L'artiste belge Lucie Valentine dévoile « Minuit Moins Toi », le titre phare de son nouvel Ep éponyme. Une chanson touchante, lumineuse, qui célèbre le moment de bascule : celui où la douleur laisse place à la paix après une séparation.
Née d’un atelier d’écriture dirigé par Claude Lemesle (Joe Dassin, Sardou…), écrite derrière son piano et révélée sur les réseaux avec près de 90 000 vues, « Minuit Moins Toi » séduit par sa sincérité et son élégance. ’univers de Lucie Valentine évoque Françoise Hardy, Juliette Armanet, avec une production sobre et soignée.
Lucie Valentine affirme ici une écriture plus mûre, toujours accessible, s’adressant directement aux cœurs et aux expériences de chacun. Les mots sont simples mais puissants.
Ce nouvel opus, arrangé par Antoine Dandoy et Thibaud Demey, incarne la force derrière les fragilités de l’artiste, traversant le chaos émotionnel pour retrouver la lumière et l’amour de soi. Lucie Valentine s’attache à l’essence de la vie et des liens qui la façonnent, même face à l’adversité.
Un Ep cinq titres intimes, doux et profonds à la fois.
Le clip de « Minuit Moins Toi » est disponible ici
Indie pop, le nouvel elpee de Lucie dans le ciel, « Sauvage et Vivante », est à la fois envoûtant, aérien, subversif et contestataire.
Après la parution en novembre 2017 de son premier Ep « Tako Tsubo » sous le pseudonyme Lux’s Dream, elle en un deuxième, intitulé « Three », au printemps 2019. Elle accompagne également, sur scène, les artistes Rosemarie et Erotic Market en tant que claviériste / machiniste.
Aujourd’hui, elle chante principalement en français et c’est pourquoi elle a choisi de se présenter sous un nouveau nom : Lucie dans le ciel ; mais toujours dans ce même univers : onirique, un peu sombre, et cependant diaphane et coloré d’éclats de synthétiseurs.
Soutenue par le label Microcultures, elle sort son premier LP « Ombres » qui prend genèse dans l’exploration de ses propres zones d’ombres en 2022.
« Sauvage et Vivante », son nouveau long playing, aborde des thèmes multivoques, du féminisme à la solitude choisie, du polyamour à l’exaltation des premières rencontres, de l’écologie à notre rapport émotionnel à la nature.
Lucie dans le ciel, telle une sorcière des sons, nous propose ici une indie pop toujours aérienne et psychédélique contrastée par une énergie plus brute, une délicieuse potion inspirée par des artistes tels que PJ Harvey, Chris Clark, Hania Rani, Dominique A, Halo Maud. Sur cet elpee, Lucie dans le ciel marque à nouveau son chemin d’une nouvelle formule musicale où elle ne se prive de rien, ne se censure pas, où elle est définitivement sauvage et vivante.
Le clip consacré à « Mâle dominant » est disponible là
Après le succès de ses deux premiers albums "Sainte Victoire" en 2018 et "Coeur" en 2022, quadruple platine chacun, Clara Luciani est de retour avec son troisième album "Mon sang".
C’est un crépuscule et une aube : c’est une nouvelle naissance. Un disque vital, ample, au cours duquel elle confirme autant qu’elle renouvelle son talent. "Mon sang", représente l'élégance de ses racines Madone ; un ensemble de classiques instantanés qui place la famille au centre, et nous invite à la tendresse.
Un opus dont la généalogie musicale est à chercher du côté de la pop haut de gamme et généreuse des Beatles, de Lana del Rey ou de Françoise Hardy. Une musique qui emprunte au passé et regarde vers l’avenir, pour dire les liens - familiaux, amicaux, amoureux - qui nous unissent. En bref, une profonde collusion entre la mélancolie et la vitalité, pour nous convier à faire danser nos souvenirs, nos héritages et nos chagrins. Un disque qui touche au cœur de chacun comme ces paysages de plaines agités par le vent, toujours neufs et pourtant ancestraux.
"Mon sang" est en écoute ici
Après le succès de ses deux premiers albums, quadruple platine chacun, Clara Luciani est de retour avec « Tout pour moi ».
Ce premier extrait aux sonorités pop, généreuses et dansantes est une véritable ode à la passion qui dévore.
Il donne le ton à ce troisième album à paraître le 15 novembre : une suite de classiques instantanés, qui place l’amour au centre et nous invite à nous plonger dans nos souvenirs, nos héritages et nos chagrins. Un crépuscule et une aube : une nouvelle naissance.
Le clip est à découvrir ici
En harmonie avec sa guitare, Lucie Folch crée des mélodies folk, inspirée par ses amitiés, ses amours, ses hauts et ses bas. L’univers est feutré, simple et subtil.
Ses compositions, elle les joue en solo mais également en groupe au sein de Harpn'Gun (2013-2016) et Anita's Revenge (2017-2019), qui ont fait vibrer des lieux tels que le Rockstore à Montpellier, la Cigalière à Sérignan, le Black Sheep, Le Gambetta club à Paris ainsi que divers festivals (Ventspils en Lettonie, Festival de Phalsbourg, Réseau Hors-Lits, Univart & Fabrique à Béziers...)
Qu'elle chante en anglais ou en français, l'émotion est toujours au rendez-vous. La voix envoûtante de Lucie cache par ailleurs des influences rock et une exploration mélodique qui s'étend sur plusieurs genres musicaux ; elle aime d’ailleurs décrire sa musique comme de la folk-pop aigre-douce
Dans les chansons de Lucie, vous découvrirez un soupçon de Dido, des compositions mûries sous l'influence de Keren Ann et Dominique A, une simplicité élégante rappelant Laura Cahen, et quelques épices audacieuses à la Feist, Regina Spector ou The Do.
Elle vient de sortir son premier Ep solo, intitulé "Ailleurs".
Le clip consacré à "Where is (s)he" est à voir et écouter là
Lucie Gremer, aka Lucie Sue, est une rebelle. Elle a intitulé son album, « To sing in french », alors que toutes les compos sont interprétées dans la langue de Shakespeare. En fait, elle conteste la loi Toubon qui impose des quotas de chanson française sur les ondes radiophoniques. Et pourquoi ? Parce qu’elle n’a pas envie.
Auteure, compositrice, chanteuse, guitariste, bassiste et violoncelliste (NDR : elle a fréquenté le conservatoire de Lyon), elle vient d’enregistrer son premier elpee. Hormis les drums, pour lesquels elle a reçu, lors des sessions, le concours de Philippe Entressangle (Benjamin Biolay, Etienne Daho), Frank Armand (Clara Luciani, Catherine Ringer) ou Nicolas Charlier (Retrievers), elle assure tout le reste de l’instrumentation.
Entre titres éthérés (la ballade « Promises » qui invite à la rêverie et à la contemplation ainsi que le final « Soma »), plus pop (la reprise du « Freedom » de Michael Jackson), énigmatiques (le morceau d’entrée « Lick your teeth »), une égérie des 90’s revient régulièrement à la surface : PJ Harvey.
Personnage aussi décalé que créatif, Lucie Sue sort son premier album. Entre rock 90’s, indie anglais et alternatif américain, « To Sing In French » est le manifeste d'une hyperactive de la musique. Neuf titres que Lucie Sue accompagne d'un clip pour le morceau éponyme.
« To Sing in French » car oui, Lucie chante en anglais. ‘Pourquoi ne pas se ranger du côté des quotas ? Tout simplement ‘because j’ai pas envie’.
L’intensité, la rugosité et la richesse du songwriting à l’anglo-saxonne de Lucie Sue tendent à démontrer que l’on peut lier la musique classique au rock sans pour autant se perdre dans le lyrisme pompeux.
Cette enfant du Top50, bercée par les groupes britishs des 90’s, s’évade au son de L7, Metallica, ou encore PJ Harvey, après ses cours de violoncelle au conservatoire National de Lyon.
Si l’on retrouve les influences de ces derniers dans les chansons de Lucie Sue, on se laisse surprendre par le spectre largement varié de son univers musical qui n’hésite pas à sauter de passages abrupts en ronronnements de violoncelle. Et tout ceci se retrouvera désormais sur disque !
Le clip du titre maître, « To Sing In French » est à découvrir ici
Personnage aussi décalé que créatif, Lucie Sue sort son premier album. Entre rock 90’s, indie anglais et alternatif américain, « To Sing In French » est le manifeste d'une hyperactive de la musique. Neuf titres que Lucie Sue accompagne d'un clip pour le morceau éponyme.
« To Sing in French » car oui, Lucie chante en anglais. ‘Pourquoi ne pas se ranger du côté des quotas ? Tout simplement ‘because j’ai pas envie’.
L’intensité, la rugosité et la richesse du songwriting à l’anglo-saxonne de Lucie Sue tendent à démontrer que l’on peut lier la musique classique au rock sans pour autant se perdre dans le lyrisme pompeux.
Cette enfant du Top50, bercée par les groupes britishs des 90’s, s’évade au son de L7, Metallica, ou encore PJ Harvey, après ses cours de violoncelle au conservatoire National de Lyon.
Si l’on retrouve les influences de ces derniers dans les chansons de Lucie Sue, on se laisse surprendre par le spectre largement varié de son univers musical qui n’hésite pas à sauter de passages abrupts en ronronnements de violoncelle. Et tout ceci se retrouvera désormais sur disque !
Le clip du titre maître, « To Sing In French » est à découvrir ici
Qui ne connaît pas Clara Luciani ? Son hit incontournable, “La Grenade”, l'a rendue célèbre en 2019. On sait moins que cette chanteuse française, originaire de Martigues, dans les Bouches-du-Rhône, a obtenu son premier succès radiophonique, en Belgique, bien avant de percer en France. Elle a tenu à rappeler ce lien spécial avec notre pays lors de la conférence de presse, qui s'est tenue à Spa le 23 juillet dernier.
Tête d’affiche de la dernière journée des Francofolies, Clara Luciani a clôturé en beauté le festival en offrant un concert aux accents disco. Une consécration pour l’artiste, qui avait foulé les planches de la petite scène Proximus lors de la dernière édition des 'Francos', il y a 3 ans. ‘Je suis très heureuse d'être de retour ici et c'est symbolique pour moi de pouvoir jouer sur la grande scène ! Pour marquer le coup, je propose une version solaire, dansante et festive de mon répertoire’, explique-t-elle lors de la conférence de presse.
Surfant sur la vague d'un succès phénoménal, la chanteuse garde pourtant la tête froide. ‘Je suis d'une nature très anxieuse. Donc, je regarde ce succès avec lucidité en me disant que c'est vertigineux. J'essaie d'en profiter un maximum mais en gardant à l'esprit que tout peut s'arrêter à tout moment. Là, par exemple, on vient de m'apprendre que j’allais accorder un 3ème concert à Forest-National. C'est hallucinant, ce qui m'arrive. J'ai fêté mes 30 ans il y a 10 jours et je voudrais pouvoir retourner dans le passé pour aller rassurer la petite fille timide que j'étais à l'époque et lui dire : 'Regarde les belles choses que tu vas faire avant même d'avoir 30 ans'. Et surtout, j'ai l'impression de ne pas avoir dû faire de sacrifices pour arriver là où je suis. J'ai eu la chance de tomber sur des gens qui ont parié sur moi à des moments où ma musique ne semblait pas promise à un très grand succès. Par exemple, mon premier Ep (NDR : 'Monstre d'Amour', sorti en 2017) était vraiment très sombre. C'était ma période gothique ! Et bien, il y a quand même des gens qui ont parié sur ça. Ensuite, mon univers a évolué mais personne n'a jamais essayé de m'influencer dans un sens ou dans l'autre. Et heureusement, le public m'a suivie dans mon évolution’…
Très éclectique, Clara Luciani possède des goûts musicaux très larges. ‘Je suis très fidèle en musique. Il n'y a pas une semaine sans que j'écoute les Beatles. Sinon, parmi les sorties récentes, j'aime beaucoup November Ultra (NDR : une chanteuse parisienne à la voix très douce) et surtout Feu ! Chatterton (NDR : Feu ! Chatterton, qui a d'ailleurs mis... le feu aux Francos le vendredi soir).
En évoquant son prochain opus, le troisième, Clara Luciani avoue qu'elle ne sait pas encore quelle direction elle empruntera. ‘Je ne me suis pas encore posé la question. En tout cas, je vais m'éloigner un peu des sonorités 'disco'. Quand j'ai abordé ce style musical, il y avait quelque chose d'aventureux à faire ça, c'était un peu à contre-courant. Aujourd'hui, c'est un peu devenu une mode et moi, la mode, ça m'agace un peu. Donc, j'irai peut-être vers quelque chose de plus intemporel, de plus essentiel. Mon 2ème album avait été écrit dans le mouvement, au fil des voyages, mais là, j'ai besoin de solitude. Je pense que je vais m'isoler dans le sud de la France, dans un endroit qui me reconnecte à mon enfance. Ce sera peut-être un retour à une tonalité plus gothique. Je vais ressortir mon sombrero noir et ma canne ! Tout est possible...’
Au moment de la clôture, les Francofolies affichent un bilan plus mitigé que les autres années. Quelque 130 000 festivaliers ont répondu présents, ce qui représente une baisse de 10% par rapport à 2019. Les raisons de ce léger recul sont multiples : l’affiche très belge, la concurrence entre les festivals, le contexte post-covid et l'explosion du coût de la vie. Les 'Francos' restent néanmoins un festival unique de par l'atmosphère de convivialité qui y règne. Parmi les grands moments, les concerts les plus cités sont ceux de Typh Barrow, Juicy, Peet, Glauque, Charles et Feu ! Chatterton. Nous ajouterons une mention spéciale pour Mélanie Isaac, qui a séduit les spectateurs de la petite scène Bonsai grâce à sa chanson française élégante et racée.
Clara Luciani se produira dans le cadre du festival des Solidarités, à Namur, le 27 août, à Forest National le 25 novembre et en janvier 2023.
Pour plus d'infos sur les Francofolies de Spa, c'est ici
Si la « Grenade », qu’elle prenait plaisir à cacher sous les seins, avait marqué les esprits tant par sa (fausse) légèreté, que par la musicalité, l’audace et le manque de pudeur, les battements de son « Cœur » risquent de devenir carrément… explosifs.
Après un premier opus récompensé de deux Victoires de la Musique, Clara Luciani est de retour, non plus comme militante, mais plutôt à travers toutes les facettes de l’Amour, fil rouge décomplexé de son nouvel essai.
Trois années après gravé « Sainte-Victoire » et sa pléiade de chansons radiophoniques (« La baie », « Nue »), celle qui a poussé la chansonnette chez La Femme exploite, sous ce nouveau format, une palette de sentiments joyeusement colorés.
Alors que le titre éponyme et plage d’ouverture s’amorce sur des… chœurs, très vite la direction artistique se confirme et se consolide : basse percutante et synthés dignes du début des 80s. Sans oublier cette voix grave (à la garçonne) si singulière.
La Martégale (donc Provençale), jadis complexée par sa taille et son physique (« J’sais pas plaire »), assume aujourd’hui pleinement son engagement féminin/féministe, en s’autorisant des textes plus personnels et introspectifs qui relatent ses déboires amoureux.
Croquant la vie à pleines dents, elle s’ouvre et (re)définit les contours de l’universalité des épreuves de l’existence, même si sa musique adopte une trame disco dansante.
Femme fragile et/ou femme forte, elle demeure, cependant, très pragmatique. Elle sait ainsi aussi bien s’amuser de la passion des premiers jours (« Tout le monde (sauf toi) »), que de s’inquiéter de la dégradation d’une relation ou encore du drame de la séparation (« Le reste »). Le tout en libérant un groove pétillant qui fait passer la pilule beaucoup moins amèrement.
Enfin, Luciani tente à nouveau un duo audacieux, puisque à l’instar de « Qu’est-ce que tu es beau » partagé en compagnie de Philippe Katerine sur l’elpee précédent, c’est Julien Doré qui s’y risque sur « Sad et Slow », une plage vintage imprimée sur un down tempo gentillet…
Bref, un disque lourd de péripéties, mais chargé d’espoir. Lumineux aussi, mais comme lors d’une nuit d’été. Celui en tout cas d’une femme plus sereine et en phase avec son temps et son époque…
Lucidvox est une formation russe, issue de Moscou très exactement. Fondée en 2013, elle vient seulement de graver son deuxième véritable long playing, un disque enfin sorti sur un label international, en l’occurrence, Glitterbeat. Le premier « Моя Твоя Земля » dépassait à peine les 30 minutes. Mais en 7 années, le quatuor féminin a quand même gravé toute une série d’Eps et de singles.
La musique de Lucidvox puise son inspiration, à la fois dans le rock au sens le plus large du terme et le folklore russe. Les compos sont d’ailleurs interprétées dans sa langue natale.
Flûtiste et chanteuse, Alina possède une superbe voix ; et quand elle se fait diaphane et mystique, on ne peut s’empêcher de penser à Lisa Gerrard (Dead Can Dance). A l’instar du titre qui ouvre l’opus, « My little star », une plage incantatoire, presque liturgique, enrobée de superbes harmonies vocales réminiscentes du Mystère des Voix Bulgares. Le ton est donné ! Et privilégiera souvent les ‘Heavenly voices’, parfois dans l’esprit d’Esben & The Witch. Cette voix peut cependant devenir impétueuse, comme sur « Knife », un titre imprimé sur un tempo métronomique, krautrock (Amon Düül II ?) et stimulé par une ligne de gratte raga. Un même rythme sur lequel évolue « Body », mais dont les accès métalliques renvoient au Black Sabbath du premier elpee. Tout comme sur l’enlevé « Amok », au cours duquel le chant ressemble à une litanie. Mais également « Around » une piste plus lente, aux cordes de grattes distordues, grinçantes, parfois arabisantes et illuminée par un drumming particulièrement ample. Suave et alanguie, cette voix plane tout au long de « You are », un morceau au cours duquel la basse claque alors que les cordes de gratte vibrantes dispensent des sonorités tintinnabulantes. Lancinante et vaporeuse, elle hante « Runaway », un titre à la ligne de guitare sinueuse, mais dont l’intervention à la trompette vire au free jazz, un peu comme dans l’univers de la prog. Un style également rencontré lors du final « Sirin », une compo envoûtante, exotique, enrichie par les interventions de la flûte et dynamisée par des drums luxuriants.
Lucidvox a choisi pour titre de son album « We are », car c’est ce qu’elles sont. Parce qu’elles sentent qu’elles peuvent être elles-mêmes. Très fortes. Tant à travers leurs personnalités qu’en tant que groupe…
Lucky Peterson, l'un des plus célèbres bluesmen contemporains, est décédé à l'âge de 55 ans. Lucky avait été admis d'urgence à l'hôpital de Dallas. Il est décédé ce dimanche 17 mai des suites d'un accident vasculaire cérébral.
Originaire de Buffalo, état de New York, il avait acquis une solide notoriété dans l’univers du blues et du jazz comme chanteur, guitariste et organiste. Son premier opus, "Lucky strikes!", était sorti en 1989. Son tout dernier, "50 Just warming up", date de l'année dernière. Il était très populaire en France. Ses derniers albums étaient parus sur le label français Jazz Village.
RIP
Louisianaise, Lucinda Williams peut se targuer d’une longue carrière, tant dans l’univers du blues, du folk que de la country. Le premier elpee de cette chanteuse, "Ramblin' on my mind", date de 1979. En mai 2017, elle a été bombardée Docteur honoris causa en musique par le célèbre Berklee College of Music.
"Good souls better angels" a de nouveau bénéficié du concours de Ray Kennedy à la mise en forme. C’est déjà lui qui s’était chargé de la production de "Car wheels on a gravel road", en 1998. Mais pour cette tâche, il a été épaulé par Tom Overby, manager et néanmoins époux de Miss Williams. Les sessions se sont déroulées à Nashville, en compagnie du fidèle backing group de Lucinda, Buick Six, dont le line up implique le guitariste Stuart Mathis, le bassiste David Sutton et le drummer Butch Norton.
Au bout de quarante années de parcours, sa voix est devenue ravagée et rocailleuse. Et c’est cette voix qui donne le ton à cet LP, même si elle peut compter sur un excellent band, au sein duquel le gratteur affiche un fameux potentiel…
Dès "Can't rule me", lugubre, cette voix déclame face aux guitares prêtes à faire feu à tout instant. Les accords sont secs, et ceux traités à la slide émergent de ce mur flamboyant, psychédélique, qui entretiennent cette atmosphère étrange. Cette voix agonise sur "Bad news blues", sans doute en apprenant toutes ces mauvaises nouvelles. "Man without a soul" baigne au sein d’un climat ténébreux. A cause de cette instrumentation réminiscente du Velvet Underground des sixties. Reverb’, la guitare rôde en arrière-plan. Mathis arrache tout au passage. La voix monte en puissance avant d'être ensevelie par les cordes débridées. L'album recèle plusieurs ballades folk rock. Superbes et chiadées, elles sont partagées entre les cordes acoustiques de Mrs Williams et celles amplifiées de Mathis. A l’instar de "Big black train", une piste tapissée par l’orgue de Mark T Jordan, et de "Shadows & doubts". La ligne de basse balise "Wakin' up", mais les cordes demeurent toujours aussi dramatiques. Stuart découpe le morceau au scalpel, avec une précision chirurgicale effrayante. "Pray the devil back to Hell" nous précipite au cœur d’un climat morbide, digne d’un film d’épouvante. Mathis y double guitare et violon. Bien ficelé, "Down past the bottom" libère toute sa puissance, un garage blues dominé par les vocaux, alors que les interventions traitées à la slide sont intransigeantes. Hypnotique, "Big rotator" est propice à la transe, une compo hantée par le géant Howlin' Wolf. Quoique difficile, sombre et sans concession, cette œuvre est vraiment remarquable…
Le Sister Lucille Band est un quartet issu de Springfield, dans le Missouri. A la tête du combo, on retrouve un couple, la chanteuse Kimberly Dill et le guitariste Jamie Holdren. Et le line up est complété par le batteur Kevin Lyons ainsi que le bassiste Eric Guinn. Les sessions d'enregistrement de l’album "Alive" se sont déroulées au sein du studio Ardent, à Memphis. Jamie signe et parfois cosigne, alors en compagnie de Kimberley, la majorité du répertoire. Bien que considérée comme blues roots, la musique de Sister Lucille se nourrit également de funk et de soul…
"Won’t give it" ouvre la plaque, un r&b bien balancé soutenu par une ligne de cuivres. Kimberly possède une bonne voix et Jamie se révèle un gratteur versatile. Le titre maître est balisé par un piano électrique, une ballade au cours de laquelle Miss Dill est épaulée par Reba Russell aux chœurs (NDR : cette vocaliste notoire est issue de Memphis). Traitée à la slide et bien amplifiée, la guitare de Jamie nous immerge dans le delta tout proche, au son du blues rock. Et lorsqu’elle devient gouailleuse, cette slide emporte tout sur son passage. Une rythmique exotique baigne "Devil's eyes". Dominée par les cordes et la trompette de Jared Dover, cette plage ne manque pas de charme. Retour au funky r&b pour "Wanna love you", une piste dont les sonorités de gratte sont triturées par les pédales de distorsion. Et la cover de "99 pounds", un hit décroché par Ann Pebbles, il y a près de 50 ans, est de la même veine. Les musicos ne tiennent plus en place, que ce soit Peter Climie au saxophone, le préposé à l’orgue et Holdren aux cordes. Blues lent, "Respect your woman" est illuminé par l'harmonica du musicien local Eric Hughes et Jamie… aux cordes. Kimberly et Muleman Massey (NDR : cet artiste est issu du pays des collines du Mississippi) se partagent les vocaux tout au long de "Think about you", une bien jolie chanson soul. Etta James a composé "W.O.M .A .N", en 1960, un pur Chicago blues. Cette nouvelle version donne une ultime occasion aux musiciens de sortir de leur réserve, que ce soit le préposé au sax baryton, celui au piano électrique et bien sûr Jamie, dont la gratte est littéralement enflammée. Cet opus s’achève par l’élégant "Lost", un titre que chante à l’unisson, Jamie et Kimberly…
Si pour certains, rupture amoureuse rime avec tristesse et désespoir, pour d’autres, elle constitue le premier pas d’une résurgence.
Renan Luce a choisi cette seconde option. Son aventure déchue avec Lolita Séchan, après sept ans de mariage, lui aura été au moins bénéfique sur le plan artistique.
Pourtant absent depuis quelque temps, il était parvenu à nous faire sautiller grâce à des titres plein d’entrain et de bonne humeur, notamment sur un premier album intitulé « Repenti », duquel « La Lettre » a été expédiée manu militari dans les charts radiophoniques.
Le Parisien met en mots l’entrebâillement d’une porte ouverte sur un quatrième exercice éponyme très intimiste.
Une mise à nu dans les propos sur fond de sincérité musicale richement intéressante, digne des plus grands tauliers de la chanson française comme Aznavour et Brel.
Onze chansons introspectives où Luce laisse mûrir ses pensées sur papier à travers une orchestration symphonique, un vieux rêve qu’il a enfin pu réaliser !
Un synoptique de textes poignants : "On s'habitue à tout", « Le vent fou », par lesquels le jeune homme évoque son histoire entre bois, vents, cordes et percussions accentuant la crédibilité du phrasé. De la douleur il y est question, certes, mais pas que ! Le disque se veut positif. De l’espoir d’une reconstruction pour soi « A bientôt, renouveau », à celui de sa fille Héloïse pour qui il a composé « Berlin », après un voyage dans la ville allemande.
Une chose est certaine, lorsqu’il troque sa guitare pour le piano, Renan Luce dévoile et se dévoile sans pareil par le biais d’accents musicaux finement dispersés ici et là comme pour poser des balises et montrer le chemin aux couples qui se reconnaîtront dans ces histoires.
Et si comme le laisse fantasmer la plage titulaire « Au début », l’histoire se répétait ?
Claviériste, Lucas Kiella Chiellini est partagé entre piano et orgue Hammond. D’origine italienne, il vit depuis pas mal de temps à Chicago. C’est un adepte du blues, du funk et de la soul. En général, il sévit au sein d’un trio, soutenu par sa section rythmique, réunissant le bassiste Dave Forte et le batteur Rick King. Au cours des derniers mois, il s’est régulièrement produit avec Connection, le groupe du gratteur de Boston, Mike Welch et du chanteur Mike Ledbetter, malheureusement décédé des suites de complications épileptiques, le 21 janvier dernier, alors qu’il venait à peine de fêter ses 33 ans…
Réunissant 5 titres, cet Ep constitue son premier essai discographique officiel. Outre ses 3 compos personnelles, ce disque nous réserve deux covers, dont une de Jon Cleary, qu’il considère comme son influence majeure et l’autre de Don Gibson. Les sessions se sont déroulées au studio Playback Reel à Chicago. Y ont participé, ses deux fidèles acolytes ainsi que le guitariste Aaron Weistrop.
Canalisé par les interventions au piano chargées de blues et de boogie, l’instrumental "Ten O'clock Blues" ouvre le bal. Place ensuite au "Unnecessarily Mercenarys" de Jon Cleary, un pianiste anglais qui s'est imposé à la Nouvelle Orléans. Sa référence ! Ce jeune italien possède une bonne voix, il double piano et orgue Hammond et s'envole brillamment sur les 88 touches d'ivoire. Il y affiche même une classe indiscutable tout au long de "Figure it out", un R&B entraînant. Traduite en funky/r&b, la reprise du "I can't stop loving you" de Don Gibson, se distingue par les envols de l'orgue Hammond et des cordes d'Aaron Weistrop. C’est en solitaire que Kiella interprète le morceau final, "So many questions", une plage qu’il chante superbement en s’accompagnant au piano, dans un style qui rappelle alors… Elton John…
Peluché est un trio londonien féminin dont la musique est particulièrement originale. Fruit d’un cocktail expérimental entre pop, rock, soul, dub, trip hop, électro, funk, lationo et jazz, le groupe l’a qualifié de trip jam. Pourquoi pas ! Chaloupée, bavarde, la ligne de basse (ou de double basse) rappelle celle tracée par feu Peter Principle alors que dispensées en filigrane, cotonneuses, les interventions de saxophone ou de clarinette évoquent plutôt celles de Steven Brown. Mais ici s’arrêtent les comparaisons avec Tuxedomoon. Car lorsqu’elle n’est pas angélique ou cristalline, la voix de Rhapsody Gonzales est plutôt hantée par Donna Summer, notamment dans ses envolées. Certaines plages recèlent d’ailleurs des traces de disco (« Figure me out », « Is it gonna rain »), mais elles sont bien assimilées. Outre les instruments susvisés, il y a des drums, un peu de guitare et du piano électrique (synthé ?) ; et le tout bénéficie d’arrangements particulièrement soignés, tout en adoptant, régulièrement, un tempo entraînant. Superbe !
Si le mois de mars est marqué par les prémices printanières, soufflant le froid polaire ou le chaud méditerranéen, le spectacle qui se déroule aujourd’hui, dans l’enceinte du Théâtre du Manège de Mons, est quant à lui brûlant d’intérêt.
RIVE, binôme sexué bruxellois et Clara Luciani, artiste en vogue outre-Quiévrain, sont programmés au sein de cette structure dont le nom a été choisi en souvenir de l’ancien manège militaire de Léopold, car c’était son emplacement, avant qu’il ne soit bombardé en 1944.
Les lieux sont très tôt pris d’assaut, puisque le concert a été décrété sold out rapidement. Si les uns ont un premier essai tombé fraîchement dans les bacs depuis hier seulement, la seconde a déjà acquis une belle notoriété grâce à son tube « La grenade », martelé fréquemment sur les ondes radiophoniques généralistes.
A 19 heures pétantes, à peine la lune vient d’y dévoiler sa robe blanche et nacrée, que le duo monte sur les planches. Elle, au piano, à la gratte électrique et au chant. Lui, se charge des fûts et des claviers.
Formé en 2015, RIVE (s’) impose un style électro-pop enjoué. Face au succès critique et populaire, un premier Ep, « Vermillon », voit le jour seulement deux années plus tard. Deux titres seront traduits en clips, « Vogue » et « Justice », des vidéos à l’expression graphique hautement léchée que l’on doit à l’équipe du Temple Caché.
C’est un par « Soleil » rayonnant que nos hôtes d’un soir embrasent leur tour de chant. Juliette martèle l’ivoire avec conviction et détermination. Son grain de voix éthéré, chaud, passionné et sensuel suscite le désir et en devient même émouvant.
La frappe de Kévin sur les peaux est d’une amplitude rare, comme s’il était très habité. Il vit d’une intensité rare son univers. Sa rythmique hautement précise devient vite entêtante et enveloppe les compositions avec acharnement.
« Fauve » emboîte le pas et nous dévoile une vision de l’amour et des rapports charnels très contemporains, la demoiselle assumant, semble-t-il à merveille cette nouvelle féminité.
Les thématiques sont plurielles et contemplatives de la société moderne. Les textes sont ciselés. Ils ont du coffre et de la puissance tout en offrant une proposition narrative très intéressante. Il y a à la fois du vécu et un soupçon de virginité.
Qu’elle soit due à une phase de sommeil artificiel ou encore à l’ivresse incontrôlée, « Narcose » plonge l’assemblée, complètement happée par le show, dans une forme d’envoûtement, préambule au lâcher-prise…
Alors que les premières gammes de « Vogue » sont reproduites à la gratte, un problème de retour son oblige le drummer à stopper net dans sa progression. La maîtresse des lieux se défendra pudiquement en s’excusant presque pour ces aléas du direct et de reprendre de plus belle le premier morceau qui a propulsé médiatiquement le duo. Un incident très vite oublié…
Alors que la métaphorique boréale lumineuse devient alors de plus en plus discrète, l’auditoire semble subjugué. La « Nuit » se pose enfin dans un crépuscule reposant par un quatre mains au piano mémorable en guise de dessert, annonçant une inéluctable fin…
Une prestation unanimement appréciée qui est parvenue à condenser un florilège d’émotions : on a ri, pleuré, dansé, dans une existence perceptive. Bref, on a vécu, tout simplement le temps d’une trentaine de minutes (voir les photos ici)
Sur le coup de 20 heures, en fond de scène, des vitraux estampillés ‘CL’, joliment animés par les lights, apparaissent. De l’aveu même de Clara Luciani, ces dessins seraient tout droit sortis de son imaginaire lorsqu’elle était seule dans sa chambre.
Après un spoken word saisissant en voix ‘off’, « On ne meurt pas d’amour » ouvre les hostilités, la ligne de basse accentuant encore les doutes et les fêlures de cette composition.
Véritable guerrière des temps modernes, elle enchaîne par « Comme toi », avant de prendre une petite pause et signaler au public qu’il s’agit de sa troisième date belge. Faut-il la croire sur parole lorsqu’elle scande tout comme César que les Belges sont les meilleurs ?
Elle aime aussi les chansons qui ont un prénom. ‘Quelqu’un s’appelle Eddy dans la salle ?’ demande-t-elle innocemment. Manifestement, les heureux élus ne sont pas légion. Peu importe, « Eddy » pointe quand même le bout de son nez sous un air groovy et parvient vite à faire oublier cette emphase…
Qu’on lui jette « Les fleurs », mais lorsqu’elle se met « Nue », Miss Luciani se dévoile constamment dans cette « Drôle d’époque ». Celle vers laquelle, nous jetons tous, un jour, un regard désabusé dans le rétroviseur de nos vies.
Quelque part entre rock ciselé et pop mélancolique, la Marseillaise d’origine ne s’improvise pas ; elle bouscule les conventions et défend ses idéaux en signant le combat d’une femme qui peine à trouver sa (juste) place, face à l’opprobre masculine…
Sa voix grave et chaude, souvent comparée à la regrettée Nico (NDR : une véritable icône du rock qui assurait les vocaux sur le premier elpee du Velvet Underground) ou à Françoise Hardy, affiche une identité vocale unique.
L’univers qui la hante surprend et nous offre une belle palette de sentiments, tantôt graveleux, tantôt atmosphériques. Ceux qu’elle admet bien vouloir partager le temps d’un soir avant que sa vulnérabilité la rattrape insidieusement. Il y a chez cette femme une dualité constante entre vouloir changer les choses et s’y complaire malgré elle…
Grâce à son refrain imparable, intime et puissant ‘Sous mon sein, la grenade’, la « Grenade », titre phare et explosif, résonne par son hymne révolutionnaire avant de voir disparaître l’artiste. Qui reviendra quand même pour accorder un double rappel.
« La dernière fois » sera l’occasion de tester les capacités oratoires des aficionados tel un laboratoire humain grandeur nature.
Sa version personnelle de « Blue Jeans » de Lana Del Rey, réinterprétée dans la langue de Voltaire, rappelle combien la jeune femme parvient, dans un registre plus doux et éthéré, à émouvoir encore davantage.
Autre reprise, celle de « The Bay », un tube signé par la clique à Joseph Mount (Metronomy), montre à quel point la Française est créative et aussi capable de surprendre, sans s’étendre…
Finalement, deux styles, des émotions parallèles et un combat unique ! Une belle bouffée d’oxygène…
Setlist RIVE : Soleil, Fauve, Justice, Narcose, Vogue, Nuit.
Setlist Clara Luciani : Intro - On ne meurt pas d’amour - Comme toi - A crever - Bovary - Eddy - Les fleurs - Nue - Mon ombre - Drôle d’époque - Dors - Monstre d’amour - Emmanuelle - Cette chanson - La baie - La grenade
Rappel : Folle - La dernière fois - Jean bleu
(Organisation : Mars)
Etabli à Memphis, Lucero clélèbre, cette année, son 20ème anniversaire en publiant un neuvième opus. Il pratique une forme de country-rock alternatif teinté de blues et de r&b. Les 10 titres qui figurent sur "Among the ghosts" sont signés par le leader, Ben Nichols. C’est également le chanteur. Il est soutenu par le guitariste Brian Venable, le drummer Roy Berry, le bassiste John C. Stubblefield et le claviériste Rick Steff. Cet elpee est bien plus rock mais moins cuivré que les précédents.
Dès le morceau d’ouverture, Nichols démontre que sa voix est à la fois puissante et envoûtante. Il s’agit, en outre, du titre maître, un petit joyau roots, remarquablement construit, au cours duquel tous les instruments sont bien en place. Les musicos reconnaissent avoir été influencés par les 80’s, et tout particulièrement, Cure. Et "Bottom of the sea" en est une parfaite illustration, une plage au cours de laquelle l’intervention au mellotron de Rick Steff est parfaitement intégrée. Excellent, "Everything has changes" est dominé par la voix de Nichols. Pop/rock, "Cover" lorgne vers Tom Petty. Atmosphérique, la guitare de Venable colle à la mélodie. Plusieurs pistes adoptent un profil bien alt country. A l’instar du dépouillé "To my dearest wife, malgré la présence de cordes acoustiques et amplifiées, ainsi que du piano et de l’orgue. De "Long way back home", caractérisé par la voix proche de… Johnny Cash. Ainsi que "Back to the night", une superbe ballade roots, déclamée d’une voix grave, et au cours de laquelle, les cordes parviennent à se libérer. Très rock'n'roll, "For the lonely ones" clôt ce long playing. Sautillant, le rythme est irrésistible. Les saxophones se fondent dans l’ensemble. Une compo qui s’inscrit parfaitement dans le style Memphis…
Chanteuse et compositrice, Lucinda Williams pratique ce qu’on appelle aujourd’hui de l’americana. Son premier elpee, "Ramblin'", remonte à 1979 ! Faut dire qu’elle affiche déjà 65 balais ! Originaire de la Louisiane, elle s’est établie à Nashville. Elle a atteint la véritable consécration en 1998, grâce à son album "Car wheels on a gravel road", sur lequel figure son plus grand succès, "Little Honey", un hit qui entrera même dans le Top 10, aux States. "This sweet old world" propose des compos qui figuraient déjà sur un long playing, publié en 1992. Mais il est le fruit de nouvelles sessions qui ont été réalisées à Los Angeles, en compagnie de son backing group actuel, une formation impliquant le guitariste Stu Mathis, le bassiste David Sutton et le batteur Butch Norton. Pour la circonstance, Greg Leisz –dont on ne compte plus les collaborations– est venu apporter son concours à la gratte. En fait, cet opus célèbre le 25ème anniversaire de la parution de l’elpee originel. Et le résultat est excellent!
"Six blocks away" ouvre le bal. Mathis se charge de la guitare à 12 cordes, tout au long de ce morceau réminiscent des Byrds de la belle époque. Des cordes qui restent particulièrement inspirées tout au long du country/rock/roots "Prove my love". L’opus recèle de nombreuses ballades. Certaines sont vraiment superbes. A l’instar de "Memphis Pearl", mais surtout de "Something about what happens when we talk" et "Sidewalks of the City", dont le climat évoque le "Sticky fingers" des Stones, un album culte paru en 1971 ! Blues/rock, "Pineola" est découpé dans des riffs puissants. La voix est remarquable et les échanges opérés entre Mathis et de Leisz aux cordes électriques, sont lumineux. Le long playing recèle quatre bonus tracks, dont deux blues primaires ainsi que "Wild and blue", une dernière ballade qui véhicule des accents dramatiques.
Le Lucas Haneman Express est un quartet issu d’Ottawa, au Canada. Fondé en 2014, il est drivé par le chanteur/guitariste Lucas Haneman. Et est soutenu par le drummer Jeff Asselin, le bassiste Martin Newman et la chanteuse Megane Laurence. Le combo a remporté l’Ottawa Blues Challenge, en 2015. "Tearing up the rails" réunit quinze plages, dont treize sont signées par la formation. Outre trois morceaux enregistrés au célèbre studio Sun à Memphis, le reste a été mis en boîte dans la capitale du pays à la feuille d’érable.
"The verdict" est une excellente entrée en matière. Le rythme véhicule des accents sudistes. Et plus exactement issus des bayous de la Louisiane. Captivante, cette plage bénéficie de la participation du redoutable harmoniciste de Monkeyjunk, Steve Marriner. La guitare imprime un tempo bien nerveux à "Give me life", un piste au cours de laquelle, invité, Jesse Whiteley (24th Street Wailers) siège derrière l’orgue. "Calling the blame" adopte un profil roots. La voix de Lucas est épaulée par celle de Megan. Le leader s’autorise deux sorties successives aux cordes. La première est hantée par Mark Knopfler. La seconde se révèle bien plus aventureuse. Steve Marriner introduit à l’harmo "Run to you", un blues lent au cours duquel Lucas se déchaîne sur ses cordes. Il les ravage même en écrasant ses pédales. Enregistré dans les studios Sun de Memphis, "Blind man’s blues" est un blues/rock solide et classique, inspiré par l’école de Chicago. Haneman en profite pour prendre un nouveau billet de sortie. Une formule également adoptée sur "Firestorm", une plage chantée par Megan Laurence. Imprimé sur un mid tempo, "That’s the truth" a également été mis en boîte à Memphis. Lucas se consacre au micro lors du premier couplet. Megan, le suivant. Avant de conjuguer leurs voix. Haneman signe alors l’une de ses plus brillantes sorties sur les cordes. Elles montent en puissance, avant le déchaînement ultime. La cover du "Magic Carpet ride" de Steppenwolf est suprenante. Ce vieux succès remonte en 1968. Il a subi un traitement accéléré, énergique, proche du punk. Lucas se libère. Devenue impétueuse, sa gratte est au bord du délire. Intéressant, cet LP s’achève par "Working Band", une compo qui baigne au sein d’une atmosphère débridée. Préposé aux claviers, Jesse Whiteley semble réincarné par Jon Lord, à l’époque où il opérait des échanges avec Richie Blackmore, chez le Deep Purple ; c’est-à-dire, au cours des seventies…
Etabli à San Francisco, The Lucky Losers, c’est avant tout un duo réunissant la séduisante Cathy Lemons et l’harmoniciste Phil Berkowitz. Les deux artistes se partagent les vocaux. Pour enregistrer "In any town", ils ont reçu le concours du guitariste Marvin Greene, de l’organiste Chris Burns, du bassiste Tim Wagar et du drummer Robi Bean. "A winning hand", le premier elpee de ce team, était de toute bonne facture. En enregistrant le suivant, on a l’impression que le duo a trouvé sa voie. Mais également l’équilibre entre les deux voix. Les sessions se sont déroulées au sein du studio Greaseland, à San José, c’est-à-dire celui du guitariste des Nightcats, Kid Andersen. En outre, l’équipe a reçu la collaboration d’une belle brochette d’invités. Le long playing recèle neuf compositions originales et deux reprises.
"So high" nous plonge instantanément au sein de l’univers du duo. La conjugaison des deux voix ne manque pas de charme. Phil souligne parfois ses interventions à l’aide d’envols percutants sur l’harmo. Et l’ensemble est illuminé par les interventions, à la gratte, du maître des lieux, le redoutable Kid Andersen. Lemons signe "It ain’t enough", une plage empreinte de douceur. Elle la chante d’une voix soul voluptueuse. L’instrumentation alimente ce climat cool, entretenu par l’orgue de Burns et le piano électrique Fender Rhodes de Kid Andersen. "Jackson" est une chanson écrite en 1963 par Billy Edd Wheeler et Jerry Leiberfut. Johnny Cash et June Carter l’avaient traduite en hit dès 1967. Puis Nancy Sinatra et Lee Hazlewood. Interprétée par Cathy et Phil, la nouvelle version est réussie ; et la sortie à l’harmonica est impeccable. Miss Lemons chante d’un timbre suave, le blues lent "Don’t let ‘em see ya cry", face à une section de cuivres au sein de laquelle s’évade Michael Peloquin sur son saxophone ténor. Marvin Greene en profite pour se réserver un solo chargé de feeling (NDR : et inspiré par BB King) sur ses cordes, alors que Phil s’applique sur son harmo chromatique. La voix purement soul de Berkowitz alimente "Blind man in the dark". La section de cuivres est toujours au poste ; mais pour la circonstance, c’est le Californien d’adoption, Terry Hanck, qui prend son envol sur le saxophone ténor. Shuffle remuant, "I can’t change ya" se distingue par une sortie impeccable de Frank Goldwasser sur sa slide. Funky, "Still enough time to cry" se signale par les excellentes interventions des solistes : le piano syncopé de Burns, les cordes de Greene et l’harmo de Phil. Cathy chante passionnément "Give me a sign", un autre blues de bonne facture qui nous entraîne dans les swamps. Jeff Jensen, le citoyen de Memphis, écrase ses pédales wah wah. Et ses interventions sont géniales. Le titre maître campe une jolie ballade. Simple, mélodieuse, elle permet à Kid Andersen de s’illustrer sur les cordes, des cordes chargée de feeling et lumineuses. Puissant, "Devil’s dream" est une plage qui agrège acoustiques et électriques. Elles se révèlent même aventureuses… Ne sommes-nous pas à San Francisco ? Sans doute la plage la plus originale. Un créneau qui mériterait d’être davantage exploité dans le futur… Soutenu par un brass band, la reprise du "Small town talk" de Richie Danko et Bobby Charles libère des fragrances à coloration néo-orléanaise…
Lucy And The Birds, c’est le nouveau projet d’Elke Bruyneel, l’ex-vocaliste du défunt Delavega, formation qui a rencontré un certain succès dans les années 2000. Son nouveau backing group, The Birds, réunit le claviériste Van Caenegem, le drummer Steven Cassiers et le bassiste Steven Van Loy. Elke a toujours une superbe voix ; et elle nous le démontre à nouveau tout au long des six titres de cet Ep. Une voix capable de toucher au sublime, à l’instar de Norah Jones, Lora Groeseneken, Laura Mvula, Rickie Lee Jones ou Mélanie De Biaso.
Et pourtant, cet organe est trafiqué par un vocodeur sur le premier morceau de ce disque, « Strongest Girl ». Avant de reprendre tout son éclat naturellement clair et cristallin, sur le deuxième titre, une compo jazz/soul à la mélodie accrocheuse. Le timbre d’Elke me fait même parfois penser à Lara Chedraoui, la vocaliste d'Intergalactic Lovers ; mais aussi à Billie Holiday voire Nina Simone sur le plus swinguant « Golden Sounds ». Percus, cymbales, clochettes et ivoires entretiennent cette atmosphère feutrée. Une ambiance reproduite sur « Missing », mais en plus énergique.
Lucy et sa troupe se produiront ce 2 octobre à Gand, le 9 du même mois au Centre Culturel d'Herzelle, le 11 décembre au Centre Culturel de Zottegem et le 20 mi 2016 au Centre Culturel de Grammont.
Chanteuse/compositrice, Cathy Lemons vit à San Francisco. Elle compte plusieurs albums à son actif. Excellent, le précédent, "Black crow", est paru en 2014 sur le label Vizztone. Elle a monté un nouveau projet, Lucky Losers, en compagnie du chanteur/harmoniciste Phil Berkowitz, également issu de la ‘City by the Bay’. Un excellent musicien déjà responsable de quatre elpees solos. Pour son dernier, "All night Party", il avait reçu le concours du redoutable gratteur issu de Colombus, Sean Carney, et de Bill Stuve, l'ex-bassiste de Rod Piazza. Les Lucky Losers se sont retrouvés lors de trois sessions différentes, dont la dernière, à San José, dans le studio Greaseland du Norvégien Kid Andersen, le gratteur de Rick Estrin & The Nightcats. Tous les musicos qui ont participé aux séances sont balaises. Y compris les membres de Lucky Losers, soit le bassiste Steve Hazlewood, le batteur Robi Bean et le guitariste Marvin Greene. Sans oublier les invités : en l’occurrence le claviériste Chris Burns (ex-Joe Louis Walker, Maria Muldaur, Lowell Fulson), le saxophoniste Michael Peloquin et la liste est loin d’être exhaustive.
Plage d'ouverture, "Change in the weather" est issue de la plume de Phil Berkowitz et Dany Caron. Ce dernier a longtemps épaulé le guitariste du bluesman légendaire californien, Charles Brown. Le couple chante impeccablement ce titre de funky R&B cuivré. Burns siège derrière l'orgue Hammond alors que les interventions de Phil à l’harmonica sont très originales. Paru sur le label Stax, le "I take what I want" de Sam and Dave avait décroché un énorme succès. Du bon southern soul ponctué d'une solide salve de musique à bouche. "What have I done" est un excellent blues écrit par Jimmy Rogers (NDR : il a longtemps sévi comme guitariste au sein du backing group de Muddy Waters, un mythe du label Chess de Chicago). La version de Lucky Losers est très réussie. Superbe blues, le titre maître est imprimé sur un mid tempo. Les vocaux des deux partenaires sont consistants. Complices, ils chantent cependant tout en décontraction. Guest, Steve Freund, l'un des grands guitaristes de blues contemporain, s’y réserve une sortie remarquable. Miss Lemons signe "Suicide by love", une plage de jazz cool. Elle la chante avec discernement, alors que Chris Andersen à la guitare et Chris Burns au piano, s'inscrivent subtilement dans ce contexte. L’harmo et l’orgue balisent le "What was it you wanted" de Bob Dylan, un funk léger caractérisé par une belle sortie de Marvin Greene sur ses cordes. Le "What is succes" d'Allen Toussaint est une piste bien roots. Balayée par les ivoires de Burns et la slide langoureuse du gratteur de l'Oregon, Ben Rice, elle baigne dans une atmosphère musicale propre à New Orléans. Soutenue par les cuivres et l'orgue de Kevin Zuffi (ex-Mark Hummel Band), "Long hard road" est une ballade soul qui met bien en exergue la voix de Berkowitz, un morceau au cours duquel Green s’autorise une belle sortie tout en feeling. Le "Baby, you got what it takes" de Brook Benton trempe dans le swing et le jump californien. Et irréprochable, la section rythmique facilite les billets de sorties accordés à Berkowitz et Greene. La cover du "Cry no more" de Charles Brown campe un soul blues délicat. Il ne manquait qu’un boogie. Il arrive. Et ce "Detroit City man" adresse de toute évidence un clin d'œil à John Lee Hooker. De toute bonne facture, ce long playing s’achève par "Don't you lose it", une piste entretenue par le piano électrique, la guitare d'Andersen et les percussions légères de Jay Hansen des Nightcats.
Ben Rice est un artiste issu du Nord-ouest américain. Il a étudié la guitare –section jazz– et la musique classique à l'université de l'Oregon. C'est cependant par le blues qu’il est le plus séduit. Il se sert de guitares Resophonic ou bricolées à l’aide de boîtes de cigares, qu’il utilise comme caisse de résonance. Il a été finaliste, au sein des Illmatics, lors de l'International Blues Challenge de Memphis, en 2014, dans la catégorie groupe. Il y est retourné en 2015 et a été à nouveau finaliste, mais dans celle de ‘solo/duo’. Il y a aussi remporté le prix de meilleur guitariste dans cette même section. Il a publié son premier opus en 2013, "Pour me some whiskey".
Lucy Hammond est chanteuse, compositrice et productrice. Elle rencontre pour la première fois Ben Rice, en 2011, Au printemps 2014, ils tournent en duo et se produisent dans le Mississippi, l'Arkansas et le Tennessee. Ensemble, ils viennent de graver ce mini album de cinq titres pour témoigner leur attachement au blues authentique.
"Destination Clarksdale" ouvre le disque. Un titre particulièrement bien choisi ; et pour cause, Clarksdale est situé au cœur du delta du Mississippi, une ville qui abrite le ‘Delta Blues Museum’. La musique est ici uniquement acoustique. Ben est un brillant guitariste. Tout en expression, sa voix est étonnante ; et elle est tout à fait complémentaire à celle, plus puissante, de Lucy. Et dès le titre d’ouverture, "Ida Mae", c’est flagrant. Profondes, ces harmonies deviennent même bouleversantes, tout au long de "Oh Lord", un plage qui glorifie le Seigneur, au cours de laquelle Ben a recours à une Resophonic au son métallique. Ben chante divinement "Wants me back again", tout en exprimant des émotions authentiques. Des sonorités minimalistes entretiennent "Turn my back on you", une jolie ballade au cours de laquelle la guitare se fait discrète pour permettre aux deux voix d’épancher toute leur sensibilité. Lucy Hammond signe "Muddy water", une piste qui nous entraîne au cœur du delta. Sa voix est grave, expressive, naturellement puissante, probablement forgée dans l'exercice du gospel.
Il est temps pour votre serviteur de vous livrer son premier coup de cœur de l’année ou plutôt son premier coup de poignard planté dans le cœur ! Surtout quand on a une fascination pour les groupes capables de produire une certaine richesse musicale à quatre mains. Si vous êtes nostalgiques du spleen sataniste entretenu par le Black Sabbath originel, et que vous n’êtes pas allergiques à une certaine approche expérimentale du métal, alors je vous invite à me rejoindre, à vous agenouiller et à pleurer devant l’autel dressé par Lucifer’s Fall… Pas besoin de Prie-Dieu, juste la sensation du froid des dalles de pierre bleue, pour sentir toute la souffrance exprimée par Philip Howlet (Chant/Basse/Guitare) et Ben Dodunski (Batterie), rebaptisés pour l’occasion Deceiver et Unknow and Unamed. Leur rencontre s’est opérée au sein de Rote Mare, groupe australien de doom. En 2013, ils tentent l’expérience commune en sortant une démo : « Dungeon Demos 2013 ». Satisfait du résultat, HammerHeart Records les prend sous son aile et décide de publier leur premier elpee éponyme, « Lucifer’s Fall ». Il sortira ce 5 mai 2015.
« The suffering wizard » pose les jalons d’une musique sombre, mélancolique, ni trop lente ni trop longue, lourde et résonnante pour nous narrer les souffrances d’un être vieilli et meurtri de ses illusions de pouvoir. Il est condamné à la vie sur Terre, Satan est son nom. Tout au long des neuf titres, Howlet nous traîne dans les lamentations humanisées de sa déchéance. Pas de cris, pas de growl, un chant clair, expressif, émouvant pour psalmodier un texte bien écrit. La musique tend parfois à prendre des accents heavy métal classiques, tire sur un groove ténébreux plus énergique comme sur « Unknown Unnamed ». Ce qui est frappant dans l’ensemble c’est la faculté de Lucifer’s Fall à faire tomber juste les solos de gratte, mais aussi de proposer des variétés de chants clairs allant du plaintif à l’aigu, du sombre à l’énergique. Frappante aussi la qualité de l’écriture et la transposition permanente qu’on peut y apposer à la réalité du monde d’aujourd’hui. « Deceiver », qui conclut la partie chantée de l’album, peut très bien faire figure de dénonciation politique tout en restant dans le sujet diabolique de la manipulation.
Beaucoup de variété pour un album plein d’intelligence, entraînant, qui ravira les amateurs purs de Doom, les suppôts de Satan en promenade dans nos cimetières, les nostalgiques d’une musique old school qui pourrait redevenir moderne de par leurs œuvre. A conseiller vivement aux fans de Saint Vitus, My Dying Bride, Electric Wizard ou encore Reverend Bizarre…
Lucifer est tombé, tendons les bras vers les Cieux et poussons le volume à fond !
Six ans après avoir publié leur premier essai, Zoë Randell et Steve Hassett nous proposent leur nouvel opus, paru cette fois chez Sub Pop. Tout au long de « Passerby », le duo australien dispense un folk mélancolique que l’on croirait tout droit sorti des années 60. Simon and Garfunkel et Nick Drake ne sont d’ailleurs jamais loin. Sur les dix morceaux, d’une voix posée, Zoë Randell libère ses émotions sur une musique paisible et parfaitement maîtrisée. Ainsi, tout en douceur, le piano, les cordes, les cuivres se succèdent en toute sobriété. Derrière les manettes, pour orchestrer l’ensemble, le duo a bénéficié du concours d’Aaron Dessner (The National) qui a parfaitement rempli son rôle. « Tangled Heart », « Without a Face » ou encore « Reverie on Norfolk » en sont les plus belles illustrations.
Homogène et attachant, ce disque constitue un véritable remède contre les insomnies. En moins d’une heure, Luluc parviendra même à vous précipiter dans les bras de morphée. Ne comptez donc pas sur le duo pour vous booster le lundi matin après un dur week-end ; le résultat pourrait être fatal.
Luca Giordano est un guitariste italien de 33 ans. Quique Gomez est un harmoniciste espagnol. Madrilène, pour être plus précis. En 2005, Luca émigre à Chicago pour rencontrer les acteurs du blues local. Il publie un album solo, en 2012, "My kind of blues", disque pour lequel il reçoit le concours de Chris Cain, Sax Gordon et Bob Stroger.
Le duo avait déjà bossé ensemble sur un premier opus, en 2010, "Dead Mama blues". Quique a milité au sein du groupe espagnol Gatos Bizcos. Lors de cette aventure, il a participé à la confection d’"I can't believe my eyes", en 2012.
Nos deux compères sont soutenus par le drummer Marty Binder (ex-Albert Collins Band, Junior Wells), le bassiste Harlan Terson (Lonnie Brooks Band, Otis Rush), et le pianiste Ariyo (Billy Branch & Sons of the Blues). Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au Studio 3011 de Chicago, sous la houlette de Pete Galanis, lui-même guitariste, ex-Howard and the White Boys, Rob Blaine's Big Otis Blues.
Piano et harmonica ouvrent "Blow my blues away". Un blues imprimé sur un mid tempo. Manifestement, le chanteur ne s'exprime pas dans sa langue maternelle. Les premières ouvertures émanent des ivoires d'Ariyo et des cordes de Giordano. Les choses sérieuses commencent dès "The fool", un Chicago shuffle" canalisé par l'harmonica de Gomez et caractérisé par l’excellence des vocaux. La guitare de Luca s'autorise un envol à la fois superbe et parcimonieux. Véhiculant des accents swamps, dans l’esprit de Slim Harpo, "You're fine" nous entraîne dans la danse ; une belle opportunité pour Gomez de se mettre en évidence. "Three wheels automobile" est un blues qui aurait pu être signé par Willie Dixon pour Little Walter. C'est pourtant Luca qui fait d’abord la différence. Impeccablement ficelé, son solo monte progressivement en puissance, avant de céder le relais à Quique, qui piaffait d’impatience. Toujours aussi brillant, "Livin' in a campsite" est bercé par un swing délicat, un swing alimenté par la section rythmique et le piano converti au jazz! Les deux amis reprennent le "Woman don't lie" de Luther ‘Snake Boy’ Johnson, guitariste du Muddy Waters Band au cours des années 60. Quique en profite pour s’accorder un nouveau billet de sortie lumineux. La qualité est toujours au rendez-vous tout au long de "Travellin' man", une piste imprimée sur un tempo funky. Bob Stroger se réserve la quatre cordes et chante le classique d'Eddie Taylor, "Bad boy". Au cours de ces dernières années, ce vétéran a remporté deux fois l'award du meilleur bassiste de blues. Quique et Luca son particulièrement inspirés pour attaquer le long blues lent "Outskirt of town". Une plage bouleversante. Jimmy Burns prête sa voix à "That's life". Et elle a du vécu ! Billy Branch vient souffler dans son harmo sur "Rocket 88". Il ne manque d’ailleurs pas de panache. Eddie C. Campbell chante et gratte sur son "Eddie's shuffle", un blues saignant. Enfin, en bonus, tout ce beau monde se retrouve en studio pour attaquer "Jammin' with friends", une finale très ‘Made in Chicago’. Un album sans prétention mais bigrement plaisant !
Lucero nous vient de Memphis, dans le Tennessee. Une ville dont le cœur a toujours battu au son de la musique. Le rock'n'roll, blues et soul se sont toujours croisés, les labels Sun et Stax y étaient établis, Elvis Presley et BB King y ont vécu. La musique de Lucero est susceptible d’emprunter différentes facettes, telles que le rock sudiste, le punk (NDR : surtout à leurs débuts) et le country alternatif. C’est d’ailleurs ce que les musicos déclarent. Ce ne sont pas des débutants, puisque la formation est née en 1998. Leur dernier opus, "1372 Overton Park", était paru en 2009 chez Universal Music. Ce "Women and work" constitue leur huitième long playing. Une œuvre qui baigne dans le Memphis country soul teinté de rock et blues. Le chanteur/guitariste Ben Nichols, l’autre gratteur Brian Venable et le claviériste/accordéoniste Rick Steff en sont les figures de proue.
"Downtown" ouvre la plaque. Une piste attrayante, de brève durée, mais dont les interventions vocales me rappellent Rod Stewart, en moins éraillé. Les cuivres amorcent "On my way downtown", un excellent R&B. La voix de Ben Nichols s’inscrit parfaitement dans l’ensemble où chaque instrument tient parfaitement son rôle. Boogie, le titre maître est mis sur orbite par le piano de Steff, une compo qui rocke et rolle dans une chaude ambiance ‘memphisienne’ ! Jolie ballade, "It may be too late" trempe dans le R&B. Une compo indolente caractérisée par les interventions conjointes du piano et de l’orgue et dont la mélodie contagieuse rappelle les vinyles Stax d’une certaine époque. Rockin' R&B, "Jumper" déborde de dynamisme et libère énormément de groove. Du groove funkysant entretenu par les cuivres de Jim Spake et Scott Thompson. Un vrai coup fumant ! La voix de Ben emprunte un ton plus rugueux pour attaquer "Who you waiting on?", une piste qui baigne dans un climat roots. Lucero nous entraîne à Nashville pour aborder "Can't stand to leave you", un morceau de country populaire, parcouru par la pedal steel de Todd Beene. De toute bonne facture, cette plage bénéficie d’arrangements particulièrement subtils. "When I was young" et "Sometimes" adoptent un profil semblable. De solides compos nappées de claviers, déchirées par la slide ; mais au cours desquelles la pedal steel s'affirme. "Like lightning" replonge dans le rock'n'roll. Et cette belle tranche de musique yankee s’achève par "Go easy", un titre empreint de douceur, au cours duquel la voix de Nichols est enrobée d’un puissant chœur gospel…
Groupe formé autour de Jil Bensénior, Jil is Lucky nous propose son second elpee. Il fait suite à un premier opus éponyme paru en 2009, dont le single « The Wanderer », avait rencontré un certain succès chez nous. Il avait notamment servi de bande sonore à une pub pour Kenzo. Entre ces deux albums, Jil et ses acolytes ont pas mal bourlingué. Ce qui leur a permis de se poser pour accoucher de ce deuxième essai, intitulé « In the Tiger’s bed ». Le titre du disque ainsi que l’artwork seraient directement inspirés d’un voyage accompli par le Français, en Inde. Au cours de ce trip, il se serait trouvé quasiment nez à nez avec un tigre (et oui, celui de l’album). Par la suite, cet épisode va lui rappeler un autre voyage spirituel, réalisé antérieurement sous psychotropes. Et c’est la conjugaison de ces deux épisodes qui va lui donner l’illumination pour composer les morceaux de ce long playing, le tigre incarnant ‘une métaphore de son surmoi’. C’est pour la petite histoire. Maintenant, il ne reste plus qu’à savoir, si cette source d’inspiration a produit ses effets ; et c’est bien là que réside l’essentiel.
Première observation, les grattes acoustiques ont été majoritairement remplacées par des synthés. On a même parfois droit à du vocodeur. Parmi les références majeures citées par le Français, on a du mal à repérer celles relatives à Otis Redding et Léonard Cohen ; par contre, celles qui renvoient aux Beach Boys sont clairement identifiables (notamment les chœurs sur « Insomnia »). Par contre, il est certain que le fameux félidé s’est adapté aux conditions de vie contemporaines, se nourrissant même de MGMT et de ses dérivés. Seconde constatation, les compos affichent un sens mélodique aiguisé. Taillées dans la pop, les chansons sont contagieuses et font mouche à chaque fois. D’ailleurs les dix plages de la plaque pourraient toutes être traduites en single.
Si « In the Tiger’s Bed » n’est pas fondamentalement original, son écoute s’avère très agréable. Il aura donc fallu que Jil vive ces belles mais dangereuses aventureuses, pour être touché par la grâce. Néanmoins, la prochaine fois, il a tout intérêt à éviter d’affronter en direct de tels fauves, car à force de défier la chance, elle finit par vous abandonner.
Jil is Lucky se produira au Botanique en compagnie de Julien Pras le 19 mars.
Luc présente son second opus depuis qu’il a entamé sa route seul, après quelques expériences opérées au sein de diverses formations. Il en a profité également pour poser ses valises en Nouvelle-Zélande. Origine sans doute de sa recommandation : ‘to be listened to at the beach’ (‘à écouter sur la plage’).
« Blablabla » laisse s’évader l’imagination, libère les pulsions dynamiques, trace le chemin pour des ballades incohérentes. La plus belle de celles-ci est certainement « Cockroach ». Attachez bien vos ceintures parce que ce morceau va vous embarquer pour un voyage que vous n’êtes pas prêt d’oublier. Et il est vrai que le conseil de Luc devient parfaitement judicieux : cette mélodie mélangée au claquement du vent marin et au bruit des vagues doit avoir une saveur toute particulière. En outre, l’artiste joue lui-même tous les instruments et toutes les chansons sont issues de sa plume. Une exception vient toutefois confirmer la règle : la trompette qui accompagne « Graveyard ». Mais cette union est tout simplement à couper le souffle. Les pistes les plus rock ont, quant à elle, un côté un peu déjanté mais aussi quelque peu désordonné, à l’image de « Bike » ou de « Clever Monkey ». Mais la plupart des autres titres qui n’ont pas encore été cités ici passent un peu outre. On peine à en retenir la moindre note. Bien qu’ils soient pourtant sympathiques, ils ne correspondent qu’à une douceur à déguster sur le moment, elle ne laissera de toute façon pas de trace. Mais quoiqu’il arrive, à la petite phrase ‘Que le talent soit avec toi’, Luc répond par « Blablabla ».
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