Kazu Makino est née au Japon. Elle joue de la guitare, compose et assure la plupart des parties vocales. Les frères jumeaux Simone et Amadeo Pace ont vu le jour en Italie. Le premier se réserve les drums et les claviers, le second tient également la guitare tout en collaborant au chant. Ils se sont rencontrés à New York et ont décidé, après avoir constaté qu’ils partageaient les mêmes affinités pour Sonic Youth, Slint, Ganger, Big Black et surtout DNA, de fonder un groupe. Choisissant pour nom Blonde Redhead, titre d’une chanson de ce même DNA, ensemble quintessentiel de la no wave. C’était en 1993. Depuis, la formation a déjà enregistré quatre albums. Son dernier " In an expression of the inexpressible ", constituant le plus accessible commis à ce jour. Co produit par John Goodmanson et Guy Picciotto (Fugazi), cette œuvre libère une tension musicale monochrome, née du flux et du reflux de l’instrumentation délicate et puissante. Alors que la conjugaison des guitares jacassantes, carillonnantes, tisse une riche tapisserie aurale chamarrée par la voix gémissante et organique de Kazu, les drums s’agitent dans un groove aride et syncopé. Excellent !
Dix-sept ans après leur séparation, Chris Stein, Jimmy Destri, Clem Burke et Deborah Harry ont donc décidé de remonter le mythe punk/new wave new-yorkais, Blondie. Et vous vous demandez certainement si c’était une bonne idée. D’autant plus qu’en général, la plupart des reformations de ce type puent le fric et débouchent sur un fiasco total… N’ayez crainte, Blondie nous est revenue en pleine forme, comme à la fin des seventies. Oh, oui, bien sûr, Deborah a pris quelques rides, mais elle n’a rien perdu de son timbre vocal sirupeux, vulnérable, malicieux, qui la rendait si sensuelle. Et puis, c’est vrai que l’album concède quelques petites faiblesses ; mais dans l’ensemble, elles sont vraiment insignifiantes. Surtout par rapport aux petites perles que recèle ce " No exit ". Et on pense, ici, notamment au single contagieux " Maria ", saupoudré de ces très caractéristiques sonorités allègres, bringuebalantes ; au futur single " Divine ", à la fois pop et reggae, ou encore à la pureté mélodique de " Nothing is real but the girl ". Sans oublier le disco tribal " Forgive and forget ", la cover des " Shangri La ", " Out in the streets ", le très ‘tex mex’ " The dream’s lost on me ", " Dig up the conjo ", sorte de Donna Summer ( I feel love ?), revu et corrigé par les Eurythmics, lorsqu’ils étaient encore dans leurs starting blocks; et puis bien sûr, le titre maître, version insolite de la célèbre fugue de Bach, hybride de rock et de rap, qui bénéficie de la participation de Coolio. Une bonne surprise, il faut le reconnaître !
Après s’être imposé comme la réponse britannique à Pavement, sur son précédent opus, Blur, vient de prendre un nouveau virage à 180°. En gravant " 13 ", son sixième album. D’abord, et c’est une première, Stephen Street n’assure plus la production, mais William Orbit. Après avoir filé le parfait amour, Damon Albarn et Justine Frischmann, la chanteuse et guitariste d’Elastica, se sont séparés. Une blessure qui s’exprime inévitablement à travers les lyrics de Damon. Mais aussi de la musique. Il règne, d’ailleurs, tout au long de ce disque, une impression de mélancolie déchirante…
Ce morceau de plastique pourrait être divisé en deux parties. Une première plus agressive, plus bruitiste. Exceptions qui confirme la règle, " Coffee & TV ", grisé par une sorte de pop lo fi cool. Puis le single " Tender ", qui a bénéficié du concours du London Community Gospel Choir ". Mais dont le résultat est un peu trop mielleux à notre goût ; un peu comme si le " Give peace a chance " de Plastic Ono Band avait été gonflé par les chœurs gospel de Primal Scream… Une agressivité qui se traduit sur le punkysant Bluremi (Dead Kennedys ?), le grinçant et noisy " 1992 ", le " ledzeppenlinesque " " Swamp song ", et puis sur " Bugman ", fruit de la rencontre entre Bowie circa " Suffragette city " et le Roxy Music originel, c’est à dire lorsque Brian Eno et Bryan Ferry faisait encore partie de la même équipe.
Une agressivité que l’on ne retrouve plus, en deuxième phase, que sur le seul et excellent " Trimm trabb ", composition qui s’ébroue dans le minimalisme vertigineux de Syd Barrett, avant de s’électrifier au contact du ‘batcave’ gothique de Bauhaus. Mais venons-en à ce second volet. Beaucoup plus atmosphérique et surtout expérimental, il passe en revue, tour à tour le krautrock, le psychédélisme, la trip hop, la musique post industrielle et le jazz moderne. Même les mythiques Soft Machine et Wire, ainsi que le plus contemporain Sonic Youth auraient apprécié. Etonnant !
Les Boo Radleys viennent de splitter. Honnêtement, après avoir écouté leur dernier opus, on n’est pas trop surpris. Pas que ce disque soit de mauvaise facture, mais tout comme le dernier elpee d’Oasis, il est beaucoup trop sophistiqué, truffé d’orchestrations, d’arrangements, qui gavent littéralement les mélodies, pourtant superbes, souvent très électriques, enrichies d’harmonies vocales byrdsiennes. Les meilleures compositions sont d’ailleurs les plus beatlenesques, les plus dépouillés, ou alors ceux qui épousent le feeling house de Primal Scream. On pense ici surtout au superbe " Monument for a dead city ", à la fois champêtre et psychédélique, tour à tour Gorky’s Zygotic Mynci et Mercury Rev. Ou encore à " Free Huey ", mais tellement hypnotique, à la limite de l’obsessionnel, qu’il est impossible de ne pas penser aux Happy Mondays. Dommage d’ailleurs que tout le disque ne soit pas de cette trempe. Maintenant, il faudra voir comment Sice, le chanteur qui n’écrit pas, et Martin Carr, le compositeur qui ne chante pas, se débrouilleront l’un sans l’autre, vu qu’ils envisagent d’entamer, chacun de leur côté, une carrière solo…
Comme d’habitude, le nouvel album de Bowie va susciter la controverse. Et pourtant, cet « Hours » constitue déjà son 23ème exercice solo. Ecrit en compagnie de Gabrel Reeves, collaborateur de longue date, il peut se découper en deux volets. Un premier plus contemplatif, presque mélancolique et rêveur, à l’instar du single « Thurday’s child », qui aurait pu figurer dans le répertoire des Tindersticks. D’ailleurs, après avoir écouté les cinq premiers fragments, on est plongé dans une sorte de morosité ambiante. Un peu comme si Bowie avait essayé de nous anesthésier, par le ton de ses chansons. Une forme de stratagème qui lui permet alors de nous entraîner dans un univers plus expérimental. Mais sans artifice industriel grinçant ou sample envahissant. Juste de simples arrangements, même si parfois, ils font appel à la technologie moderne. En obéissant à une seule constante, la préservation d’un sens mélodique, qui lui est propre. Virage donc, à 180°, dès le REMesque « What’s really happening », avant qu’il n’embraie sur le métallique « The pretty things are going to hell », puis de revisiter les seventies avec l’esprit cold wave, sur le déroutant « New angels of promise ». Et là, on retrouve le véritable Bowie. Sa créativité, son talent, son audace, et son image de précurseur…
Pas de panique, ce « Golden greats » n’est pas une compilation, mais le deuxième album solo de Ian Brown enregistré, depuis la séparation des Stone Roses. Un disque pour lequel il a reçu le concours d’une véritable armada de collaborateurs. Des musiciens de studio, bien sûr. Mais également des programmateurs. Ce qui explique pourquoi la plupart des compositions de ce disque courtisent la technologie moderne. Hormis l’intro « Getting high ». Rock blues abordé dans l’esprit du mythique Jimi Hendrix. Mais cette technologie moderne, Ian la filtre à travers l’émotion. En particulier sur les quatre compositions qu’il a écrites en prison. Parce que Brown a été forcé d’y faire un bref séjour. Pour y purger une peine prononcée, non pas dans le cadre d’un délit quelconque, mais pour avoir manifesté un comportement particulièrement outrageant à l’égard d’une hôtesse de l’air… Et si « Free my way », « Set my baby fire », « Babasonicos » et surtout le remarquable et énigmatique « So many soldiers » se révèlent de bouleversants témoignages, de ses méditations vécues au cours de son incarcération, les autres compositions ne manquent pas d’intérêt. La voix distincte et vibrante de Ian y est sans doute pour quelque chose, mais également cette manière si personnelle, si lancinante, si mélancolique, d’aborder la house ou le funk…
Tout d'abord les paroles. Florilège : ‘L'esprit badin, je survis à toutes les afféteries de la putain allouvie’ sur "Le bon celadon". ‘De mon taudis, près de ma fenêtre, je regarde la ville, c'est jour de fête, d'ici mon incurie reste secrète et le désennui viendra peut-être’ sur "Roquerie flasque près de la fenêtre". Ensuite la musique. Outre les instruments traditionnels, cuivres et orgue de barbarie se partagent la texture musicale de l'ensemble des morceaux. Et il est bien difficile de les décrire. Ce qui n'est sûrement pas pour déplaire à Bruno Burgess. Entre rock, minimalisme et folklore, l'album s'écoute paisiblement. Sans pour autant faire tendre l'oreille toutes les 3 secondes.
Les Ruts, Clash, Jane’s Addiction et Alice Cooper constituent incontestablement des références de choix pour le nouvel album de 3 Colours Red. Métallique, punk, tribal hymnique, mais également très mélodique, la musique de ce 3CR peut également se révéler somptueuse. Comme sur le single " Beautiful day ", une chanson enrichie d’orchestrations de cordes philspectoriennes, mais également glamoureuses, à l’instar d’un Blue Oyster Cult, plutôt que de New York Dolls. Bref, cet ensemble crache, tout au long de ce " Revolt ", son vitriol sonore ; mais avec la dose de subtilité nécessaire et indispensable pour ne pas tomber dans le hard rock. La voix épileptique, éraillée, fiévreuse et terriblement vindicative de Peter Vuckovic, adrénalisée par la frustration, le nihilisme et probablement la schizophrénie, se chargeant d’éliminer toute équivoque à ce sujet…
Premier album pour ce quatuor belge dont on devrait reparler dans un futur proche. Et pour cause. Cet opus recèle quelques petites perles musicales comme on aimerait en cueillir plus souvent. Plus d'une heure au cours de laquelle on a droit à un aperçu de tout ce qui s'est fait de mieux, au cours de ces dix dernières années, dans le domaine de la musique américaine alternative. 10.000 Women Man consomme ainsi aussi bien l'énergie électrique d'un Bush, le mysticisme d'un Pearl Jam ou d'un Live, le metalcore d'Alice In Chains que le romantisme douloureux d'Afghan Whigs. L'ombre de Faith No More plane même lorsque les synthés s'installent dans les guitares saignantes, puissantes de "I Don't Mind" qui clôt ce premier album. N'allez cependant pas imaginer que ce disque est parfait. Un premier album reste un premier album. N'allez pas non plus conclure que cette formation se contente de pasticher la scène yankee. Ce serait un peu court. Car 10.000 Women Man a le bon goût d'ajouter dans son expression une touche de noir/jaune/rouge. Un feeling assez unique qui a permis à des formations comme dEUS, Zita Swoon et consorts de se frotter à la scène internationale.
Fiona joue du piano depuis l'âge de huit ans. Avec un talent certain. Elle chante également. D'une voix hantée par des inflexions qui nous rappellent quelque part Melanie, sans pour autant épouser son timbre frénétique. Mais surtout, elle écrit ses propres chansons. Elle estime d'ailleurs être plus littéraire que musicienne. Racontant avec une pertinence inébranlable et une élégance poétique, ses aventures amoureuses, mêmes avortées. Et sur son deuxième album, elle épanche ces confessions à travers des compositions tour à tour mélancoliques, moelleuses, convulsives et mêmes rageuses. Cependant, les arrangements ciselés par John Brion sont tellement raffinés, sophistiqués même, que les chansons en perdent leur fraîcheur originelle. Dommage !
Fiona joue du piano depuis l'âge de huit ans. Avec un talent certain. Elle chante également. D'une voix hantée par des inflexions qui nous rappellent quelque part Melanie, sans pour autant épouser son timbre frénétique. Mais surtout, elle écrit ses propres chansons. Elle estime d'ailleurs être plus littéraire que musicienne. Racontant avec une pertinence inébranlable et une élégance poétique, ses aventures amoureuses, mêmes avortées. Et sur son deuxième album, elle épanche ces confessions à travers des compositions tour à tour mélancoliques, moelleuses, convulsives et mêmes rageuses. Cependant, les arrangements ciselés par John Brion sont tellement raffinés, sophistiqués même, que les chansons en perdent leur fraîcheur originelle. Dommage !
Second opus pour ce quintette issu de la ville lumière. Et quel second opus ! Une petite merveille comme peuvent le concevoir certains artistes francophones. Malheureusement, leur production est rarement diffusée sur les stations à grande écoute qui préfèrent matraquer des chanteurs de variétés ou des produits anglophones de seconde zone. Enfin ! Ne revenons pas sur ce débat et parcourons un peu ce succulent " Extraversion ". Côté musical, on le situerait entre la pop atmosphérique de Kat Onoma et le rock engagé, énergique de Noir Désir. Parce que si Aston Villa cultive les vertus puissantes, torturées, psychédéliques des guitares, il entonne, le plus souvent, ses refrains sous la forme de véritables slogans que l’on peut inlassablement reprendre en chœur. Et si la technologie moderne donne aux chansons un caractère très professionnel, très ‘clean’, la formation garde jalousement une sensibilité sentimentale digne des Innocents. Côté lyrics, l’humour et l’ironie sont omniprésents. Un exercice de style que Jacques Dutronc manœuvrait à la perfection. Avec provocation, mais sans agressivité. Juste de quoi susciter la réflexion. Un univers au sein duquel jeux de mots et collages de phrases s’articulent, le plus souvent, autour d’un véritable message. Pas pour rien, d’ailleurs, que le combo ait choisi de reprendre " J’aime regarder les filles " de Patrick Coutin. Mais ce qui nous semble le plus consternant, c’est que si cet " Extraversion " constitue probablement un des meilleurs albums français parus au cours de ces 5 dernières années, il risque fort de faire les frais de son intelligence et de son originalité…
Le groupe suisse, qui a ouvert pour Deep Purple sur sa dernière tournée française, est produit par Chris Von Rohr, ex chanteur de Krokus, copie conforme d’AC/DC dans les années 80. Superstars dans leur pays natal, les helvètes sont de retour avec Open un cinquième album qui devrait asseoir définitivement leur réputation. Exit la puissance brute d'antan, et place à un rock FM teinté de groove, avec davantage de chœurs, de claviers et d'influences sixties. L'esprit de Bon Jovi plane sur les ballades " Let it rain " et " You ", tandis que " Blackberry way ", avec son intro clin d’œil à l'agent secret british le plus célèbre du monde, nous replonge dans l’univers du pur rock’n roll. Diversifié, soigné et très américain, l’album est à déconseiller aux férus de techno-grunge, de hardcore fusion ou de black métal norvégien !
Grip Inc. n'est autre que le projet de Dave Lombardo, ex-batteur de Slayer. Album d'une splendeur et d'une envergure remarquable, " Solidify " constitue le troisième effort du groupe. Sur cet album, il démontre qu'il a su se forger un style propre, subtil cocktail d'imagination et de puissance qui laisse un sérieux espace de liberté au guitariste Waldemar Sorychta, bien connu des amateurs pour avoir produit les plus grands classiques du gothic métal (The Gathering, Tiamat, Samael…). Avec le titre " Bug juice ", les puristes de la technique pourront découvrir de nouveaux plans acoustiques inspirés du jazz-rock, école AI Di Meola, tandis que les amateurs de power métal trouveront en Griefless un futur grand classique du genre.
Si un groupe de black métal a su gagner le respect des spécialistes du genre, c'est bien Immortal ! Après trois essais plus ou moins convaincants, les Norvégiens ont enfin réussi leur coup en nous livrant " At the heart of winter ", un album qui deviendra probablement la sensation métal de cette fin de siècle. Pourtant on voyait plutôt d'un mauvais œil la sortie du nouveau Immortal qui déboule sur le marché presque simultanément avec les plaques de Dimmu Borgir, Emperor et autre Marduk, de solides concurrents. Si l'influence de Maiden et Anvil est quasiment palpable en permanence, on notera l'utilisation parcimonieuse d’aériens arpèges de guitares qui, selon le leader du groupe, ‘doivent évoquer la neige, le froid, et les lacs glacés du Grand Nord’. Fresque majestueuse, épique et tranchant, à la gloire de la nuit polaire, " At the heart of winter " libère des émotions jamais atteintes dans le black métal. Soulignons enfin la superbe pochette signée Jean-Pascal Fournier.
Pour célébrer la reformation de son line up original, le groupe de heavy métal Iron Maiden a proposé à ses fans un référendum via intemet pour élire leurs 20 morceaux favoris qui figurent aujourd'hui sur la compil Ed Hunter (EMI), doublée d'un jeu vidéo conçu par le groupe. Basé sur l'imagerie macabre des pochettes des albums et des singles de Maiden, le jeu Ed Hunter jouit d'un graphisme spectaculaire et s'adresse prioritairement aux inconditionnels de la vierge de fer. Le joueur incarne un détective privé qui a pour mission de libérer Eddie (mascotte du groupe) retenu dans un hôpital psychiatrique et de le suivre où qu'il aille. Avant d'atteindre le septième niveau et de survivre à une ultime attaque, il faudra traverser une mer de magma, survivre à l’Egypte ancienne, s'aventurer dans un cimetière, et voyager dans le temps à bord d'une machine. Les ennemis sont des voyous, des médecins fous, des momies qui attaquent à coups de bouteilles, de briques ou d'ours en peluches ! Jeu d'action en plan subjectif, Ed Hunter disponible en cd rom version compatible PC (Windows 95/98), est en vente chez les disquaires dans un box qui comprend également le double album compilé...
Attendu au dernier festival de Dour, Korn, le groupe américain phare de la scène néo-métal, a été contraint de déclarer forfait, pour cause de travail en studio. " Issues " est donc le fruit d'un travail de longue haleine ! Rendu énorme grâce au soutien d'MTV (NDR : notamment !), le groupe du boss Jonathan Davis ne pouvait se permettre de décevoir ses fans après un " Follow the leaders " jubilatoire. Plus que jamais, Korn combine hardcore, métal et hip hop, avec une classe évidente, renforcée par une production signée Brendan O'Brien, garantie d'un son bétonné. A classer aux côtés des derniers Coal Chamber, Filter et Rage Against the Machine. Soulignons qu'un bonus CD qui renferme des versions remixées de " classiques " et le très dispensable Jingle Balls est disponible sur le premier pressage européen, en édition limitée.
Remarqué l’an dernier grâce à un tout aussi grandiose qu’effrayant " Nexus Polaris ", Covenant a été contraint de changer de nom afin d’éviter certains déboires promis par le groupe électro-gothique qui porte le même patronyme. Covenant est mort ! vive The Kovenant ! Avec " Animatronic ", titre qui n’est pas sans évoquer une œuvre du gourou Marylin Manson, le trio a opéré une sérieuse métamorphose, insufflant à son black metal des éléments industriels, des bidouillages électroniques, du groove façon Samael, et, c’est de bonne guerre de nos jours, de sublimes chœurs féminins. Les puristes du métal le plus noir vont renier le trio norvégien. Cela ne fait pas l’ombre d’un doute ! Les amateurs de Samael, Rammstein et du dernier Moonspell verront en " Animatronic " ‘the next big thing’ du nouveau millénaire ; car c’est bien de métal du futur dont il est question tout au long de ce pavé electro-métallique dont les dix titres sont enrobés de multiples effets. Notons enfin, la très inattendue et sulfureuse reprise du " Spaceman " du groupe pop Babylon Zoo. Incontournable ! Et vous ne pourrez pas dire que vous n’avez pas été prévenus !
1976-1999 : pas moins de 23 ans séparent la sortie du premier album de Machiavel et ce double live, témoignage d’une solide fiesta, consentie un soir de décembre 96, à l’AB. Initiée cette même année à l’occasion de la Fête à Jean-Luc de Sttellla au Francofolies de Spa, la reformation des héritiers nationaux de Yes Genesis et autre King Crimson a été accueillie à bras ouverts par plus de 30.000 anciens et nouveaux fans. Moins de trois mois après sa sortie, ce double CD live, enregistré avec la complicité de Fonck et de Thielemans, s’était déjà écoulé à plus de 12.000 exemplaires. Si vous ne possédez pas encore le fameux " Best of " paru en 96, et que vous souhaitez avoir une vue globale de la carrière de Machiavel, ce " Live " mérite sa place dans votre compactothèque.
‘Nous avons été très heureux de nous retrouver sur scène après quinze ans de séparation’, éclarait le batteur Marc Isaye à l'issue du concert de Machiavel à la maison de la culture de Toumai. "C'était surtout pour nous l'occasion de revoir nos fans une dernière fois ". Pourtant, ce qui devait être initialement un adieu à la scène s’est mué en un authentique come-back. Machiavel a vendu plus 25 000 exemplaires de son " best of ", et a aligné près de quarante concerts en l'espace d'un an, confirmant son statut de groupe culte dans la galaxie du rock progressif. Aujourd'hui, avec un " Virtual sun ", qui évoque davantage Led Zeppelin et Pearl Jam que Yes, l'année commence plutôt bien pour le quartet, renforcé par la présence de l'excellent et très jeune claviériste Hervé Borbé, également membre du groupe Now. Sans pour autant dénigrer son passé d'admirateur de musique progressive, Machiavel, contrairement à l’attente générale, évolue dans un registre contemporain, conjuguant sa connaissance des mélodies éthérées à sa récente orientation colorée métal alternatif. À lui seul, le titre " Down on my knees " justifie l'achat de " Virtual sun ", album d'une maturité musicale indéniable.
C’est à l'Enghiennois Xavier Carion (ex-Chanel Zero) que Manic Movement doit l'excellente production de " Thousand Sufferings", un album qui devrait donner un sérieux coup de fouet à la scène hard belge, moribonde depuis le split de Channel Zero. À la fois mélodique, nerveuse et gothique, la musique du sextet est capable de mettre sur la même longueur d'ondes les fans de death, de trash et de métal atmosphérique, tant les influences du combo sont diverses. Et même si certains incontournables clichés n'ont pu être évités, l'utilisation parcimonieuse d'instruments classiques (flûtes, violons violoncelles) apporte une touche de fraîcheur aux dix compositions, dont la plus étonnante demeure la reprise du fameux Amsterdam de Brel, en version française. " Car adapter une œuvre de ce géant de la chanson en anglais aurait été un sacrilège ", insiste Maarten, vocaliste aux multiples facettes d'un groupe sur lequel il faudra désormais compter…
Après Deep Purple, Malmsteen et Lacrimosa, c’est au tour de Metallica de faire rimer métal et symphonie, quitte à essuyer quelque volée de bois vert de la part des aficionados des années " pures et dures ". De prime abord " contre nature ", la rencontre du plus grand groupe de heavy metal des années 90 avec l’orchestre symphonique de San Francisco s’est concrétisée grâce au compositeur Michael Kamen en avril dernier, dans la ville natale des " four horsemen ". Choc des cultures ? Peut-être, mais le résultat est somptueux ! Deux CD live, dix-huit titres (dont deux inédits), cent trente minutes de metallico-symphonie, desservis par un son énorme rendant enfin hommage aux harmonies et à la musicalité des plus belles pièces des précurseurs du Trash américain. S & M (traduisez symphonie et Métallica), sera sans nul doute une source de débats sans fin, mais constitue à la fois une étape importante dans la carrière du groupe et une curiosité. Une curiosité où se côtoient les excellents " For whom the bell tolls ", The call of the Ktulu ", " Battery ", les très bons " Sad but true ", " Master of Puppets " ainsi que les anecdotiques " Devil’s Dance " et " Memory remains ".
Ce que d’aucuns annonçaient déjà comme une sombre caricature du ‘number one du hard grand public’, voire une grosse opération de marketing, se révèle au final un vrai bon disque, comme si Metallica venait de signer sa Symphonie fantastique…
En octobre 98, Fernando Ribeiro, mentor du groupe portugais Moonspell, annonçait qu’il avait la ferme intention d’enrober son métal de sonorités synthétiques. Un an plus tard, arrive The Butterfly Effect, œuvre aux résonances industrielles et avant-gardistes, à l’image des derniers Megadeth et Samael. Moins gothique que " Sin pecado ", mais nettement plus radical, la plaque est aussi sans nul doute la réalisation la plus diversifiée de Moonspell qui semble avoir enfin avoir trouvé sa propre identité, faisant fi des commentaires acerbes des fans de la première heure qui reprochent au combo d’avoir oublié ses racines black-death. Dénué de refrains accrocheurs et de hits potentiels, " The Butterfly Effect " nécessite plusieurs écoutes avant de pouvoir être apprécié à sa juste valeur. Douze nouveaux titres, au son énorme, renforcés par les vocalises douces-amères d’un Fernando Ribeiro au sommet de son art !
Le titre aux consonances digitales de la nouvelle plaque de " My Dying Bride " correspond parfaitement aux sonorités contemporaines qu'exploitent désormais les maîtres du heavy atmosphérique anglais. Truffées de résonances propres à la Cyberculture, ces nouvelles compositions donnent dans l'expérimental, sans pour autant gommer la marque de fabrique du combo qui n'a jamais caché le culte qu'il voue à Black Sabbath. Si les synthés se font plus présents, et le violon plus discret, le chant demeure plaintif et lugubre, la guitare bien lourde et l'atmosphère plus romantique que jamais. Avec " Heroin chic ", seul titre qui pourrait désorienter le fan de la première heure, My Dying Bride évolue carrément dans le style ambient, tandis que la plage d'introduction, longue de douze minutes, emprunte les lignes mélodiques d'Iron Maiden brutalement interrompues par un break aérien digne du Floyd.
My Dying Bride a toujours été une formation à part, sur la scène métal européenne. Affilié en début de carrière au death, il a rapidement affiché des prétentions nettement plus ambitieuses. Ainsi, avec l’excellent et expérimental 34 788 % paru fin 98, le groupe de Bradford incorporait, à son rock ténébreux, des éléments électro et même trip-hop, déconcertant les fans de la première heure. Avec " The, light at the end of the world ", sa nouvelle plaque, la formation renoue avec un métal d'une lourdeur écrasante, sombre, romantique, dépressif et souvent très lent, évoquant le Black Sabbath old school et les premiers Trouble. Rien de vraiment nouveau à l'horizon, mais une œuvre tout simplement belle, touchante, à écouter à haut volume les jours de grisaille. On regrettera juste l'absence du violoniste Martin Powell, dont les parcimonieuses interventions accentuaient davantage le caractère mélancolique des compositions d’un groupe qui fait aujourd'hui figure de référence.
Old Man's Child, originaire d'Oslo, possède toutes les qualités pour séduire les adeptes de Dimmu Borgir ou de Cradle of Filth. Après deux albums dédiés au métal le plus sauvage, l’enfant du vieil homme a décidé de rendre grâce au genre d'une autre manière, avec autant de puissance mais davantage de mélodie. Sur Natured spiritual Invasion, le groupe défriche de larges horizons, conjuguant harmonies glaciales, tempos speedés et breaks atmosphériques. Si cet album n'est pas exempt de tristesse, loin s'en faut, il est néanmoins chargé d'émotions positives dans un univers où l'envie d'expérimenter de nouveaux sons est clairement exprimée. Old Man's Child ne manque ni de personnalité, ni d'imagination. Il appartient à une scène qui atteste que les Norvégiens sont en train de réinventer le vrai heavy métal !
Avec Def Leppard et Iron Maiden, Saxon demeure l'unique survivant le la vague British métal du début des années 80, scène dont il était un des plus dignes représentants. Des monuments tels que " Wheels of steel " ou " Crusader " avaient permis au groupe de s’imposer comme leader du genre, avant de commettre quelques erreurs discographiques incontestables. En chute de vitesse depuis l'avènement du grunge, Saxon revient aujourd'hui avec un Metalhead empreint de nostalgie eighties, mais au son résolument moderne, dégageant une énergie telle qu'on aurait presque tendance à croire que Biff Byford et compères sortent tout droit d'un cure de jouvence. Taillé pour les amateurs d'un métal pure souche aux refrains accrocheurs, les onze nouvelles compositions sonnent finalement bien moins datées que certaines productions actuelles.
Sur sa dernière œuvre intitulée " Vovin ", le groupe scandinave Therion emmène l'auditeur encore plus loin dans une démarche musicale qui allie la puissance du heavy-rock à de magnifiques envolées lyriques. La formation a pris l'initiative d'adapter le métal à l'opéra, et non l'inverse, donnant une coloration unique aux onze titres qui jalonnent un album qui ne tardera pas à devenir un classique du genre. Dès l'introduction, il s'opère une véritable symbiose avec cette alliance de hard gothique à des choeurs d'opéra soutenus par un orchestre symphonique. Le tout entrecoupé de petits chorus à vous donner le frisson, un peu comme si le grand Jimi en personne était descendu de son nuage jeter quelques notes avec finesse. Soulignons enfin la superbe présentation digipack et le livret très soigné qui renferme, outre de très belles gravures, l'intégralité des textes des chansons. Un must !
Après le succès plus que mitigé de l’envoûtant et introspectif " Deeper kind of slumber ", Tiamat donne un grand coup de balai dans son métal atmosphérique en rendant hommage à Bauhaus et Sisters of Mercy, précurseurs du mouvement gothique des eighties. Si les textes de Johan Edlund sont toujours aussi tourmentés, les compositions ont gagné en puissance et se révèlent plus facile à mémoriser, même si l’ombre du Pink Floyd époque Syd Barret plane toujours sur l’œuvre, dans son ensemble. " C’est un album urbain, alors que les précédents étaient inspirés par la nature ", souligne le leader du désormais trio. Rien d’étonnant alors que la formation se soit appliquée à triturer le classique des Stones " Sympathy for the devil ", revu dans une version vaporeuse et rendu méconnaissable, histoire de rappeler aux plus sceptiques qu’il existe bien un son et un style propre à Tiamat, un des groupes qui aura marqué incontestablement le métal contemporain. Hautement recommandable !
Révélation incontestable du festival de Dour, catégorie rock plombé, 7Zuma7 débarque avec un album qui fera date dans l’histoire de la scène dite Stoner. Fils spirituels de Black Sabbath, d'Hendrix et de Kyuss, les Hollandais s'imprègnent de tous les éléments qui ont jadis façonné le psychédélisme des années 70, poussant même le vice jusqu’à utiliser de vieux amplis à lampes et la fameuse pédale wah wah. Selon Dave Wyndorf, leader de Monster Magnet, " Deep inside " est le meilleur album, qu'il ait entendu depuis des lustres! Et Dieu sait si le bonhomme en connaît un bout en matière de musique qui tache. Néanmoins, cet album n'est nullement passéiste ; et même s'il recèle une panoplie de clichés seventies, son déroulement s'inscrit parfaitement dans l'air du temps. Grosses guitares, batterie suramplifiée, breaks speedés... de quoi faire le bonheur de plus d'un secoueur de tête.
Souvent comparé à Pink Floyd, Anathema appartient aujourd’hui à une nouvelle race de groupes affiliés à la scène métal atmosphérique, alors qu’il pratiquait à ses débuts un doom/black redoutable, tout comme son compatriote My Dying Bride. De l’eau a coulé sous les ponts depuis la création du " tourmenté quatuor " ! Un simple survol de l’album " Judgment ", dernière perle du combo de Liverpool, suffit pour balayer d’un revers de la main tous les préjugés des détracteurs du heavy metal, tant la sensibilité dégagée par le quatuor est intense. Cristalline, mélancolique, émouvante, la musique d’Anathema atteint des cimes d’émotion, à la lueur d’arrangements aériens et de sonorités envoûtantes. A classer dans votre discothèque entre " Wildhoney " de Tiamat et " Brave" de Marillion. Incontestablement un des albums de l’année dans cette catégorie !
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