Tout est dit en moins d’une minute.
En une langoureuse introduction qui s’envole vers les altitudes d’un folk dépouillé où chaque note se fait caressante, « Toucan » nous emmène immédiatement à l’essentiel et en annonce d’emblée le programme.
C’est beau, chante Julii Sharp aux premières mesures du morceau d’ouverture. Et en effet. C’est simple, c’est beau, c’est évident. Et on se surprend à penser que rien ne doit être autrement qu’en cet instant de grâce suspendue, où tant de choses sont exprimées avec si peu de moyens.
Celle qui a fait ses premières gammes en vociférant sur Alanis Morissette ou Francis Cabrel confesse une épiphanie artistique à l’écoute de Marie Laforêt. Sa capacité à associer la langue française aux sonorités folk, sans sacrifier l’une à l’autre, a ouvert pour la jeune chanteuse d’alors, les portes d’une nouvelle façon d’aborder la musique. Et mystérieusement, si en écoutant cet Ep, on songe plusieurs fois à Hope Sandoval et ses atmosphères rêveuses et hypnotiques, le miracle se produit surtout quand Julii chante en français : elle sait alors nous prendre par la main et nous guider vers des territoires inexplorés où l’on se sent pourtant immédiatement en terrain connu.
Sur ces nappes de pureté pop en apesanteur, l’auditeur.ice comblé.e n’a qu’à se laisser bercer, se perdre sans penser plus loin.
Tout est dit en moins d’une minute. Puisse-t-elle durer une éternité́.
Regardez et écoutez le clip « Toucan » là
Sharp Treble est une formation liégeoise responsable d’un hard rock mélodique, plus que probablement inspiré par Kiss, Aerosmith, Guns N’Roses, Van Halen et même le Steve Miller Band. Entre autres. La power ballad « Sometimes » lorgnant même vers les Scorpions. Bref, le quintet se nourrit essentiellement de références 70’s. « Thylacine » constitue son deuxième elpee, un disque qui libère une belle énergie, mais pêche quand même par une uniformité de ton. Même la voix ne sort jamais de son confort. Pas qu’il serait souhaitable qu’elle soit hurlée (NDR : ce qui serait une très mauvaise idée), mais on l’aimerait plus naturelle, moins FM. Les compos son émaillées de solos de grattes judicieux, le tempo est souvent binaire et les compos délivrent un chouette groove. Donc, cet opus devrait plaire aux babas cool d’une certaine époque…
Le déjà légendaire John Carpenter n’en finit plus d’être célébré grâce à des écrins musicaux successifs via la très influente maison Sacred Bones. Après les « Lost Themes », cette nouvelle « Anthology » permet cette fois au maître ès-horreur de reprendre les thèmes musicaux du genre parus entre 1974 et 1998, toujours en compagnie son fils Cody et son filleul Daniel Davies. Difficile de ne pas tomber en admiration devant la modernité des claviers chers à Carpenter dès le milieu des années 70. Les B.O. qui ont sonorisé des classiques tels qu’‘Halloween’ ou ‘Assaut’ figurent, mais sous de nouvelles versions, au générique de ce véritable album. Entre synthés atmosphériques un peu cheaps et réelles influences métal (« In the Mouth of Madness »)…. Carpenter s’offre également des reprises étonnantes d’Ennio Morricone et Jack Nitzsche des scores respectifs de ‘The Thing’ et ‘Starman’. Ces classiques prouvent que la notoriété et les frissons des œuvres qu’ils illustraient leur devaient énormément !
Ben Harper est un artiste très populaire. Pourtant on ne lui connaît guère de hits. Ce qui ne l'empêche pas de se produire à guichets fermés. Son dernier passage à Forest National en est une nouvelle illustration. Tout comme pour celui accordé au Zénith de Lille. Face à un public particulièrement enthousiaste, il s'est livré corps et âme en dispensant un 'retropoprock' largement influencé par le blues, quoique légèrement pigmenté d'un zeste de reggae et de gospel.
Bien rôdé et très pro, le sextet s'est fendu d'un set très varié, dynamique et à l'enthousiasme communicatif. Harper n'en oublie pas pour autant de diffuser un message aussi clair que respectueux : 'we could make a better way to this world with our own two hands'. Un message politique empreint de paix et de la tolérance. La main sur le cœur, Harper veut contribuer à rendre le monde meilleur par sa musique.
Le concert s'est ouvert par un court montage vidéo : l'arrivée du groupe à Lille, la préparation du matériel par les roadies et les séances de répétition des musiciens. Rien qu'en visionnant ces images, le public devenait presque dingue. Dans son style reggae, « Steal my kisses » était la parfaite mise à feu. « Don't take that attitude to your grave » et « With my own two hands » permettait au groupe de trouver la bonne vitesse. Des chansons très profondes, au cours desquelles Harper a sollicité le public. Sa solidarité. Sa participation ! En lui demandant notamment de lever les deux mains au ciel. Amorcé sur un ton acoustique, « Diamonds on the inside » s'est révélé davantage intimiste. L'accent a été ensuite placé sur les compos de son dernier opus, « Both sides of the gun ». Et en particulier le très tendre « Waiting for you » ainsi que le titre maître, un morceau puisant mais traversé d'une touche de soul, au cours duquel son inséparable ami, le bassiste Juan Helson, s'est réservé une bonne part des vocaux. La réputation de Ben Harper à la slide (NDR : une Weissenborn !) n'est pas usurpée. Il l'a réservée à « Ground on down ». Une compo très seventies, hantée par l'esprit de Jimi Hendrix. Plus écrasant, « Black Rain » a permis à Helson d'étaler tout son talent à la basse, dans la meilleure tradition de Les Claypool (Primus). Le set a tellement tenu le public en haleine que l'heure et demie est passée trop vite.
Le groupe a accordé deux rappels. Soit une petite heure de bonus. Harper a d'abord interprété quelques morceaux en solitaire. Sa voix et sa guitare acoustique. Il y a démontré toute sa virtuosité tout au long de chansons intimistes comme « Never leave lonely alone », « There will be a light », « Another lonely day » et « Walk away ». Flanqué de ses Innocent Criminals, il nous a invité à participer à la messe du dimanche, un office célébré par « Where could I go ». Le concert a vécu son apothéose lors de la cover du « Get up Stand Up » de Bob Marley ; mais aussi lorsqu'il a interprété « Burn one down » ainsi que « I believe in a better way », compo amorcée par des sonorités indiennes. Envoûté, le public a repris en chœur cette chanson ultime consacrée à la tolérance.
Les mots manquent pour qualifier ce concert : plus qu'impressionnant, il a frôlé le sublime. Tantôt intimiste, tantôt puissant ou dynamique, il a convaincu les plus sceptiques et ravi l'ensemble du public. Un set de presque deux heures et demie accordé par Ben Harper & The Innocent Criminals qui sera à marquer d'une pierre blanche. Et puis, à l'instar d'un Michael Franti, le message est tellement fort, qu'il nous incite à travailler (in)consciemment à la construction d'un monde meilleur !
Traduction: Hendrik Tant (Adaptation Bernard Dagnies)
Organisation: France Leduc Productions
« Hardcore Problem Solver » constitue le dernier Ep d’Adam Carpet. Pour la circonstance, le combo milanais a épousé un profil plus électro que lors de son précédent album, « Parabola ». La musique des Transalpins pourrait être qualifiée de post électro-pop, car elle est souvent instrumentale (« Rock is Dead, Mambo is Not ») tout en n’oubliant jamais sa forme sautillante et mélodique, à l’instar d’une plage comme « Hector Mann ». Rafraîchissant !
Ben Harper, 48 ans, et Charlie Musselwhite, 74 balais, se produisaient à la Madeleine de Bruxelles, ces 13 et 14 avril. Votre serviteur a été accrédité pour le deuxième jour. Né dans le Delta du Mississippi, Charlie a publié 35 albums. Et Ben, tour à tour flanqué de The Innocent Criminals, The Blind Boys of Alabama ou Relentless Seven, une bonne quinzaine, sans compter ses collaborations. Dont celle que les deux artistes ont entamée en 2013 et qu’ils ont traduite par deux elpees, « Get up », paru il y a quatre ans, et « No Mercy In This Land », en mars dernier. Harmoniciste légendaire, Musselwhite a notamment bossé en compagnie de Bonnie Raitt, The Blind Boys Of Alabama, Tom Waits, INXS et Neil Young. Harper se sert très souvent d’une Weissenborn électrifiée ou pas (NDR : une gratte d’origine hawaïenne), qu’il pose sur les genoux. Mais également d’autres guitares, dont la plupart sont de véritables objets de collection. Particulière, sa technique à la slap slide, caractérisée par un appui sur les cordes à l’aide d’une tige en acier, est héritée des joueurs de blues du Mississippi.
Le duo est soutenu par Jimmy Paxson, aux drums, planté sur une estrade, Jesse Ingalls à la basse et Jason Mozersky, à la seconde gratte. La déco est intimiste. Dès que les musicos débarquent sur le podium, Ben lève les bras au ciel, et salue l’auditoire. Charlie sourit. Il a emmené une valise qui doit contenir au moins une douzaine d’harmos. Il y plonge la main et en extrait un exemplaire. Et déjà les applaudissements fusent. Blues plutôt classique, « When I Go » ouvre le set. Les sonorités des cymbales suggèrent une poursuite exécutée par des alligators. Une voix semble émerger des marais humides du Bayou. Ben troque sa sèche contre une électrique pour « Bad Habits ». Si depuis le début du concert, la paire est assise, elle se lève pour attaquer ce blues classique. Un style au sein duquel le Californien excelle, même si en général, il ne pratique pas un blues pur et dur. En outre, on peut affirmer qu’il a de la présence sur les planches. Il se rassied et attaque « The Blues Overtook Me », à la lap slide, alors que debout, derrière le micro, Charlie signale ‘que le blues est dans la maison ‘. Et il chante. Un rôle qu’il ne se réservera qu’à trois reprises
Tout au long de « I Ride At Dawn », Harper et Charlie opèrent une rencontre subtile entre le Delta du Mississippi et le blues chicagoan. La gratte du premier cité semble hantée à la fois par Robert Johnson, John Lee Hooker et Lightning Hopkins, pendant « Get Up », alors que l’harmo du second, l’est plutôt par Sonny Boy Williamson et Little Walter. Et son souffle enveloppe les riffs bien mélodiques tracés par Ben à la six cordes. Lorsque l’harmonica est mis en exergue, le natif de Calremont prend un peu du recul pour laisser son compère totalement s’exprimer. Le show recèle cependant des moments plus rock, comme « Found The One ». Lors de la ballade instrumentale, « Nothing At All » Harper siège derrière le piano, alors que les interventions à l’harmo de Musselwhite s’intègrent naturellement à l’ensemble. La voix de Ben est empreinte de mélancolie tout au long de la reprise du « When Love Not Enough » de Memphis Minnie et Kansas Joe McCoy. Et le show s’achève par « Levee Breaks ».
Après 10 minutes d’interruption, le team remonte sur l’estrade pour accorder 5 titres. Tout d’abord le burné « The Bottle Wins Again ». Puis, une version du « Yer Blues » des Beatles. Mais surtout « All That Matters Now », que chante Ben a cappella, face à un auditoire silencieux et sous le charme. De quoi en avoir les larmes aux yeux. Un concert de 120 minutes qui nous a laissé des poussières d’étoiles dans les mirettes. Si vous avez encore l’occasion d’assister à un concert de Ben Harper et Charlie Musselwhite, ne manquez pas l’aubaine ; car Charlie n’est plus de première jeunesse…
(Organisation : Live Nation)
Setlist : « When I Go », « Bad Habits », « The Blues Overtook Me », « Love And Trust », « I Ride At Dawn », « Get Up », « I Don’T Believe A Word To Say », « Movie On », « I'm in I'm Out and I'm Gone », « Nothing At All », « Trust You To Dig My Grave », « Found The One », « I’m Going Home », « Bloodside Out », « When Love Not Enough » (Memphis Minnie & Kansas Joe McCoy cover), « Levee Breacks ».
Rappel : « No Mercy In This Land », « The Bottle Wins Again », « Long Legged Woman », « Yer Blues » (Beatles cover), « All That Matters Now ».
Pour les photos, c’est ici (CréditLéonce Collet)
Ce saxophoniste roule sa bosse depuis un quart de siècle. Ses débuts remontent à 1980. A cette époque, il sévit chez Alka-Phonics, un groupe issu de son patelin, à Greensboro, en Caroline du Nord. A cours des nineties, il accompagne d’excellents gratteurs comme Tinsley Ellis ou Jimmy Thackery. En 2004, il s’est établi à la Nouvelle Orléans. Il a publié, fin 2008, "Tolling in obscurity", son premier elpee solo. Depuis, il ne cesse d'être sollicité. Et pour cause, il rallie les backing groups d'Eric Lindell, de Walter Wolfman Washington, et plus récemment, de Mike Zito, en l’occurrence The Wheel. "Plays the blues" constitue son second opus personnel. Il a été enregistré au sein des studios Nola à New Orleans, sous la houlette du son ami Mike Zito. Ce dernier se charge de la guitare et des vocaux qu’il partage auprès de Jimmy ! Le tracklisting réunit essentiellement des reprises signées par des légendes du blues. Et plusieurs amis du souffleur sont venus apporter leur concours lors des sessions.
L’elpee s’ouvre et s’achève dans le r&b. Traité dans un style Memphis, le "You belong to me" de Magic Sam entame les hostilités. Mike Zito brille déjà au chant et aux cordes. Carpenter introduit le "Too late" de Willie Dixon (NDR : le légendaire Little Walker, l’avait traduite en succès, il y a bien longtemps), une piste imprimée sur un tempo enlevé. Jimmy ne tient pas en place et explose son saxophone. Plusieurs plages instrumentales le mettent d’ailleurs en exergue. A l’instar du blues lent "Jimmy plays the blues", du "Surf monkey" de Freddy King, au cours duquel Tinsley Ellis se consacre aux cordes, du "Slow soul" de Sam Cooke et du "Preach" de King Curtis. Lewis Stephens siège derrière le piano tout au long du blues/rock "Kid in my head", un des trois meilleurs morceaux du long playing. La cover du "Blues with a feeling" de Little Walter est également remarquable. Et enfin le classique d'Otis Rush, "All your love", au cours duquel Zito excelle au chant et aux cordes.
Fondé en 2010, Erin Harpe and The Delta Swingers est un quartet issu du Massachusetts. Erin en est bien sûr le leader. Il se réserve le chant et la guitare. Il est épaulé par le bassiste Jim Countryman, l’harmoniciste Matt Prozialeck et le batteur Kendall Divoll. "Big Road" constitue le second opus du band. Il fait suite à "Love whip blues", paru en 2014. En outre, le même line up se produit sous le patronyme de Lovewhip, mais dans un registre electro funk.
Erin a également assuré la mise en forme de ce nouvel elpee. Un disque découpé en dix plages, dont trois compositions personnelles et des reprises qui reflètent bien son attachement au blues originel du Delta.
Plage d’ouverture, "Kokomo" est également la meilleure. Une version énergique d’une compo signée par le légendaire Mississippi Fred McDowell. Très amplifiée, elle se distingue par un dialogue entre les sonorités traitées au bottleneck par Erin et l'harmonica de Matt, tout en restant fidèle à l’esprit du Delta. "Lonely leavin' town" est un morceau plus cool. Les reprises restent bien dans l'esprit des créateurs d'avant la grande guerre, Tommy Johnson et Mississippi John Hurt. Sur "Big Road", les Delta Swingers évoquent le Canned Heat originel. La reprise fétiche du "Shake your hips" de Slim Harpo est la plus longue plage, un boogie qui se distingue par de belles envolées aux cordes et à l'harmonica. "Voodoo blues" s'enfonce dans la Louisiane. Erin se consacre au frottoir et Michael Casavant, invité pour la circonstance, à l'accordéon. Le titre final, "Gimme that", s’inscrit davantage au cœur de l’autre projet, Lovewhip ; une piste electro funk dansante qui laisse une large place aux solistes et aux percussions de Kendall !
Après avoir publié le très prometteur elpee "A real fine mess", en 2014, le duo de Vancouver nous propose son second, "Apocalipstick". Pour l’enregistrer, le chanteur/harmoniciste Shawn Hall, alias The Harpoonist, et Matthew Rogers, aka The Axe Murderer, préposé à la guitare, à la basse et aux synthés, ont reçu le concours de quelques musicos, dont le producteur John Raham, aux drums et percussions. Originale, la musique se caractérise par ses arrangements complexes, ses recherches sur les sonorités et un travail constant sur les voix. Faut dire que pour la circonstance, Shawn est entouré par pas moins de sept autres vocalistes. Le résultat est plutôt coloré, à l’instar de l’illustration de la pochette, qui reproduit des lèvres multicolores. Coloré voire psychédélique, car le climat est propice à l’aventure et au voyage. Bien sûr, l’opus n’est pas englouti sous un flot de guitares acides, mais balayé par une folie orchestrale sonore…
D'ailleurs, des tonalités chiadées, dispensées par les synthés de Matthew, ouvrent la voie à "Get ready", une piste dont la rythmique bien marquée rappelle le Bo Diddley beat. John Raman déverse de solides percus. Une rythmique qui se révèle bien nerveuse sur "Nancy", un morceau dominé par l'ensemble vocal. Et si les sonorités de la guitare sont découpées au rasoir, le refrain adopte un profil accrocheur, pop même. Un riff rythmique appuyé balise "Forever fool". La voix de Harpoonist s’y révèle autoritaire. Des cordes réverbérées introduisent "I'm back", un blues contemporain, caractérisé par des harmonies vocales élaborées. Mr Hall chante nerveusement "Pretty please", un rock singulier au cours duquel harmonica débridé et percus sont à l’offensive. Et d’une voix pure, "Treat me kind", une jolie ballade roots enrobée de chœurs et découpée dans les cordes acoustiques. L’opus nous réserve encore toute une série de brèves compos complexes et bien fignolées qui explorent judicieusement les parties vocales. A l’instar de l’allègre "Marianne". Souligné par les brefs jaillissements d’harmo, la voix s’impose sur "Father's son", un morceau au cours duquel la guitare trafiquée de Matthew prend son billet de sortie, en entraînant dans son élan les claviers de Geoff Hilhorst. La finale est excellente. Le chant slalome entre percussions et synthés, à la rencontre des autres voix. Mystérieuse et éclatante, cette aventure psychédélique est décidément peu ordinaire !
Considéré comme un véritable hype à ses débuts, Warpaint est devenu une valeur sûre de l’indie rock. En à peine six ans, le quatuor féminin (NDR : il est issu de Los Angeles) a pris une autre dimension. Il a écumé les plus grands festivals mondiaux et partagé la scène avec, notamment, The XX. Depuis la sortie de son deuxième elpee, et malgré la participation à de nombreux concerts, certaines d’entre elles ont monté des projets parallèles. Et notamment la bassiste, Jenny Lee Lindberg, en solo ; ou de la guitariste, Theresa Wayman, chez BOSS, en compagnie de membres de Yeasayer et de All We Are.
« Heads Up » constitue le troisième opus des Californiennes. Plus de trace de Flea ou Flood (Depeche Mode, U2, PJ Harvey) derrière les manettes, mais bien Jake Bercovici. C’est lui qui avait déjà produit le premier Ep. Découpé en 11 plages, ce long playing propose une musique complexe, mélodieuse et chargée de groove. Les rythmes semblent empruntés au r&b ou au trip hop. Il émane une forme de sensualité de ces pistes. Les riffs de basse sont hypnotiques. A l’instar de l’excellent morceau qui ouvre la plaque, « Whiteout ». Percutant, « By Your Side » parvient à mêler rock et hip hop. L’elpee recèle bien sûr quelques titres plus pop, comme « New Song » ou « So Good », des compos stimulantes qui devraient ravir les festivaliers, cet été. D’autres pistes adoptent un profil plutôt atmosphérique. Et « The Stall » en est certainement la plus belle illustration…
« Heads Up » confirme le potentiel de ce grrl band qui rencontre aujourd’hui un succès amplement mérité. Il se produira à Werchter, le dimanche 2 juillet, date à laquelle sont également programmés Foo Fighters, Alt-J, Soulwax, Benjamin Clementine et bien d’autres…
Votre serviteur avait assisté, pour la première fois, à un concert de Ben Harper, en 1998. C’était à Torhout (NDR : dans le cadre du festival jumelé Torhout/Werchter). Etonnant que près de 20 ans plus tard, il soit toujours dans le circuit en compagnie de ses vieux comparses, The Innocent Criminals. En 2015, la troupe s’était à nouveau produite à Werchter ; et cette année, elle est repartie en tournée mondiale, un périple baptisé « Call It What It Is », soit le titre du nouvel opus. Il transitait donc par les Hauts-de-France, et plus précisément le Zénith de Lille, ce jeudi 20 octobre. Retour sur un concert très très bien ‘roadé’…
The Jack Moves est prévu en supporting act. Malheureusement, malgré un départ de plus de 2h30 avant le début de sa prestation, je ne suis parvenu à assister qu’aux remerciements adressés par Zee Desmondes et Teddy Powell, à la foule. ‘What a pity !’ Il faut cependant souligner que le concert de Ben Harper a suscité un énorme engouement dans le Nord de la France. Ce qui explique la véritable cohue, autour du Zénith Arena. Le parking est blindé, la fosse pleine à craquer, et les gradins se remplissent à une vitesse vertigineuse.
21h05 les lumières s’éteignent. Le show peut commencer. La foule est déjà survoltée. Les premiers rangs sont carrément compressés contre les barrières. Le personnel de la sécurité est particulièrement à cran. La nervosité, vraiment palpable.
Représentée par une immense cible, le décor est inspiré de l’artwork du long playing « Speak Out-A Bluegrass Tribute ». Un oiseau en bois surplombe un petit meuble ; et un tissu coloré à motifs psychédéliques pend négligemment le long du clavier.
Chapeau vissé sur le crâne, Ben Harper grimpe sur l’estrade. Il est accompagné de ses Innocents Criminals. Il y a une telle ferveur dans les acclamations qu’elles en deviennent impressionnantes. Issu de « Fight For Your Mind », « Oppression », ouvre les hostilités. De quoi ravir l’auditoire. Le concert va alterner les genres, depuis la soul au blues en passant par le rock et le folk, sans oublier le reggae.
Aux percus, Leon Mobley affiche une maîtrise stupéfiante. D’abord sur le plus reggae « Finding Our Way ». Puis lorsqu’il s’autorise un solo en avant-scène pour « Burn One Down ». Mais encore lors d’un trio qu’il partage en compagnie du bassiste Juan Nelson et du gratteur Michael Ward, sur « Don’t Take That Attitude To Your Grave ». Mais en général, ce dernier semble quelque peu absent. Quant à Jason Yates, malgré son look de vieux corsaire, il se révèle plutôt discret. Le musicien qui brille vraiment de mille feux, c’est Juan Nelson. Il épate par sa technique et sa capacité à suivre (ou précéder) Ben Harper. Pendant « Fight For Your Mind/Them Changes », lui et Ben exécutent un long passage instrumental. Aussi, fascinée, la foule l’ovationne pour l’encourager. Après ce morceau, Haper va même plaisanter en déclarant : ‘Je ne peux pas le suivre !’.
Ben Harper est un excellent communicateur. Que ce soit vis-à-vis de ses musiciens que de l’auditoire, qu’il remercie à maintes reprises, parfois la main sur le coeur, comme s’il était submergé par une certaine émotion.
Il tend aussi le micro vers la foule pour l’inviter à chanter sur « Finding Our Way », l’incite à frapper dans les mains en rythme ou à les lever « With My Own Two Hands ». Sous les lumières du Zenith Arena rallumées pour la circonstance, tout le monde s’exécute, des premiers rangs aux derniers gradins du fond de la salle, pour ce long moment de communion.
Outre sa technique remarquable affichée, notamment lorsqu’il se sert de la slide, le Californien Ben Harper possède une excellente voix. Et son interprétation a capella et sans micro d’une partie de « Morning Yearning » a de quoi clouer le public sur place. La performance subjugue, et l’assemblée l’écoute religieusement avant de l’applaudir longuement.
Ben Harper rappellera aussi The Jack Moves sur l’estrade pour interpréter « Under Pressure », en hommage à Freddy Mercury et David Bowie, avant de terminer ces deux heures de concert par un solo acoustique sur « Waiting On An Angel ». Il est alors seul sur les planches face à un auditoire ébahi…
Donc le concert était génial. Pour être honnête, il ne m’a pas totalement convaincu. Pourtant, le son était nickel. Et la technique des musicos, irréprochable. Je vais encore me faire des amis, mais soit… En fait, j’ai eu l’impression d’assister au spectacle d’une véritable machine de guerre. Tous les rouages étaient parfaitement huilés. C’était même digne d’un show permanent à Las Vegas. A aucun moment, je n’ai ressenti une réelle émotion dans ses propos ou ses gestes ; que ce soit le poing levé ou la main sur le cœur. Tout semblait calculé comme dans une production hollywoodienne. Aucune place n’a été laissée à la spontanéité. Même le rappel et les reprises étaient savamment arrangés. Il y a fort à parier que si vous assistez à deux shows de cette tournée, vous retrouverez la même selist, les mêmes clins d’œil adressés au public, les mêmes attitudes censées communiquer des émotions… finalement, il ne changerait peut-être, que de t-shirt…
Quel dommage de voir un tel artiste se laisser bouffer par le système –et il n’est pas le seul– dans l’unique objectif de privilégier la rentabilité ; alors qu’il a le talent pour improviser à travers des jams mémorables… qui le rendraient célèbre… C’est un choix !
Voir aussi la section photos ici
(Org: FLP + Divan Production)
La dernière fois que votre serviteur avait assisté à un concert de Ben Harper, c’était en 2014. Au Cirque Royal. L’artiste était accompagné par l’harmoniciste Charlie Musselwhite. Un set qui s’était enfoncé au plus profond du Bayou. Ce soir, le Californien est programmé au Club de Forest National ; la capacité de la salle est donc réduite à plus ou moins 4 000 personnes. Et elle est sold out, car le deuxième balcon a été condamné ; une tenture noire séparant d’ailleurs le poulailler du reste de l’hémicycle.
The Jack Moves assure le supporting act. Comme pour toute la tournée européenne ; un périple baptisé ‘Call It What It Is Tour’. Le premier elpee (NDR: il est éponyme) de ce duo originaire du New Jersey est paru en décembre dernier. Prévu pour 20 heures, le set démarre un quart d’heure plus tôt. Cheveux longs, pantalons à pattes d’éph’ et chaussures à hauts talons, Zee Desmondes s’installe à l’avant du podium. Il se consacre au chant et à la guitare. Il est soutenu par le drummer/producteur Teddy Powell. Mais en ‘live’, le tandem est épaulé par un bassiste (bonnet enfoncé sur le crâne) et un claviériste.
Bien funky/r&b, « Doublin' Down » ouvre le set. La voix de Zee est particulièrement soul. La frappe de Teddy est métronomique. Les interventions des claviers sont discrètes mais efficaces. On se croirait revenu au beau milieu des années 60. Et tout particulièrement au cœur de l’âge d’or de la Motown. Zee se distingue à la gratte tout au long du magistral « All My Love », une compo hantée par Nile Rodgers. Sa voix est alors empreinte d’une grande tendresse. La cover du « A Fool For You » est excellente. Pendant le langoureux « Make Love », des sonorités de clochettes s’élèvent des synthés. De quoi faire tomber en pâmoison le public féminin. Une autre reprise, le « Heavy Love Affair » de Marvin Gaye. Revue et corrigée par la formation, cette version est épatante. Et « We'Re Here Now » clôt cette excellente prestation, un morceau dominé par les synthés, que ce soit à travers les sonorités d’ivoires ou même de cuivres, reproduites par cet instrument. Dommage que le band ne soit pas un peu plus interactif…
Agé aujourd’hui de 47 ans, Ben(jamin Chase) Harper a donc décidé de remonter son premier groupe : The Innocent Criminals. Vingt-cinq ans quand même que le guitariste californien roule sa bosse. Sa musique mêle rock, folk, blues, roots, gospel, funk et reggae. Outre ce combo liminaire, il a également drivé The Blind Boys Of Alabama et Relentless Seven. Ce soir, il a donc décidé d’en revenir aux sources pour défendre son quinzième album, « Call It What It Is ». Son backing group implique le percussionniste Leon Mobley, le claviériste Jason Yates, le bassiste Juan Nelson, le drummer Olivier Charles et enfin le second gratteur Jason Mozersky, qui remplace Michael Ward depuis mai dernier
Les lumières s’éteignent vers 20h50. En arrière-plan, une toile, sur laquelle est représenté le sigle du dernier opus (NDR : une cible de tir au couleurs verte, orange et brune) de Ben Harper & The Innocent Criminals, est tendue. Deux estrades sont érigées sur le podium. L’une est destinée à Leone et l’autre à Olivier. Harper s’installe au centre, face à son micro. Soit debout. Ou assis, quand il y pose sa guitare sur les genoux. Il est coiffé d’un chapeau mou de couleur blanche. « Oppression » (« Fight For Your Mind ») ouvre le set. La voix est douce, hantée, mais bien maîtrisée. Yates, bandana bleu lui enserrant le front, et le drummer assurent les backing vocals.
Dès « Don't Take That Attitude to Your Grave » (« Welcome to the Cruel World », 1994), Ben passe à la guitare électrique. Le public applaudit chaleureusement. Régulièrement, la main sur le cœur, il remercie la foule. Il signale que c'est un réel plaisir de jouer ce soir devant un tel public. Qui reprend les refrains en chœur. La température grimpe graduellement. Il revient à la semi-acoustique pour « Finding Our Way », un premier extrait du nouvel opus. Si la set list va puiser au sein des 15 long playings de Harper, elle va quand même privilégier le dernier en date. Pendant « In the Colors » (« Lifeline »), des lumières blanches balayent les premiers rangs de la fosse. Et Ben accorde un solo magistral de percus, en fin de parcours. Il cale sa gratte sur les genoux pour attaquer « Shine ». Il transpire de plus en plus. Aussi, il glisse un essuie éponge de couleur noire sous son couvre-chef, avant d’empoigner le micro pour aborder « Morning Yearning » (« Both Sides of the Gun », 2006). La basse compte cinq cordes. Ce n'est pas courant. Tour à tour, Ben caresse ou martyrise les siennes. Les interventions du percussionniste et du bassiste sont impressionnantes. C’est d’ailleurs en compagnie de ce dernier que Ben va opérer un duel de plus de 15 minutes. Son partenaire au banjo. Harper, à la gratte, posée sur les genoux. Une joute endiablée et terriblement excitante, démontrant ainsi que Ben est à l’aise dans tous les styles. Et le concert de s’achever par « How Dark Is Gone ».
« Burn One Down » et « Where Could I Go » sont interprétés lors du premier rappel. Mais également « Under Pressure ». Pour cette cover signée Queen/Bowie, The Jack Moves débarque, au grand complet, sur les planches. Un très grand moment au cours duquel les artistes vont littéralement vider leurs tripes.
Lors du second encore, Ben revient seul. Il s’accompagne à la sèche électrifiée pour nous réserver son « Waiting On An Angel ».
Ce soir, flanqué de ses Innocent Criminals, Ben Harper a accordé un show exceptionnel. De plus de 150 minutes. Aussi, le public a le droit d’être satisfait. Il semble même comblé. Et dans la tête de votre serviteur, résonne l’un ou l’autre refrain, qu’il fredonne secrètement, le cœur empli de joie… et il n’est pas le seul…
(Organisation : Live Nation)
Voir aussi le reportage photos consacré au concert accordé par Ben Harper & The Innocent Criminals, à Lille, ce 20 octobre, ici.
Cinquième elpee pour ce quintet italien qui pratique une forme d’électro contaminée, suivant les plages, par le post rock, la techno, l’ambient et même le funk (blanc ou noir). Peut-être aussi un peu le post punk, mais en fin de parcours. Jean-Michel Jarre, Kraftwerk, Air et Giorgio Moroder doivent plus que probablement hanter les rêves de ce band transalpin. Quant à savoir s’ils peuplent les miens, c’est une autre histoire. Les risques de se retrouver sur la Carpet et de se casser l’Adam sont bien trop élevés…
Karpatt roule sa bosse depuis plus de 20 ans. De bars en salles, à travers l'Hexagone, le trio a fini par parcourir le monde. Son dernier opus, « Sur Le Quai », remonte déjà à 2011. « Angora », c’est un estaminet sis à Paris, où les 13 chansons de cet album sont nées.
Le line up du band est inchangé depuis le départ. Il réunit le compositeur Fred Rollat (chant, guitare, accordéon), Hervé Jegousso (basse, contrebasse, porte-voix) et Gaétan Lerat (guitare, banjo, percussions).
A son actif, 6 elpees studio, dont le deuxième, « Dans Le Caillou », publié en 2004, avait bénéficié du concours de Richard Lorca et Manu Solo ; un disque qui correspondait à leur période manouche.
« Salvador » s’inspire de voyages accomplis en Amérique latine et Centrale. « J'suis mort » nous entraîne plutôt au cœur de l’Extrême-Orient. Et « Ecarteleur » nous transporte en Afrique, un morceau sucré qui raconte l’histoire d'une famille de bourreaux de père en fils. Irrésistible tant dans les mots que le rythme.
Les histoires racontées sont tantôt tristes, nostalgiques ou joyeuses, à l’instar de « Un jeu » ou d’« Amours d’été ». Plus paisibles, « Péniche » et « Encombrants » traitent de la vie et de tout ce qui l’entoure. « Pupuseria » est illuminé par son envol de cordes… et elles finissent par vous emporter dans leur élan.
Cordes et clochettes alimentent un « Partage » entre les musicos et ses aficionados, dans un climat à la fois tendre, léger et dépouillé.
« Chez Toi » en revient au jazz manouche, une compo qui aurait pu figurer au répertoire de Thomas Dutronc.
« Pétales » ou dites le avec des fleurs. Elles piquent. Elles sont offertes aussi, quand on aime un peu, passionnément ou à la folie. Tant qu'elles sentent bon, il faut en profiter.
Rock et électro sont passés à la « Moulinette » et « Cordes » s’inscrit davantage dans l’esprit de Brassens, voire de Moustaki, avant qu’« Un jeu » de mots à la Toni Melvil n’achève la plaque…
Mais à quelle substance carbure l’ex-maître de l’horreur ? Plus rien ne semble arrêter John Carpenter… A une effroyable cadence, le pape de l’épouvante nous propose déjà un second volet à ses « Lost Themes », enregistrés en compagnie de son fils Cody et de Daniel Alves, dans la cave familiale. Et… miracle : ce nouvel opus est aussi impeccable que le premier épisode : des morceaux aux ambiances –bien entendu cinématographiques– à la fois menaçantes, angoissantes et kitsch entretenues par des nappes de claviers, lorgnant vers les années 80, souvent lourds et atteignant le point culminant sur le climax d’« Utopian Facade », mais aussi sur « White Pulse » aux réminiscences Nine Inch Nails.
Pas de baisse de régime comme on en rencontre pourtant souvent lors de suites cinématographiques… mais n’oubliez pas que ‘Le Parrain 2’ était bien meilleur que le premier épisode ! Et vu que John Carpenter est le parrain d’un genre en soi…
De nationalité australienne, Peter D Harper est né en Angleterre. Mais il a vécu la majorité de son existence à Perth. Il est aujourd'hui établi dans le Michigan. Peter chante et compose. Il joue également de l'harmonica et du didgeridoo, une sorte de trompe en bois jouée par les Aborigènes. Harper n'est pas un néophyte, puisqu'il compte déjà une douzaine d'albums à son actif. Son premier, "Tears of ice", remonte à 1994. Il se produit désormais en compagnie d’un backing group, Midwest Kind. Issu de Detroit, il implique le guitariste Will Rideoutt, le bassiste James Norris et le batteur Cam Lewis. Harper est un musicien expérimenté. Sa musique a un son bien spécifique. Et excellente, sa voix est particulièrement expressive…
L'ouverture est impressionnante. "Hell yeah" est parcouru de sonorités primitives émises par des Aborigènes, avant que la slide n’entre en action, avec, en toile de fond, le didgeridoo. Le riff est puissant. La reprise en choeur du refrain est contagieuse. Les musiciens de Midwest Kind sont excellents, ils apportent un soutien solide et indéfectible à leur leader. La voix de Harper s’illustre tout au long de "What's goin’ down", un blues rock influencé par le delta. Et à l’harmonia, il se révèle un souffleur particulièrement inspiré. Puissantes, les percus introduisent "Show your love", une piste particulièrement mélodieuse, colorée par le didgeridoo, mais également par les cordes Will Rideoutt qui se met entièrement au service de son leader. Harper double djembé et harmonica sur "Drive Brother drive", un titre acoustique au cours duquel les harmonies vocales se révèlent épatantes. Dépouillé, "I can't stand this" est un blues lent dominé par la voix de Harper, dont les interventions à l’harmo sont tout à fait bouleversantes. Les invités –Al Hill à l'orgue ainsi que Gregg Leonard et Tyler Mac aux grattes– ont pris la relève. Et le didgeridoo allume une nouvelle fois un autre sommet de l’opus, le nerveux "It's all in the game", un morceau que souligne à merveille les vocaux. Roots/blues, "It's all in the game" préserve la flamme de l'harmonica… qui ne s'éteint jamais. Le discours de Harper est positif et véhicule des messages de paix et d'amour. De toute bonne facture, "We are in control" est caractérisé par des interventions créatives à l'harmonica. Le didgeridoo revient sur "Let's move", une piste imprimée sur un tempo hypnotique. Excellent, cet LP s’achève par "I look at life", un morceau cool au cours duquel Harper pose un dernier regard sur l'évolution du monde contemporain...
Son récent retour aux affaires a été acclamé par la critique. Donc, il fallait s’attendre à une suite. Mais elle n’est pas celle qu’on imaginait. Car son terrifiant « Lost Themes », paru l’an dernier, fait aujourd’hui l’objet de remixes ! Et quelques pointures issues de la scène électro expérimentale contemporaine, telles que Prurient, ohGr ou même la plus mainstream Zola Jesus, ont accepté de participer à cet hommage rendu au versant musical –dark bien entendu– de la carrière du maître ès épouvantes, notoire pour ses compositions déviantes. Blanck Mass, la moitié des Fuck Buttons, propose une version futuriste de « Fallen » tandis Prurient rend « Purgatory » encore plus glacial qu’elle ne l’était ; à tel point qu’elle en devient éprouvante. Enfin, la relecture d’« Abyss » par JG Thirwell (Fœtus), est aussi impressionnante que grandiloquente, le véritable sommet de ces remixes qui bénéficient pour la circonstance d’une cure de jouvence procurée à cet artiste décidément increvable (a contrario de la plupart des personnages qui peuplent ses films…)
Alors que Wes Craven vient de nous quitter, quelle drôle de coïncidence de retrouver l’autre maître de l’horreur adolescente et des ‘slashers movie’, responsable entre autres de classiques comme ‘Halloween’ (1978), ‘The Thing’ (1982) et ‘Le Village des Damnés’ (1995). Il est donc de retour et nous propose de nouvelles compositions ; lui qui avait magnifié ses films de ces B.O., à ces débuts –car c’était bien moins cher qu’engager un compositeur– et foutu les jetons à des générations entières à travers ses sonorités glaciales…
Le vétéran américain regagne également le label de Brooklyn, Sacred Bones, pour nous présenter ses « Lost Themes », des morceaux composés dans la cave familiale en compagnie de son fils Cody et de son beau-fils Daniel Davies. Les claviers gothiques du maître de l’horreur réapparaissent tout en développant cette célèbre ambiance ‘creepy’, à travers des sonorités minimalistes entrecoupées de salves électriques. Impossible de ne pas se construire des images mentales liées au monde cauchemardesque de Carpenter à l’écoute de chaque vignette obsédante de ces « Lost Themes »… Mais les compositions du cinéaste ne s’avèrent pas être de simples gimmicks car elles révèlent des véritables qualités mélodiques (le christique « Obsidian ») et de compositions qui évoluent entre, électro, heavy et pop (l’efficace « Vortex »). Une excellente nouvelle que ces ‘Thèmes Perdus’ et déviants aient pu être exhumés….
Forcément, à cette période de l’année, difficile d’échapper à cet album promis à moult éloges et classements dithyrambiques en hauts des charts récapitulatifs de cette mouture deux mille quatorze.
Une excellente raison en soi d’enfoncer le clou et de revenir sur ce bijou qui d’emblée s’annonçait comme le digne successeur de « The Fool ».
Placé en éclaireur fin deux mille treize, « Love Is To Die » n’annonçait il pas la couleur chatoyante de cet opus éponyme ?
Vu la qualité des dix autres titres, on ne peut que louer le second album (seulement) de ce groupe féminin aussi subtil dans son approche musicale que direct dans son impact émotionnel.
Si l’elpee regorge de détails qui apparaissent encore après de multiples écoutes, le pouvoir de séduction de chacun de ses titres réside essentiellement dans les textures qui enrobent des mélodies. Mélodies, qui semblent moins évidentes que jadis, mais s’imposent néanmoins immédiatement à l’esprit.
Pas convaincu qu’un flot de mots insignifiants décrivent les diverses sensations rencontrées au fil des écoutes de ce plaisir gravé sur sillon, je ne peux donc que vous encourager à y replonger sans modération ou à le découvrir si ce n’était déjà fait.
Oubliez toute référence, tout pont abscons entre mouvances ou autres styles musicaux, Warpaint se distingue suffisamment du reste de la mêlée que pour échapper aux étiquettes.
Et pour ceux convaincus qu’un album sorti trop tôt dans l’année risque l’oubli au moment des bilans, j’engage les paris (sans trop me mouiller) qu’ils en seront pour leurs frais.
Originaire de la région de Washington DC, Erin Harpe chante et se consacre à la guitare. Elle a appris à en jouer très jeune, auprès de son père, bluesman. C’est dans la capitale fédérale qu’elle va commencer à se produire tout en améliorant progressivement son style. Elle émigre ensuite à Boston où elle apporte sa collaboration à Paul Rishell et Susan Tedeschi. Elle publie deux albums solos acoustiques, "Blues roots" en 2002, et "Delta Blues duets" en 2008. Sa nouvelle formation, The Delta Swingers lui permet de découvrir les racines du blues du Mississippi des années 30 ; une structure qu’elle va balayer de références plus ou moins conséquentes de soul, funk et reggae.
Ce disque a été enregistré au sein des studios Fat Rabbit (NDR : ils appartiennent au jeune guitariste/producteur issu du New Jersey, Dave Gross). Le tracklisting réunit quatre compositions personnelles et des reprises de standards des années glorieuses du blues d'avant-guerre. Le line up des Delta Swingers implique le bassiste Jim Countryman, le drummer Bob Nisi et l’harmoniciste Richard Rosenblatt (NDR : c’est également le boss du label Vizztone qui avait aussi lancé Tone Cool Records). Et la production est impeccable.
Erin chante d’une voix pure et suave "Delta Swing", une plage très roots, qu’elle a co-écrite auprès de Rosie Rosenblatt. Le titre ne manque pas de charme et permet une excellente sortie de Rosie à l’harmonica. Quel plaisir de pouvoir le réécouter à ce niveau! Les percussions saccadées de Bob Nisi secouent "Love whip blues". La voix est étonnante ; mais c’est surtout l’harmo qui reste maître du jeu. La cover du "Future blues " de Willie Brown est superbe, un titre qui emprunte le tempo du chemin de fer, alors que la slide de Sonny Jim Clifford évoque les interventions d’Alan Wilson de Canned Heat, dans leur version de 1970. Et Rosenblatt s’y révèle époustouflant! Willie Brown est l'un des pionniers du country blues. Né à Clarksdale, il avait côtoyé Charley Patton, Robert Johnson et Son House! Solide compo, "Good luck baby" concède de légers accents reggae, une plage dont les parties vocales sont particulièrement soignées. Lucille Bogan est une des premières chanteuses de blues. On lui attribue la signature de "The M&O Blues". Willie Brown en avait également réalisé sa propre reprise. La nouvelle est une autre belle réussite dans l’univers du blues traditionnel, un morceau rehaussé par la présence à la slide de Bob Margolin, un ancien du Muddy Waters Band. Et à nouveau, Rosenblatt est bouleversant sur son harmonica. Les Delta Singers abordent le country blues traditionnel "One way gal", puis le jazz manouche "Pick poor Robin clean". Dave Gross se réserve le Wurlitzer pour le ludique et dynamique "Virtual booty blues". Les musiciens ont adapté le vieux "Mississippi blues" de Willie Brown (NDR : sans doute un WB différent de celui cité plus haut, un des mystères du blues!) sous la forme d'un blues amplifié, conventionnel mais impeccable. Ils l’ont cependant rebaptisé "Charles River Delta blues". Dans un style proche du Chicago southside, Miss Harpe se charge des cordes et Rosie de l'harmo. La interventions vocales d’Erin Harpe sont brillantes tout au long d’"Angel from Montgomery", une compo signée par le chanteur de country, John Prine. Et c’est également la finale. Pour votre info, sachez qu’Erin milite également au sein de Lovewhip, une formation qui pratique de l'electro-funk!
Jimmy Carpenter est surtout notoire comme saxophoniste. Pourtant, il est également chanteur, compositeur et arrangeur. Il est né à Greensboro, en Caroline du Nord. Il y a effectué ses premiers pas musicaux. En 1980, au sein des Alka-Phonics. Il émigre ensuite à Charlottesville, en Virginie, pour y rejoindre Charlie Pastorfield and the Believers. Tinsley Ellis (NDR : un chanteur/guitariste de blues issu d'Atlanta) le remarque en 1998 et l'intègre dans son band. L'année suivante, il intègre celui de Jimmy Thackery, The Drivers, au sein duquel il restera cinq ans. En 2004, il se fixe à la Nouvelle Orléans pour poursuivre ses expériences musicales. Il apporte sa collaboration à Eric Lindell, Walter Wolfman Washington et au Honey Island Swamp Band. Son premier opus personnel, "Toiling in obscurity", paraît en décembre 2008. Depuis, il multiplie les prestations ‘live’, que ce soit chez les Roadmasters de Wolfman Washington (surtout) et aussi depuis peu en compagnie de Mike Zito, au sein de The Wheel. Il est également impliqué dans l'organisation du MNOP Festival (Music of New Orleans de Périgueux, en France). On se demande parfois s’il prend encore le temps de dormir.
"Walk away" constitue sa deuxième œuvre personnelle, un long playing pour lequel il a bénéficié du concours de la crème des musiciens de la grande cité louisianaise. "Can let go" ouvre les hostilités. De toute bonne facture cette compo concède des accents pop. Les arrangements sont fouillés. Jimmy a une bonne voix et est épaulé par d’excellents musicos : John Fohl (longtemps membre du Dr John Band) à la guitare et John Gros (le leader de Papa Grows Funk) à l'orgue Hammond. Sans oublier comme ‘guest’, le célèbre Anson Funderburgh, qui nous réserve un solo de guitare. Le titre maître est un solide rhythm & blues roots. Le tempo est balisé par une section rythmique de classe : Casandra Faulconer à la basse et Wayne Maureau à la batterie. Jimmy est parfait aux vocaux et peut enfin mettre son sax ténor sur orbite, une intervention talonnée par l’orgue Hammond. Une superbe plage ! "When you're ready" s’inscrit dans le même registre. Et si Johan Gros est passé aux ivoires, on reconnaît le style de Mike Zito à la six cordes. Le saxophone amorce le tendre "She's not you", une piste lente caractérisée par d’excellents vocaux, des cordes acoustiques subtiles et un orgue majestueux. Instrumental, "7th Street shuffle " met bien en exergue le jeu raffiné de Jimmy sur son saxophone. "No one's ever" est une ballade indolente, décontractée, ‘cool’… Un tempo adopté par "More than meets the eye", un southern soul cuivré au cours duquel les saxophones du leader sont rejoints par la trompette d'Antonio Gambrell. Ainsi que par "Hard to be cool", une plage aux accents jazz, chantée passionnément et caractérisée par les cuivres à l'avant-plan. Plus pop, "Crazy 'bout you" accroche pas sa mélodie, et nous réserve des envols magiques sur l'instrument à vent. Longue épopée instrumentale, "C King blues" rend hommage à son véritable maître, le grand King Curtis, malheureusement assassiné alors qu'il n'avait que 37 ans. Ses interventions sont ici enflammées et lumineuses. Autre perle, "Favorite muse" emprunte le rythme d’une rumba. Fohl est à la guitare pur accentuer l’aspect blues de la compo. Michael Skinkus se charge des percus et Gros de l’orgue. Un orgue qu’on retrouve sur "On the outside", une piste plus rock, découpée par de solides riffs de guitare, que chante divinement Jimmy. D’excellente facture, cet LP s’achève par une ballade country dépouillée, au cours de laquelle Jimmy et la Texane Reba Russell se partagent les vocaux…
Issu de Vancouver, ce duo réunit l’harmoniciste Shawn Hall et le gratteur Matthew Rogers. Les deux Canadiens se sont rencontrés en 2006 et ont alors découvert qu’ils partageaient de mêmes affinités musicales. Ils décident donc de s’associer, afin de pratiquer du folk et du blues. Et au fil du temps, s’intéressent au blues électrique. Ils publient "The blues can kill", un elpee autoproduit, en 2007, l’éponyme "The harpoonist and the Axe murderer", en 2008, et "Checkered past", en 2012. Shawn et Matthew signent l’ensemble de leur répertoire.
Sur ce nouvel opus, Shawn chante et souffle dans son harmonica. Matthew se réserve la guitare, la basse, les pecus au pied et circonstanciellement des claviers. Pour concocter ce long playing, ils ont reçu le concours de musiciens locaux ; et notamment l’organiste Tom Heuckendorff, une section de cuivres ainsi que des chœurs
"Black and blues" est amorcé par des accords rythmiques. Douce, contagieuse, troublante, la voix de Shawn concède des intonations quasi-enfantines. Pourtant, la structure de la composition est plutôt complexe. L'harmonica sort enfin de sa tanière. Mélodieuses, ses interventions séduisent face aux rythmes fiévreux développés par les cordes acoustiques. Une guitare à la coloration particulièrement blues introduit "Do watcha", une piste paradoxalement conventionnelle et personnelle. La voix frêle et douce envoûte, alors que guitare et harmonica tissent une trame hypnotique. "Ter for two" baigne au sein d’une ambiance funky. Matthew double guitare et basse, alors que choristes soutiennent Hill. Diligente, la rythmique épouse un format rock, tout au long de "Mama's in the backseat". Shawn y souffle parfaitement, dans un style toujours aussi singulier. "Closer to death" baigne au sein d’un climat oriental et exotique, une plage curieuse, funkysante, enrichie par les interventions de Heuckendorff à l’orgue Hammond. Imprimé sur un mid tempo, "Feel me now" concède des intonations pop. A cause de la voix. Et puis du sens mélodique. Un morceau enrichi de chœurs et de cuivres. La musique pratiquée par le duo est vraiment originale. Pas facile de lui coller une étiquette. Bien sûr la voix est douce, mais particulièrement expressive. Et puis les interventions à l’harmo sortent tout à fait de l’ordinaire. Le titre le plus singulier est certainement "Don't make 'em like they used to". En général les plages sont assez brèves. Ou plus exactement ne tirent jamais en longueur. "My paradise" trempe dans la soul. Un morceau sobre, léger, au cours duquel la voix, qui s’intègre dans les chœurs féminins, semble dans son élément. Des vocaux qui se rencontrent sur un subtil Bo Diddley beat, lors d’"In and out of love". Le duo apprécie le soul funk percussif. Invitation à se secouer, Sweat this pain" en est une belle illustration. Les vocaux trament habilement "Cry a little", une piste au cours de laquelle la guitare met le nez à la fenêtre, sur un riff qui se répète à l'infini. "In the end" adopte la cadence du galop afin de créer une ambiance boogie, que colore de country blues, l’harmonica. "Act your age" bénéficie d’excellents effets rythmiques et sonores. Dommage que le duo n’ait pas mieux exploité ce créneau. Car, finalement, leur pop explorée tout au long d’« A real fine mess » est fort semblable à celle dispensée aujourd’hui par les Black Keys. Quant à la finale, "A real fine noise", elle constitue la synthèse parfaite du style exécuté par le tandem canadien...
Hugh Holmes, alias Professor Harp, s’est donc autoproclamé The Undaunted Professor Harp, c’est-à-dire l’intrépide Professeur Harmonica. Il n’est plus de première jeunesse, puisqu’il est né en 1951, à Boston. A ses débuts, il joue de la batterie ; ce n’est qu’après avoir rencontré l'harmoniciste prestigieux Georges Smith, alors membre du Muddy Waters Band, qu’il opte pour la musique à bouche. C’était en 1969. Une passion nouvelle qui va lui permettre de monter sur les planches auprès de Muddy Waters, au milieu des 70’s. C’est même ce dernier qui va lui coller son pseudonyme. Il côtoie alors épisodiquement Solomon Burke et Luther Guitar Johnson. Fidèle à son Boston natal, où il se produit le plus souvent, il lui a fallu plus de 35 ans avant de graver son premier opus solo. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de musicos expérimentés. Et notamment Doug James (Roomful of Blues), Bob Margolin (ex-Muddy Waters Band) et des proches du célèbre gratteur Duke Robillard, comme le bassiste Marty Ballou, le batteur Mark Teixeira ou encore le regretté bassiste/guitariste John Packer.
L'ouverture "Professor Harp" est royale. Hugh chante d'une voix grave empreinte de swing. Il ponctue ses couplets de brefs chorus à l'harmonica. Instrumental, "Texago at Doyle's" est un parfait témoignage de la puissance de son souffle. Sa cover de "Sugaree", un classique signé Marty Robbins popularisé par les Jordanaires en 1957, ne manque ni de puissance ni de classe, une reprise au cours de laquelle il pose bien sa voix. Soutenu par l’orgue et le piano, "Fightin' the battle" est un long blues lent. Le professeur y est dans son élément. "What you do to me" pénètre dans le jump, une compo chargé de swing, un blues champagne sabré par les ivoires de Glenn Hardy et surtout le sax baryton de Doug James. "Wild weekend" est un hit décroché par les Rockin' Rebels en 1960. Un instrumental qui rocke. Tout au long de sa version, le professeur souffle comme un gamin qui manifeste sa joie, alors que la guitare de Tom Ferraro est éclatante en mode surf. "Sly black fox" est un swamp blues paresseux attaqué par Holems, dans l'esprit des grands du style, comme Slim Harpo! Chicago blues, "My life : An exercice in blue" adresse un clin d'œil au mentor de Hugh, Muddy Waters ; et sans surprise, Bob Steady Rollin' Margolin se réserve la guitare slide. Excellent jump blues, "Just come natural" est dirigé par le professeur devenu shouter devant les cordes de Ferraro et les ivoires de Keith Munslow. La plage finale "Eine für Herr Schmidt" est un instrumental. Un hommage poignant à l'inoubliable George 'Harmonica' Smith au cours duquel Holme souffle avec émotion et passion dans son harmonica chromatique. Un excellent album !
N’est-ce pas une riche et belle idée de débuter sa semaine par un ‘feelgood concert’ ? Lundi soir, Edward Shape et ses énigmatiques Magnetic Zeros avaient en effet choisi la scène de l’AB à Bruxelles pour accomplir leur second passage en Belgique. La dernière fois que cette joyeuse troupe avait foulé le sol belge, c’était lors de la funeste édition du Pukkelpop, en 2011.
C’est une salle comble qui attend Alex Ebert et sa bande de musiciens/chanteurs avec une réelle impatience ! Un premier hymne ouvre le bal : « 40 Day Dream » ; et d’emblée, le ton général du show est immédiatement donné : les spectateurs ont payé pour un spectacle placé sous le signe de la bonne humeur et de la joie, à l’image même des compositions du groupe californien. L’auditoire est rapidement plongé dans une ambiance ‘néo-hippie’ –sans LSD toutefois– et transportée dans un monde beau et paisible bercé par les sonorités ultra mélodiques du gourou Edward Sharpe et de ses Magnetic Zeros. Décontracté, le chanteur ne cache pas qu’il ne s’est plus produit en ‘live’ depuis longtemps. Du coup, sa mémoire flanche. Vérité ou mensonge peu importe ; pourvu qu’il puisse partager sa musique avec son public. Pour y remédier, il propose que celui-ci puisse choisir lui-même les morceaux qu’il ‘performera’ au fur et à mesure du show. Lors de l’interprétation d’« I Don’t Wanna Pray », au climat très gospel, chaque membre chante à tour de rôle ; de quoi démontrer tout le potentiel de ses chômeurs aux vocaux. Le micro est également confié à un spectateur qui s’excite le temps d’un couplet ! Le concert évoque alors une grande célébration baignant dans un bonheur béat sans pourtant atteindre des sommets musicaux. Il semble cependant qu’un tel événement conviendrait mieux autour d’un feu de camp, afin de mieux partager la chaleur de ses chants généreux et conviviaux. Cette grand-messe s’achève sans surprise par un dernier hymne, celui qui symbolise l’image du collectif : l’incontournable « Home »! La chanson sert parfaitement de point final… car il n’y aura pas de rappel !
(Organisation AB)
Dimanche 1er décembre 2013, Martin Sharp s’en allait définitivement, victime d’un emphysème pulmonaire. De ce côté-ci de la vie, il manquait d’air cruellement. L’aiguille de son cadran s’est arrêtée brusquement sur le 71. Septante et un ans au compteur de sa vie. Tout compte fait, il aura pris son temps. Ceux qui lui ressemblaient et l’avaient précédé sont des météores, comme Van Gogh, Lautréamont, Rimbaud ou encore Baudelaire. Il s’en est allé sans bruit et sans tapage médiatique. En dehors de l’Australie où l’artiste est né en 1942, un article du New York Times, un article du Monde et de la Libre. Dans la rubrique ad hoc. Et c’est à peu près tout… Certes, les journaux évoqués sont plutôt prestigieux mais le silence épais et soutenu nous interpelle. Martin Sharp n’était-il pas l’un des graphistes les plus doués de notre temps ? Lequel de nos contemporains, à moins d’avoir vécu dans une grotte à mille pieds sous terre et en retrait du monde, peut encore ignorer ses illustrations sous LSD, ses images psychédéliques, ses profanations de l’art classique (de la Joconde aux fresques de la Chapelle Sixtine), son goût prononcé pour l’obscène, le blasphème et la provocation, ses passages par la case prison… Certes, on ne le pleurera guère dans les chaumières de la censure. Les censeurs de tout poil pourront dormir tranquilles. Désormais.
Requiem pour les adeptes de l’ordre définitif, établi sur le roc et une bonne fois pour toutes. Pour les inconditionnels de la fadeur du politiquement correct, du prêt à penser, du prêt à vivre, de la décence, du ronron de la bonne conscience… Accorde-leur le repos éternel, Martin Sharp. Tu peux leur faire confiance, ils n’iront pas cracher sur ta tombe à l’autre bout du monde. Ils t’oublieront. Pour l’instant. Profil bas. La tolérance ? Il y a des maisons pour ça ! (P. Claudel). Toi, le subversif, te voilà confiné, assigné définitivement à résidence. Aucune visite n’est permise. Et tu resteras seul. Recouvert du linceul tissé par le silence. Dans le noir absolu. Toi qui aimais avec passion l’intensité de la couleur et ses stridences et l’orgasme visuel qu’elles pouvaient susciter. Sous l’égide de Van Gogh, dans cette Yellow House ouverte à tous les vents que le regard du peintre ensoleillait encore en te tendant l’oreille pour qu’enfin on l’écoute, tu cherchais à saisir la haute note chromatique où l’exister prendrait un sens vibratoire nouveau. Un contresens ou une entorse à la flagrance. Tu as touché du doigt l’incandescence des paradis artificiels.
Graphiste/illustrateur, poète, songwriter, rédacteur du sulfureux magazine ‘Oz’ qu’il a créé au début des sixties avec deux autres comparses, Richard Neville et Richard Walsh, Martin Sharp a mené tambour battant sa révolution incendiaire sur tous les fronts sensibles : les drogues, l’homosexualité, la brutalité policière, l’avortement, le racisme ou la guerre du Vietnam. Tout y était dit sans tabous, écrit au vitriol. Des couvertures jugées obscènes –âmes sensibles s’abstenir– et passage obligé par la case prison. Départ pour l’Angleterre, une nouvelle vie, un nouvel ‘Oz’ dont la ligne éditoriale reste à peu près la même. Le ‘London Oz’, tout aussi sulfureux, que rattrape la censure. Non, il ne lâchera rien. Une nouvelle peine de prison est prononcée qu’il ne purgera pas. Mais, sous haute surveillance, le magazine ne s’en remettra pas… Il rend son dernier souffle en novembre 1974.
Parallèlement à la maquette du magazine, Martin Sharp réalise de nombreuses pochettes de disque pour des artistes rock de cette époque. C’est ainsi qu’il conçoit celle, devenue célèbre, du fameux « Disraeli Gears », disque gravé par le groupe The Cream en 1967. Crée de nombreux collages et peintures, mêlant couleurs fluorescentes, trip sous acide et références vicelardes aux Beaux-Arts. Il campe les icônes de la planète rock, tels Bob Dylan, Jimi Hendrix ou Mick Jagger, au sein de paysages hallucinés qui restent, à tout jamais, inscrits dans les mémoires.
L’artiste passe à autre chose. Période copier/coller. Il conçoit un ouvrage miniature composé de 36 collages en couleurs issus des livres d’art. Il y suggère des histoires insolites, mêlant les œuvres de Magritte et Van Gogh, Matisse et Magritte, Botticelli et Picasso dans des images empreintes d’iridescences poétiques.
Rétif à la mouvance, il restera une figure incontournable de l’underground, de l’avant-garde, de la contre-culture des sixties dont il sera le chantre incontesté.
Après la création d’une œuvre au noir au parfum de scandale, bariolée, sous LSD, de mille feux phosphorescents qui blessent encore nos rétines, certes, tu ne seras pas mort en odeur de sainteté, Martin Sharp. Mais tu es de ces dieux qui peuplent nos Olympes. Toi qui as pris des licences avec la bienséance de ce bas monde. Nous t’aimons imparfait comme l’ont été les immortels.
Sous le ciel incandescent déserté par le divin, que la terre te soit légère.
En ouvrant l’album, « Esoteric Agenda » pourrait nous induire en erreur. Nous faire penser que The Haarp Machine est un énième groupe de death metal brutal et technique. Mais c’est pour mieux brouiller les pistes, car dès le milieu de la chanson, par un passage oriental plus que surprenant, elle ouvre une boîte de pandore à la richesse musicale hors du commun. The Haarp Machine est le genre de groupe qui peut tout se permettre. Il n’utilise pas sa virtuosité comme une excuse à une démonstration vaine et vide de sens, mais au contraire pour livrer un exercice de style mêlant allègrement death metal, rock progressif, jazz, musique orientale, voire classique à la faveur de chansons construites à la manière d’une symphonie. En ce sens, la formation rappelle (toutes proportions gardées) The Human Abstract, même s’il faut bien reconnaître que ces derniers sont beaucoup plus impressionnants dans leur intégration et leur maîtrise de l’aspect classique de leur musique.
Au-delà des notes, ce qui étonne chez ce band, c’est l’excellente réputation et la notoriété dont il dispose depuis plus d’un an, alors que « Disclosure » constitue son premier opus. Quelques extraits (instrumentaux) lâchés sur le net, des changements de line up survenus alors même que T.H.M. enregistrait le disque, combiné aux origines d’Al Mu’Min (NDR : guitariste et tête pensante, il est couvert d’un keffieh sur toutes les photos du groupe), et des paroles engagées, ouvertement anti-américaines, conspiratrices, (dont HAARP est justement un bel exemple) ont suffi à créer le buzz autour du premier Ep du team. Résultat, la sortie de ce premier long playing est devenu un véritable petit évènement.
Ce qui n’ôte rien à la musicalité de l’ensemble, car « Disclosure » est avant tout une aventure musicale riche et intense. Elle ne se laisse pas apprivoiser facilement tant elle est parfois complexe, mais elle devrait ravir les fans du genre.
Le patronyme de cette formation est énigmatique. Tout comme sa musique, d’ailleurs, qui se dévoile lentement, sous une forme post rock. Mais que peut donc bien apporter ce duo, dans un genre ultra-balisé ? Et bien, les frères Harpagès, Julien et Antoine, que l’on a déjà connu au sein d’un projet baptisé L’OBJET, veulent rendre leur style le plus ‘ambient’ possible, en lui conférant des ambitions cinématographiques. Tout au long des 6 titres d’« Au Moment », la paire cherche donc à mettre nos sens en éveil, plutôt que de susciter la réflexion… Un concept qu’elle développe en faisant la part belle aux arpèges (Harpège ?) au cœur de climats shoegaze, légèrement teintés d’électro. Entre l’envoûtement et l’ennui, le mélomane devra choisir…
Ben Harper a accompli du chemin, depuis qu’il a publié son premier opus, "Welcome to the cruel world", en 1994. Ce chanteur/auteur/compositeur/guitariste californien s’est ainsi forgé une belle notoriété. D’autant plus qu’il est capable, avec bonheur, de changer de style. Aussi bien le rock, le blues, le jazz, que le reggae ou le folk.
Enregistrée en compagnie de Relentless 7, sa dernière œuvre, "Give till it's gone", remontait à 2011. Pour enregistrer son douzième opus, il a reçu le concours du célèbre Charlie Musselwhite. A l’instar des bluesmen authentiques, ce dernier est issu du Mississippi. Né en 1944, il a passé son enfance et son adolescence à Memphis ; ce qui lui a valu le sobriquet de Memphis Charlie. Il y rencontre Elvis Presley et Jerry Lee Lewis. Mais sa passion, c'est le blues ; aussi il émigre à Chicago où les plus grands lui ouvrent les bras : Muddy Waters, Howlin' Wolf et John Lee Hooker, notamment. Fin des sixties, il s'établit en Californie où il vit d’ailleurs toujours aujourd'hui.
Charlie et Ben se connaissent fort bien depuis la fin des 90s ; mais ils n’avaient pas encore eu l’opportunité de concrétiser une collaboration. C’est chose faite. Pour concocter cet elpee passion, Ben est soutenu par ses musiciens de Relentless7, en l’occurrence le bassiste Jesse Ingalls, le guitariste Jason Mozersky et le drummer Jordan Richardson.
"Don't look twice" ouvre la plaque. Une compo acoustique particulièrement fragile. Ben chante d’un timbre très expressif, avant que Charlie ne vienne tapisser l’arrière-plan de ses interventions plaintives. Les autres musicos font leur apparition, à leur tour. Mais soudainement, Musselwhite déchire, lacère même, l’expression sonore. Un véritable coup de rasoir ! Le tempo s'emballe. Le ton monte, les percussions préludent "I'm in I'm out and I'm gone". Les lyrics ne prêtent pas à sourire. Le vieux souffleur brille de mille feux. Caractérisé par ses claquements de mains, "We can't end this way" baigne dans le gospel. A cause des chœurs qui répondent au chant de Ben. Il en profite pour libérer des sonorités écorchées de bottleneck. Une sacrée dose de rock est injectée à la compo "I don't believe a word you say". Proche de Beck à l’époque du Cream, la voix de Harper est puissante. Les riffs sont percutants. Jesse et Jordan triment à la section rythmique. Une formule reproduite sur "Blood side out". Un peu de quiétude envahit le dépouillé "You found another lover", une piste caractérisée par le chant plaintif, les cordes acoustiques et l’harmo discret. Superbe ballade roots blues, "I ride at down" disserte sur les méfaits causés par les guerres successives. La densité du climat est entretenue par la basse. Le chant est superbe. La slide s’infiltre délicatement, tout en douceur. Le titre maître campe un fort bon blues imprimé sur un mid tempo. Les interventions de basse sont remarquables. Charlie souffle parcimonieusement dans sa musique à bouche. Ben se réserve la slide. Ses incursions sont aussi peu démonstratives, mais empreintes d’une grande sensibilité et judicieuses. Eloquent et efficace, "She got kick" est un excellent blues. Une petite perle qui lorgne quelque peu vers Ike Turner. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par le tendre et lumineux "All that matters now". Face au piano, à la guitare et à l’harmo de l'ami Charlie, la voix de Ben est divine. Cet opus est dédié à Solomon Burke et John Lee Hooker.
Véritable gourou et tête pensante d’une communauté musicale néo-hippie, le Californien Alexander Ebert (aka Edward Sharpe) avait frappé un grand coup en 2009, en publiant un premier album flanqué de ses Magnetic Zeros. Il nous y réservait quelques irrésistibles singles ‘babas cool’ tels que « Home », « 40 Day Dream », « Janglin » et surtout « Up From Below ». Conserver le même degré d’euphorie béate allait donc être le principal défi de l’artiste, sur « Here », le second essai.
Dès « Man On Fire », un titre d’ouverture hanté par l’âme de Johnny Cash, on est rassuré sur l’état de forme du combo. Les chœurs rappellent une chorale 70’s (« Mayla ») au sein de laquelle Jade Castrinos pose régulièrement sa voix à côté de celle d’Alexander (« Home », « Fiya Wata »). L’ambiance vire souvent à la fête ‘évangélique’ (« I Don’t Wanna Pray ») même si « Here » se réserve quelques moments plus intimistes, à l’instar du légèrement reggae « One Love To Another » ou du plus délicat « Dear Believer ». Les ouailles seront satisfaites de la nouvelle livraison de monseigneur Sharpe qui s’érige en version premier degré du chaman ‘bleu’, l’insaisissable Sébastien Teller…
Au sein de ce duo, Sue Foley est certainement l’artiste la plus notoire. Notamment à cause de son timbre vocal délicieux, éternellement enfantin. Canadienne, cette rouquine compte déjà une belle carrière à son actif ; et pourtant elle n’est âgée que de 44 ans. Elle a assez longtemps vécu à Austin, au Texas, où elle a enregistré dès 1992 son premier album, “Young girl blues” pour Antone’s (NDR : c’est aussi le meilleur club de blues local). Une bonne dizaine d’albums plus tard, elle se lie à Peter Karp, un compositeur réputé, que l’on compare volontiers à John Hiatt voire John Prine. Il est originaire de l’Alabama. Le premier fruit de leur collaboration remonte à 2010, lors de la publication de l’elpee, “He said she said”, un disque paru sur le label californien Blind Pig.
Peter est aussi à l’aide à la guitare qu’au piano. Sue s’est également forgé sa notoriété par sa technique sur la Fender Telecaster. Les 12 nouvelles chansons de ce « Beyond the crossroads » sont cosignées ou issues de la plume d’un des deux artistes. Le duo est soutenu par leur section rythmique rituelle : Mike Catapano aux drums et Niles Terrat à la basse. Pour la circonstance, ils ont reçu le soutien de quelques amis dont la section de cuivres de Swingadelic.
“We’re gonna make it” ouvre le feu et tire sur le R&B largement cuivré. Les deux voix s’échangent les chorus ; Sue, de sa voix de fillette un peu fausset, Peter, d’un timbre assuré et autoritaire. Il est armé de sa guitare Gibson 335 et me rappelle l’un de ses gratteurs favoris, Freddie King. Miss Sue conduit “Analyze ‘n blues”, un blues bourré de charme, que colore son compagnon, à l’aide de sa slide. “Beyond the crossroads” est une excellente compo de roots rock. Poussées par les chœurs et les cuivres, les cordes sont bien en place. Le trombone de Mark Miller est à l’avant-plan tout au long de “Fine blues”, une plage relaxante, caractérisée par un chant paresseux. Proche de l’esprit du jazz traditionnel, “Take your time” trempe dans le folk blues. Retour dans le roots blues pour “More than I bargained for”. Les vocaux sont excellents, tant la voix de Peter que les répliques féminines. Un enchantement ! Chaque composition signée Mr Karp fait mouche. A l’instar des subtils et savoureux “Blowin”, illuminé par la pureté des cordes, ainsi que “Chance of rain”, moment au cours duquel il brille aux ivoires, pendant que Sue se réserve la gratte acoustique. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par “You’ve got a problem”, un boogie jump bien nerveux, que Peter drive à la perfection depuis son piano.
Exilé à New York, Alexis Georgopoulos est issu de San Francisco. Et manifestement, cet ex-Tussle a choisi un titre parfait pour son second album. Intitulé « The Soft Wave » il reflète parfaitement le style musical proposé, sis à la croisée du krautrock, du psychédélisme et de l’électronica. Une musique atmosphérique, minimaliste, élaborée à l’aide de synthés analogiques, mais qu’il recouvre de nappes sonores instrumentales les plus diverses.
Les plages sont planantes, relaxantes, et semblables à de douces vagues mélodiques, elles contaminent progressivement les esprits, avant de nous plonger dans un état d’apaisement proche du zen. La meilleure compo de l’elpee ? Manifestement « From A Balcony Overlooking The Sea » ; une piste réminiscente de la quintessence de l’œuvre signée Brian Eno, au cours de laquelle Alexis vient poser délicatement sa voix.
Rien de tel pour calmer vos nerfs en période de crise. Plus efficace et moins nocif qu’un Xanax, mais tout aussi addictif, « The Soft Wave » est certainement le remède idéal à prescrire…
Nederlands 
Français 
