpass" et l'album "Metamatic". A noter que le récent remix d’"Underpass" opéré par Marc Reeder est un dance-floor killer qui a sa place dans toute bonne DJ playlist.
En 2011, après une série de projets plus ou moins réussis dans les styles ‘ambiant’, John Foxx est revenu à ses premières amours, s'est associé à Ben ‘Benge’ Edwards, un collectionneur-‘bidouilleur’ de vieux synthés vintage et a sorti sous le patronyme de John Foxx And The Maths un album intitulé "Interplay". Un opus qui recèle un doux parfum de nostalgie ‘années 80’ tout en demeurant parfaitement ancré dans notre époque.
On y retrouve toutes les qualités qui ont fait de John Foxx un créateur hors pair : des lignes de synthés Moog froides et lancinantes, des beats de Roland 808 minimaux à souhait et un chant à la fois glacial et chaleureux, drapé dans une espèce de douceur mélancolique.
L’elpee s’ouvre par "Shatterproof", dans une ambiance moite et claustrophobe. La voix est retravaillée et le beat, quasi EBM, évoque autant D.A.F. que Front 242. Une entrée en matière qui donne envie d'aller plus loin! « Catwalk » est le hit de l'album : minimal, jouissif, très dansant et d'un accès aisé. On embraie par "Evergreen", une douce sucrerie electro tandis que sur "Watching A Building On Fire", John partage un duo avec Mira Aroyo, la deuxième chanteuse de Ladytron.
"Interplay" est un magnifique morceau, qui débute par le bruissement de la pluie et au cours duquel la basse est littéralement gigantesque. Ensuite entre la voix de John : calme, haut-perchée, dessinant des mélodies aériennes me rappelant le "Tidal Wave" de « Metamatic ». Superbe !
"Summerland", morceau au refrain lumineux, incite au voyage et "Running Man" combine justement rythmique soutenue industrielle et arabesques synthétiques : un second hit potentiel! Après le reposant et voluptueux "Falling Star", Foxx clôture son elpee par le quasi cyber-gothique "Destination" puis "The Good Shadow", une plage marquée par les séquences vintage 'Kraftwerkiennes' de Benge et le chant envoûtant de Foxx.
En un mot: cet album est une vraie réussite, combinant parfaitement la nostalgie, un modernisme intelligent et une démarche artistique profondément honnête.
On se réjouit d'avance de pouvoir découvrir ce disque en live, car John Foxx se produira en concert, à Aarschot le, 25 février, flanqué de Benge, Hannah Peel (claviers, violon) et Serfafina Steer (claviers, basse). De plus, le 19 mars, paraîtra un double Cd de de John ; il sera plus ‘expérimental’ et s’intitulera "The Shape Of Things".
Plus qu’un simple kit de survie folk offert aux amateurs du genre, il y a maintenant trois ans, les sœurs Södeberg prouvent, en publiant « Lion’s Roar », que leur baume vocal agit sur la longueur ! Le public les avait découvertes lors de la superbe reprise du morceau « Tiger Mountain Peasant Song » des Fleet Foxes et ensuite à l’occasion de la sortie de leur premier album « The Big Black and the Blue ». Elles reviennent aujourd’hui à la tête d’un nouvel opus, un disque découpé en 10 morceaux particulièrement raffinés. Une œuvre produite par l’inévitable Mike Mogis (Bright Eyes, Jenny Lewis, Monsters of Folk) à Omaha, dans son Nebraska natal. Et, la plupart des chansons composées par les jeunes Suédoises donnent réellement l’impression de venir directement de l’ancestrale et austère country américaine… Les voix profondes et puissantes de Johanna et Klara se complètent à merveille et l’instrumentation –acoustique bien entendu– confiée à des musiciens du cru est devenue plus riche. Sur le titre « Emmylou », les deux sœurs murmurent ‘I’ll be your Emmylou, I’ll be your June… you’ll be my Gram, you’ll be my Johnny too…’ Tout est dit…
L’album se clôture de magnifique manière par « King of the World », une chanson interprétée en compagnie de The Felice Brothers et de Conor Oberst, invité à chanter le dernier couplet… la boucle est bouclée ! A découvrir dans le cadre des PIAS Nites, qui se dérouleront à Bruxelles, le 16 février prochain, à Tour et Taxis.
Déprimé et un peu lourd en ce début d’année ? Ruez-vous sur “Supalove”, le nouveau single aussi soul que sexy offert par DSL, trio simplement composé des frères David, Stéphane et Lionel ! Créé en 2002 à Sarcelles, le groupe a signé chez Ed Banger, en dehors des standards électro de la maison. Et le combo parvient également à mêler brillamment hip-hop vintage et samples pimpants sur « Gotta Get In » un titre de Beyond Paradise adapté pour le besoin de leur nouvelle petite bombe sensuelle…
Ne passez pas à côté du magnifique clip consacré au morceau qui risque de vous communiquer des fourmis dans les jambes…
http://www.youtube.com/watch?v=BYjVCPU6is4
J’avais beaucoup apprécié le premier Ep de cette formation américaine, paru en 2008. Eponyme, il était découpé en six titres de psychédélisme noisy, féroce, sonique, stratosphérique qui aurait pu naître d’une fusion entre Les Savy Fav, Comets On Fire et des Warlocks sous hardcore. Le hardcore, à cause des vocaux presque constamment hurlés, vociférés, beuglés, par Johnny Bell, également bassiste (NDR : excellent, par ailleurs) du combo. Mais cette voix continuellement braillée qui desservait leur expression sonore, c’est le principal reproche que j’avais adressé à leur musique,
“Two-way mirror” constitue leur second opus. Et le constat est identique pour les parties vocales. Pas sur tous les titres, mais une bonne moitié. Un changement marquant quand même, la présence d’une nouvelle organiste, Cora Fox, dont les interventions ‘semi vintage’, ‘semi-spectrales’ sporadiques mais judicieuses, apportent une nouvelle dimension à l’expression sonore. Au sein de laquelle on relèvera aussi des traces de surf, de folk lo-fi (« Sun-bleached ») et de drone. On a même droit à des lignes de guitare semi-bluesy dans un univers carnavalesque teinté de jazz et de punk sur « By the Sawkill » et du ‘doo wop’ sur « Fortune teller », le morceau le plus pop de l’elpee. Encore que parfois, ici les harmonies vocales, me font parfois penser à Supergrass. Mais le titre le plus intéressant est manifestement la plage finale, « Dog days », une compo de six minutes plongées dans une brume psyché prog/rock de la meilleure veine. Dommage que toute la plaque ne soit pas de cette trempe. Maintenant, il est probable que le quatuor de Long Beach (NDR : c’est en Californie) en est encore au stade de l’expérimentation la plus débridée…
Basé sur un projet imaginé par Iain Forsyth et Jane Pollard, « File under Sacred Music » est un spectacle qui s’inspire d’une cassette vidéo (NDR : de mauvaise facture) réalisée en 2003, immortalisant un concert mythique des Cramps accordé dans un hôpital psychiatrique de la Napa Valley, en 1978. La mise en scène se déroule à l’Institute of Contemporary Arts de Londres. Ce ne sont pas les Cramps qui jouent leur rôle, mais des musiciens soigneusement sélectionnés. Dont le chanteur des Parkinson’s, qui incarne alors celui de Lux Interior. Quant au public, il réunit des malades en traitement psychiatrique. De quoi largement susciter la controverse.
Maintenant, je cherche vainement un quelconque rapport entre ce spectacle et cette compile, qui réunit 22 titres des Cramps. Soit leurs singles et leurs flips sides réalisés entre 1978 et 1981. « The way I walk », « Surfin bird », « Human fly », « Garbageman », « TV set », etc. Ils y sont presque tous. Pour rappel, Lux Interior est décédé le 4 février 2009, à l’âge de 62 ans.
Icône du psychobilly, fruit du mélange de rockabilly, de garage-punk et de psychédélisme, cette formation mérite assurément son statut de légende. Tout particulièrement pour ses prestations ‘live’ incendiaires, mais aussi pour l’authenticité de sa vision du rock ‘n roll…
Pas la peine de revenir sur la personnalité et la carrière controversée de Booba divisant clairement bien au-delà des fans de hip-hop. Ses morceaux frôlent en effet constamment le mauvais goût. A cause de cette tendance à recourir constamment à l’auto-tune (« Scarface »), aux beats d’une lourdeur pachydermique et à caricature inutilement vulgaire (« Bakel City Gang »). Mais, au sommet de son art, Ellie Yaffa est capable de dévoiler de beaux moments sensibles et poétiques, comme sur le titre « Paradis », compo qui figurait sur son précédent opus. Son humour dévastateur hautement second degré (espérons-le en tout cas !) est même parfois susceptible d’être boosté par une avalanche de punchlines mythiques.
Un an après avoir publié le très inégal « Lunatic », le rappeur des Hauts-de-Seine nous propose « Autopsie 4 », son dernier mixtape. Et, plus que jamais, le rappeur testostéroné flirte avec le n’importe quoi et l’auto-parodie. Le problème est que, cette fois, les moments de grâce sont totalement absents et les textes très moyennement drôles. L’album touche même carrément le fond lors du ridicule « Cruella », interprété en compagnie de la médiocre Shay, dont les textes sont plutôt navrants. Et la liste des invités n’est pas, non plus, à rehausser le niveau : entre Linsen, Gato, Grödash ou Mala, rien n’est à épargner. Mal inspiré et mal entouré, « Autopsie » porte très bien son titre !
A bout de souffle, la ‘caillera’ de Miami ? Ce mixtape probablement produit pour renflouer les caisses, le laisse clairement le penser…
Non seulement Meg partage un duo en compagnie de sa sœur au sein des Baird Sisters (NDR : ben tiens !), mais elle milite également chez Espers, une formation folk-psyché responsable de deux album aujourd’hui. Et parallèlement, elle mène une carrière en solitaire. Elle a donc décidé de reprendre son petit bonhomme de chemin en solo, en publiant « Seasons On Earth », elpee qui succède à « Dear Compassion », paru en 2007.
Et comme la formule acoustique récolte un certain succès, pourquoi donc se remettre en question. La Philadelphienne n’est d’ailleurs pas du genre à relever de nouveaux défis. Elle n’a peut-être pas tout à fait tort, finalement, car même chez Espers ce style avait bien marché.
Tout au long de « Seasons on Earth », Meg Baird prouve sa maîtrise du genre. Toute la panoplie des instruments folk est représentée. De la guitare sèche à la slide. Subtils, toujours légèrement en retrait, parfaits, les arrangements sont destinés à mettre en exergue la voix de l’artiste.
Mais cette perfection est également à la fois le point fort et le point faible de cet opus. Car la demoiselle ne prend aucun risque. A tel point que « Seasons on Earth » devient, au fil de l’écoute, sacrément emmerdant. Une exception qui confirme la règle ? « Stream ». Probablement le meilleur morceau de la plaque. Mais franchement je suis resté sur ma faim. D’autant plus que la voix de l’Américaine est sans doute bien timbrée, mais n’affiche aucune personnalité. On est ici bien loin d’Alela Diane voire de Joana Newson.
« Seasons On Earth » est un album sympathique, sans prise de risque. Ou pour être plus cru : chiant et sans intérêt !
Dans l’art de créer des compilations inutiles, Béatrice Ardisson est passée maîtresse. L’ex-femme de l’animateur du même nom nous avait bien déniché quelques perles aux premières heures de sa saga « La Musique de Paris Dernière ». Aujourd’hui, la Parisienne se contente de fournir un travail que même le plus gauche des mélomanes peut effectuer de chez lui, s’il a du temps à perdre, à l’aide d’une simple connexion internet. Après Claude François, Indochine, David Bowie et Bob Dylan, les Beatles sont les cinquièmes artistes à faire l’objet d’une compile estampillée « Mania ».
« BeatlesMania » réunit 36 morceaux répartis sur 2 disques. Le premier, intitulé « Yesterday », est consacré à des reprises classiques et intemporelles des morceaux de Lennon et co, interprétées par des Nina Simone, Ella Fitzgerald, Al Green, Fiona Apple ou Caetano Veloso. Les 16 titres de cette première partie sont enchaînés de manière tout à fait conventionnelle et sans grande logique.
Le second disque, « Tomorrow Never Knows », propose 20 artistes contemporains s’essayant au même exercice. Certainement considérées par Béatrice Ardisson comme originales et/ou décalées, les reprises immortalisées sur ce second volet le sont assez rarement. Bien au contraire, certains des choix de la compileuse impulsive sont souvent banals (MayDay, Eckman, Poom, Girl from The Castle) et même parfois affligeants de nullité (Tamara Kaboutchek, Marshmallow, Minuscule Hey, Rubblebucket Orchestra). Allez, on lui accorde quelques points positifs quand même (Lampshade, Kid Francescoli, The Konki Duet, The Performers et CIRC), mais il en aurait fallu bien plus pour faire de « BeatlesMania » une compilation valant un quelconque détour.
S’offrir le luxe d’un ‘live’ à la BBC est, pour un tout groupe anglais digne de ce nom, un rite nécessaire et un passage obligé afin de bénéficier d’un minimum de crédibilité. Après avoir publié quatre albums, le temps était venu pour Tunng de compiler leurs différentes prestations accordées sur cette antenne lors des émissions de Rob da Bank, Lauren Lavern et Marc Riley, depuis leurs débuts accomplis en 2005.
Leur charmant folk naviguant entre ‘sunshine’ pop-folk et légères expérimentations électroniques le méritait en tout cas ! Ce ‘live’ est un parfait ‘best-of’ et réunit bien entendu leurs plus célèbres singles comme le tendre et imparable « Bullets » ou le magnifique « Jenny Again ». Le son est parfait (on est à la BBC tout de même !) et certains titres possèdent même un supplément d’âme par rapport à leur version originale, à l’instar de « Take » ou « Hustle ». Une improvisation ‘live’ réalisée en compagnie des Touaregs de Tinawiren sur « Tamatant Tilay » ainsi que des reprises de « Pioneers » de Bloc Party et de « Naked in the Rain » de Blue Pearl, complètent l’ensemble…
« This is Tunng… Live from the BBC » offre un bel aperçu des évidentes qualités du groupe britannique avant la sortie annoncée de leur nouvel album, prévue d’ici quelques mois.
Véritable idole pour les uns, interprète irritant pour les autres, on ne peut enlever à Mano Solo sa constante intégrité ainsi que son évident talent ! Pour rappel, victime du SIDA, il est décédé en 2010, à l’âge de 46 ans. Ce ‘live’ immortalisé à l’Olympia permet de rendre un dernier hommage au très attachant fils du caricaturiste Cabu. Depuis son premier album solo sorti en 1993, « La Marmaille Nue », Mano Solo s’était peu à peu –et avec succès– construit un univers de ‘gavroche’ passionné, lyrique et poétique. Le concert à l’Olympia s’est déroulé en 2009 et réunit des morceaux issus de ses différents albums –mais surtout de son dernier intitulé « Rentrer au Port »– dont les déchirants « Des Années Entières » et « Une Image ». Bien que l’artiste français semble souvent ‘surjouer’ en injectant dans son interprétation un sentimentalisme exacerbé, son interprétation poignante et ses textes d’écorché vif gomment rapidement ces considérations…
Les fans ne peuvent passer à côté de ce ‘live’ d’adieu. Depuis le Père-Lachaise, où il repose, Mano Solo peut être satisfait de ce dernier testament sonore, reflétant un condensé de son écriture si particulière et tellement humaine… Notons que les bénéfices de la vente de ce disque seront reversés à l’association Fazasoma (http://www.fazasoma.org )
Histoire de ne pas se faire oublier entre deux albums, Rodrigo y Gabriela se démènent comme des diables. Près de trois ans se sont écoulés, depuis la publication de leur dernier LP, « 11:11 ». Trois ans au cours desquels le duo s’est distingué en passant de petites salles aux plus grandes scènes de festivals internationaux, sans compter leur prestation exclusive pour le président Obama. Puis, en collaborant à deux B.O. de films (« Pirates des Caraïbes 4 », « Le Chat Potté ») et en éditant en juillet dernier leur troisième disque ‘live’, enregistré à Paris.
Les Mexicains nous reviennent pour un quatrième recueil qui, n’en est pas vraiment un. Tout au long d’« Area 52 », Rodrigo Sanchez et Gabriela Quintero tentent de se réinventer. Comment ? En bénéficiant de la collaboration de C.U.B.A., un collectif réunissant pas moins de treize musiciens originaires de la Havane. Mais la pirouette du duo commence et s’achève au sol, sans le moindre instant de gloire.
Rodrigo y Gabriela se contentent ici de reprendre une série de morceaux initialement impeccables, extraits de l’ensemble de leur discographie, et de laisser C.U.B.A. les massacrer. La nature et l’essence même des exercices de style accomplis par les deux virtuoses de la guitare sont complètement saccagés par des arrangements parfois grandiloquents, souvent inutiles. Les hommages qui faisaient la force de « 11:11 » tendent légèrement vers le plagiat dans leurs versions orchestrales. Plus particulièrement « Hanuman », plage qui aurait pu introduire une œuvre de Santana sans que l’on puisse y noter une quelconque différence.
« Area 52 » de Rodrigo Y Gabriela and C.U.B.A. est la bande-son parfaite si vous souhaitez organiser une Quinceañera. Ou si vous êtes fan du duo jusqu’au bout des ongles. Sinon, faire l’impasse sur cette incartade des guitaristes est hautement recommandé.
Reste que le résultat sera peut-être différent sur les planches. Réponse le 26 février à Bruxelles, au Cirque Royal.
Vous ne connaissez pas Manu Larrouy ? Mais si bien sûr ! On parie ?
« Un mec à la coule », un tube qui a déferlé sur les ondes pendant l’été 2009, c’est lui le responsable !
‘Politiquement incorrect’, ce jeune Parisien d’adoption, né à Toulouse il y a déjà 37 ans a mis du temps à se faire une place au soleil. C’est Diam’s qui lui met le pied à l’étrier en lui ouvrant les portes chez Universal. Il enregistre son premier album au Fish Market à Londres, en compagnie de Mike Prince Fatty’ Pelanconi, alors réalisateur de Lily Allen, Graham Coxon et Manu Chao. Il entame sa tournée et partage des scènes en compagnie de M, Anaïs, Thomas Dutronc, Daniel Darc, Tryo ou Marc Lavoine...
Sa petite carrière débutée il y a seulement 5 ans, Manu opte déjà pour un grand changement. Délaissant le style ‘rentre dedans’ d’« Un mec à la coule », il opte pour un tout autre genre.
Délocalisé dans la capitale, c’est la chanson d’amour qui sera le fil conducteur de son second elpee. Dur, dur, comme choix, un peu à contre-courant de nos jours… Et pourtant, délaissant les rythmes jamaïcains pour un univers plus électro-pop/french touch, notre homme, dont l’expression sonore campe un croisement parfait entre Daho et Chamfort, fait le bon choix.
Bien secondé par l’ancien guitariste et songwriter orfèvre des Innocents, Jean-Christophe Urbain, et l’ingénieur du son Jean-Paul Gonnod (Phoenix, Cassius…), Manu délivre 11 plages de toute bonne facture. A l’aide de textes savoureux, frivoles, émotifs, mélancoliques, Manu nous balade dans les chemins parfois tortueux de l’amour. Ses hauts et ses bas, ses joies et ses peines. Les poussant parfois jusqu’à l’extrême limite, comme la séparation, difficile et triste à vivre…
Musicalement, dès l’entame de « Toi sans moi », titre inaugural, on (re)plonge dans des sonorités synthétiques des eighties. Larrouy fait renaître des souvenirs, références à des artistes à la carrière éphémère et aujourd’hui oubliés.
En se servant de mots simples mais superbement utilisés et des musiques aux accents électro-rétro qui accrochent directement les tympans, Manu Larrouy réussit un pari audacieux.
Drôle, émouvant, entraînant, loin d’être idiot ou niais, cet album de chanson française marche à contre-courant de son époque, mais devrait accomplir son petit bonhomme de chemin, j’en suis presque sûr !
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