Michael J. Sheehy enregistre des albums depuis près de trente ans, d’abord en tant que fondateur et porte-parole du groupe culte Dream City Film Club au milieu des années 90, puis comme artiste solo et leader du groupe de garage rock aux accents roots, Miraculous Mule. Il a tourné avec des artistes tels que Kristin Hersh, Tindersticks, John Cale et Peter Murphy, tandis que ses chansons ont été utilisées dans des films comme ‘Intimacy’ et la série télévisée ‘Deadwood’ .
Après une pause de six ans, Sheehy vient d’annoncer la sortie, le 5 juin, de « Don’t We Deserve Some Kind of Love ? », son septième elpee solo, dont deux titres, « Full Moon, Empty Belly » et « Don’t Put Yourself Beyond The Reach Of Love », sont parus sur un seul single, le 20 mars.
‘Parfois, quand j’écris des paroles, j’essaie de laisser les mots aller où bon leur semble’, explique Sheehy. Pour « Full Moon, Empty Belly », il s’est imaginé que son personnage principal était un loup-garou se demandant ce que la nuit lui réservait. ‘Je suppose que mon subconscient a choisi le loup-garou comme métaphore, et c’est en quelque sorte parfait : l’idée de malédiction, de dysmorphie et de lanugo (une affection où des poils fins poussent sur tout le corps pour compenser le manque de graisse corporelle chez les personnes souffrant d’anorexie)’, ajoute-t-il.
S'accompagnant au piano, « Don’t Put Yourself Beyond The Reach Of Love » voit Sheehy pleurer la perte d’un ami dont il s’est éloigné, devenu reclus à cause de sa propre addiction. Prônant le choix de l’amour et de la compagnie plutôt que l’isolement et la solitude, il entonne ‘It’s OK to be frightened’ dans les aigus, et un frisson sacré parcourt votre colonne vertébrale.
En explorant les thèmes de la dépendance, du rétablissement, du pardon, de l’amour, de la perte et de la quête d’identité, ce nouvel opus met clairement en lumière un changement de perspective amorcé par le précédent long playing, gravé en 2020, « Distance Is The Soul Of Beauty ». ‘J’ai arrêté de boire en 2012 et, après vingt ans d’abus d’alcool, il y avait beaucoup de dégâts et de débris dont il fallait s’occuper’, explique Sheehy.
Sheehy est devenu père en 2017 et, lentement mais sûrement, les chansons ont recommencé à jaillir. Pour la première fois, de minuscules rayons de lumière ont commencé à percer à travers les fissures de ses chansons souvent graves. ‘J’écris toujours pour les mêmes personnes, mais ma perspective a changé. Plutôt que de refléter la misère à travers les chansons et ma façon de vivre, j’essaie d’offrir de l’espoir, de l’humour et une sagesse durement acquise.’
« Don’t We Deserve Some Kind Of Love ? » a bénéficié de la participation de Fiona Brice (violon), Sandy Mill (chœurs), Ian Burns (batterie) et Patrick McCarthy (guitare). L’album a été enregistré chez lui sur une période de cinq ans, alors que Sheehy était père au foyer et travaillait le soir dans un bar de Camden, au nord de Londres.
« Full Moon, Empty Belly » est en écoute là
Fondé en 2018, Sun Mahshene est un sextuor réunissant des musiciens issus d'Irlande, du Royaume-Uni et de Pologne.
Son premier elpee, « A place we’ve never been », a été masterisé par Mark Gardener du groupe Ride.
Eclectique et diversifié, son mélange audacieux de rock alternatif, d'électronique ambiante et de shoegaze est balayé par une tempête de guitares acidulées. Une forme de post-shoegaze qui se manifeste par ses mélodies mémorables et ses paroles perspicaces. D’ailleurs, le titre de l’album, « A Place We've Never Been », est particulièrement bien choisi, car sur le plan thématique, il associe des caractéristiques lyriques telles que l'évasion, les rêves et l'insatisfaction de la vie moderne face la résilience et la persévérance.
Enfin, en ‘live’, la formation jouit d’une solide réputation…
Extrait de l’album, « New shores » est en écoute ici
Podcast # 52 émission Inaudible (cliquez sur le logo ci-dessous)
Depuis son passage à Forest National, comme supporting act de Parkway Drive, en 2022, votre serviteur rêvait de revoir While She Sleeps en tête d’affiche. Le vœu est exaucé, puisqu’il se produit ce jeudi 28 septembre à l’Ancienne Belgique, pour un concert ‘sold out’.
Fondé en 2006, While She Sleeps est issu de Sheffield, en Angleterre. A l’origine, il réunissait 5 potes d’école, mais en 2009, le chanteur, Jordan Widdowson, a été remplacé par Lawrence ‘Loz’ Taylor. A ce jour, le quintet a publié 5 elpees, dont le dernier en date, « Sleeps Society » (2021), est considéré par la critique, comme celui de la maturité ; et à. A l’instar de Bring Me The Horizon et Architects, comme un des acteurs majeurs du metalcore insulaire. En outre, il jouit d’une solide réputation en ‘live’ !
Deux supporting acts : la formation australienne Polaris et britannique Bury Tomorrow, que les médias regardent comme l’étoile montante du style.
Polaris ouvre donc les hostilités. Bien que « Fatalism », son troisième elpee, publié ce mois-ci, se soit hissé au premier rang des classements d'albums aux États-Unis, le groupe et ses fans continuent de pleurer la mort du guitariste Ryan Siew, survenue le lendemain de la prestation du band, accordée au Grasspop. La sortie de cet opus démontre que Polaris est cependant parvenu à traverser cette épreuve. Et puis son concert d’une demi-heure ne s’est pas exclusivement transformé en hommage...
Après « Nightmare », une excellente entrée en matière, le combo embraie par « Inhumane ». Mais c’est « All Of This Is Fleeting » qui construit le premier mur mortel de la soirée, une compo existentialiste. Polaris nous prend à la gorge, pendant quelques minutes, sur « Overflow ». La voix claire du bassiste Jake Steinhauser est alors empreinte d'émotion et crée une atmosphère à la fois intense et entraînante. Et la prestation de s’achever, comme une thérapie vaine, par « The Remedy » … (Pour les photos, c'est ici)
Setlist : « Nightmare », « Inhumane », « All of This Is Fleeting », « Dissipate », « Hypermania », « Overflow », « The Remedy »
En 2021, le membre fondateur et guitariste rythmique, Jason Cameron, quittait Bury Tomorrow. Un départ qui a ébranlé le parcours du band insulaire. Pour pallier ce départ, deux nouveaux musicos ont débarqué au sein du line up qui est donc depuis devenu un sextuor.
Dès le premier titre, « Boltculter », le public, dans la fosse, est déjà en ébullition, et il ne faut pas longtemps avant que les premiers audacieux se lancent dans le crowdsurfing, mettant alors déjà, le personnel de sécurité au travail. Daniel Winter-Bates sollicite à plusieurs reprises des rounds circles et mosh pics, d'un simple geste de la main. Et la foule y répond favorablement, sans hésitation. Le hit « Choke » enflamme la salle. Mais Daniel réclame une dernière fois de l'énergie pour le titre final, « Death (Even Colder) ». En 45 minutes, Bury Tomorrow a donné tout ce qu’il avait dans le ventre, mais avec beaucoup de talent et d’enthousiasme… (Pour les photos, c'est là)
Setlist : « Boltcutter », « Black Flame », « Abandon Us », « Earthbound », « LIFE (Paradise Denied) », « Heretic », « Cannibal », « Choke », « DEATH (Ever Colder) »
Le rideau est fermé pour l’installation de la machinerie de WSS qui va nous en mettre plein les mirettes. Jugez plutôt : Adam Savage, le drummer, va se hisser à droite, presque au plafond, sur une estrade et un mur de baffles ‘Marshall’, qui s’élève à 5 mètres de hauteur. On remarque la présence d’une même structure, à gauche ; les deux guitaristes iront s’y percher et parfois le bassiste, à tour de rôle. Taylor, le chanteur, s’est coupé les (longs) cheveux. Il déboule sur les planches, tel un diable sorti de sa boîte. Vêtu d’un gilet à capuche de couleur noire et chaussé de lunettes fumées, il vient se planter devant les premiers rangs et est chaleureusement applaudi.
La formation démarre en trombe par « Sleeps Society », le morceau qui les a fait connaître. Les haut-parleurs déversent leurs décibels. Adam Sauvage est sous les feux des projecteurs. Ses fûts, ses claviers et son MPD servent de carburant à une véritable machine de guerre. Son drumming libère une puissance phénoménale. Taylor est en pleine forme. Il est capable de pousser sa voix dans ses derniers retranchements, mais elle passe bien la rampe, surtout lors des screams. Et puis, elle est hyper mélodique. Manifestement, il s’est manifestement bonifié dans l’exercice vocal. Constamment en contact avec son auditoire, il se vide littéralement les tripes, lorsqu’il n’escalade pas un banc posé sur le podium juste avant de plonger dans la foule pour s’y laisser porter. L’ambiance est électrique. Moshpits, walls of death, circle pits et crowdsurfings se multiplient dans la fosse et ne cesseront qu’au bout du show.
Six lanceurs de fumée entrent régulièrement en action et une pyrotechnie permet de projeter des flammes qui changent de couleur au gré des morceaux.
Malgré les nombreux sauts et les coups de pieds en ciseaux lancés en avant comme lors d’un mouvement de kung-fu, il est vraiment accroché à l’avant-scène pour pouvoir encore mieux canaliser l’ambiance électrique entretenue au sein des premiers rangs. Taylor demande au personnel de sécurité, posté devant les barrières d’être attentif, car le crowdsurfing va s’emballer. Et pour cause : il démarre du fond de la salle. Impressionnant ! Pendant « Fakers Plague », Taylor lève les poings et invite les spectateurs à l’imiter. Il parsème régulièrement son discours de ‘fucks’ revendicatifs. Le nouveau single, « Self Hell » (NDR : il est paru ce 13 septembre), n’est évidemment pas oublié, même si ce n’est que la troisième fois qu’il est joué en ‘live’.
« Our Legacy » permet à tout le monde de souffler quelque peu et surtout, aux deux sixcordistes d’étaler leur dextérité sur leur instrument, tout en soignant la partie mélodique. Enfin Daniel Winter-Bates, le chanteur de Bury Tomorrow, se distingue en remplaçant Lawrence ‘Loz’ » Taylor sur le bourdonnant et hargneux « Silence Speaks ».
Un show époustouflant ! On en redemande ! While She Sleeps est prêt à se produire dans les stades, comme son grand frère, Bring Me The Horizon. (Pour les photos, c'est encore ici)
Setlist : « Sleeps Society », « You Are All You Need », « The Guiltry Party », « I've Seen It All », « Eye To Eye », « You Are We », « Haunt Me », « Self Hell », « Fakers Plague », « Our Courage, Our Cancer », « Know Your Worth (Somebody) », « Our Legacy », « Four Walls », « Silence Speaks », « Systematic ».
Rappel : « Enlightenment (?) », « Seven Hills », « Anti-Social »
(Organisation AB)
En 4 accords et dans une forme épurée, les Fabulous Sheep racontent une traversée, celle de leur ville, de leur vie, celle des doutes et des questionnements, celle d’une candeur juvénile qui s’évanouit pour un quotidien aliénant. Puis un jour on se réveille, entouré des murs que l’on a construit autour de soi même, dans un monde criblé de peur et de haine, aux carrefours des âmes en peine... (« The Crossroads of Lost souls »). Voulons-nous vraiment appartenir à cette société ?
Sur fond de rock tendu et nerveux, les enfants terribles de Fabulous Sheep jouent avec urgence, et chantent le désenchantement d’une jeunesse qui a pourtant encore des idéaux. Originaire de Béziers, la ville laissée pour compte dont les tensions politiques ont indirectement inspiré le groupe qui combat ces thèmes en chanson, la formation livre sa lutte artistique entre énergie positive et colère froide.
Des refrains scandés en chœur, des mélodies pop incandescentes à 3 accords, et une production comme du punk de stade mais enregistré dans un garage : Fabulous Sheep illustre son style sur un premier Ep abrasif baptisé "Kids Are Back", ainsi qu'un elpee, "Fabulous Sheep", sorti en 2019, en totale autoproduction.
Comptabilisant près de 300 concerts dans l’hexagone et en Europe, le band se fait remarquer se font remarquer grâce à ses prestations bouillantes et sa rage viscérale aussi bien dans les petits clubs que dans certains des plus grands festivals, et rapidement le groupe se forge une réputation scénique.
Fabulous Sheep a sorti en 2022 un nouvel album explicitement intitulé "Social Violence", un opus mis en forme par le combo ainsi que Jim Diamond (producteur américain de The Whites Stripes et The Sonics). Un manifeste rock d'une dizaine de chansons, comme des photographies du monde occidental actuel : smartphones et déconnexion totale de la réalité à travers "Satellite", la joie insouciante du tourisme à la mer et les réfugiés qui la traversent dans "Mediterannean Cemetery", le brainwashing télévisé tout au long de "Parasite" ou encore les schémas d'une vie, et d'une ville, qui nous aspire, et nous dévore de l'intérieur sur "The Future is Unwritten » ...
Le clip de "The Crossroads of Lost souls" est à découvrir ici
Sheitan & the Pussy Magnets est un quintet indie rock parisien dont l’attitude désinvolte et les mélodies entêtantes pourraient être considérées comme des manières de mauvais garçons pour agiter une foule.
L’influence du rock british ne se cache pas chez le combo (The Smiths, The Last Shadow Puppets...), mais la bande son qu’il compose pourrait être celle d’un film noir des années 60. C’est un juste équilibre entre mystère et candeur taquine, où les fuzz sont en embuscade d’une ritournelle.
Originaires de la banlieue sud parisienne, les deux compositeurs, Alec (guitare/chœurs) et Rawad (guitare/chant), ont faim d’écrire, de composer, de mêler leurs influences et de partager l’entrain de leurs maux. Ils sont soutenus par Vincent à la batterie, Étienne à la basse (ex-Red Woods) et Michael aux claviers (Mandarina).
Le premier Ep de ma formation, « Nothing To Be Said », est paru fin 2021.
Courant 2022 le groupe est repassé en studio pour y enregistrer un second Ep intitulé « In The Mood For Nothing ». Il sortira le 10 mars 2023.
Depuis Savannah (Géorgie, USA), le duo Boy Harsher –autrefois connu sous le patronyme de Teen Dreamz– s’est forgé une identité très forte. Augustus Mullet et Jae Matthews naviguent clairement dans les eaux sombres d’une synth-pop aux accents ‘dark’. Influencé par les 80’s, et tout particulièrement par DAF, mais aussi par le cinéma en général, il n’est pas surprenant qu’il produise une B.O. après 3 albums très bien reçus par la critique.
« The Runner », c’est le titre d’un court métrage d’épouvante réalisé par le tandem et le nom d’un synthétiseur modulaire aux sonorités proches de celles du drone, créé par la marque Moffenzeef.
Entre gore et thriller, ce film noir est abordé dans l’esprit d’Asia Argento, de John Carpenter et pourquoi pas de David Lynch. Huit titres sombres et atmosphériques mais mélodiques cadrant à merveille avec l’ambiance glaçante des images…
Une immersion au sein d’un univers aussi passionnant qu’angoissant...
Grandma's Ashes et un trio féminin parisien qui pratique une forme de rock alternatif teinté de prog, de stoner, de gothique et… d’humour noir.
Après avoir gravé un Ep en 2021 (« The Fates »), le trio sortira prochainement son premier elpee. Il est d’ailleurs en cours d’enregistrement.
En attendant, il nous en propose un extrait, "Spring Harvest", sous forme de clip, et il est disponible ici
"Spring Harvest", la récolte du printemps, est un titre solaire qui inspire un état second de légèreté, de libération. Ce single s'inscrit dans une esthétique rock 90's dans la veine de groupes comme Hole, sans perdre de vue la base de la recette Grandma's Ashes : guitares saturées et riffs nerveux, refrains entêtants, ainsi qu'une section rythmique solide et élaborée.
Le groupe explique : ‘"Spring Harvest" est pour nous une sorte d'ode à la solitude et aux relations sans lendemain pour la combler, un temps. On avait très à cœur de retranscrire la mélancolie presque adolescente qu'on ressent lorsqu’on rêve à l'amour, torturé, seul dans son lit, en s'abandonnant à l'ivresse des sens pour mieux s'oublier.’
Flasher est un duo réunissant le guitariste Taylor Mulitz et de la batteuse Emma Baker. Son nouvel opus, « Love Is Yours », paraîtra ce 17 juin.
La vidéo du titre maître a été réalisée par Camilla Smura (qui a également signé le clip du single « Sideways ») constitue un hommage au National Treasure, parce que, tout comme la salle du trésor cachée sous l'église Trinity, l'amour qui dure est la plus grande aventure que l’histoire n’ait jamais révélée.
« Love Is Yours » fait suite à « Constant Image », sorti en 2018. Il a été enregistré à Washington, D.C., sous la houlette d’un ami de longue date, Owen Wuerker, qui a également contribué à l'instrumentation en se consacrant à la basse, les percussions, les synthés et à la guitare.
Bien que les chansons traitent de la désillusion et de la perte, la musique évoque la chaleur et l'optimisme.
Le clip de « Love is yours » est à découvrir là
Lancé par Toro Y Moi en 2011, Ernest Green, aka Washed Out, en est depuis déjà à son 4ème album qu’il a intitulé « Purple Noon ». Sa pop de chambre, très rêveuse, irrésistible à ses débuts, avait tendance à quelque peu s’endormir depuis son précédent elpee ; et ce n’est pas cette nouvelle livraison qui inversera la tendance…
« Purple Moon » est agréable et interprété avec talent, mais il souffre d’un manque d’âme, de surprises ou de mélodies fortes. Sa chillwave teintée de pop baléarique vous permettra d’égayer de bien belle manière vos apéros lounge mais ne vous remuera pas les tripes pour autant…
Il aura fallu près de trois années pour que Natasha Khan revienne au-devant de la scène en publiant son cinquième opus.
Un opus semi-conceptuel narrant les errances d’un personnage fictif nommé Nikki Pink qui évolue dans un imaginaire cinématique très 80’s.
Ce qui pourrait, à tort, paraître prétentieux, voir ennuyeux. Certes, l’album nécessite une approche attentive et concentrée pour en saisir toutes les subtiles nuances, mais une écoute distraite en révèle déjà le potentiel.
Devenue totalement indépendante, l’artiste aux commandes dirige notre écoute par le biais de sonorités synthétiques froides et sombres et prend possession de son propre univers qu’elle nous renvoie en miroir.
À l’auditeur d’alors plonger et se laisser conter.
Prolifique malgré un relatif hiatus médiatique, l’Américaine, longtemps comparée à Kate Bush, laisse libre cours à ses visions, s’émancipe de toutes obligation contractuelle et délivre son album le plus mûr et le plus abouti.
Les dernières notes de « Mountain », dernier titre de l’œuvre, se font d’ailleurs écho de la majesté qui émane de ce beau et grand disque appelé à être, non pas un classique, mais sobrement une pièce majeure dans la discographie d’une artiste hors norme.
Hors des sentiers battus, Bat For Lashes trace le sillon de ces femmes fortes qui écrivent l’histoire à leur manière.
Triple affiche, ce soir, puisque vont se succéder Vein, Everytime I Die et en tête d’affiche, While She Sleeps. Fondé en 2006, W.S.S est issu de Sheffield, en Angleterre. A l’origine, il réunissait 5 potes d’école, mais le chanteur, Jordan Widdowson, a été remplacé par Lawrence ‘Loz’ Taylor, en 2009. A son actif, quatre elpees, dont le dernier « So what », est paru en mars 2019, un album jugé par la critique, comme celui de la maturité. A l’instar de Bring me The Horizon, il est considéré comme un des acteurs majeurs du metalcore. Et la soirée est sold out…
Issu de Boston, Vein est chargé d’ouvrir les hostilités. Il est 19 heures, et il se produit face à un parterre plus que clairsemé. Le quintet réunit le chanteur Anthony DiDio, le drummer Matt Wood, le bassiste Lhaubouet ainsi que les guitaristes Jeremy Martin et Josh Butts. Il est venu défendre son dernier opus, « Errorzone », paru en 2018. Son style ? Un cocktail entre punk, metalcore, hardcore, qu’il a baptisé mathcore. « Ideation : Self-Destruct » ouvre le set, une compo au cours de laquelle les riffs des six cordes entretiennent un climat angoissant. Hurlé, le chant n’est guère mélodique. Bien que les gratteurs et le vocaliste déménagent sur les planches, la qualité médiocre du son n’est pas de nature à dynamiter le show… et surtout pousse votre serviteur à prendre l’air… (voir notre section photos ici)
Setlist : « Ideation : Self-Destruct », « Demise Automation », « Rebirth Protocol », « Heretic », « Progenitor ».
Every Time I Die embraie, Un combo fondé à Buffalo, dans l’Etat de New York, en 1998, par les frères Keith (chant) et Jordan Buckley (guitare). Depuis sa création, le line up a vécu de nombreux changements. Si la fratrie est toujours bien au poste, ainsi que le second gratteur Andrew Williams, il implique aujourd’hui le bassiste Stephen Micciche et le drummer Daniel Davison. Son dernier et huitième long playing, « Low Teens », remonte quand même à 2016. La formation va nous livrer un concert d’honnête facture sans plus. Pourtant, les musicos font le max pour faire la différence. De timides ‘circle pits’ se forment d’ailleurs dans la fosse, mais faute de light show, le set ne décollera jamais… (voir notre section photos là)
Le grand rideau qui masque l’estrade s’ouvre sur While She Sleeps. « Anti-Social » entame le bal ; et dès le départ, on se rend compte qu’Adam Sauvage sert de carburant à une véritable machine de guerre. Que ce soit derrière ses fûts, aux claviers ou au MPD. Et son drumming libère une puissance phénoménale. Taylor a coupé ses cheveux et sa barbe, mais quand il pousse sa voix dans ses derniers retranchements, elle passe bien la rampe. Bref, il s’est manifestement bonifié dans l’exercice vocal. Constamment en contact avec son auditoire, il se vide littéralement les tripes, lorsqu’il ne se laisse pas porter par la foule. L’ambiance est électrique. Moshpits, wall of deaths, circle pits et crowdsurfing éclatent dans la fosse et ne cesseront qu’au bout du show. Les sonorités de grattes sont torturées, huileuses. La section rythmique est parfaitement soudée. Les interventions à la basse d’Aaran McKenzie sont vrombissantes ou dispensées en slap. Les riffs de 6 cordes se révèlent souvent écrasants et hypnotiques, mais toujours bien en phase avec les backing vocaux. Et les jeux de lumières impressionnants, quoique aveuglants, sont dignes de ceux proposés par Bring Me The Horizon. Moment intimiste quand même, le classique "Four Walls", au cours duquel la foule reprend le refrain en chœur. Bref, Les gourous du metalcore ont encore frappé… (voir notre section photos ici)
Setlist : « Anti-Social », « I'Ve Seen It All », « Inspire », « Civil Isolation », « Tropkies Of Violence », « Brainwashed », « Set You Free », « Fakers Plague », « Empire Of Silence », « Death Toll », « Four Walls », « The Guilty Party », « Hurricane ».
« Haunt Me », « Silence Speaks », « You Are We »
(Organisation : Ancienne Belgique)
Au cours des dernières années, on a pu observer l’intérêt croissant d’un certain public pour les sonorités héritées des eighties que l’on associe fréquemment à des formations telles que Joy Division, Bauhaus, Siouxsie and the Banshees ou encore The Birthday Party. Une nouvelle vague de groupes dont la musique se caractérise par une ligne de basse imposante, un rythme (plus ou moins) entraînant et des claviers plongés au sein d’un climat relativement glacial voire ténébreux. Ce mouvement a accouché de bands comme Preoccupations, Protomartyr ou encore Whispering Sons, en Belgique, et la liste est loin d’être exhaustive, mais révèle au fil des mois de nouveaux visages. A l’instar de Boy Harsher, un duo originaire du Massachusetts. Formé en 2013, il a d’abord choisi pour patronyme Teen Dreamz, avant d’en changer l’année suivante. Augustus Muller (synthés et rythmes) et Jae Matthews (chant) ont récolté des critiques unanimement positives pour ce deuxième album paru sur leur propre label Nude Club.
Sur cet opus, la formation a bien assimilé ses classiques en proposant un mélange entre électro kitsch, indus et post punk, tout en adoptant les spécificités du style décrit ci-dessus. L’expression sonore baigne au sein d’une atmosphère bien froide pour ne pas dire gothique et pénètre rarement dans la lumière. Ce qui ne signifie pas que les compos suscitent la morosité. On imagine d’ailleurs parfaitement être entraîné par Boy Harsher jusqu’au bout de la nuit au cœur d’étranges clubs suintant de transpiration. Mais surtout, la paire parvient à transcender ses compos minimalistes grâce à des mélodies accrocheuses et la voix envoûtante de Jae qui débite pourtant des paroles loin d’être réjouissantes.
Les nostalgiques des 80’s apprécieront certainement. Et peut-être même que Boy Harsher parviendra à emmener de nouveaux adeptes dans sa spirale. “Careful” possède en tout cas les atouts pour y parvenir.
Premier elpee pour ce trio issu de Washington DC, un disque qui a été enregistré au sein des studios de Brendan Canty (Fugazi), sous la houlette de Nicolas Vernhes (Animal Collective, War on Drugs, Deerhunter). La musique de Flasher est manifestement influencée par les eighties, et tout particulièrement, le post punk, la new wave, le shoegaze et la dream pop, naviguant à la croisée des chemins des univers alors fréquentés par les Cars, The Cure (cette basse propulsive à la Simon Gallup), Sad Lovers & Giants, Magazine, Modern English (ces harmonies vocales à trois voix !), les Pixies, My Bloody Valentine et même Wire (« Business universal »). Les mélomanes les plus jeunes évoqueront, sans doute, davantage Protomartyr, Ought et Preoccupations. Cordes de gratte tour à tour spasmodiques ou tintinnabulantes colorent généreusement cette expression sonore paradoxalement anxiogène et allègre. Anxiogène, à cause des lyrics qui reflètent l’inquiétude de nombreux Américains face à la politique de leur gouvernement et tout particulièrement de leur président. Allègre à cause du ton des compos qui semblent refléter une sorte d’insouciance. Et le résultat est excellent !
Vanished Souls est une formation hexagonale, issue de Chantilly très exactement, qui pratique ce qu’on pourrait qualifier du neo-prog. Après avoir gravé un Ep en 2012 et un premier elpee, l’année suivante (« CiTies R real »), il nous propose donc son deuxième opus. Et il est éponyme. Cinématographique, atmosphérique, mélancolique, hypnotique, la musique de ce quintet navigue au confins des univers explorés par Archive, Pink Floyd post « Dark side of the moon » et Yes. Une expression sonore à laquelle, le groupe a pris le soin d’ajouter des ingrédients électroniques, histoire de la rendre la plus contemporaine possible. Il y a même un flow rap sur l’étonnant « Am your shadow ». Enfin, dernier titre du disque, le complexe et majestueux « Silencio » lorgne vers le Radiohead de la mi eighties. Vivement conseillé aux amateurs du style…
Issue du Mississippi, Keeshea Pratt est une chanteuse de blues et de soul. Depuis un peu moins d’une année, elle est soutenue par son propre backing group, à Houston. La formation a remporté l'International Blues Challenge de Memphis, en janvier dernier. Le Keeshea Pratt Band implique huits musicos, dont le bassiste Shawn Allen (NDR : c’est également lui qui assure la direction musicale), le guitariste Brian Sowell et le drummer Nick Fishman. Sans oublier la section de trois cuivres qui réunit le saxophoniste Dan Carpenter ainsi que les trompettistes James Williams III et Misaki Nishidate, de nationalité japonaise. Shawn Allen signe l'essentiel du répertoire. Apparemment, plusieurs invités ont participé aux sessions, mais les notes reproduites sur la pochette restent assez énigmatiques sur le sujet. Chris ‘Kid’ Andersen, le célèbre gratteur des Nightcats de Rick Estrin est bien mentionné parmi les guests. Et apparemment, Nick Fishman et sa troupe (Charlie Gurke, Ken Moran, Henry Hung, Tommy Folen, Colin Hogan, Bob Welsh ainsi que Joshua Cook) apportent également leur collaboration…
Bien posée, la voix de Miss Pratt domine parfaitement son sujet. A l’instar de "Make it good", un r&b lent bien soutenu par les cuivres et l'orgue Hammond. Ou encore du blues indolent, "It's too late". Fishman imprime le tempo du r&b nerveux "Have a good time Y'all", alors que Carpenter s’autorise un billet de sortie au saxophone. Ballade soul, "In the mood" met en exergue les parties de gratte. Exotique, "Shake off these blues" se caractérise par l'envol des trompettes et les brefs soli des différents instruments. Un tour de rôle qu’on retrouve tout au long du funky "Out of mind". Solide, le titre maître est souligné par des interventions à la slide, chargées de feeling. La section rythmique sculpte les riffs du blues/rock "Can't stop now", une plage au cours de laquelle les guitares sont vraiment accrocheuses. Enfin immortalisé ‘live’, "So bad blues" est un blues lent qui s’étire sur plus de 8'…
Clémence de la Taille a choisi comme patronyme musical ASHES. La Bordelaise milite également au sein du duo Calame, en compagnie de son frère Arthur. Cette auteur/interprète est également peintre et sculpteur sur métal. Son projet implique également Syan, aux claviers et machines, matos dont se sert également Clémence. Cependant, elle se réserve les vocaux.
Ténébreuse, son électro/pop laisse quand même filtrer quelques rayons de lumière. Ce qui lui permet de créer des paysages sonores atmosphériques et envoûtants.
Il est clair que Clémence recherche la légèreté dans la puissance, la lumière dans l'ombre et l'équilibre dans la violence.
« So Do I » est censé transporter le mélomane au sein d’un univers vaporeux ; mais après s’être immiscé subrepticement sans le creux de l’oreille, la voix de Clémence est rattrapée par les beats frénétiques…
« Something In The Air » n’est pas une reprise de Thunderclap Newman, mais une plage électro/pop sucrée/salée par la voix feutrée de la vocaliste (le clip est à découvrir ici)
Une voix qui lorgne plutôt vers celle de Sharleen Spiteri sur « Lady In Black », une compo tendre, plaisante et à la mélodie accrocheuse…
Le titre maître est étrange, envoûtant même. Il pourrait même servir de B.O. pour un film d’épouvante. Le spectre de Mike Oldfield plane même. Faut dire que son titre, « Ashes », a peut-être brûlé en enfer…
Deux ans après avoir publié le paisible « Over and Even », Joan Shelley nous propose déjà son sixième elpee ; et il est éponyme. Première constatation, la native de Louisville (NDR : c’est dans le Kentucky) n’y réserve pas vraiment de bouleversement notable. Lors des sessions d’enregistrement, elle a d’ailleurs encore reçu le concours du guitariste Nathan Salsburg et du pianiste James Elkington. Pourtant, elle a quand même bénéficié de la collaboration de Jeff Tweedy (Wilco) à la production et de son fils, Spencer, à la batterie. Du beau monde, manifestement…
Minimaliste, l’instrumentation est cependant parfaitement calibrée ; et tout particulièrement les lignes de guitare. L’écriture est subtile. Les musiciens sont talentueux. Et la songwritrice parvient à insuffler aux compos un supplément d’âme, grâce à des variations parfaitement maîtrisées. Si certaines mélodies accrochent instantanément, à l’instar de « Where I’ll Find You », d’autres nécessitent plusieurs écoutes avant d’être appréciées à leur juste valeur.
Dépouillé et authentique, le folk de Joan Shelley se savoure au coin du feu, lors des longues nuits d’automne…
Joan Shelley nous vient de Louisville, dans le Kentucky. La musique de cette jeune femme évolue à des années lumières de celle proposée par certaines de ses contemporaines qui se (com)plaisent à en faire des tonnes en habillant leurs morceaux de cuivres, de cordes, et autres instruments. Son folk est donc minimaliste et authentique.
Et « Over and Even », son troisième album, constitue un bel exemple. Joan et Nathan Salsburg se consacrent à la guitare. Une instrumentation simple et efficace qui met bien en exergue la voix douce et paisible de Mrs Shelley. Selon les titres, des interventions de piano ou de lap steel viennent discrètement enrichir l’ensemble. En outre, elle échange quelques harmonies vocales bien senties et surtout remarquées, en compagnie du roi du folk, Will Oldham, sur « Stay On My Store », « Jenny Come In » et « Subtle Love ». Malgré cette instrumentalisation dépouillée, Joan Shelley parvient à insuffler un souffle à ses morceaux ; comme sur l’excellent « No More Shelter ». Et finalement, les compos de cette artiste parviennent à nous entraîner dans un univers très proche de Bonnie Prince Billy (bien sûr), Joan Baez ou encore Emmylou Harris.
Joan Shelley démontre, tout au long d’« Over and even », qu’il n’est pas nécessaire d’enfouir de bons morceaux sous une orchestration luxuriante. Parfois la grâce d’une sèche est bien plus efficace et troublante qu’une armée de violons.
Dans l’univers du blues contemporain, Shemekia Copeland est assurément l'une des les plus populaires. C’est la fille du regretté bluesman texan, Johnny Copeland. Née à Harlem (New York), elle n’affiche encore que 36 ans. Et pourtant, sa carrière est déjà bien remplie. En 1998, elle signe un contrat sur le label chicagoan, Alligator. Elle y sort son premier opus, "Turn the heat up!", la même année. En 2008, passe chez Telarc International et y grave "Never going back", l'année suivante. En 2012, elle est couronnée ‘New Queen of the blues’ lors du Chicago Blues Festival. La couronne lui est remise par la fille de Koko Taylor, qui avait décroché ce titre, l’année précédente. Pour publier son 7ème opus, elle a décidé de revenir sur son écurie originelle, Alligator. Les sessions d'enregistrement se sont déroulées au sein des studios de Nashville, sous la houlette d’Oliver Wood. Le leader des Wood Brothers, se consacre également à la guitare. Elle a également reçu le concours d’autres collaborateurs, dont Jano Rix à batterie et aux claviers ainsi que Lex Price à la basse.
Shemekia ne signe qu’une seule chanson. Le reste est quasi-intégralement constitué de compositions dévolues à Wood et son manager John Hahn, mais également de reprises. Plutôt blues/rock, les deux premières plages sont issues de la plume de Hahn et Oliver Wood. Tout comme l’excellent titre maître. Un morceau bien nerveux au cours duquel le chant de Shemekia passe en puissance, alors qu’Eric Fritsch tapisse l’ensemble de son orgue pendant que Will Kimbrough (NDR : il est issu de l'Alabama) se distingue à la gratte. Et si "Crossbone Beach" évolue dans le même registre, c’est la steel guitare de Robert Randolph qui y tire son épingle du jeu. Puissante, la voix de Shemekia déchire l’écran sonore sur "Devil's hand", une composition écrite par son père. Homogène, "The battle is over" est un morceau popularisé il y a un bail, par Sonny Terry et Brownie McGhee. Caractérisée par sa rythmique proche des Rolling Stones, l’adaptation vire davantage au rock. Les choses sérieuses commencent dès "Cardboard Box", un titre cosigné par John Hahn et l'Anglais Ian Siegal. Miss Copeland est épaulée par le célèbre bluesman californien Alvin Youngblood Hart, au chant et à la guitare. Et la conjugaison naturellement autoritaire des vocaux est très réussie. "Drivin' out of Nashville" incarne bien le style de la Music City du Tennessee, une piste de country/rock, balayée par la pedal steel de Pete Finney et fréquentée par la six cordes de Guthrie Trapp, un des requins de studio locaux. Shemekia chante enfin "I feel a sin coming on", un blues popularisé jadis par Gene Watson et surtout Solomon Burke. Enrichie par la participation de Matt Glassmeyer au saxophone, la version est superbe, alliant, passion, expression et détermination. Jess Winchester est considéré comme un spécialiste de la country. Il signe "Isn't that so", une plage dynamisée par les percus néo-orléanaises. Jano Rix siège derrière le piano et très inspiré, Oliver Wood se consacre aux cordes, sur ce morceau qui démontre l’amplitude de styles abordés sur ce long playing. Shemekia s'attaque alors à un des classiques de ZZ Top, "Jesus just left Chicago", une plage figurait sur l’LP "Tres Hombres", gravé en 1973. On y ressent bien le climat originel institué par le trio texan. La voix transpire de vécu ; mais bonne surprise, Billy Gibbons –dont les sonorités de gratte son bien identifiables– y apporte son concours. Miss Copeland poursuit sa lecture blues d'un passé glorieux, en abordant le "Long as I can see the light" de John Fogerty, une chanson qui figurait sur le "Cosmo's Factory" de Creedence Clearwater Revival, un elpee paru en 1970. L'émotion est intense. L'intervention aux cordes de Will Kimbrough constitue un morceau de bravoure. Place ensuite à la cover funky du "Wrapped up in love again" d'Albert King, auquel participe son ami, Arthur Neilson, à la guitare. Le "Lord, Help the poor and needy" de Jessie Mae Hemphill (NDR: une blueswoman issue de Mississippi) clôt cette plaque. Emouvante, dépouillée, cette finale trempe dans le gospel le plus pur…
Le concept du nouvel essai de Shearwater traduirait-il la petite baisse d’inspiration que semble traverser Jonathan Meiburg depuis « Animal Joy » voire même « The Golden Archipelago », deux opus datant respectivement de 2012 et 2010 déjà. Le groupe d’Austin a donc décidé d’interpréter des compos signées par des formation qui les ont accompagnés en en tournée. Et il arrive même parfois que ces exercices de style soient exécutés avec le concours de leurs auteurs. Heureusement, la voix unique en son genre de Jonathan Meiburg –qui semble émaner du fond d’un canyon arizonien– parvient à magnifier certaines reprises comme celle du –déjà magnifique– « I Luv the Valley Oh !! » de Xiu Xiu, même si la cover n’atteint pas le niveau émotionnel de l’originale…
Et les résultats sont très inégaux. Les plus belles versions ? Celle du « A Wake for the Minotaur » de Tom Petty déjà adapté par Sharon Van Etten qui participe d’ailleurs à cette reprise. Celle du « Fucked Up Life » des Baptist Generals, qui bénéficie du concours de Clinic. Les plus anodines ? Le « Hurts Like Heaven » de Colplay ainsi que le « Natural One » de Lou Barlow (Folk Implosion). Un disque plaisant mais pas vraiment indispensable. Bonne nouvelle quand même, la formation bosse sur un nouvel elpee que l’on espère digne de « Palo Santo », « Rook » ou « Winged Life », les sommets de l’œuvre du Texan.
Shearwater se produira en concert le 29 avril au Bota et le 4 mai au Democrazy de Gand.
Surnommée The Mississippi Queen, Sheba est née à Sunflower, dans le Mississippi (NDR : of course !) De son véritable nom Martha Booker, elle est issue d'une famille de cueilleurs de coton. Sa vie était d’ailleurs essentiellement partagée entre ce dur labeur et l'église, où elle chantait le gospel. Elle accompagne sa mère, ses frères et sœurs pour aller vivre en Floride, où elle commence à chanter au sein des Grove Girls. Elle rencontre Freddie Nelson et le couple s'installe à New York. Ils s'y produisent sous le patronyme de The Swingers. C'est alors qu'elle se passionne pour la mythique chanteuse de jazz, Billie Holiday. Quinze ans plus tard, elle retourne à Miami en compagnie d’un autre musicien, Yosiah Israel. Elle y découvre enfin le blues, la musique de ses racines, à l’écoute de BB King, Koko Taylor et Etta James. Elle fonde ensuite les Rhythm Kings. Le groupe multiplie les tournées puis grave son premier elpee, "Miss Good'n' Plenty". Elle cherche de nouveaux musiciens et engage finalement le True Blues Band, ou plus exactement le Roach Thompson Blues Band, c’est-à-dire le backing group du guitariste floridien Warren ‘Roach’ Thompson, soit le bassiste George ‘Chocolate’ Perry, le drummer Michael ‘The dog’ Gauthier, également préposé aux gadgets électroniques, claviers, cuivres et cordes synthétiques ainsi que le joueur de slide, Chuck Juntzman. C’est flanquée de ce line up qu’elle a enregistré ce " Butter on my rolls", œuvre pour laquelle elle signe toutes les chansons!
L'album s’ouvre par le rythmé "Dance jump", une plage chargée de swing. La voix de Sheba est bien forgée dans le gospel. Naturelle, puissante elle est même remarquable. Roach Thompson libère des notes vivaces dès qu’il en a l’opportunité. Gauthier essaime des sonorités synthétiques à l’aide de ses claviers. Pas vraiment ma tasse de thé. La Mississippi Queen chante autoritairement "Real good woman", un excellent blues lent tapissé par l’orgue, et au cours duquel les cordes de Roach vibrent subtilement. Dommage, une nouvelle fois, la présence de ces cuivres synthétiques. Gauthier et Perry auraient mieux fait de s’abstenir ! De toute bonne facture, "Big man" est imprimé sur un tempo contagieux. La voix de Sheba est talonnée par les cordes délicates de Thompson. Tendre ballade, "Can't help lovin' my man" véhicule des intonations soul et jazz. La slide de Chuck Juntzman s’impose tout au long du vivifiant "Oh so good". Bien rythmée, "Pourin' rain" est une plage destinée à la danse, une compo que Roach colore de tonalités personnelles. En libérant des accords de gratte acoustiques et métalliques, à l’aide de sa Resonator, Juntzman nous ramène dans son Mississippi natal. De quoi apaiser Sheba qui nous raconte longuement, tout au long de ce "Blues of my soul", les lointains souvenirs de son enfance. "Butter on my rolls" est introduit par des accords de piano, un superbe blues lent qui met en exergue sa voix saturée d’émotion. Une voix qui se fait grave pour interpréter, "Don't say goodbye", une chanson d'amour… Après un jump blues musclé intitulé "Ms Good-n-Plenty", l’opus s’achève par "Good good lovin'", un dernier blues chargé de passion, mais malheureusement, une nouvelle fois altéré par des claviers synthétiques…
Entre l’Ep « Life Of Leisure » (2009) et « Paracosm » (2013), Ernest Greene a parfait son art de la mélopée aérienne, transformant Washed Out en projet incontournable de la scène Chillwave. Une scène qui te transporte haut dans le ciel avant de te laisser retomber délicatement sur un champ de nuages cotonneux. Bref, un style qui fait appel à l’imaginaire et laisse rêveur. Après un passage éclair accompli en 2010, au Charlatan de Gand, puis, un an plus tard, au Sonic City de Courtrai, Washed Out prenait rendez-vous pour la 3ème fois avec ses fans belges à l’Orangerie du Botanique afin d’y présenter « Paracosm ».
Et ils n’étaient pas nombreux à répondre à l’appel… Washed Out est de ceux qui ne déplacent manifestement pas encore les foules, malgré deux LP solides (« Within & Without », publié en 2011, et le petit dernier, « Paracosm »). C’est donc dans une Orangerie à peine un peu plus pleine qu’une Rotonde sold-out qu’Ernest et ses quatre musiciens (dont sa femme aux claviers) ont pris possession de la scène de l’Orangerie. Podium sur lequel se produisait le sympathique Amateur Best en guise de mise en bouche, quelques minutes auparavant.
Le défi principal de Washed Out consiste donc essentiellement à reproduire cette atmosphère éthérée propre à ses productions. Greene a le mérite de ne pas choisir la voie de la facilité, en laissant le laptop au placard. Armé de son synthé et aidé de ses quatre musicos, il dégoupille un pur live et s’en sort plutôt bien. La retranscription scénique de ses tubes leur concède une autre dimension, tout en sobriété. La troupe explore largement la discographie du producteur et les meilleurs compos y passent, même les excellents « Belong », « New Theory » et « Feel It All Around », brillamment réimaginés pour le live. Les fans de la première heure ont même eu droit en bonus à la version perso de Washed Out du titre « Despicable Dogs », originellement interprété par ses grands potes de Small Black. Bémol de la soirée, le son, qui parfois a enterré les mélodies et quelques subtilités susceptibles de magnifier l’ensemble. Le clou du spectacle est enfoncé au rappel lorsque Greene se lance sur « Eyes Be Closed » sous forme d’un grand final qui va mettre tout le monde d’accord.
En une heure, Washed Out a offert à son public un moment hors du temps, humble, sobre et parfois même intense, qui aurait gagné à être partagé par un public bien plus nombreux.
(Organisation : Botanique)
Jeff Healey était un remarquable guitariste canadien de blues, rock et jazz. Il vivait à Toronto. Il avait perdu l’usage de la vue, alors qu'il n'avait qu'un an! Il est décédé en 2008, à près de 42 ans. Mi-80’s, il fonde son Jeff Healey Band, en compagnie d’une section rythmique qui lui restera fidèle jusqu'au bout : le bassiste Joe Rockman et le drummer Tom Stephen. Son premier album, étrangement intitulé "See the light", paraît en 1988.
Ce coffret réunit trois CDs, immortalisés ‘live’, en Allemagne, mais accordés à autant d’endroits différents. Un premier pour l’émission Ohne Filter Extra en mai 1989, le second pour Extraspät, en avril 1995 et le dernier à nouveau pour Ohne Filter Extra, en octobre 2000. Un répertoire souvent semblable mais dispensé à quelques années d'intervalle. Ce qui explique son intérêt!
En 1989, il se produit en formule trio. Le premier elpee était paru peu de temps auparavant. Six titres en sont extraits. La plaque s’ouvre par "I'm tore down", un classique de Freddie King. Jeff démontre déjà tout l'étendue de son talent sur ce blues imprimé sur tempo très enlevé. Son approche personnelle des compositions de John Hiatt, "Confidence man" et surtout le sensible "Angel eyes", est étonnante. Il reprend à sa sauce le "When the night comes falling from the sky" de Dylan avant de se calmer pour aborder "River of no return", une plage issue de la plume de Jon et Sally Tiven. Et la guitare s’y autorise quelques dérapages savamment contrôlés. Le "Roadhouse blues" des Doors est rendu à la manière… des Doors. Il termine ce premier chapitre, par "See the light", se permettant même des exercices de style inspirés par Hendrix.
Nous sommes en 1995. Au cours de cette année, il avait gravé "Cover to cover", un long playing consacré à des reprises. Sept pistes figurent au répertoire du concert. Pour la circonstance, il avait recruté un second gratteur : Pat Thrall, un ancien acolyte de Johnny Winter, de James Cotton et du Downchild Blues Band! Parmi les meilleurs moments de ce compact disc, on épinglera le délicieux "Stop breaking down" de Robert Johnson, le blues lent "As the years go passing by", une superbe version, empreinte de sensibilité, le "Yer blues" de John Lennon, caractérisé par ses riffs lourds et ses changements de tempo, mais surtout ses interventions de slide acharnées, infernales. Le "Roadhouse blues" s’étale sur près de 10', alors que la cover du "While my guitar gently weeps" de George Harrison est fantastique…
Fin 2000, il se produit à nouveau sous la forme d’un quatuor. Comme deuxième guitariste, il a choisi le prometteur Philip Sayce, alors sixcordiste pour la chanteuse américaine Melissa Etheridge (NDR : depuis, il a embrassé une carrière en solitaire). Jeff venait de publier "Get me some". Trois morceaux y sont puisés. Soit "Which one", le captivant "Love is the answer" (Neil Young?) et le brillant "Feel better". La voix de Healey est plus éraillée. L'accumulation des tournées explique sans doute ce phénomène. Sa guitare est plus bavarde mais toujours aussi experte. Il restitue toute l’intensité dramatique du célèbre blues lent "How blue can you get", un titre issu du répertoire de BB King. Sayce se réserve le micro tout au long du "Put the shoe on the other foot" d'Albert Collins, un blues lent de bonne facture, qui passe ensuite en mode funky. La troisième mouture d’"Angel eyes" est la meilleure.
Un bel hommage à la mémoire de feu cet artiste attachant!
Lorsqu'elle se décide à entamer la composition de son quatrième album, la Canadienne Elizabeth Shepherd découvre qu'elle est enceinte. Elle décide alors de modifier ses projets et de se consacrer à l’enregistrement d’un album de reprises. Lesquelles ? De morceaux qui l'ont marquée depuis l'enfance. La native de Toronto est loin d'être une inconnue pour les amateurs de jazz. En effet, son premier opus paru en 2006, « Start To Move », est désigné par les auditeurs du prestigieux Gilles Peterson Show comme l'un des meilleurs albums jazz de l'année. Les deux réalisations qui suivent recueillent également un solide succès critique et lui valent plusieurs nominations pour différents prix dans son pays d'origine. Elle est d'ailleurs la seule chanteuse de jazz qui ait concouru pour le Polaris Prize. Très vite, les plus grands festivals et les meilleures salles lui ouvrent leurs portes. Elle s'y produit soutenue par son trio, mais également en compagnie de pointures comme Branford Marsalis, Victor Wooten ou Christian McBride. Elle assure aussi régulièrement la première partie de Jamie Cullum.
Il faut reconnaître à cette pianiste émérite un vrai talent pour les arrangements que l'on peut encore mieux apprécier sur le présent « Rewind ». En effet, la plupart des morceaux sont d'énormes standards et l'on est très souvent conquis par la façon dont elle les revisite. Nancy Elizabeth n'est pas de ces jazzmen (NDLR : jazzwomen ?) qui surchargent leurs interprétations de mille fioritures et circonvolutions. Ici, il n'y a pas une note de trop, le ton est délibérément minimaliste et intimiste. Une sobriété que l'on retrouve également dans sa façon de chanter jamais démonstrative mais tout en nuances qui a suscité les comparaisons avec Joni Mitchell et Ricky Lee Jones. Il existe évidemment une énorme maîtrise technique derrière cette interprétation, mais on ne sent pas l'effort. Au contraire, l'atmosphère est décontractée, agréablement groovy.
« Rewind », plus que nous replonger dans le passé, nous entraîne dans l'intemporalité, malgré ces morceaux d'un autre âge signés Gershwin, Kurt Weil ou Cole Porter. Les minutes s'égrènent au son d'une guitare des îles puis se bousculent sur un solo de Wurlitzer ou de Hammond. On redécouvre aussi Brassens et ses ‘amoureux des bancs publics’ dans une version violon/contrebasse des plus réussies. Elizabeth Shepherd, qui a résidé quelques années en France, se lance même dans une version francophone de « Porque Te Vas » qu'on préfère quand même dans la langue de Cervantès. Et puis, il y a des moments plus enlevés comme le « Sack of Woe » de Cannonball Aderley et son groove diabolique mais surtout une version de « Feeling Good » mémorable ne fut-ce que par la performance de Colin Kingsmore, à la batterie. Bref, un disque maîtrisé de bout en bout, plein de maturité et de tendresse que l'on pourra ressortir de l'armoire ces dimanches paisibles où le temps se dilate.
La Belgique est un véritable vivier de talents. Et Steven Bossuyt, alias Sherman, en est un nouvel exemple. Le Gantois s’est illustré au Nord du pays dès 2011, en publiant un Ep éponyme recelant quelques ritournelles pop plutôt efficaces (« On Your Side », le très bon « One Way Town », illustré d’un tout aussi bon videoclip). Et déboule aujourd’hui « Rise », son premier LP, signé chez Universal. Le singer-songwriter propose onze plages Pop Rock pas forcément révolutionnaires mais foncièrement convaincantes.
Ce sont essentiellement la simplicité des mélodies et la cohérence de l’ensemble qui rendent ce disque à la Milow, pas dégueulasse à se mettre dans les oreilles. « Rise » compte bien quelques textes naïfs (« Head in the Clouds », « Light in the Dark ») ; mais, en laissant les mots de côté, on se laisse facilement emporter par ces petites capsules plutôt esthétiques, et visiblement sans prétention. Après avoir assuré des premières parties pour Lady Linn ou Eliza Doolittle, le petit Belge est prêt à voler de ses propres ailes. En espérant que le titre de son ouvrage lui soit salutaire.
Bat For Lashes c’est le projet de Natasha Khan, une Britannique d’origine Pakistanaise. Née à Brighton, elle ne manque ni de personnalité, ni de charisme. Et en plus, elle est particulièrement jolie. Un elfe plein douceur, d’innocence, de joie de vivre et d’optimisme En 2010, elle a décroché deux awards. Un pour le meilleur concert alternatif. Faut dire que ses spectacles sont à la fois ludiques, tendres ou dynamiques. L’autre pour la meilleure chanson contemporaine (« Daniel »).
Capable de jongler entre le piano, la guitare, la basse, l’autoharpe et les percussions, outre le chant, elle pratique une forme de folk ténébreux, menaçant, fragile, théâtral et gothique. Et ses inflexions vocales sont susceptibles d’évoquer tour à tour Kate Bush, Alison Godfrapp, Toni Halliday (Curve), Elisabeth Frazer (Cocteau Twins), Alison Shaw (The Cranes), Lou Rhodes (Lamb), Anneli Drecker (Bel Canto) et même Jón Þór Birgisson (Sigur Rós).
« The haunted man », son dernier elpee, révèle un face plus épanouie de l’artiste. Elle y aborde ses textes sous un angle philosophique et psychologique. Un disque qui recèle des compos tour à tour solennelles, claustrophobes, désinvoltes, cool, entraînantes, impératives ou à la limite explosives, mais toujours soigneusement construites… Les rythmes sont hypnotiques. Stimulés par l’électronique et alimentés par les basses, les synthés et les drums, ils grondent profondément. Et au sein de cet univers dramatique, la voix de Natasha libère une large palette d’émotions. Dans ces conditions, difficile de ne pas tomber sous le charme…
L’illustration de la pochette est superbe. Elle est signée Ryan McGinley. Dénudée, mais pudique, Khan porte un jeune homme sur les épaules…
C’est au Botanique que les Australiens de Van She sont venus défendre leur deuxième galette publiée en juin dernier et intitulée “Idea of Happiness”. Retour sur la première date bruxelloise du quatuor et ce, malgré une décennie de carrière.
Hissé au rang de star sur leur terre natale, le groupe ne rencontre pas le même succès sur le Vieux Continent, bien que les critiques soient dithyrambiques à leur égard. C’est donc assez logiquement que les organisateurs du Botanique les ont confinés dans la discrète mais agréable salle du ‘Witloof Bar’, cadre intimiste et idéal pour une première.
Le supporting act était confié à Villa, duo de Dj bruxellois réputé pour ses prestations éclectiques et énergiques. Au programme, une heure de set house sous forme de ‘best of’ (mention spéciale au “Your Everything” de Danny Daze, divinement placé) dans le seul et unique but de mettre en jambes une audience passablement mollassonne en ce début de soirée. Mission réussie haut la main pour les locaux.
Avant toute chose, une petite présentation s’impose. Van She c’est un quatuor aussie composé d’un batteur hyperactif adepte de grimaces improbables, un claviériste tout droit sorti d’un film classé X allemand de la fin des années 70, un guitariste sobre et élégamment nonchalant et d’un chanteur à la voix aigue, archétype d’un surfeur reconverti.
Le public trépigne d’impatience. Pas étonnant qu’il réagisse au quart de tour, lorsqu’à vingt et une heure précises retentissent les premières notes de “Radio Waves I”. La suite ne se fait pas attendre, un enchaînement frôlant la perfection sur papier : “Idea Of Happiness”, “Changes” et “Strangers”.
Cette succession aurait pu, et même dû, lancer les Kangourous sur les chapeaux de roues et les propulser sur une autre planète. Néanmoins l’application pratique se révèle plus douteuse et douloureuse. La faute à des inégalités sonores entre les instruments (NDR : surtout les drums !) et la voix, cette dernière se retrouvant horriblement étouffée par le boucan produit par les trois autres comparses avant que l’ingénieur son ne se reprenne et mette fin à ce carnage auditif. Les séquences décalées sur « Talkin » auraient d’ailleurs pu entacher et gâcher une partie du concert.
Fort heureusement les talentueux Antipodaux ne se laissent pas abattre par cette entrée en matière scabreuse et font déferler leurs délicieux morceaux pop synthétisés à souhait dans les tympans des quelques trois cents spectateurs présents. Petit à petit, les membres se relâchent, les corps dansent et les sourires envahissent les visages, la bonne humeur est de mise et l’été se permet même une dernière incursion, du moins dans les têtes, en ces prémices automnales.
Le reste de la setlist épingle principalement les pistes du dernier opus ; elle est cependant enrichie de quelques pépites issues de “V”, publié il y a quatre ans déjà.
Un concert haut en couleur et en énergie ponctué en apothéose par “Jamaica” (dernier titre de l’album, tout un symbole). Et cerise sur le gâteau, le combo a même accordé un rappel, aussi inattendu pour lui que pour le public avouons-le, mais ce genre de prolongations est toujours appréciable, spécialement quand on ne dispose pas d’une discographie à rallonge.
Malgré quelques aléas et approximations, Van She a brillamment réussi ce premier test dans la capitale européenne, ravissant son public et prenant visiblement beaucoup de plaisir en ‘live’. Il ne nous reste plus qu’à espérer qu’ils se fassent moins discrets dans notre plat pays à l’avenir, que l’Europe cesse de les sous-estimer et qu’ils prennent le galon scénique nécessaire pour enflammer de plus vastes salles de concerts. Une chose est sûre, dites à Van She qu’un retour dans le plat pays serait des plus appréciables après ce premier passage bruxellois remarqué.
(Organisation : Botanique)
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Labasheeda est une formation amstellodamoise qui compte déjà 8 années de carrière. Elle puise cependant ses racines dans les nineties, et en particulier chez Sonic Youth. Pas étonnant, puisqu’elle raffole des épopées bruitistes à la Sonic Youth. Et c’est manifeste dès le morceau qui ouvre l’opus, « Castfat Shadows » ou encore tout au long de l’excellent « 14 », titre sur lequel la chanteuse Saskia van der Giessen s’en donne à cœur joie, un peu à la manière de Karen O des Yeah Yeah Yeahs ! Mais la demoiselle possède plus d’un atout dans son jeu. Non seulement elle possède et maîtrise une voix puissante, mais se révèle une excellente violoniste. Elle le démontre ainsi sur « Double Exposure ». Si Labasheeda excelle dans son aptitude à faire sonner ses guitares dans un pur registre noisy, il ne parvient pas à fixer des mélodies inoubliables. Ce qui explique sans doute pourquoi il éprouve toutes les peines pour sortir de l’anonymat…
A l’An Vert de Liège le 29 septembre 2012.
Vu le patronyme aussi loufoque, je m’attendais à ce que ces énergumènes optent pour une grande liberté de ton et libèrent une bonne dose d’humour rafraîchissante. Malheureusement, le rock psyché de Sheetah et les Weissmüller est tellement rétro, qu’il en devient revivaliste. En outre, il est loin d’être désopilant.
Bien qu’enregistré par Jorge Explosion et Mike Mariconda, au sein des studios Circo Perrotti, à Gijon, en Espagne, ce disque puise allègrement dans la musique insulaire des sixties. Et en particulier dans l’univers des Beatles et des Kinks. Pour un résultat qui se rapproche davantage des très énervants Kula Shaker plutôt que de leurs illustres prédécesseurs. Si la musique de Barnabé, Hubert, Jeje, Laurent et Fifi Weissmüller est une habile transcription, les textes censés désopiler, ne m’ont pas fait rire du tout. Et les horripilants « Lundisamedimanche » ou « Suzanne Ouvre-toi » en sont les plus belles illustrations. Si la formation lilloise souhaite monter d’une division, elle a intérêt à se remettre en question. Et surtout trouver une solution à son absence d’inspiration. Sans quoi, elle risque encore longtemps de s’adresser à un public constitué d’amis, à défaut de pouvoir partager leur aventure avec le plus grand nombre…
Squarepusher est le pseudo de Thomas Jenkinson, un Anglais âgé de 37 ans qui milite sur le prestigieux label Warp Records. Branché à la fois sur le jazz et d’électro, il a participé activement au développement de cette écurie ; et pour cause, à ce jour il a publié pas moins d’une douzaine de disques, Eps et albums confondus.
Maintenant, il faut avouer que depuis quelque temps, l’artiste rencontre une certaine baisse de régime et de créativité. Ses précédents essais ont d’ailleurs plutôt déçu. « Ufabulum » constitue donc sa nouvelle œuvre. Et à première écoute, les 10 titres semblent nous replonger dans de la vieille électronica analogique comme on l’aime. Et c’est tant mieux ! Alors ce retour aux premières amours de Thomas est-il concluant ? Ben, finalement, ce bond en arrière n’est pas totalement concluant. Bien sûr, l’elpee recèle des titres séduisants, comme « 303 Scopem Hard » ou « Unreal Square » (NDR : mon coup de cœur !) Des pistes qui fleurent bon les synthés des années 90. Evoquant les mixes des consoles 8 bits, ils toucheront les plus geeks d’entre nous. Une époque bénie de la musique électro britannique dont on se souvient avec plaisir.
Malheureusement, la plaque concède des plages dispensables. A l’instar de « 4001 » ou de « Drax 2 ». Des morceaux qui éprouvent toutes les peines à démarrer. En outre, criblés d’effets spéciaux, ils finissent par exaspérer. Quant au titre maître, « Ufabulum », on a l’impression qu’il ne sait pas trop sur quel pied danser. Un comble pour un artiste dont l’expression sonore est censée animer les dancefloors.
Bref, un disque inégal pour Jenkinson qu’on a déjà connu sous un meilleur jour…
Difficile de passer à côté du phénomène Ed Sheeran. Agé de 21 ans, ce jeune Anglais fait un véritable tabac sur la scène indigène depuis l’an dernier et commence peu à peu à infiltrer le Vieux Continent. De son véritable nom Edward Christopher, Ed a déjà vendu pour plus d’un million d’albums, il s’est produit dans les plus grands festivals anglais (Reading, Glastonburry, …) et a naturellement remporté le british Award du meilleur artiste solo pour l’année 2011.
On ne peut donc le nier, il y a du talent derrière le produit Ed Sheeran. Sa voix rappelle celle de Damien Rice. C’est d’ailleurs lui qui aurait d’ailleurs allumé la flamme d’Edward, il y a quelques années, lors d’un de ses concerts auxquels il aurait assisté, en compagnie de son paternel. Et c’est d’ailleurs du sens mélodique pop de son idole qu’il semble avoir hérité.
Cependant, toutes ces excellentes dispositions ne suffisent pas. Le songwriter a beau s’être servi de la toile pour se faire connaître, il a malheureusement été rattrapé par la grande machine commerciale. Son premier album « + » est publié chez Atlantic et cela s’entend. Les chansons de cet opus ont été surproduites, une mise en forme qui annihile tout le charme qu’elles auraient pu libérer, si la mise en forme avait été mieux adaptée. Tout est exagérément lissé. Résultat des courses : son cocktail de pop-folk-hip hop a perdu son feeling. A la limite, il aurait tout intérêt à réenregistrer cet opus sous une forme minimaliste, épurée, acoustique même. Dans ces conditions, je suis certain que ses compos auraient une toute autre allure…
Pur produit anglais que se soit physiquement ou médiatiquement, Ed Sheeran ne manque pas de talent, mais quand on accouche d’un tel disque, c’est qu’on manque de personnalité. Evidemment, si vous êtes branchés sur la pop formatée, « + » est l’album qui vous faut. Et pour cause, chaque titre est un tube potentiel…
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