Incroyable The Roots. Ces mecs ne s’arrêtent manifestement jamais. Lorsqu’elle n’est pas flanquée derrière ses instruments pour les besoins de l’émission quotidienne ‘Late Night With Jimmy Fallon’ ou qu’elle ne publie pas de galettes tout simplement énormes (« How I Got Over », sans conteste un des meilleurs disques Hip Hop de 2010), la formation à géométrie variable donne un coup de main à ses potes. En l’occurrence, ici, John Legend. Marqué par ses irrésistibles envolées jazzy et ses basses langoureuses, « Wake Up! » est un disque Soul dans la plus pure tradition du genre. Plus qu’un disque, « Wake Up ! » est cri du cœur, l’une de ces œuvres aussi sociales et militantes que passionnantes.
L’opus réunit douze reprises de morceaux dont les textes sont particulièrement marqués par l’époque à laquelle ils ont été publiés, tout en restant pourtant d’actualité. Ainsi John Legend & The Roots se permettent des perles signées Curtis Mayfield (« Hard Times »), Marvin Gaye (« Wholy Holly »), Baby Huey & The Babysitters (« Hard Times ») ou encore Billy Withers (« I Can’t Write Left Handed »). Seul inédit au programme, « Shine », thème musical du documentaire « Waiting For ‘Superman’ » de Davis Guggenheim (déjà responsable du fameux « An Inconvenient Truth »). Il s’agit également du seul morceau qui fait pâle figure sur la galette. Hormis cette incartade anecdotique, « Wake Up! » est assurément un disque qui fait chaud au cœur. Ce qui, de nos jours, n’est pas une mince affaire. John Legend + The Roots = ‘A match made in heaven’.
Michael Jackson est mort. Vive Michael ! Même mort, le Roi de la pop gagne plus d’argent que quiconque. Et même mort Michael chante encore ! Plutôt balèze le mec ! Voilà donc la daube que tous les fans attendaient impatiemment. Un album inédit de chansons enregistrées par le plus célèbre des zombies. Intitulé sobrement « Michael », il immortalise des prises capturées au sein de divers lieux, entre 2007 et 2009. Seule exception à cette règle, le « Much Too Soon », belle ballade issue d’une session réalisée en 1982 pour l’album « Thriller ». Si je devais furtivement décrire le reste, je dirais qu’il s’agit d’une belle grosse arnaque, à l’instar du récent « This Is It ». Et vu les featurings (Akon, 50 Cent ou encore Lenny Kravitz), je conseillerai vivement à Michael de ne pas sortir de sa tombe. Ce qui a été exhumé ne vaut pas tripette. On est d’ailleurs bien loin du début des 80’s, époque à laquelle MJ nous éclaboussait de sa classe.
Bref encore une belle opération marketing pour remettre les comptes de Michael (NDR : ou de sa famille) dans le vert (comme si ce n’était déjà pas le cas). Un disque pourri, pourri, pourri !
Iskald est un duo norvégien constitué de Simon Larsen (chant, guitare, basse, claviers) et d’Aage Andre Krekling (chant, batterie). Sur les planches, les deux compères sont soutenus pas Ben Hansen (guitare) et Kenneth Henriksen (basse), afin de déchaîner leur black métal mélodique. Le groupe publie une première démo l’année de sa formation, en 2005. Elle est suivie de peu par un Ep autoproduit (« Northern Twighlight »). Ce dernier permet à Iskald de se faire remarquer par le label norvégien ‘Indie Recordings’. Les Norvégiens enchaînent alors les sorties : « Shades Of Misery » en 2007 et « Revelation Of Reckoning Day » en 2008 reçoivent de bonnes critiques de la presse européenne. Le groupe se lance dans une tournée européenne dont le point culminant est un show au ‘Hovefestivalen’, le plus grand festival rock de Norvège.
L’année 2010 est entièrement consacrée à la composition et à l’enregistrement du nouvel opus : « The Sun I Carried Alone ». Ce dernier est mis en boîte en Norvège, à Oslo et Bodø. La production, le mixage et le mastering sont réalisés au studio 210 de Berlin par Stamos Koliousis et Vangelis Labrakis (Solefald, Vreid, Nattefrost, Keep Of Kalessin).
« The Sun I carried Alone » ne brille pas par son originalité. Par contre, la qualité est au rendez-vous. Le black métal du groupe est aussi sombre que rageur tout en restant (relativement) accessible. Il fusionne le côté épique d’un Satyricon et la froideur nordique d’un Immortal à la rigueur alambiquée d’un Emperor. Les vocaux écorchés et colériques de Larsen et Krekling font très bien passer le message empreint de noirceur, de froideur, de tristesse et de haine inhérent à ce style. La musique, sujette à d’innombrables variations de tempo et à quelques interludes acoustiques évite le piège de la linéarité dans lequel sombrent parfois certaines productions du genre.
« The Sun I Carried Alone » est un disque intense, susceptible même d’envoûter, pourvu qu’on parvienne à faire abstraction de cette petite impression de ‘déjà entendu ailleurs’.
Emanuel And The Fear est le projet d’Emanuel Ayvas. Il a réuni pas moins de dix de ses potes pour former l’orchestre qui l’accompagne sur ce premier essai, tout simplement intitulé « Listen ». Originaire de Brooklyn, Emanuel And The Fear propose une œuvre d’introduction tout à fait épique. Pour faire avaler d’une traite 19 morceaux déployés en près d’1h10, il faut être vachement ambitieux mais surtout particulièrement talentueux. Mais le problème de « Listen », c’est qu’il y a à boire et à manger. Si certains morceaux rappellent le meilleur de Bight Eyes (« Same Way »), Arcade Fire (« Jimme’s Song »), Ben Folds Five (« Dear Friend », « Whatever You Do ») et parfois même Dave Matthews Band (« Guatemala », « Free Life »), d’autres sont tout simplement dispensables (« Balcony », « Trucker Lovesong » et ses bidouillages électroniques incohérents,…).
Mais lorsqu’Emanuel & The Fear brillent, ils ne le font pas à moitié. Comme sur les exceptionnels « Jimme’s Song » et « Simple Eyes » ou les efficaces « Song For A Girl », « Guatemala » et « The Finale ». Mais il s’agit de trop rares moments pour faire de « Listen » une œuvre tout à fait convaincante. Vu le potentiel des morceaux précités, Emanuel pourrait en surprendre plus d’un. A condition qu’il fasse preuve d’un peu plus de synthèse à l’avenir et qu’il consente à attribuer plus de place aux vocalises féminines. Ces mêmes voix qui font de « Simple Eyes » et « The Finale » deux des meilleurs morceaux de la plaque.
Pour fêter ses trente années d’existence, Einstürzende Neubauten a donc sorti une double compilation réunissant des morceaux composés entre 2002 et 2010. « Strategies Against Architecture IV » est, comme son titre l’indique, le quatrième volet de cette série consacrée aux archives de la formation. L’anthologie recèle également plusieurs enregistrements rares, dont certains relèvent de la série Musterhau, des œuvres expérimentales parues en édition limitées, qui jusqu’alors n’étaient disponibles que sur le site du collectif berlinois. Le tout est enrichi d’un superbe booklet riche en informations, tout particulièrement sur les morceaux sélectionnés sur ce recueil.
Ce 24 janvier, Neil Diamond fêtera ses 70 balais. Ne revenons pas sur sa carrière émaillée d’une multitude de hits. Ni sur les sixties aux cours desquels il a écrit une volée de tubes pour d’autres artistes. Mais simplement sur sa voix. Dont le timbre exceptionnel a de quoi vous flanquer des frissons partout. Malheureusement, il faut admettre que le New-Yorkais vit sur sa notoriété depuis belle lurette. Il vient même de décider d’enregistrer un album constitué de reprises. Choisies parmi ses groupes et artistes préférés ou qui l’ont influencé. Des Beatles à Leonard Cohen, en passant par les Everly Brothers, les Eagles ou encore Gilbert O’Sullivan. Sans oublier une nouvelle adaptation de sa chanson intemporelle « I’m a believer », un morceau popularisé par les Monkees et magnifié par Robert Wyatt. Il accompagne sa voix d’une guitare ou d’un piano et soutient le tout d’orchestrations, parfois un peu trop luxuriantes. Et puis l’indolence du ton général de cet opus nous entraîne progressivement vers un état de somnolence. Néanmoins, ce disque risque fort de plaire aux mélomanes, dont l’horloge s’est arrêtée voici quarante, voire cinquante ans…
Né d’un père mélomane –chef de chœur du Scottish National Orchestra et directeur musical du Los Angeles Master Choral– Justin Currie a tout naturellement tiré parti de son héritage musical pour créer son propre univers mélodique.
Un songwriter jusqu’alors méconnu qui est subitement projeté sous les feux des projecteurs en 2006, un an avant la sortie de son premier elpee (« What Is Love For »). Année où il assure les premières parties de la tournée ‘Hôtel Café’ de Tom McRae. Artiste en compagnie duquel il partage un même univers pop-rock. Deux frères de larmes qui dessinent des mélodies romantiques contrariées, touchées d’un profond sentiment de sincérité (« The Fight To Be Human »).
Malgré quelques nuances soft country-rock (« A Man With Nothing To Do »), quelques rythmes racés nourris aux guitares sales et ‘rauques’ dont le parcours empiète timidement sur les territoires des Bad Seeds (« Ready To Be ») et quelques influences héritées du conservatisme acoustique d’Elvis Costello, le rock de Currie surfe néanmoins sur des vagues d’une navrante banalité. En fait, il nous sert une sauce sonique peu relevée dont les ingrédients classiques ne surprennent guère le mélomane. Un rock standardisé qui ne propose rien de nouveau.
La vraie force de ce deuxième album procède essentiellement de ses textes. Une bulle autocritique au sein de laquelle le songwriter écossais se distingue par sa plume authentique et intelligente. D’ailleurs son écriture lucide verse volontiers dans l’humour caustique et l’autodérision.
Gargarisé de paroles fines et sophistiquées, « The Great War » adopte alors un profil artisanal old-school ; mais les mélodies ne parviennent jamais à le transcender. Un onze titres qui souffre cruellement de banalité et tombe trop facilement dans la mélodie facile (NDR : « You’ll Always Walk Alone » pourrait facilement relever du répertoire de Brian Adams). Seuls « The Fight To Be Human » et « Everyone I Love » parviennent à s’extraire de cette torpeur insipide.
Bref, rien d’exceptionnel sur la planète rock. Plutôt un doux cadeau de Noël qui ne risque pas d’effrayer les enfants.
Cinq longues années que Bacon Caravan Creek n’avait plus enregistré. Le groupe avait même failli se séparer. Réduit à un trio, le combo nous propose donc son second opus, curieusement intitulé « Wolfwolfwolfsheepwolf ». Un disque qui est le fruit d’un travail de longue haleine. Un elpee pour lequel la formation a reçu la collaboration de Lenhart Busé (Yum) aux lyrics, de Denis Moulin au mixing ainsi que de Fritz Sundermann (Sioen), à la mise en forme et à la guitare.
Et le résultat est tout bonnement remarquable. On a même parfois l’impression que BCC est parvenu à faire la synthèse de toute l’œuvre de Radiohead. Electro et instrumentation organique se fondent au cœur d’un climat à la fois atmosphérique et énigmatique. La voix de Nicolas est limpide. Lorsqu’elle est légèrement réverbérée, elle me fait penser à celle de Steve Harley (Cockney Rebel). Elle peut aussi s’élever dans l’éther. Pulsants ou offensifs, beats, drums et boîtes à rythmes palpitent et se confondent. La ligne de basse est tendue. Le piano spectral. Les accès de guitare, se révèlent tour à tour crépitants, acérés, cristallins, gémissants, bringuebalants ou vibrants. Les claviers provoquent des remous imprévisibles. Et des cordes viennent ponctuellement, majestueusement, enrichir la solution sonore. Une solution riche. Très riche même. Ce qui n’empêche pas les mélodies de se développer, avec une sensibilité digne d’un Mud Flow voire de dEUS. Et si les 11 titres de cet album se fondent au sein d’un même ensemble conceptuel, « I wonder » sert de BO au documentaire ‘Climbing Spielberg’. Ne m’en demandez pas plus : au plus j’écoute ce long playing au plus je l’apprécie. Dommage qu’il me soit parvenu si tard ; il aurait pu figurer en tête de mon top belge et même au sein de ma sélection des meilleurs albums internationaux. Ni plus ni moins.
Buzz au sein de la sphère électro, l’électro swing est dans l’air du temps. Lorsqu’il est combiné au speakeasy jazz, cette fusion alimente les nombreuses compilations ‘chill’ (NDR : pensez à la série « Hôtel Costes »). Et après le succès rencontré par « White Mink : Black Cotton », premier volume paru en janvier 2010, une suite était inévitable. Après 10 mois d’attente, place donc à une copie presque conforme du premier volume.
« White Mink : Black Cotton Volume 2 » exerce déjà des ravages en Angleterre. L’électro swing fait recette dans un maximum de clubs. Le public adore être bercé par les BPM fulgurants parcourus de vibrations jazz qui incitent à danser (NDR : difficile de faire autrement ?) Et la presse britannique se confond en articles dithyrambiques à l’égard de cette double galette parue chez Rough Trade. Sauf que la première plaque manque de véritables nuances. On accepte d’écouter volontiers quelques tracks, mais bien vite, la forme est un peu trop répétitive. Ca bouge, ça swingue et ça jazze, mais les belles voix, à petites doses, c’est mieux !
Place ensuite à la seconde plaque. Le changement radical dans toute sa splendeur ! Parce qu’elle fait vraiment la différence. A cause de ces titres imprégnés de jazz issu des 20’s et 30’s. Des morceaux remasterisés pour la circonstance. « Bei Mir Bist Du Schön » des Andrews Sisters ou encore l’efficace « Caravan » des Mills Brothers vous flanquent des frissons partout. Fermez un peu les yeux, ouvrez toutes grandes les oreilles et imaginez-vous un instant replongé au cœur de ces années folles, où cuivres, mélodies et rythmes faisaient bon ménage. D’un point de vue perso, j’épinglerai le magistral « Diga Diga Doo » du grand Duke Ellington & His Orchestra, au cours duquel le son craque et le pied tape en rythme ! Une merveille ! Privé de son second volet, « White Mink : Black Cotton » aurait fait pâle figure. Amputé du premier, il serait devenu un ‘must’…
Tous les bénéfices récoltés lors de la vente de cette compile sont destinés à l’association anglaise ‘War child’. Sous cet aspect, ce ‘tribute’ mérite un témoignage de reconnaissance. Et en achetant ce double recueil, il vous sera possible de télécharger 14 autres covers du Thin White Duke. Ce qui représente en tout 38 reprises de l’artiste britannique.
Du tracklisting, j’épinglerai la superbe version épurée et ‘chorale’ du « Ashes to ashes », proposée par Warpaint, celle du « Life on Mars » de Keren Ann, caractérisée par la participation d’une section de cordes, le pastoral « Blue jean » revu et corrigée par Papercranes, l’adaptation décalée mais époustouflante du « Space Oditty » signée Exitmusic, celle presque hip hop, convulsive du « All the young dudes » par Arno, le post indus de Tearist inoculé à « Repetition », et enfin, sur le support digital, le lyrisme de Jessica 6 (Hercules & Love affair) épanché tout au long d’ « I’m deranged ». Quelques flops magistraux : « Absolute beginners » par Carla Bruni, « Boys keep swimming » de Duran Duran et « Heathen » par Etienne Daho. De nombreuses covers passent honnêtement la rampe sans plus ; en outre, on dénombre de nombreux essais electro pour lesquels je serais incapable d’émettre un avis objectif, mais qui à première écoute ne me semblent pas casser des briques.
A vos agendas ! Ne manquez pas le raz-de-marée surréaliste du label liégeois Freaksville. Phénomène surnaturel qui se produira le 19 janvier prochain sur les planches du Botanique à Bruxelles (http://www.botanique.be ). Une foire aux monstres rock venue habiter les antres de la Rotonde. Lieu élu par le shaman Benjamin Schoos (aka Miam Monster Miam) pour présenter son bric-à-brac underground et, par la même occasion, fêter les 5 ans du jeune label belge. La présence de Laetitia Sadier (chanteuse de Stereolab) viendra couronner cette soirée. ‘Freaksville Record Night 2011’, une expérience dont on ne peut guère espérer sortir totalement vivant.
Instant également choisi pour dévoiler les facettes facétieuses du kaléidoscope « Pan ! Volume 1 » sorti le 20 septembre 2010.
Ce 13 titres est destiné aux amateurs d’humour noir et de rock résolument méchant. Une esthétisation de l’absurde mise en son par des artistes venus de tout horizon musical (rock, punk, blues, pop, chanson française, électro…) et géographique (Belgique, France, Angleterre…) Des univers lointains qui s’accrochent et se rapprochent dangereusement dans le monde androïde de Freaksville. Sans convention, sans prétention, le collectif crache gaiement sur les codes et le formatage.
Un matériau corrosif ‘Made In Belgium’ réunissant les habitués du label (Ufo Goes Ufa, Miam Monster Miam et ses Loved Drones, Lio et Jacques Duvall) et la nouvelle vague rageuse (Anger !, Lynda Wunderbar et Rockhausen). Le riche collectif croise le fer avec le culte et l’atypique et dérègle la fragile mécanique de l’âme. C’est ainsi que les présences toxiques de Marie France (NDR : premier 45 tours punk français jamais réédité), Captain Kirk, Osaka Airline et Patrick Eudeline viennent porter le coup final à l’improbable.
Bref, un rock crasseux et dansant où s’allieraient le bon, le brut et le méchant !
Le label Strut déçoit rarement. Après avoir édité des recueils destinés à vous propulser près des étoiles, la filiale de !K7 propose son nouveau projet. Une nouvelle série de compilations, bien évidemment. Baptisée « Disconnect », elle nous réserve les collections secrètes des leaders du DJing. Qu’elles soient destinées aux dancefloors ou pénètrent le côté obscur de la force.
Leo Elstob AKA Leo Zero est le premier sur la liste. Un DJ et producteur notoire depuis plus de 15 ans. Co-fondateur des nuits deep house Soulsonic, l’Anglais est devenu l’un des remixeurs les plus sollicités en Angleterre. Normal donc que Strut lui fasse confiance. Et normal aussi que Leo Zero soit responsable d’un set explosif à faire suer les dancefloors.
« Disconnect : Leo Zero » navigue sur des eaux houleuses et propose un set combinant afro, disco, reggae, punk. On y retrouve aussi le son de Factory Records (label indépendant fondé à Manchester sur lequel militaient, entre autres Joy Division et A Certain Ratio) ou encore celui de pionniers tels que Can, Brian Eno ou John Cale.
Elstob signe donc une présentation impeccable. L’éclectisme y est de rigueur sans que jamais Leo ne se perde. Sûrement le signe d’un grand DJ. Vazyyy Strut ! On en veut encore !
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