Originaire du Michigan, Jan James est une chanteuse de blues rock qui jouit d’une solide réputation. Elle rencontre à l'université celui qui deviendra, jusqu'à ce jour, son partenaire : le chanteur et compositeur Craig Calvert. Le duo émigre vers Chicago. Il se produit dans les meilleurs clubs de la grande cité du blues, et tout particulièrement au Buddy Guy's Legends ainsi qu’au House of Blues. Son premier LP, "Last train", sort en 1994 chez Provogue, écurie sur laquelle, elle va graver plusieurs elpees. En 2005, le couple a fondé son propre label, Blue Palace. La prise de son a été réalisée à Chicago. Onze des douze plages sont signées par le duo ; et bien sûr, Craig est chargé de la mise en forme.
Funky blues, "I'm always coming back" ouvre la plaque, une compo mélodieuse dont le refrain est repris en chœur… par les chœurs féminins. Face à l’orgue Hammond de Bob Long, Craig brille déjà sur ses cordes. Il semble hanté par Jimi Hendrix tout au long du titre maître. Il écrase frénétiquement sa pédale wahwah, alors que la voix de Jan emprunte un tour subtilement tragique. A cet instant, elle est vraiment dans son élément. C’est d’ailleurs sur les ballades indolentes qu’elle est au sommet de son art. Et elle peut ainsi étaler toute la puissance de sa voix. "Try", "Where you gonna run to" et "Never in the game" en sont certainement les meilleures illustrations. Calvert est intenable tout au long du rock'n'roll sémillant "Lucky U R ". Le reste du long playing est partagé entre plages de blues/rock sans grande surprise et une reprise du "Honky Tonk woman" des Rolling Stones quelconque.
James Yorkston et King Creosote constituent certainement les meilleurs ambassadeurs du folk écossais. Enfin, depuis une quinzaine d’années. Ces songwriters ont l’art de jouer sur l’imaginaire, en brossant, à l’aide de leurs mots et de leur musique, les paysages abrupts et les ports de pêcheurs de la patrie de William Wallace. A près de cinquante balais, James n’a plus rien à prouver. Faut dire qu’il compte une discographie particulièrement abondante… et de qualité… Et il vient de nous livrer son album le plus personnel depuis longtemps. Pour enregistrer “The Route to the Harmonium, il s’est retiré dans un studio de Cellardyke, un petit village de pêcheur et a confié la mise en forme à David Wrench (qui a notamment travaillé avec Caribou, Four Tet, Frank Ocean, FKA Twigs et David Byrne).
Sculpté dans le folk minimaliste, ce neuvième elpee recèle de nombreuses pépites. Des chansons mélancoliques bercées par des rythmes fluctuants. Bien sûr, l’instrumentation est en retrait, mais est bien plus complexe qu’elle n’y paraît. Ainsi, elle est notamment enrichie de cuivres sur les excellents “Shallow” et “Like Bees to Foxglove”, et même de cithare sur ce dernier. D’ailleurs chaque plage est alimentée par une instrumentions spécifique. Ce qui fait leur charme. En outre, les compos révèlent un sens mélodique parfaitement développé chez l’artiste. Et la superbe ballade romantique “Oh Me, Oh My” en est certainement le plus bel exemple…
A écouter, de préférence, au coin du feu, en hiver, en sirotant un verre de whiskey, élevé en fût de chêne, comme en Ecosse…
Originaire du Michigan, Jan James est chanteuse de blues/rock. Elle apprend à chanter au sein d’une chorale, à l’église. Son voisin, Craig Calvert, devient son partenaire musical, un guitariste/compositeur qui militait alors dans un groupe punk. Le duo part alors à Chicago, la cité du blues. Il se produit en club, et notamment au Buddy Guy's Legend ainsi qu’au House of Blues. Le tandem publie un premier elpee, "Last Train", chez le label batave, Provogue. Puis tourne en Europe, où il acquiert une popularité certaine. Ce qui va lui permettre de graver de nouveaux albums. Jan et Calvert continuent leur chemin ensemble ; ce dernier est d’ailleurs toujours son guitariste, mais est devenu son producteur.
Et c'est ce dernier qui lance rapidement la machine sur les rails, dès "I'm a gambler", un blues imprimé sur un mid tempo tout au long duquel la voix puissante de Jan se distingue, alors qu’offensive et limpide, la gratte se détache de l’ensemble. "Heart of the blues" bénéficie d’une excellente intro, chargée d’un maximum de feeling, sur les cordes. Sans équivoque, Calvert tire sur toutes les ficelles du guitariste de blues rock! Le long playing recèle quelques blues lents, dont le superbe "Losing man", une plage saturée d’émotion, et abordée dans le respect du Chicago blues side, si cher autrefois à Muddy Waters. Sans oublier la finale "Black Orchid blues" et "Bucky blues, une piste colorée par l’harmonica. Country/blues, "Battle of Jesse" est un morceau acoustique attaqué à la manière de JJ Cale, mais que chante Jan, d’une voix tellement féminine. Excellent come-back !
James Elkington est né à Chicago, mais a opté pour la nationalité britannique. Faut dire qu’il y a été élevé au cours des seventies et des eighties. Et c’est un fameux guitariste ! Dont le toucher de cordes, en picking, est aussi subtil que celui de Mark Knopfler, voire de Bert Jansch ou de John Fahey, mais qu’il met au service de compos plus enlevées. S’il a bien sévi au sein d’un groupe, baptisé The Zinc, il y a un peu plus d’une dizaine d’années, il a surtout forgé sa notoriété en bossant pour d’autres artistes, et en particulier Richard Thompson, Jeff Tweedy, Steve Gunn et Laetitia Sadier… Minimaliste, introspective, fondamentalement folk, sa musique évoque Nick Drake. Parfois traversée par un zeste de percus, de steel, d’harmonica, de basse, d’orgue, de violoncelle ou de banjo, les compos s’avèrent particulièrement agréables à l’écoute ; et si la voix de l’artiste n’est pas exceptionnelle, elle est chaleureuse, bien timbrée, et colle parfaitement à l’ensemble.
James Thornbury, alias James T, est décédé ce 1er octobre 2017, des suites d'une leucémie. Originaire de Cincinnati, ce chanteur, guitariste et harmoniciste de blues avait milité chez Canned Heat, de 1985 à 1995. Il vivait depuis en Australie.
James T est impliqué sur six albums de Canned Heat, notamment "Re-Heated", paru en 1989 et "Internal Combustion", en 1995.
James Leg est le fils d’un prêcheur texan. Son éducation musicale a baigné dans le gospel. Il est ainsi devenu un excellent claviériste et un crieur (shouter). En vérité, il s’appelle James Wesley Myers. Avant d’embrasser une carrière solo, il a milité chez Black Diamond Heavies, The Immortal Lee County Killers et Cut in the Hill Gang. Complexe, sa musique campe un cocktail de blues, gospel, punk et rock’n’roll. Il a publié son premier elpee, "Solitary pleasure", en 2011. Il collabore ensuite aux sessions d’enregistrement de l’album "Pain Killers" de Left Lane Cruiser, en 2012. Puis grave son remarquable "Below the Belt", en 2015. Pour concocter ce nouvel opus, il a reçu le concours du batteur Mathieu Gazeau et de quelques invités.
Morceau d’ouverture, "Human lawn dart" décoiffe littéralement. Magistral, le riff est reproduit par l’orgue. Le batteur se démène comme un fou sur ses fûts. Déglinguée, aride, la voix semble émaner d’outre-tombe. Impressionnant ! Le rythme s’emporte sur "Huggin the line". L’orgue mène la danse, poursuivi par les folles percussions. James chante comme si son sort en dépendait, un peu comme le regretté Lemmy, chez Motörhead. Il est épaulé par les voix de Foxxxfire. Une rythmique hypnotique est imprimée tout au long de "Mighty man", un blues qu’aurait aimé allumer le bon vieux Howlin’ Wolf. Même la voix emprunte les cris du vieux loup de Chicago. Mais pour la circonstance, c’est Ruben Glaser (Pearlene) qui se réserve les dérapages permanent et ravageurs de la guitare. "StMichel shuffle" adopte un même tempo. La voix semble hantée par Tom Waits. Plus surprenant, le violon de Sylvia Mitchell s’incruste dans l’ensemble et contribue au changement de rythme. Superbe ! Les cordes vocales de Mr Leg déchirent "I’ll take it", une ballade au cours de laquelle il double orgue et piano, alors que Ruben Glaser nous réserve un très beau solo sur ses cordes. Matt Ayer épice de ses percus exotiques le drumming féroce que Mathieu impose à "Ain’t you hungry". Un peu comme chez Santana. Cependant, ce sont les claviers pétrifiants de James qui s’imposent au cœur de ce climat propice à la transe. "Dogjaw" est un boogie improbable. La voix est davantage éructée que chantée. Mais le résultat est particulièrement entraînant. Et la guitare de Dr. Johnny Walker (ex Soledad Brothers/Cut in the Hill Gang) ainsi que l’orgue qui s’emporte, entrent en duel. Le chant est furieux et spasmodique sur "Tao Te Leg", une plage toujours bien rythmée au cours de laquelle James –qui ne lâche décidément rien– se fend d’interventions imparables sur ses claviers. Bluesy, indolent, "Blood on the keys" est une superbe compo chantée à la manière d’Arthur Brown, à l’époque de son ‘Monde Fou’ ; à moins que ce ne soit de Nick Cave, d’un point de vue plus contemporain. En fait, il reflète un véritable mal de vivre. "Should’ve been home with you" parachève le long playing. La piste s’ouvre dans un climat prog. Les claviers de Leg et le violon de Miss Mitchell opèrent des échanges, préludant les derniers délires de Mathieu Gazeau. Un album vraiment surprenant !
Originaire de Houston, au Texas, Teresa James s’est établie depuis bien longtemps à Los Angeles où elle a monté sa formation, The Rhythm Tramps. Cette véritable blueswoman chante et joue du piano. "Bonafide" constitue déjà son 9ème opus solo. Il fait suite à "Come on home", paru en 2012. Pour enregistrer ce nouvel elpee, elle a pu compter sur ses fidèles collaborateurs ; en l’occurrence le guitariste Billy Watts et le bassiste Terry Wilson ; ce dernier se chargeant également de la production. Outre, son rôle principal de compositeur. En fait, il incarne l’âme des Rhythm Tramps. Enfin, lors des sessions, Teresa a pu compter sur la participation de la crème des musiciens de studio issus de L.A.
L’ouverture est royale. Une reprise. Et elle est détonante. Il s’agit d’"I like it like that", une compo que 5 Royales avait traduite en succès, dès 1954. Teresa chante à la manière d’une rockeuse devant les répliques vocales de Terry et de Billy, tout en s’excitant derrière son piano. "Bonafide" trempe dans le funky r&b. Jay Bellarose frappe méticuleusement sur ses fûts, alors que Red Young (Eric Burdon Band) tapisse l’ensemble de son orgue Hammond. La plupart des ballades r&b sont le plus souvent inspirées du Memphis Southern soul. A l’instar du très mélodieux "Spit it out", une plage cuivrée par Darrell Leonard. De "The power of need", une piste dominée par le piano de Mike Finnigan et la guitare de Watts. Du superbe "Pick me up". Très Stax, ce morceau est illuminé par la voix de Teresa, face à la trompette de l’ex-Tower of Power, Lee Thornburg, et le sax de Ron Dziubla. Une voix qui se révèle d’une grande pureté sur le bouleversant "No regrets", une autre ballade qu’elle chante devant l’orgue Hammond et le saxophone de Sean Holt. Wilson et Greg Sutton signent "My god is better than yours", un blues/rock léger aux accents gospel. D’un timbre ravagé, ce dernier partage le micro avec Miss James. Tony Braunagel aux drums et surtout Mike Finnigan aux ivoires, impriment le tempo tout au long de "What happens in Vegas", une plage qui nous entraîne à New Orleans. Et c’est Terry Wilson qui se consacre à la guitare. Blues/funk, "Too big to fail" lorgne vers Little Feat, alors que les sonorités de cordes dispensées par Wilson sont hantées par Billy Gibbons. Red Young siège derrière l’orgue et Teresa, le piano, pour "You want it when you want it", un soul/rock vif, excitant, dansant même. En finale, Teresa chante le "Have a little faith in me" de John Hiatt, une ballade poignante ponctuée par une remarquable sortie de Jerry Peterson, sur son saxophone.
Fondé en 1983, James est une formation qui est toujours parvenue à se transcender sur les planches. Et encore aujourd’hui. Mais si entre 1986 et 2000, elle a publié quelques excellents albums et surtout gravé d’inoubliables singles (« Sit down », « Come home », « She’s a star », « Born of frustation », notamment), depuis le début du millénaire, la discographie fait un peu pâle figure. Bien sûr, Tim Booth a tenté une aventure en solitaire. Et puis les musicos du groupe ont opéré d’incessantes allées et venues. A l’instar du génial trompettiste Andy Diagram ou du tout aussi talentueux violoniste Saul Davies. Ce sont d’ailleurs ces deux membres du band et bien sûr la voix de Tim qui ont toujours apporté cette singularité à la musique de la formation mancunienne. Depuis donc, James cherche vainement à se renouveler. Et tente sur « Girl At The End Of The World” un pari sur l’électro. Qu’il avait pourtant réussi sous la houlette de Brian Eno, sur l’expérimental « Wah wah ». Mais sur ce nouvel essai, il n’y a plus rien d’expérimental, mais des beats et des synthés qui cherchent uniquement à faire danser. Qui cherchent. Mais à mon humble avis, ils vont encore chercher longtemps. Même la superbe voix de Booth est régulièrement martyrisée. Hormis le premier morceau de l’opus, l’hypnotique « Bitch », et le titre maître qui le clôt, une pop song hymnique, parcourue par une slide gémissante et imprimée par une boîte à rythmes bien calibrée, le reste est complètement massacré par l’électronique, évoquant même parfois Donna Summer (« Surfer’s song »), une rencontre entre Pet Shop Boys et Jean-Michel Jarre (« Dear John ») voire du U2 sub « Pop » (« Move down south »). C’est Max Dingel (The Killers, Muse, White Lies ») qui s’est chargé de la mise en forme ; et manifestement, n’est pas Brian Eno qui veut.
Issu de Vancouver, James ‘Buddy’ Rogers est un chanteur/guitariste/compositeur canadien. C’est très jeune qu’il chope le virus du blues, inoculé par son père. Dès ses 15 ans, il drive sa formation, le Warren Storm. A 19 printemps, il se retrouve à Kansas City où il se produit en compagnie de Russell Jackson, le bassiste de BB King. Depuis le début de ce millénaire, il dirige son JBR Band. Comme gratteur, il reconnaît comme influences majeures, Johnny Watson, Jimmy Vaughan et les trois Kings.
Buddy comptait déjà trois albums à son actif : "Wanna go home" en 2003, "Red light Party" en 2008 et "My guitar’s my only friend" en 2012. Pour enregistrer "By my side", il a reçu le concours de son backing group, of course. En l’occurrence le bassiste Mike Wedge, le drummer James Badger et le percussionniste Winfred Ballard. Lors des sessions, le band a bénéficié de la collaboration de Lewis Stephens, notoire pour avoir bossé en compagnie de Freddie King, Delbert McClinton et Mike Zito.
Blues/rock classique "Come back to me" est imprimé sur un tempo enlevé. Quoique parcimonieuses, les interventions de gratte sont bien mises en exergue. "By my side" est une ballade pleine de charme dont la mélodie caresse les tympans. "You belong" en est une autre. Accrocheuse, elle se distingue par la voix empreinte de délicatesse et les cordes acoustiques qui se fondent dans les tonalités chaleureuses de l’orgue. James chante "Can’t get you off my mind", un morceau de pur rock’n’roll, au cours duquel sa voix ne manque pas de panache. Le piano de Stephens soutient parfaitement le rythme. Et les sonorités de guitare jaillissent par flots. Excellent ! "Goin’ down" est un classique des classiques signé Don Nix (NDR : issu de Memphis, ce musicien est toujours en vie). C’était aussi une des pièces maîtresses du répertoire de Freddie King. Et c’est ce dernier qui inspire, bien entendu, la version de Mr Rogers, bien épaulé par ses partenaires, au sommet de leur forme. Particulièrement classique, "Hell to play" est un blues/rock qui puise ses sources dans le Chicago style. Stephens double piano et orgue. Buddy Rogers semble alors hanté par le Clapton des grands jours. A contrario, les délicats "You & I" et "Change" (NDR : c’est la finale) lorgnent davantage vers le ‘Slow Hand’ contemporain. "Baby" est une plage qui semble totalement libérer Rogers. Chargées de feeling, ses interventions aux cordes sont même déconcertantes. La voix est chargée d’amour, de passion même. Et la six cordes, lumineuse. "Runnnin’" campe un r&b dansant au cours duquel les cordes reflètent toute la maturité du leader. Funky, "Am-Ola-Dora" est un instrumental réminiscent du southern r&b institué à Memphis par Booker T & the MGs.
Ginger St James est issue de Hamilton, au Canada. Elle se révèle particulièrement à l’aise dans plusieurs styles ; que ce soit l’americana, l’alt country ou le rockabilly. En général, elle est épaulée par son guitariste SnowHeel Slim.
"Pour me" ouvre l’opus. La voix de Ginger colle parfaitement à ce morceau de country pure. La pedal steel colore l’ensemble de ses teintes métalliques. "Train whistle" est imprimé sur le rythme du chemin de fer. Et il est soutenu. La voix de l’artiste semble soupirer ; manifestement, elle laisse sa puissance vocale sur la réserve. Snowheel Slim excelle sur sa gratte qu’il joue en picking. Ballade country, "Honeymoon stage" s’inscrit parfaitement dans un climat de ‘lune de miel'. Secondée par celle de la bassiste Justine Fisher, la voix de Ginger est sucrée, alors que les cordes accentuent le climat de mélancolie au sein duquel baigne la plage. Piano et pedal steel alimentent "Slim’s Jig", un bref instrumental rythmé. Bienvenue dans l’univers des cow-boys ! Les percussions d’André Tellier sont bien à l’avant-plan tout au long de "Somebody shot me", une ballade americana dont la trame est superbement construite par l’ensemble des instruments. Ballade country gémissante, "Best of me and you" glisse progressivement vers le blues, tout en respectant une parfaite interactivité musicale. "Hair of the blackdog" est sculpté dans du pur rock’n’roll. La voix féline de Ginger accroche, griffe même, alors que piano et guitare s’en donnent à coeur joie. Une formule qui sied bien à Miss St. James. Dommage qu’elle n’y recourt pas plus souvent. Guitares en picking et piano roadhouse entretiennent le country/swing "You were mine". Trop court, cet elpee s’achève par le dépouillé "Merry go round", une jolie ballade empreinte de spleen, un sentiment accentué par les cordes acoustiques limpides et la pedal steel chargée de feeling…
Wendy James est aujourd’hui âgée de 52 ans. Chanteuse et compositrice, cette Anglaise a milité au sein de Transvision Vamp, un groupe de pop/glam/rock, qui a sévi au cours des eighties. Et Vamp elle est restée. D’ailleurs, malgré son âge ce sex-symbol, elle est toujours aussi fière de son anatomie. Suffit de regarder la pochette, où elle n’en cache pas grand-chose. Elle a entamé une carrière solo, début des nineties. Ainsi, en 1993, elle publie l’album "Now ain’t the time for your tears", sous la houlette d’Elvis Costello. En 2004, elle fonde la formation Racine. Mais revient pour un opus en solitaire, en 2011, un disque intitulé "I came here to blow minds". On la perd quelque peu de vue, jusque la sortie de cette nouvelle œuvre personnelle, mise en boîte à New York City et mixée à Berkeley. Pour la circonstance, elle a reçu le concours de Lenny Kaye (NDR : le guitariste du Patti Smith Band), le bassiste Glen Matlock NDR : ex-Sex Pistols) et le drummer Sclavunos (NDR : un membre du Bad Seeds de Nick Cave).
Miss James a conservé une voix suave et sensuelle ; et elle l’exhibe tout au long de "Paloma’s downs", une plage bien électrifiée par les riffs de Kaye. La construction du titre est impeccable. Les arrangements sont travaillés. Ce qui n’empêche pas une sortie aventureuse sur les cordes. "Indigent blues" baigne au sein d’un climat empreint de douceur, de délicatesse et d’harmonie. Le toucher de cordes est alors digne d’un certain Mark Knopfler. "King Rat" s’ouvre par un riff bien énergique. C’est une des meilleures plages de l’elpee. Wendy adopte toujours bien une attitude vocale punk voire post new wave. Lenny Kaye s’autorise une sortie subtilement orientale, légèrement teintée d’une forme de psychédélisme dont les accents sont empruntés au Paisley Underground. "Love from the 9th" est une ballade tendre mais surtout voluptueuse. "Bad intentions and a bit of Cruchy" baigne dans le power rock. Les riffs sont pétillants. Talonnée par les cordes, badine, la voix sert de fil rouge. Hypnotique, particulièrement rythmique, mais surtout punk, "You’re a dirtbomb, Lester" est un autre sommet de l’opus. Proche de Patti Smith, la voix est envoûtante. Wendy amorce "Screaming back Washington" à l’aide de sa gratte rythmique et de son piano. Elle est cependant rapidement rejointe par Kaye, dont l’intervention se révèle créative, tout au long de cette jolie ballade dépouillée. "Why oh why do you hurt me still ?" est un rock’n’roll délicatement récréatif, souligné par la voix espiègle de Mrs James. Plus complexe, "Cowboy rhythm" est une piste qui monte progressivement en puissance. Si Wendy signe les onze premières plages, elle attaque également deux covers. Tout d’abord le « You’re so great » de Fred Smith (ex-MC5). Ce qui lui permet de nous replonger au cœur du mal de vivre éprouvé dans le Michigan. Fred l’avait écrite pour son Sonic Rendez Vous Band ; et surprise, James Williamson (Stooges) est venu y mettre son grain de sel, à la gratte. Et on l’entend ! Enfin, en conclusion, le "It’s alright Ma" de Bob Dylan. La version est méconnaissable. Remuante, déjantée, psyché, elle implique également Williamson aux cordes, mais également Steve MacKay (NDR : un autre membre des Stooges) au sax baryton.
James Morrison Catchpole est un chanteur/compositeur/guitariste né à Derby, en Angleterre. Un artiste dont le premier elpee, « Undiscovered », remonte à 2006. Et c’est le single, « You Give Me Something », issu de cet LP, qui va le faire connaître à travers le monde. Son dernier opus, « Higher Than Here » est paru fin 2015. Et il est venu le défendre, au sein d’une salle dont il avait déjà foulé les planches, en 2012 (Sarah Carlier en assurait le supporting act) et en 2009 (là, c’était Selah Sue qui ouvrait son concert).
Bien que le second balcon côté fosse soit condamné, la salle est pleine à craquer. La première partie est réservée à Glenn Claes. Pas un inconnu au Nord de la Belgique, puisqu’il a été finaliste de la version néerlandophone de ‘The Voice’. Un crochet au cours duquel il avait brillamment interprété « The Sound Of Silence» de Simon & Garfunkel. En février 2016 il était venu présenter son premier elpee, « Back Where My World Began », à l’AB Club, dont a été extrait le single « Face In The Light ».
Belle gueule d’ange, Glenn se sert d’une gratte on ne peut plus classique. Il est soutenu par un autre préposé à la sèche, Stijn Bervoets. Chevelu et barbu, il s’installe à gauche de Claes. Qui a manifestement une très belle voix. Capable de se fondre dans un duo vocal atmosphérique tout au long du tendre « Little Lies ». Mais également de la moduler, en la poussant dans les graves ou les aigus ; une voix capable d’emprunter un timbre rocailleux mais également d’exprimer toute sa puissance. A l’instar d’un Milo Meskens. Aux premiers rangs, le public féminin est sous le charme. D’une vingtaine de minutes, le set s’achève par une cover intense du « All Night Long » de Lionel Richie. Le garçon a du talent et est certainement à suivre de très près.
Tout le monde est placé sur une immense estrade sauf James, en avant scène, et un des deux claviéristes. Un podium imposant sur lequel sont plantés l’autre claviériste (au Hammond), un drummer, un bassiste et un guitariste. Imposantes, les deux choristes sont postées à l’extrême gauche. Morrison est armé d’une six cordes semi-acoustique.
« Under The Influence » (« Undiscovered ») ouvre le show. Le light show est impressionnant et se focalise sur les différents artistes. Il est composé de 6 rangées de gros spots tournants, desquels repartent des petites guirlandes de leds qui s’élancent vers le plafond juste au-dessus des artistes. Au milieu de la chanson, James Morisson s’adresse au public en criant ‘Brussels', à la manière du ‘boss’ et l’incite à frapper dans les mains. Les interventions du Hammond communiquent un feeling sixties au morceau. « Nothing Ever Hurt Like You » (« Songs For You, Truths For Me ») baigne advantage dans la soul ‘motownesque’. Tout au long de « I Won't Let You Go » (« The Awakening »), la troupe est plongée dans un halo de lumière bleue. La voix de James est haut perchée. Les claviers sont omniprésents et les chœurs se libèrent. Lors de « Stay Like This » et « Something Right », le crooner a abandonné sa guitare. Il tient son micro à deux mains pour ces ballades soul bouleversantes. Place ensuite au tube « Wonderful World » (« Undiscovered »). Le répertoire est varié et alterne vieux standards et nouvelles compos. Au cours desquelles il va notamment faire le pitre, pastichant –mais parfaitement– Mickael Jackson, pour le plus grand bonheur des premiers rangs. Très interactif avec son public, il injecte dans ses compos énormément de feeling et de chaleur humaine. La voix de James excelle dans tous les styles. Elle a mis tout le monde d’accord. Y compris pendant les morceaux funk et r&b. C'est l'un des représentants les plus talentueux de la scène insulaire. Et en guise d’apothéose, « Demons » est interprété devant mille feux et lumières…
On aura quand même droit à un rappel. Qu’il achève par « You Give Me Something », dont le refrain est entonné par l'ensemble de l’auditoire. Chargée d’émotion cette superbe soirée a permis d’oublier les tracas de la vie quotidienne. Ce qui n’est déjà pas si mal…
(Organisation : Live Nation)
De son véritable nom John Wensley Myers, James Leg est âgé de 32 ans. Ce chanteur/pianiste de blues/rock est le fils d’un prédicateur évangéliste. Originaire de Port Arthur, au Texas, il s’est établi à Chattanooga, au Tennessee. Sa notoriété artistique remonte à 2004, lorsqu’il fonde le groupe Black Diamond Heavies, en compagnie du guitariste Mark Porkshop Holder et du percussionniste Van Campbell. Le trio a enregistré trois albums chez Alive, entre 2007 et 2009. Depuis, Leg a publié un opus solo en 2011, "Solitary pleasure", et l’année suivant, le LLC a gravé une collection de reprises baptisée "Painkillers".
Lors des sessions d’enregistrement, Leg a reçu le concours de quelques potes. "Below the belt" est découpé en 10 plages. James Leg tire largement parti des claviers. Sa voix est en permanence éraillée, torturée même. "Dirty South" ouvre la plaque. Andy Jody frappe nerveusement sur ses percussions. Déjantée, la guitare de Johnny Walker entretient un climat angoissant. Une voix lugubre envahit "Casa de Fuego", un titre rythmé qui baigne au sein d’une ambiance mexicaine. A cause de la trompette d'Andrew Higley et des multiples percus. James a recours à une belle panoplie de claviers : piano électrique et acoustique, mais c’est surtout l'orgue Hammond qui domine le sujet. La cover du "Up above my head" de Sister Rosetta Tharpe nous plonge dans le gospel. Des voix qui soutiennent celle, conquérante, de Leg. Johnny Walker souffle comme un possédé dans son harmonica à une vitesse vertigineuse. Walker est passé à la slide pour "Drink it away", une plage allègre qui reflète la bonne humeur ambiante. La voix est paisible, mais c’est le piano qui s’impose dans l’ensemble. "October 3rd" oscille entre blues et R&B. Andy Jody réalise un bon travail rythmique. Leg double orgue Hammond et Fender Rhodes. Leo Murcia souffle dans son trombone. Punk/blues/boogie furieux, "Glass jaw" est interprété en duo. Leg se consacre, bien évidemment, aux claviers, dont il extrait des sonorités particulièrement riches. Jody brille aux percus. Une fresque de l'épouvante ! Le tempo s’élève encore pour la cover du "Can't stop thinkin' about it" de Dirtbomb (NDR : un combo punk issu de Detroit). Un blues primaire, frénétique, sans concession, enlevé, que galvanisent les interventions de gratte déstructurées de Frederick Joe Evans IV. Un brûlot! La cover du "A forest" de Cure –un des meilleurs titres de la bande à Robert Smith– est originale et épatante. Dominée par la rythmique et appuyée par la basse de Paul Brumm, elle lorgne vers la période la plus ravagée des Stranglers et se révèle propice à la transe hypnotique. Enrichi par le violon alto de Sylvia Mitchell et la scie d'Andrew Higley, "Disappearing" emprunte une nouvelle direction. Surprenant et créatif, ce long playing s’achève par une plage soul intitulée "What more". Une composition agréable à l’écoute au cours de laquelle la voix graveleuse de Leg et celles, empreintes de douceur, de Beth Harris et Kristen Kreft, se complètent parfaitement ; alors que la sixcordes de Dwight Dyer épanche une belle dose de feeling…
Etablis à San Diego, au sud de la Californie, Chris James et Patrick Rynn constituent un duo bien soudé. Pourtant leur style musical nous entraîne au cœur de la Cité du blues, Chicago. Chris chante et se consacre à la guitare, Patrick à la basse. Leur collaboration remonte déjà à 1990, lors de leur première visite au sein de la Windy City. Leur coopération a déjà débouché sur la confection de trois elpees, "Strop and think about this" en 2008, "Gonna boogie anyway" en 2010 et "Barrelhouse stomp" (NDR : pour lequel le tandem avait bénéficié du concours de 3 pianistes) en 2013. Ils sont tous parus chez Earwig, mais les deux premiers sont épuisés. Changement de crèmerie pour "Trouble don't last", puisqu’il est publié sur le label très dynamique, Vizztone. Lors des sessions, la paire s’est entourée de musiciens remarquables ; et tout particulièrement le batteur June Core ainsi que les harmonicistes Rob Stone et l'Indien Aki Kumar.
L’opus démarre en force par le rythmé "Shameless", un morceau pour lequel le duo est renforcé par la présence de leur ami Rob Stone, à l'harmonica. Signé par le citoyen de Detroit, Calvin Frazier, "Lily Mae" évolue sur un tempo lent. Le spectre de Muddy Waters plane tout au long de ce titre qui baigne au sein d’une ambiance réminiscente du quartier Southside de Chicago. Les interventions d'Aki Kumar à l'harmonica sont saturées d'émotion. "Lonesome whistle blues" est une plage popularisée au début des 60s par Freddie King. La nouvelle version évolue à un niveau particulièrement élevé. Les deux souffleurs s’échangent des soli exceptionnels, alors que Chris James démontre tout son talent sur les cordes. "Going down to the ocean" nous emmène dans le Chicago Westside. Tout en rythmique, l'envol exécuté par Chris est brillant. Faut dire que la section constituée de Patrick Rynn et June Core est irréprochable. Country/blues, "Trouble don't last" adopte le tempo du chemin de fer. Le "Don't drive me away" de Robert Curtis Smith est contaminé par le blues du Mississippi. Rob et Aki tirent à nouveau leur épingle du jeu à l’harmo sur l’instrumental "Steady goin'on", une plage au rythme vivace assuré par Chris James. Et finalement, ne tenant plus en place, ce dernier se lâche sur ses cordes. Sa voix se détache sur "A good idea at the time", un blues lent, indolent qu’il interprète face à un accompagnement minimaliste, dont celui de Rob Stone, empreint d’une grande sensibilité. Aki Kumar se déchaîne sur "Hard to keep a dollar", un solide Chicago shuffle qui démontre une nouvelle fois l’étendue de son talent. De toute bonne facture, cet opus s’achève par l’enlevé "Roll, tumble and slip", une compo issue de la plume de feu Sunnyland Slim, pianiste notoire issu de Chicago. Une nouvelle occasion pour autoriser un beau duel entre les deux souffleurs, destiné à nous transporter vers les sommets…
Irréelle ou plutôt céleste, c’est en effet l’impression laissée par la voix de James Irwin (NDR : un Californien d’adoption), qui évolue dans un registre proche de Jason Lytle… Elle est même cotonneuse voire visionnaire, et très susceptible de vous propulser en apesanteur. Et tout particulièrement tout au long de son second elpee, « Unreal ». Pas étonnant que l’autre James Irwin, renseigné par Wikipédia, soit un astronaute qui avait participé au vol d’Apollo 15.
Responsable d’un premier essai acoustique en 2012, intitulé « Western Transport », le Canadien a décidé d’étoffer ses compos. Le saxo de « Walls Around Nothing » répond aux échos de « Did You Hear Who Shot Sam ? », une compo magnifique, mélancolique, aux sonorités réverbérées, dont les lyrics évoquent la mort de Sam Cooke, ainsi qu’à ceux de « Blood Going Back in Time ». Mélodieux, « Everything Passed Me By » bénéficie d’arrangements soignés. Si « Walls Around Nothing » est légèrement dansant, « Face Value » baigne dans les claviers 80’s. Seul, au sein de son studio, Irwin a peaufiné à l’extrême les 9 pistes de ce long playing, bien moins fictives que supposées. « Unreal » un rêve ‘chill’ devenu réalité…
James Day est né à Valdosta, en Georgie, dans une famille de militaires. Ce qui explique pourquoi il n’a jamais vécu longtemps au même endroit, au cours de sa jeunesse. Quand la tribu revient à Biloxi, dans le Mississippi, James apprend à jouer de la guitare et prend goût au blues ainsi qu’à la roots music. Il passe quelques années à la Nouvelle-Orléans avant que l'amour ne le fixe à Philadelphie. Il y monte James Day & the Fish Fry en 2003. La musique de ce band propose alors un mélange de jump blues et de R&B néo-orléanesque. Ce combo publie un premier elpee, "Blues latitudes". A cette époque, Jamies se perfectionne à l'harmonica, à l’écoute de ses maîtres, Little Walter et Sonny Boy Williamson, puis de pointures davantage contemporaines, comme Kim Wilson et Rick Estrin. En 2009, il enregistre un excellent opus, "Firecracker'", sous la houlette de James Harman. Lors des sessions, il reçoit le concours de la crème des musiciens californiens jump, Nathan James, Carl Sonny Leyland, Johnny Viau et Marty Dodson.
"Southland" est une célébration de la musique du Sud des States, et principalement la Gulf Coast. Pour parvenir à son objectif, James a fait appel à son backing group, Fish Fry ; soit le guitariste Mark Shewchuk, le claviériste/accordéoniste Ron Baldwin, le drummer John Merigliano et le bassiste Michael Massimino. Mais également de nombreux invités. La prise de son a été réalisée au studio Widget, près de Philadelphie. Les quatorze plages et la production sont signées par Day.
Southern boogie imprimé sur un tempo ‘rollingstonien’, "Chain of pain" est une superbe entrée en matière. Chuck joue de la guitare essentiellement en mode rythmique. James se consacre à la slide. Les interventions au piano sont syncopées. "Next new thing" adopte un profil proche du West Coast jump. Un morceau très rythmé au cours duquel Ronnie siège derrière l'orgue Hammond, James souffle comme un forcené dans son harmonica chromatique, alors que Greg Snyder décolle sur sa guitare bop toute en swing. Excellent ! "Muscadine wine" nous entraîne au cœur des swamps. L'orgue Hammond s’impose. Mr Day double à l'harmonica et à la cigar box guitare et Carl Crabtree est préposé au saxophone baryton. "Time & Money" met le cap plein Sud. La plage baigne dans une atmosphère très Jimmy Reed. Redoutable souffleur californien, Mark Hummel se consacre à l’harmo alors que pas moins de cinq guitares justifient leur participation. Le Fish Fry nous embarque alors dans le jazz manouche en abordant "Nat'chel man", un titre balayé par la mandoline de Rich Delgrosso, le violon cajun de Bill Nixon et la clarinette de Walter Bechtold. Guitare, piano et harmonica entretiennent un swing tout au long de "Fish fry jump". Nous sommes retournés dans les bayous. Caractérisé par ses cordes acoustiques, sa mandoline, son harmonica et ses diverses percussions, "Country woman" revient aux racines. Propice à la fête, "One step des Chameaux" invite à la danse. Une plage qui baigne dans le cajun au son du violon, de l’harmonica et des percus. On se croirait chez Auntie Sue au Fred's Lounge de Mamou ! Blues d’une grande pureté, "Weather blues" nous plonge dans l’atmosphère du Delta du Mississippi. Les interventions à l’harmo de Mark Hummel son belles à pleurer, des larmes qui coulent également des accords dispensés par la National Reso-Phonic de Delgrosso, alors que Greg tente de les sécher à l’aide de son piano juke joint. "Zydeco Boogaloo" est une autre incitation à la danse, un morceau caractérisé par le recours à un frottoir, la présence de congas et bien sûr de l'accordéon à Ron Baldwin. Lors du carnaval, tous les street bands fréquentent la Nouvelle Orléans. "Festival time" en est une belle illustration, un titre qui bénéficie de la participation des Wild Bohemian Horns, dont le line up se partage clarinette, trombones, saxophones, banjo et accordéon. Irrésistible! La musique à bouche est insatiable tout au long de "Money smarts & charms", une piste rythmée par le piano honky tonk et balayée par la Telecaster de Mark Shewchuk. Et c’est le titre maître qui clôt l’opus. L’harmo de Mark Hummel ainsi que les voix féminines de Keli Vale et Alisa B. Anderson y préservent un climat, ma foi, très serein…
Il y a maintenant plus de 20 ans que James Yorkston propose des ballades intimistes à l’ombre de la célébrité. Le barde écossais enchaîne assidûment les albums. Et « The cellardyke recording and wassailing society » constitue son douzième. A plus de 40 balais, le natif de Fife (NDR : un patelin sis au Nord d’Edimbourg), continue de faire ce qu’il fait le mieux, du folk champêtre sobre et minimaliste. James Yorkston parvient, rien qu’en se servant d’une sèche, à nous flanquer des frissons partout, à l’instar de l’excellent « Sweet Sweet » pour lequel sa compatriote, la compositrice KT Tunstall, est venue lui prêter main forte. The Pictish Trail et Alexis Taylor ont également participé aux sessions d’enregistrement. Le leader de Hot Chip se charge même de la production. Il assure également les percussions et parfois les chœurs, comme sur « The Very Very Best ». Parmi les seize morceaux proposés, on épinglera certaines perles comme le désinvolte « Thinking about Kat », l’enjoué « King of the Moles » ou encore les mélancoliques « Broken Wave (a blues for Doogie) » et « Red Fox ». Sans oublier l’énergique « Great Ghosts », au cours duquel KT Tunstall est littéralement survoltée.
Tout au long de l’opus, la voix et la guitare sont les principaux atouts de l’Ecossais. Cependant, variée et parfaitement dosée, l’instrumentation est suffisamment conséquente pour que cet opus soit davantage qu’une simple incursion dans l’univers de la pop. Seul bémol : la durée. Seize morceaux en plus d’une heure, c’est plutôt long. Le tracklisting aurait pu se passer de quelques plages dispensables, comme « Honey on Thigh » ou « You & Your Sister », par exemple…
Il y a trois ans, James Vincent McMorrow se produisait en première partie de Thomas Dybdahl, au Botanique. Et en début d'année, il faisait son retour à l'Orangerie, devant un auditoire comble. Huit mois à peine se sont écoulés et le songwriter revient déjà à Bruxelles. Mais pour la circonstance, au Cirque Royal. Et si la salle n’est pas comble, elle est bien garnie, preuve que le succès de l’Irlandais est en pleine phase ascendante. Un succès entièrement mérité, lorsque l'on écoute son deuxième album intitulé "Post Tropical", sorti il y a peu.
Pour assurer sa première partie, le natif de Dublin a fait appel à l’un de ses compatriotes, Rhob Cunningham, un artiste qui a déjà assuré, dans le passé, le supporting act de Lisa Hannigan et d’Alela Diane. Son folk est assez classique et plutôt sympathique. Idéal avant d’accueillir le maître de cérémonie. (Pour les photos, c'est ici)
James Vincent McMorrow monte sur l’estrade 20h45. Il est accompagné de trois musiciens : une bassiste (qui double aux claviers et aux guitares), un drummer et un claviériste (également préposé à la flûte traversière). Le podium est parsemé de petits cônes lumineux qui évoquent symboliquement la forêt. Arborant comme à son habitude une barbe, vêtu d’une chemise au col ouvert pour accentuer son allure plutôt décontractée, il se plante derrière ses claviers et entame le concert. Quand il n’en joue pas, il se consacre à la gratte, qu’il change de temps en temps. Dès les premières notes, on se rend compte que cet individu transpire la classe. Le son est parfait et lorsque les premières paroles sortent de sa bouche (ou gorge), on ne peut que succomber sous le charme. Plusieurs démonstrations vocales seront d’ailleurs chaleureusement applaudies par le public. Le décor et l’éclairage permettent aux titres de son dernier elpee de prendre une dimension davantage lyrique (« Red Dust », « Post Tropical », ...) McMorrow s’autorise l’un ou l’autre exercice de style en solitaire. Et à la perfection (« And if my heart should somehow stop »). Au bout d’une heure et demie, il termine le spectacle par une nouvelle démonstration vocale, sans avoir avant oublié de présenter ses musicos.
Après avoir publié deux albums, James Vincent McMorrow nous a démontré qu'il est déjà devenu une valeur sûre de électro/folk indie. Et au vu de la performance accordée ce soir elle ne peut que monter en flèche... (Et pour les autres photos, c'est là)
(Organisation Botanique)
Cette soirée au Cirque Royal est particulière. Il y a 8 jours, j’assistais au set de Joan Baez. Ce soir, c’est encore une figure légendaire qui s’y produit. Le sexagénaire James Taylor. Un musicien talentueux dont le show va constituer pour votre serviteur, une véritable surprise.
Il va ainsi parvenir à transformer l'amphithéâtre en salon cosy, pendant près de 3 heures, accompagné de son groupe The All Star Band. Un combo prestigieux dont le line up réunit le fantastique sixcordiste Michael Landau, le bassiste Jimmy Johnson, le drummer Steve Gadd ainsi que Larry Golding aux claviers, piano et synthétiseurs. Et l’ensemble est enrichi par un trio de choristes, Kate Markowitch, Arnold McCuller ainsi qu’Andrea Zonn qui double au violon.
Le songwriter américain a entamé sa carrière au début des années 70. Il a bossé en compagnie de Paul McCartney, George Harrison, Dennis Wilson (Beach Boys) et Art Garfunkel. Parmi les plus légendaires. Il a vendu plus de 40 millions d'albums et décroché pas moins de 40 disques d'or et de platine ainsi que 5 ‘Grammy Award’s.
Le spectacle est divisé en deux parties et séparé par un entracte de 20 minutes. La première sera plus intimiste et consacrée aux compositions personnelles de James. Agé de 66 balais, ce grand chauve se sert d’une gratte électro-acoustique qu'il change à chaque chanson. Il possède une voix de baryton particulièrement envoûtante. Son interaction avec son public –presque exclusivement composé de quinquas– est impressionnante. La plupart du temps, il présente ses chansons dans la langue de Molière, idiome qu’il pratique à merveille. Enfin, vous ne pouvez imaginer le bonheur qui m’envahit en retrouvant Michael Landau à la guitare. A l'instar de Steve Vai, Joe Satriani, Jeff Beck, Peter Frampton et Eric Clapton, il s’agit d’un des plus grands virtuoses contemporains sur cet instrument. Quand au backing group, il s’agit de la crème des musicos issus des States.
James monte seul sur les planches et s’installe sur son tabouret. Il attaque une première perle de son répertoire, « Something In The way She Moves ». Les autres musicos débarquent au compte-gouttes et le backing group est au complet lorsqu’il interprète « Today, Today, Today ». Le voyage vers le Taj Mahal musical est atteint dès le début du concert. Et il se poursuit par « Lo And Behold », « Wandering », « Everyday » (une cover de Buddy Holly), « Country Road », « Milworker », avant de vivre un moment très fort et très intense à travers « Carolina In My Mind ». Tout ce qui me reste de poils sur le caillou s'électrise. Mon dos est trempé de sueur. La beauté de cette compo me laisse pantois. Une grande claque ! La voix de James est profonde, viscérale, ensorcelante. Elle touche l’âme. Malgré 40 ans de carrière, elle est demeurée intacte. James Taylor est un dieu vivant. Je l'ai vu et je l'ai entendu. Un tonnerre d'applaudissements ponctue ce moment privilégié. Mais, on n’est pas au bout de nos (bonnes) surprises. Certains artistes me confient parfois que la musique peut procurer un bonheur incommensurable, indescriptible, lors de moments particuliers. Comme ce soir. « One More Go Round » et un titre plus allègre. Et le premier volet de s’achever par les excellents « Sweet Baby James » et « Shower The People ».
Le second acte commence également en douceur, par « Stretch Of The Highway », « You And I Again », « Raised Up Family » et « Steamroller ». Une nouvelle chanson : « You And I Again ». Elle parle d’amour quand on a atteint la quarantaine. Pour ce titre, sa guitare est en mode pedal steel et seul le pianiste l’accompagne. Divin ! Mais les deux plages suivantes vont à nouveau m’épater : « Only One » et surtout le « Handy Man » de Sparks Of Rhythm. Sublime ! Suffit de fermer les yeux et vous vous imaginez au cœur des grandes plaines de l’Ouest américain. Toujours aussi brillant, le set nous réserve encore « Fire And Rain », issu de l'album « Sweet Baby James », « Up On The Roof », une reprise des Drifters ainsi que « Mexico », extrait de l’elpee « Gorilla ». Il s’agit de l’avant-dernière chanson. « Your Smiling Face » clôt le show en beauté. La version est plus électrique que l’originale et se démarque de l'ensemble aux accents davantage empreints de douceur.
En guise de rappel, James Taylor nous accorde le « Ho Sweet It Is (To be Loved By You » de Marvin Gaye, une remarquable adaptation chargée de groove. Puis du « You'Ve Got A Friend » de Carole King. Un retour au Nirvana. Il n’y manque que Carole, même si les choristes assument grave pour la remplacer. Et en conclusion, tous les musiciens participent a cappella à l’interprétation du « Wild Mountain Time » de Francis McPeake, une ancienne chanson irlandaise. Une conclusion parfaite pour un de mes meilleurs concerts de l'année…
(Organisation Greenhouse Talent)
Dans l’histoire du blues, James Cotton est l'un des plus grands harmonicistes. Né à Tunica, dans le Mississippi, il est aujourd'hui âgé de 78 ans. Début des années 50, il avait entamé sa carrière, au sein du backing band du mythique Howlin' Wolf. Ses débuts discographiques remontent à 1953. Chez le label Sun. Quelques années plus tard, il succède à Little Walter au sein du Muddy Waters Band. Il y restera jusqu'en 1966. L'année suivante, il fonde son James Cotton Blues Band, formation qui se produit alors régulièrement au Fillmore. Tant celui de New York que de San Francisco. Il a enregistré une belle panoplie d’albums. Fin des années 90, on lui diagnostique un cancer de la gorge. Et il va finir par gagner son combat contre la maladie. Son dernier enregistrement vocal date de 2000. Un disque intitulé "Fire down under the hill" et paru chez Telarc. Depuis, il se concentre sur son harmonica.
Pour concocter cet elpee, le label chicagolais Alligator a mis les petits plats dans les grands. Il a ainsi invité une belle palette d’invités notoires. "Cotton Mouth Man" a été enregistré à Nashville, sous la houlette de Tom Hambridge (Buddy Guy, Joe Louis Walker, Susan Tedeschi). Hambridge et son ami Richard Fleming ont pratiquement écrit toutes les plages. La base instrumentale est assurée par Hambridge, aux drums, Glenn Worf à la basse, Chuck Leavell aux claviers et Rob McNelley à la guitare rythmique. Des partenaires issus de son Blues Band ont également participé aux sessions, dont Tom Holland, Noel Neal et Jerry Porter. On les retrouve sur l’une ou l’autre plage. Et de nombreux vocalistes sont venus prêter main forte au mythique bluesman…
La plaque s’ouvre par le titre maître. Un boogie détonant balisé par le quinquagénaire texan, Darrel Nulisch. Le vieux James souffle comme un possédé dans sa musique à bouche. Le solo du jeune Bonamassa aux cordes est particulièrement coloré. De sa voix ravagée, Cotton annonce l’arrivée imminente du "Midnight train", et sous les coups de boutoir de son instrument, la compo emprunte le rythme du chemin de fer. Gregg Allman y assure le chant. Autre membre des Allman Brothers Band, Warren Haynes guide le boogie "Something for me", de la voix et de sa slide. "Mississippi mud" nous ramène dans le Delta. Un excellent blues lent chanté par le bluesman noir californien Keb Mo, face au piano inspiré de Chuck Leavell. Keb Mo se réserve le micro, mais aussi la six cordes sur "Wasn't my time to go". Darrel Nulisch est régulièrement préposé au chant. Normal, puisqu’il remplit ce rôle au sein du James Cotton Band. Dans le passé, Nulisch a milité chez les Rockets d'Anson Funderburh, le Mike Morgan Crawl et les Broascasters de Ronnie Earl. Excusez du peu! Il chante encore cinq titres, dont les superbe blues "He was there", au cours duquel Cotton est au sommet de son art, ainsi qu’une merveilleuse version du "Bird nest on the ground" de Doyle Bramhall. Mais également le sémillant "Saint on Sunday", un "Yound bold women" inspiré par la Nouvelle Orléans et le funky "Blues is good for you". Texane, Ruthie Foster est une vocaliste de blues et de gospel talentueuse. Elle interprète élégamment un autre blues lent, "Wrapped around my heart". Les interventions de James sur son harmo sont belles à pleurer ! Delbert McClinton est un autre Texan. Il est aux commandes de l'excellent "Hard sometimes", soutenu par la slide de McNelley, pendant que l'harmonica gronde. Une dernière surprise nous attend en finale. James chante "Bonnie Blue", une compo acoustique interprétée en duo avec Colin Linden. A ce jour, ce « Cotton Mouth Man » constitue le meilleur album de blues paru en 2013…
Né à Detroit en 1949, James Montgomery est chanteur et harmoniciste. Il drive également son propre Blues Band, un groupe qu’il a fondé en 1970. Ce combo est considéré comme le leader de la scène blues issue de New England, une région sise au Nord des USA, réunissant six états dont le Massachussets, le Connecticut et le Rhode Island, entre autres! Dès 1974, il est signé par le label Capricorn, pour lequel il grave "First time out". Il a partagé la scène de nombreuses grosses pointures du blues. Et c’est avec une pointe d’émotion qu’il se rappelle s’être produit en compagnie de Muddy Waters, au Mall de Boston. Il a tourné durant plusieurs années comme membre du backing group de Johnny Winter Band. Sa discographie personnelle est assez conséquente. Si le blues créé à l'origine dans le Sud est passé progressivement dans le Nord, suite à l'émigration massive des Noirs, vers les grandes villes à la recherche du travail, on assiste aujourd’hui au phénomène inverse. Et pour cause, les amateurs de blues n’hésitent pas à effectuer un pèlerinage, à la recherche des racines. C'est ce qu'a voulu accomplir Montgomery, depuis Detroit, la grande ville industrielle, afin de retourner vers Clarksdale, au cœur du Delta.
"Intoxicated" démarre bien de Detroit. Largement cuivré par les Uptown Horns, ce R&B déménage. Solide, la section rythmique porte le souffleur qui opère sa première escapade. Contaminés, tous les musicos chantent en chœur, cette compo chargée d’intensité. Signé par l'incontournable Willie Dixon, "Same thing" nous entraîne sur la route du Sud. En acier, le rythme est imprimé par le riff de guitare amplifié de George Mc Cann. James s’autorise une sortie puissante et remarquée sur son harmonica. La slide lorgne déjà vers le Mississippi. "Little Johnny" évolue sur un tempo plus élevé, mais sur celui du chemin de fer. James est soutenu par deux anciens membres d'Aerosmith, Brad Whitford aux cordes et Joey Kramer à la batterie, mais surtout son ex-boss, Johnny Winter qui se déchaîne sur sa Firebird slide. "Motor City is burning" est un titre qui a été popularisé par John Lee Hooker. Montgomery le chante d'une voix grave proche de John Lee. Il crache ses poumons dans son instrument devant les coups de boutoir de Kramer. Séduisante, dansante, "I don't want to have a heart" est une plage légèrement teintée de funk par les cordes rythmiques de McCann. Et James en profite pour s’illustrer sur son instrument chromatique. Les percussions lourdes d'une work song et les accents métalliques de la slide ouvrent "Delta storm", avant que la compo ne glisse vers une ballade R&B bien cuivrée et rythmée. James est convainquant aux vocaux. La surprise ? Le traitement infligé au classique de Bo Diddley, "Who do you love". Un motif rythmique, hypnotique, répète nerveusement le refrain, mené comme une rap party, par le spécialiste DMC, soutenu par un accompagnement qui vire au heavy metal. Rien de tel qu’un bain dans le Delta pour reprendre ses esprits. A l’instar de "Put your money where your mouth is", dont le rythme nonchalant est entretenu par la guitare slide. La version du "Hit the road Jack" de Percy Mayfield est excellente, très personnelle et fort originale. Le tempo est enlevé. McCann est très inspiré aux cordes. Miss Charise White, une ancienne Raylette de Ray Charles, apporte son concours aux vocaux. De bonne facture, cet elpee s’achève par la brillante et bouleversante cover du "Black Cadillac" de Lightnin' Hopkins. On replonge dans le Delta, lors de cette plage, caractérisée par la présence de James Cotton en personne, qui se réserve l’harmonica!
Cee Cee est originaire de Portland dans l'Oregon, mais a surtout vécu en Californie. Christina James est une excellente chanteuse. Mais sa voix est hantée par le spectre de Janis Joplin. "Blood red blues" constitue son troisième album. Il fait suite à "Low down the snakes crawl" paru en 2010, suivi quelques mois plus tard d’un ‘live’ intitulé "Seriously raw". Elle vit aujourd’hui en compagnie de Rob ‘Slideboy’ Andrews. C’est son second mari. Il est également son guitariste rythmique et son partenaire de composition.
Au sein de leur backing group, on retrouve la même section rythmique. Soit le drummer Chris Leighton et le bassiste Dan Moehler. Leur soliste a quitté le navire. Le couple a donc invité le guitariste Rocky Athas (NDR : ex-Black Oak Arkansas, il est le gratteur attitré chez les Bluesbreakers de John Mayall, depuis 2008) et ainsi que Miss Susan Julian (NDR : claviériste des BoDeans, elle baigne dans les milieux blues de Chicago et de Milwaukee depuis belle lurette). Les sessions se sont déroulées au sein des studios Bessie Blues de Jim Gaines, dans le Tennessee. Et, belle reconnaissance du talent Cee Cee, c’est Gaines qui a produit cet opus, un personnage dont la carte de visite mentionne notamment la mise en forme d’œuvres de Tommy Castro, Walter Trout, Jimmy Thackery, Luther Allison, Albert Collins, George Thorogood ou encore Stevie Ray Vaughan
Rob Andrews ouvre le chemin à l’aide de sa slide pour mettre son épouse dans les meilleures conditions afin de chanter "Blood red blues", une plage indolente caractérisée par la puissance vocale naturelle de Cee Cee, rappelant l'inoubliable Janis. Le tempo s'accélère et emprunte l'allure du boogie sur "Let's all get loose". Particulièrement à l’aise, Rocky Athas libère fiévreusement, ses cordes largement amplifiées. "Feel my love come down" adopte un mid tempo. Christina y maîtrise sa voix, bridant le moindre accès de colère, devant la slide traditionnelle de Rob. Autre blues lent, "Comfort of a good heart" adopte un profil semblable. Le chant est aussi tempéré ; et si la gratte de Rocky est bien présente, elle manifeste une certaine discrétion afin de laisser tapisser Susan Julian, le décor sonore. Miss James, la féline, sort ses crocs sur "Thick like blood". Sa voix s’élève. Elle pousse de petits cris de joie, relayés par les cordes de Rocky. J'aime quand Cee Cee vide ses tripes et se montre menaçante. En fait, lorsque Jim lui laisse suffisamment d’espace, ne la contient ou ne la canalise pas trop. A l’instar d’"I got a right to sing the blues". Et c’est sûr qu’elle a le droit de chanter le blues. Athas a opté pour la slide pour mieux souligner l’intensité du chant. "Worn out sins" accorde un peu de répit. Une compo agréable bénéficiant d’une orchestration soignée que colorent les interventions de Susan au piano ! Cee Cee va rechercher les ses cordes vocales les plus meurtrières au fon de sa gorge, pour attaquer le superbe "Walk on". Un chœur féminin la soutient lors du refrain qui se révèle contagieux. "Wounds" est une autre piste qui manque de relief. Cee Cee chante sans jamais élever le ton, face au clavier atmosphérique. Je la préfère à nouveau sur l'évocateur "100 ways to male love". Tout en conservant son calme, elle s’autorise quelques coups de gueule. Rocky Athas est de retour lors de la finale. Il imprime un rythme stonien tout au long du saignant "I'm Takin' Mine". Etait-il vraiment nécessaire brider la fauve?
Miss James ouvre l’opus par un excellent soul blues intitulé "I fell". Soutenue par un ensemble vocal féminin, sa voix est naturellement forgée dans le gospel. Très propre, la guitare d'Ivan Appelrouth (Li'l Ronnie Grand Dukes) s’intègre parfaitement dans l’ensemble. Une douceur certaine baigne "Smokin' hot", une piste légèrement funk, caractérisée par la présence de cuivres. Marion signe "Corrupted world", une ballade particulièrement indolente aux lyrics révélateurs. Lumineuse, sa voix s’impose face aux chœurs et aux accords empreints de sérénité du piano dispensés par Steve Bassett. L'atmosphère est toujours aussi délicate tout au long de "Crushing my heart", un autre blues lent au cours duquel Steve double au piano et à l'orgue Hammond. Une plage pour les cœurs solitaires, en fin de soirée! Imprimé sur un solide mid tempo, "I'm just what you're looking for" est un R&B dont le swing appuyé par l’ensemble des cuivres, est entretenu par la basse acoustique de Tod Ellsworth. Trompette, clarinette, trombone et tuba assurent les lignes de basse sur "Next time you see me", un classique préparé à la sauce New Orleans. "Blues recipe" opère un retour dans le blues lent rituel, un morceau que Marion colore judicieusement de son timbre vocal qui reflète un caractère bien trempé. "Mr Blues", "I know a good thing" et "Man size job" sont trois titres sculptés dans le funk dansant. Miss James rend un vibrant hommage au génie qu’était Ray Charles, en interprétant "I believe to my soul". Elle injecte toute sa passion dans cette superbe version en manifestant une incontestable autorité vocale, pendant qu’Ivan Appelrouth s’autorise un envol remarqué sur les cordes. "Candy" embrasse un style cabaret, fin de soirée. L’atmosphère est douce, veloutée même. Le style vire imperceptiblement au jazz. A cause des interventions au piano acoustique, des cuivres, et tout spécialement du sax ténor de Roger Carroll. "I just want to make love to you" clôt l’elpee. Un canon du blues issu de la plume de Willie Dixon et popularisé par Muddy Waters. Le piano et l'harmonica de Li'l Ronnie Owens introduisent la piste sous un format roots, avant de virer au funk intégral circa James Brown, puis de s’achever par un retour aux racines.
Left Lane Cruiser est un duo originaire de Fort Wayne dans l'Indiana. Il réunit le chanteur/guitariste Frederic ‘Joe’ Evans et le drummer/percussionniste Brenn ‘Sausage Paw’ Beck. La paire est responsable d’un blues primaire, brut, réminiscent de ce qui se pratiquait dans les collines du Nord Mississippi et dont la figure de proue était le vieux bluesman local, feu R.L Burnside. Pensez au label Fat Possum!
Le tandem mêle roots, blues, country et bluegrass, tout en adoptant une attitude punk garage ; mais de toute évidence, il s’intéresse à la musique issue du plus profond des States. Le duo avait publié un tout premier elpee en 2006, "Getting down on it", un disque paru chez Hillgrass Bluebilly, avant d'être signé par Alive, pour lequel il a gravé "Bring yo ass to the table" en 2008, "All you can eat" en 2009 et enfin "Junkyard speed ball" en 2011. Depuis, la paire a régulièrement collaboré en compagnie de James Leg. De son véritable nom John Wesley Myers, il avait concocté un elpee solo, "Solitary pleasure", sur le même label. En outre, Leg est également chanteur et claviériste au sein d’un autre duo, Black Diamond Heavies. Et pour enregistrer cet opus, le trio a reçu le concours du bassiste des Dirtbombs, Jim Diamond, ainsi que du vétéran noir Harmonica Shah, le célèbre harmoniciste issu de Detroit.
"Painkillers" est un long playing un peu particulier, car il ne réunit que des reprises de stars confirmées du blues et de la rock music! L'ouverture ne nous laisse guère le temps de souffler. Le climat est torride. Furieuse, la slide gémit tout au long du "Sad days lonely nights" de Jr Kimbrough. Les claviers de Leg ont du répondant. Le choc entre Joe et James ressemble à un véritable combat de tranchée. Il est vrai que l’image reproduite sur la pochette était prophétique. Ces pilules, véritables "Tueuses de la douleur" qu'il est conseillé de prendre avec un grand verre de whisky, et dont les effets secondaires peuvent entraîner l'euphorie et un désir incontrôlable de danser le boogie! Hound Dog Taylor était un des plus grands sliders du blues. Sur son "She's gone", le bottleneck de Joe ne tient pas en place. Il est judicieusement talonné par l'harmonica de Shah, le souffleur de Detroit, âgé de 66 ans. Issu du répertoire de Bob Seger, "Come to Poppa" baigne dans une atmosphère relaxante. La guitare semble domptée. Les interventions à l’orgue lorgnent manifestement vers Jon Lord voire Ray Manzarek. Le chant devient féroce sur le "Shake it" de John Lee Hooker, un boogie plutôt sauvage qui accorde de l'espace au vieux Shah! Une solide tranche de punk blues juke joint! Les vocaux sont carrément déjantés et décapants tout au long du "If 6 was 9" de Jimi Hendrix, une plage balisée par un riff de gratte monumental et parcourue d’accès d’orgue plutôt appuyés. Willie Dixon a écrit "Red Rooster", un classique popularisé par Howlin' Wolf. Il fait ici l’objet d’une dissection à vif. Chapeau bas à Harmonica Shah qui parvient à s’imposer dans ce chaos sonore entretenu par la slide. James Leg siège derrière son roadhouse piano pour chanter le "Ramblin' my mind" du légendaire Robert Johnson. Sa voix évoque un Tom Waits qui aurait sifflé trois bouteilles de bourbon! Le "Chevrolet" de Taj Mahal carbure au groove. Et il est infernal. La basse de Jim et les percus de Sausage Paw s’affrontent à visière découverte. Shah revient une dernière fois vider ses poumons en exécutant le "When the levee breaks" de Led Zeppelin. Torturée, cette œuvre s’achève en toute décontraction, par la cover du "Sway" des Rolling Stones.
Nathan James est un guitariste californien plébiscité par ses pairs. Et pourtant, il a appris à jouer son instrument sur le tas. En outre, ce jeune homme est capable de fabriquer ses propres guitares. Possédé par le blues, il aime se produire en ‘live’ comme un homme-orchestre. Il cumule en même temps les percussions, l’harmonica ou le kazoo! Ses débuts remontent à sa tendre enfance ; et il peut donc se targuer d’une expérience de plus de quinze années sur les planches. Il n’a que 19 ans lorsque l’un des maîtres du blues californien, l’harmoniciste James Harman l’engage. Une décision que ce vétéran du blues local ne regrettera jamais. Ils collaboreront pendant près de quatre ans. Nathan fait alors la connaissance du chanteur/harmoniciste Ben Hernandez. Ils fondent un duo acoustique, empruntant alors un style susceptible de rappeler les mythiques Sonny Terry et Brownie McGhee. En 2007, le duo décroche le très appréciable International Blues Challenge de Memphis.
Mais Nathan a toujours envie de progresser. De tirer parti de toutes les influences qu’il a assimilées pour les restituer au cœur d’un groupe. Tant le Delta blues des années 20 et 30 que le R&B des années 50 et 60. Tout en apportant sa touche personnelle et même en cherchant à créer un style bien personnel. Qu’il va alors baptiser ‘Washtar soul’. Il monte son trio, les Rhythm Scratchers, en recrutant le drummer Marty Dodson, longtemps membre des Blues Survivors de Mark Hummel, et le bassiste/harmoniciste Troy Sandow, également issu du James Harman Band.
Nathan est armé de sa Tri-tar, guitare à trois cordes montées sur une planche à lessiver! Le rythme est très nerveux. Propice à la transe, l’atmosphère est très proche de celle des collines du Haut Mississippi. “What you make of it” baigne au sein d’un même climat. Les changements de rythmes évoquent les grandes chevauchées popularisées par la conquête de l’Ouest! “Black snakin’ jiver” est une reprise très traditionnelle d’un titre de Blind Boy Fuller. Un ragtime poussiéreux taquiné par le kazoo de rigueur. La reprise du lent “Later on” de Jimmy McCracklin est majestueuse. Le son pourri et réverbéré émane d’une guitare baritone. Un sommet de cet opus! Country blues, "Get to the country" est directement inspiré par Furry Lewis. L'harmonica de Sandow est lumineux et puissant! Nonobstant ses interventions d’harmo dans les aigus, "Make it on your own" est un blues immaculé que chante Nathan d’une voix paisible. James Harman chante et joue de la musique à bouche sur "Rhino horn", une de ses compos, une chanson évoquant les vertus d'une corne de rhinocéros. La rythmique est chargée d’intensité pendant que Mr James se réserve un superbe envol sur ses cordes métalliques. Slim Harpo hante l’instrumental "Blues headache". La torpeur des marais louisianais est bien restituée par la Tri-tar slide. Les saxophones de Johnny Viau et Archie Thompson alimentent "I'm a slave to you", une piste qui trempe dans la soul des 60s, malgré une sortie percutante sur les cordes. "You led me on" est une autre pépite de l’elpee. Très percussif, agrégeant à la perfection vocaux, percus et harmonica chromatique, ce titre nous transporte une nouvelle fois aux pays des collines du Mississippi. De toute bonne facture, ce long playing s’achève par une dernière sortie instrumentale, intitulée "Tri-tar shuffle twist".
Tout droit sorti de la Goldsmith University de Londres, une spécialisation en musique pop à la clef, James Blake a passé ses années d'étude à composer dans sa chambre. Il commence sa carrière musicale dès juin 2009, en publiant le 12’ "Air & Lack Thereof". Ensuite, il assure voix et claviers lors des shows d'un grand monsieur : Mount Kimbie. James gagne en maturité et il s'affirme en gravant un petit album (11 titres) éponyme, un disque enregistré en février 2011. Ce soir, James Blake nous emmènera dans son monde bien à lui...
La salle est plongée dans le noir. Le bar ferme. Le cadre est posé. James Blake peut maintenant entrer en scène et tout le monde frémit déjà en imaginant ce que le jeune Londonien, enfant du dubstep, va nous proposer. Pratiquement muet, mis à part quelques ‘Thank you’ et une petite phrase avant de quitter la scène, ce compositeur exceptionnel nous emmène dans son univers ambient mélancolique, à mi-chemin entre le dubstep et la soul music.
Le concert démarre fort par l'excellent "Unluck". Malchanceux, il l'est peut-être mais quelle joie de ressentir autant d'émotions transmises presque par intraveineuse. Les musiciens vivent le show au rythme de cette batterie électronique qui parviendra à faire balancer nos têtes de bout en bout du live.
Très vite, les morceaux s'enchaînent et le temps s'arrête. James Blake nous permet littéralement de décoller en interprétant deux morceaux aux wobbles qui dépoussièrent les subs du Grand Mix. Viennent finalement les tellement attendus "Limit to Your Love" et en guise de point final, "The Wilhelm Scream".
Notre coup de cœur du mois, voire de l'année nous fait le plaisir de revenir sur scène mais seul cette fois-ci afin de nous présenter une nouvelle composition et une reprise de Joni Mitchell.
Tout simplement impressionnant, émouvant et exceptionnel, ce jeune homme doit être suivi de très près. Un songwriter aussi talentueux sachant incruster ses compos dans une sorte de post-dubstep proche de la perfection.
A voir en live de toute urgence!!!
(Organisation Grand Mix)
C’est lors de la vague de blues qui avait envahi Los Angeles, au cours des années 80 et 90, que Whiteboy James avait formé son Blues Express. Le combo avait publié un elpee en 1992, un disque qui avait bénéficié de la participation du redoutable gratteur Alex Schultz. James s’était retiré de la scène musicale en 2001 ; mais il faut croire que le virus n’était pas encore vaincu, puisqu’il a décidé de remettre le couvert dès 2006! Les goûts du jeune James Page sont éclectiques. Ainsi, s’il a beaucoup écouté les artistes de blues et de R&B, et en particulier Louis Jordan, Big Joe Turner et Lightnin' Hopkins, il apprécie également le bon rock'n'roll d'Elvis Presley et de Jerry Lee Lewis ainsi que le western swing de Bob Wills. Il a eu la chance de se produire à la même affiche que James Harman, Rod Piazza, William Clarke, les Blasters ou encore Little Charlie and the Nightcats. Du beau monde! James, notre gamin blanc, chante et souffle épisodiquement dans un harmonica. Au sein du line up de son band figurent aujourd’hui l’excellent Scott Abeyta aux cordes, Blake Watson à la basse et Mr Max Bangwell, notoire dans la Cité des Anges, aux drums.
L’ouverture est tumultueuse. Lancée à pleins tubes, "Chicken and the Hawk" adopte un profil très rockabilly. La guitare jump envahit l’espace sonore. Les drums s’agitent. Bien rythmé, le titre maître est une compo marquée par le Chicago blues. Les accords de gratte sont brodés à la manière de Jimmy Rodgers. Très électrique, le Blues Express s’éclate dans le rock’n roll. A l’instar de "By myside", une plage très courte mais explosive. Imprimé sur un tempo soutenu, "Upside your head" est un blues qui rocke. Bien trempée, la section rythmique est en acier inoxydable. La guitare profite de cette rampe de propulsion naturelle. Rockabilly puissant, allègre, "Reefer man" déferle comme un train lancé sur les rails, à toute vapeur! Morceau plus léger aux accents country, "Don't f@#$ around with love" est teinté d’humour et trempe dans la bonne humeur. Bref instrumental, "Fat chance" est un morceau que n’aurait pas renié le regretté Michael Leonard Mann alias Hollywood Fats. Parfaitement balisés par la section rythmique, "Have you way baby" et "Keep it clean" baignent davantage dans le blues. Il faut attendre la dixième plage pour observer un ralentissement du tempo. En l’occurrence lors de la cover du "Worried life blues" de Big Maceo Merriweather, un bon vieux blues mis à la sauce Whiteboy, donc parsemé de quelques éclats! La fièvre remonte aussitôt dès "Walked around the world", puis un autre instrumental intitulé "Untamed melody". Une nouvelle et belle occasion pour Abeyta de se dérouiller les doigts. "T-Bone for Daisy" est le dernier blues lent de l’opus. Très ‘nightclubbien’, il offre l’opportunité à Scott de démontrer qu’il a bien assimilé le style de T-Bone Walker. Dans un autre registre, ce gratteur torture ses cordes tout au long de la finale, "Shave 'em dry #2" (NDR : c’est également la plus longue plage du long playing !), un shuffle au cours duquel, il adresse, au passage, un clin d'œil à Jimi Hendrix. De l'excellent travail!
Le 26 mars prochain, Rip Cat Records lance son catalogue. Au menu : Whiteboy James, les Mighty Mojo Prophets, Barry Levenson, Johnny Mastro, les Mama's Boys et les 44's. Il sera judicieux de se rendre à Redondo Beach, ce jour-là!
Chris James et Patrick Rynn sont issus de San Diego, dans l'extrême sud de la Californie. Chris est chanteur et guitariste. Patrick, bassiste. Ils avaient déjà publié ensemble "Stop and think about it", en 2008. Ce qui leur a valu un Blues Music award! Ils jouent ensemble depuis vingt ans et sont établis à Chicago. Ils militent également chez les C-Notes, le backing band du chanteur/harmoniciste local, Rob Stone.
L’elpee s’ouvre par "Money don't like me", un Chicago shuffle très Westside. Chris nous balance le riff cher à Magic Sam. Sa voix est vraiment excellente. Le tempo est imprimé par le drummer notoire Sam Lay (NDR : il sourit derrière ses fûts). David Maxwell, pote de toujours, aligne ses notes sautillantes sur les 88 touches d'ivoire, pendant que Jonny Viau s'époumone sur son sax ténor. Une adaptation en version instrumentale est également proposée sur cet elpee. James a toujours vénéré le bluesman rocker, Bo Diddley. Il reprend ici deux titres assez peu connus du mythe disparu en 2008. Tout d’abord "Dearest darling". Le célèbre beat est soutenu par les maraccas de Rob Stone et le piano de Maxwell! "You can't trust nobody", ensuite. Inspiré par Lil' Son Jackson, le légendaire bluesman noir texan, ce downhome blues chargé d’émotion est interprété en trio par Chris, Patrick et David Maxwell. "Life couldn't be sweeter" nous replonge dans le Chicago blues des années 50, une plage qui figurait au répertoire d'Elmore James. Chris est passé à la slide, les deux saxophones sont à l'arrière-plan tandis que le vieux pianiste Henry Gray (85 ans), ancien musicien de Howlin' Wolf, se libère. Henry est toujours au poste pour l'instrumental "H.M Stomp". Il est épaulé par l’illustre harmoniciste Bob Corritone. James et Rynn se réservent deux plages en duo. Soit "Headed out west", narrant l’histoire des deux amis quittant la cité des vents pour l'Ouest, par cette célèbre nationale, la route 66. Ainsi que le "Black spider blues" de Robert Lockwood Jr. Deux plages qui reflètent leur sensibilité à fleur de peau. Le "Can't stand to see you go" de Jimmy Reed est une cover bien ficelée, abordée dans l'esprit de ce célèbre bluesman. Un hommage rendu à Reed et son guitariste Eddie Taylor. Rob Stone souffle dans les aigus de son harmonica. Le bon vieux boogie n’a pas été négligé. Et il alimente un des sommets de cet opus : "Gonna boogie anyway", une plage qui adopte le style jump, bien balisé par le piano de Henry Gray ainsi que les saxophones de Viau et d'Allen Ortiz. Du 5 étoiles ! "The tables have turned" a la fièvre et frissonne. Maxwell et Stone s’y impliquent sans la moindre réserve. Le "Little girl" de Bo Diddley clôt l’elpee sur un rythme endiablé. La participation de Corritone est précieuse. Un album de grande classe !
Enregistré en 1975, cet elpee n’a été publié que deux ans plus tard. Et sous la forme d’un vinyle de couleur verte. Une véritable catastrophe au niveau du son. Pas à cause de la musique ou de la production, mais du matériau utilisé. Il vient donc d’être réédité sous la forme du compact disc. Mais également remasterisé, remixé et certains extraits de chansons demeurées à l’état de démo, réintroduits. Et ce sont Williamson et l’ingénieur du son Ed Cherney qui se sont chargés de cette réhabilitation. Pour un résultat vraiment étonnant.
Mais revenons au milieu des seventies. Les Stooges viennent de se séparer. Iggy Pop est confronté à de graves problèmes d’addiction aux drogues dures. Dépressif, suicidaire, il décide de se faire soigner en hôpital psychiatrique. Et lorsqu’il sort complètement ‘clean’, il se raccroche au guitariste de son ancien groupe, James Williamson, pour enregistrer quelques démos. Elles serviront à la confection de « Kill City ». Mais à cette époque, aucun label ne veut leur faire confiance, et finalement le disque ne sortira qu’en 1977, sur Bomp ! dans l’indifférence générale. D’autant plus que Bowie vient de relancer la carrière de l’Iguane en l’aidant à publier « The Idiot » et « Lust for life »…
Iggy Pop et James Williamson étaient de grands admirateurs des Stones ; et tout au long de ce disque, on ressent parfaitement cette passion pour la bande à Jagger/Richards. Surtout celui de l’époque « Beggars Banquet », « Let it bleed » et « Sticky fingers ». La meilleure quoi ! Un constat flagrant sur des plages comme la ballade mid tempo « Sell your love », « Beyond the law » et son final déjanté, le rocker percutant « Consolation prizes », parfois réminiscent de « Jumpin’ Jack Flash » et enfin « Lucky monkeys », dont le climat malsain est entretenu par les riffs de guitare filandreux et un harmonica spectral. Le duo adresse deux clins d’œil appuyés à Alice Cooper. Paradoxalement, deux compos écrites à l’époque des Stooges. D’abord sur « I got nothin’ ». A cause de la véhémence des vocaux d’Iggy, même si parfois, dans le refrain, on a l’impression qu’il parodie le « Knockin’ on a heaven’s door » de Dylan. Et puis tout au long de « Johanna », parcouru par le saxophone volubile de John Harden. La remise en forme de l’elpee remet bien en évidence la qualité des différentes interventions instrumentales, et en particulier ces parties de saxophone. Deux morceaux s’écartent cependant de la ligne de conduite de cet elpee. Tout d’abord l’ouverture et titre maître, plus Stooges que nature ; et puis en final l’étrange instrumental atmosphérique, parcouru de claviers et de synthés, « Master charge ». De brève durée, les deux autres plages instrumentales n’ont strictement aucun intérêt. A se demander si, à cette époque, cet album avait pu bénéficier d’une mise en forme correcte, il ne serait pas devenu culte…
En février 2010, cette chanteuse californienne, profondément marquée par la légendaire Janis Joplin, avait publié « Low down where the snakes crawl », un opus remarquable. En octobre de la même année, elle a commis un elpee immortalisé en public, "Seriously raw". Sous-titré "Live at Sunbanks", il a été enregistré dans le cadre du festival Untapped Blues.
Sur les planches, elle est soutenue par son backing group. En l’occurrence, son époux, Rob ‘Slide Boy’ Andrews, à la guitare rythmique et à la slide, Jason Childs à la lead guitar, Dan Mohler à la basse et Chris Leighton aux drums. Le tracklisting de ce long playing est particulièrement éclectique, puisqu’il épingle trois de ses compositions, deux reprises de chansons popularisées par Miss Joplin et puis des classiques signés Robert Johnson, Willie Dixon, Hound Dog Taylor, BB King et Luther Allison…
Rob Andrews ouvre le set de sa slide. Il imprime le tempo de "Crossroads", un classique parmi les classiques. La voix de Christina est déjà bien chaude. Le spectre de Janis hante la plage. Le bottleneck roucoule de plaisir avant de céder le relais au gratteur soliste, Jason Childs! Le riff caractéristique de "I ain't superstitious" fait mouche. Miss James a revêtu la peau du vieux loup de Chicago, Howlin' Wolf. Le tempo est bien relevé. Jason s’en délecte et n'arrête pas de disserter, malgré les coups de semonce menaçants adressés par la vocaliste au bord de la démence. Elle attaque ensuite une de ses meilleures compositions, "Make it to the other side". Et c’est un autre fantôme qui vient rôder sur ce titre : le grand Jim Morrison des Doors circa "L.A. woman"! L'excitation est à son paroxysme. Le rythme s'accélère comme lors d’un set enjoué et déjanté. La machine est brûlante. Le band a conservé le tempo du boogie, mais sous une forme plus décontractée pour attaquer "I got the right to sing the blues"… et comment a-t-elle le droit de chanter le blues ? La slide d’Andrews s’investit totalement lors de ce morceau, ma fois, fort captivant. "Give me back my wig" déménage. Le turbo est enclenché. Jason travaille nerveusement ses cordes sur l'avant de la scène! Enfin, Cee Cee se décide à chanter "Done love wrong", un blues lent de toute beauté qui figurait sur son précédent opus. Elle module ici volontairement le son ; et lorsqu’elle pousse le vibrato, un sacré frisson secoue tout notre corps. Rugissant tel un lion affamé, elle assène ses coups de griffe, comme autant de claques que l'on prend avec un réel plaisir… Interprété a cappella, "Mercedes Benz" constitue son exercice de style joplinesque. Elle lâche un Cri, avec un grand C, sans ressentir, apparemment, la moindre douleur ; il est suivi par une parfaite réplique de "Me and Bobby McGee". Désormais plus rien ne peut arrêter notre chanteuse au faîte de l’excitation. Jusque la fin du set, elle aligne les covers. Et tout d’abord le très évocateur "I just want to make love to you". Elle y atteint un orgasme sonore. Sa version du "Nutbush city limits" peut rivaliser avec celle de la grande Tina Turner. L’adaptation du "Living in the house of the blues" de Luther Allison est judicieuse. Un autre blues lent qui met aussi en évidence le talent du gratteur Jason. Il embraie sur le fiévreux "Going down" de Don Nix, au cours duquel il torture les tonalités de ses cordes en se servant de ses pédales. Et en bonus, on entend un dialogue entre Cee Cee et son public, au cours duquel, elle parle ouvertement de son admiration pour Janis Joplin.
Ne la manquez surtout pas lors de sa tournée européenne qui se déroulera au cours du mois de févier. Elle se produira ainsi le 5 à Douzy, près de Sedan, en première partie de Lightnin' Guy and the Mighty Gators (NDR : merci à James Couchot de Chorus), le 6 au Café T'Goor, à Wuustwezel, le 7 au Banana Peel de Ruiselede et, semble-t-il, au Centre Culturel De Steiger de Menin le 17.
A l’heure où l’on nous annonce un possible split de Dream Theater (NDR : Mike Portnoy, épuisé par les tournées du groupe aurait, semble-t-il, décidé de jeter l’éponge), nous sommes très heureux de constater que James Labrie tient, quant à lui, une forme olympique. « Static Impulse », son nouvel opus solo, est d’ailleurs le plus énergique qu’il ait enregistré à ce jour.
Les aficionados du chanteur canadien seront probablement plus que surpris de la tournure plutôt extrême du successeur d’« Elements Of Persuasion» (NDR : le premier effort solo de Labrie publié en 2005 »). Car si, en 2010, Labrie reste encore et toujours dans le créneau du métal progressif, il renforce tout de même son propos d’une bonne dose de violence, inspirée, semble-t-il par la scène death métal mélodique de Gothenburg. Non, vous ne rêvez pas, vous avez bien lu ‘Death Métal’. Mais, rassurez-vous ! Labrie ne compromet pas l’intégrité de ses fantastiques cordes vocales en hurlant comme un damné. Il laisse ce soin à son batteur Peter Wildoer (Arch Enemy, Old Man’s Child, Pestilence, Darkane) qui se charge ici brillamment des parties vocales extrêmes. Et il faut bien reconnaître que ce dialogue de vocaux extrêmes et clairs est plutôt excitant.
Côté musique aussi le ton est plutôt dur. Les guitares techniques et incisives de Marco Sfogli, couplées aux lignes de basse ultra-percutante de Ray Riendau (Halford) ainsi qu’au martelage intensif de Peter Wildoer n’ont rien à envier à celles des combos mélodeath suédois. C’est probablement l’effet recherché par Labrie, qui, pour le mixage de sa furieuse rondelle, a fait appel à l’un des experts du genre : le Suédois Jens Bogren (Opeth, Soilwork, Katatonia). En emballant la violence des guitares de nappes de claviers subtiles et épiques, Matt Guillory, le claviériste et co-compositeur de la plupart des titres de l’album, assure à James Labrie la continuité progressive de son œuvre.
Puissant, épique, varié et surprenant « Static Impulse » est probablement la plus belle escapade de Labrie en dehors des sentiers balisés par sa formation principale. Un Cd qui s’adresse autant aux fans de Dream Theater qu’à ceux de Dark Tranquility et d’In Flames.
Nederlands 
Français 
