Première compilation pour ce fameux quintette issu de Glasgow. Une compile relatant parfaitement, à travers leurs singles, les douze années, qui depuis 85, auront permis aux Silencers de se faire connaître à travers le monde. Rien n'a été oublié. On commence par " Painted moon " pour conclure par " Something worth fighting for " en passant par les somptueux " Scottish rain ", " The real Mc Coy ", " Bulletproof heart ", " I can't feel it " et " Cellar of dreams ". Un superbe résumé qui devrait ravir tous les aficionados de la pop-folk-celtique en mal de Simple Minds, Waterboys et consorts...
A l'écoute de la musique de Silkworm, on ne peut s'empêcher de penser à Buffalo Tom, à Dinausor Jr ou à Sebadoh. A Pavement aussi. Certains médias n'ont d'ailleurs pas hésité à leur accorder, familièrement, la manchette de cousins élégants de Pavement. Peut-être à cause de la structure à la fois complexe et négligée des chansons. Et puis des vocaux torturés, gémissants. Mais ici s'arrêtent les comparaisons. Car chez Silkworm les mélodies sont plus flemmardes, monochromes, moins imprévisibles. Le son plus garage que lo fi. Et puis surtout le succès beaucoup trop confidentiel...
Première constatation, sur le deuxième album de Silver Jews, on ne retrouve plus Steve Malkmus et Bob Nastanovich. En fait, lorsque le groupe est entré en studio, les deux membres de Pavement étaient bien présents. Mais le résultat des premières sessions était tellement médiocre que David Berman a préféré ne pas poursuivre cette expérience, et engager d'autres musiciens de studio. Maintenant, par rapport à " Starlite walker ", son premier elpee, nous n'y voyons pas de grand changement. Sa musique est toujours aussi capricieusement lo-fi. Triste, mélancolique, mystérieuse. A la croisée des chemins de Lou Reed, de Swans et de Pavement (!?!?). En fait, c'est surtout le timbre vocal laconique, discordant et profond de David qui donne la coloration à la musique de Silver Jews. Basiquement sudiste, donc fortement teintée de country. Mais un country contemporain, abordé à l'instar d'un Palace ou de Smog. Encore que parfois on pense à Johnny Cash, dans sa phase la plus mélancolique. Un chouette album, nonobstant cette sensation douloureuse, traumatisante, du désespoir de l'âme...
En 1993, Mike Scott met fin à l'existence des Waterboys, pour embrasser une carrière individuelle. Il enregistre alors, un premier elpee solo, " Bring'em all in ", un disque autobiographique qui marque un retour aux sources. Guitare acoustique et piano. Poésie troublante et intimiste... Mais il faut croire que l'instabilité ronge toujours le troubadour visionnaire, puisque sur " Still burning ", il est revenu à un style plus rock. La ‘big music’ comme il la décrit si bien. Et pour réaliser cet opus, il s'est entouré d'une équipe de musiciens particulièrement expérimentés. Notamment Jim Keltner et Pino Palladino, à la section rythmique. Un disque aussi décapant que l'épilogue des Waterboys, " Dream harder ". Encore qu'ici, l'ombre de Dylan, parfois celle de Van Morrison, et même de Neil Young plane subrepticement...
L'ex-guitariste des Stone Roses a donc décidé de fonder son propre groupe: The Seahorses. Et dans la foulée d'enregistrer un premier elpee: " Do it Yourself ", album qui, nonobstant le concours de Tony Visconti (T Rex, Bowie, Thin Lizzy) à la production, nous a laissé sur notre faim. En fait, sur les onze fragments de l'opus, quatre tiennent vraiment la route. D'abord, il y a " Love me and leave me ", coécrit par Liam Gallagher (Oasis), le remarquable " I want you to know " que vous avez sans doute pu découvrir à la TV., " Love is the law ", dont le final semble avoir été inspiré par le prog rock des seventies, et enfin " Standing on your head ", psychédélique dans le sens le plus oriental du terme (Kula Shaker?). Le reste est partagé entre chansons pop inoffensives, tantôt sub Badfinger lorsqu'elles ne rappellent pas Marmelade. Dommage, car lorsque le groupe parvient à évoluer à la frontière de la pop la plus classique et du rock alternatif, il est vraiment brillant...
Encore un groupe américain qui a la nostalgie des seventies. Un peu comme Black Crowes. Faut dire que les deux formations ont de nombreux points communs. Même la voix de Jason Ross est capable de se payer un timbre aussi éraillé que celui de Chris Robinson. En plus rocailleux même. Et ici, on pense à Gary Stringer (Reef) voire même à Joe Cocker. Encore qu'on recèle une sensibilité très proche de celle d'Adam Duritz (Counting Cows). Voire de Michael Stipe. Musicalement, Seven Mary Three a quand même beaucoup évolué. Responsable de chansons à l'origine aussi aseptisées que celles de Hootie & the Blowfish, Seven Mary Three est parvenu, sur ce troisième album, à libérer son énergie. Bien sûr, " Rock crown " recèle plusieurs compositions plus tendres, plus mélancoliques, mais en général, elles tirent parti du parfait équilibre entre la folk intimiste de Bruce Springsteen (dans sa phase acoustique bien sûr !), la pop de REM et le post grunge de Soundgarden.
Non, non, Tim Kerr n'est pas de la famille de Jim. D'ailleurs le premier est américain. Et a forgé sa réputation en produisant une foultitude de groupes yankees underground. Et faudrait être très simple d'esprit pour ne pas connaître l'histoire décadente du second cité. Revenons donc à Tim qui produit cet album éponyme de Sevens, au sein duquel sévissent les frères Sullivan. Un quartette qui doit probablement avoir pour modèle, Minutemen. A cause de sa prédilection pour le jazz rock, le dub, et le funk. Enfin, le défunt Minutemen. Dont le leader Mike Watt exerce aujourd'hui une carrière solo. John est d'ailleurs très ami avec Tim. Mais, non non, Tim Kerr n'est pas de la famille de Jim...
Encore une formation new-yorkaise. Excellente, par ailleurs. Dont on ne connait cependant pas grand chose. Le booklet nous apprend quand même que c'est un certain O' Schaier qui signe toutes les compositions. Mais pour le reste, c'est le mystère le plus complet. Treize fragments découpent cet " Out of tune ", treize chansons qui ne dépareraient certainement pas le répertoire d'un Sebadoh, d'un Pavement ou d'un d'un Swell. Encore que le timbre vocal écorché du chanteur nous fasse plutôt penser à John Mascis de Dinosaur Jr. Et si on y retrouve ça et là quelques traces de claviers, minimalistes bien sûr, et d'harmonica, c'est dans les cordes de guitares ébréchées, déchiquetées que sont taillées les mélodies, des mélodies mélancoliques, contagieuses, fondamentalement ‘lo fi’...
Non, ce disque n'est pas le nouvel album de Perry Rose, mais une compilation enrichie de six nouvelles compositions. Un morceau de plastique qui reprend l'intégralité du mini album " Because of you ", ainsi que dix chansons parues jusqu'à présent en single. Soit un total de 21 titres, parmi lesquels vous retrouverez inévitablement tous les standards du plus belge des Irlandais. Depuis " Green Bus " (of course!) à " Because of you " en passant par " Why should I worry " et "Bye my love ". Bref une vitrine idéale pour toutes celles et tous ceux qui connaîtraient peu ou mal cet auteur/compositeur/guitariste et chanteur qui a toujours mis son talent au service d'une poésie empreinte de sincérité, de fraîcheur et d'émotion...
D'abord, inutile d'insister pour nous demander de décrire l'image qui orne la pochette. Ou plus exactement ce qu'on y trouve au fond de la cuvette (NDR: ça rime!). C'est franchement dégueulasse. Nous ne doutons cependant pas de son efficacité pour aider à gerber avant de recommencer une guindaille, mais de là à illustrer un album, c'est pousser le bouchon un peu loin. Bref, tirons la chasse, et venons en au contenu, pas du pot, mais de ce " Sweet sixteen ". Combinaison de minimalisme et de maximalisme, la musique de R. Tx se compose d'une véritable mosaïque de textures les plus hétéroclites les une que les autres. Parfois on pense à Free, aux Stones, à Lynyrd Skynyrd, aux New York Dolls, au Velvet, à Faust, à Can et le plus souvent à Captain Beefheart. Mais un Beefheart au féminin. A cause de la voix cadavérique, brisée de Jennifer Herrema, dont le timbre nous fait penser à feu Janis Joplin qui aurait eu la mauvaise idée de fumer (!?!?!) deux paquets de clopes avant de chanter. Bienvenue dans l'univers halluciné (NDR: qui a dit hallucinogène?) et déstructuré de Royal Trux!...
Depuis la sortie du premier album, " Start packing ", David Newgarden a cédé sa place à Katje Gentile. Organiste/violoniste, celle-ci apporte une nouvelle dimension au groupe. Pas que David faisait tâche d'huile dans l'ensemble, mais Katje apporte un plus, un petit quelque chose qui rend les chansons plus originales, plus profondes. A cause, surtout, de ses interventions aux claviers. Au violon aussi. Mais dans une moindre mesure. Enfin, pour cet album. Parce qu'on a l'impression qu'elle est également capable d'y exprimer tout son talent. Maintenant, faut pas croire que les trois autres se croisent les bras. Mais, on a surtout l'impression qu'ils ont trouvé un dénominateur commun. C'est vrai que cet orgue lancinant, subtil, exerce un certain charme, pour ne pas dire un charme certain. Mais en plus il filtre avec beaucoup d'élégance les accès d'électricité aussi sauvages que chez Sonic Youth, souvent déchiquetés, chargés de feedback. Tout un ensemble agité par un drummer dont le style est paradoxalement convulsif, opulent et feutré. Et comme la sensibilité mélodique est aussi intense que chez le défunt Lone Justice et que les vocaux sont aussi versatiles que ceux de Patti Smith, vous pouvez aisément vous faire une idée de la qualité de ce " No way ". Deux exceptions, cependant, qui confirment la bonne règle, " Anything you say ", trempé dans le folk, et puis " Ropa Vieja ", qui aurait pu relever du répertoire de Placebo. Superbe!
Au sein de RATJMO, on retrouve Jakob Magnuson, un proche collaborateur de Gus Gus, Mark Davies, surtout réputé pour ses remixes, et enfin Ragga, vocaliste islandaise qui, à ce jour, s'était surtout illustrée, en participant aux enregistrements du dernier album de 808 State ainsi qu'au tout premier opus de Tricky. C'est vrai qu'elle possède une voix profonde, remarquable, dont le timbre rappelle tantôt Kate Bush, tantôt Anneli Dreker (Bel Canto). Et de cette voix, elle raconte ses rêves d'enfants, des songes surréalistes, hallucinés, parfois mélodramatiques, sur une musique fortement imprégnée de trip hop atmosphérique (Tricky, Portishead), mais revisitée par la forme médiévale la plus celtique (Pentangle?) ...
Des influences? Ce quatuor new-yorkais en a à revendre. Depuis Steeleye Span à Prince, en passant par les Beatles, Dylan, les Soft Boys, Neil Young, Robert Johnson, The Fall, Television, Girls Against Boys et puis surtout Violent Femmes et le Jon Spencer Blues Explosion. Paradoxal lorsqu'on sait que la bande à Gordon Gano pratique un folk déstructuré, alors que le JSBE flirte davantage avec le blues électrique. En fait, Railroad Jerk hybride toutes les choses qui ont une âme. Un éclectisme rampant qui favorise l'éclosion de petites chansons croustillantes, sensuelles, rafraîchissantes, lieu privilégié où copulent dans un bain mélodique, richesse acoustique et sensibilité électrique (NDR: ça rime). Au fil du sillon, on a même parfois l'impression de retrouver le style postcard des débuts de James. Et pas seulement parce que la voix de Marcellus Hall est aussi sinusoïdale que celle de Tim Booth...
Si le premier album de ce trio était franchement contaminé par le trip hop insulaire des Tricky, Portishead et consorts, " Meantime " nous replonge plus de dix années en arrière. En pleine ‘noisy pop’. Celle de Cocteau Twins en particulier. Le timbre vocal de Kahn Panni campe d'ailleurs un hybride entre celui de Liz Frazer et d'Harriett (Sundays), avec parfois des inflexions aussi " opératiques " que celles de Kate Bush. Bien sûr, la musique de Raissa est beaucoup plus synthétique, truffée d'effets spéciaux ; mais hormis le capricieux, complexe et surtout remarquable " Piccadily ", les lignes de guitare cristallines couvrent généreusement la texture instrumentale, pourtant déjà bien luxuriante...
Non, vous ne rêvez pas. Ce n'est pas une nouvelle compile consacrée au mythique groupe brugeois, mais bien un nouvel album studio. Le groupe s'était pourtant déjà produit en public, pour quelques concerts, au cours de l'année 1994; et avait même commis un album live, " A red zebra is not a dead zebra ", disque totalement passé inaperçu. Mais aujourd'hui, il a officiellement décidé de se reformer. Il y a eu bien sûr quelques changements de personnel. D'ailleurs, du line up initial, il ne reste plus que Peter Slabbynck, Geert Maertens et Johan Isselée. Ce qui n'a pas empêché Pip Vreede de venir donner un petit coup de basse, lors des sessions d'enregistrement consacrées à " Mimicry ". Un disque qui a, en outre, reçu le concours de Staf Verbeek à la production, personnage qui s'était déjà illustré lors de la mise en forme des derniers morceaux de plastique de Metal Molly. Mais l'essentiel, c'est que le groupe n'a pas renié le style qui en avait fait sa notoriété. Cette cold wave où l'électricité cinglante, incisive, se taille la part du lion (NDR: pas du zèbre?). Ces accords de guitares jumelés qui se croisent et s'entrecroisent dans un superbe élan mélodique. Un peu comme chez les Chameleons, mais avec un phrasé aussi sombre que le Sisters of Mercy. Une excellente surprise!
Sixième elpee pour cette formation californienne dont la naissance remonte déjà à 1979. A l'époque, les musiciens étaient à peine âgés de 15 ans, et semaient la terreur dans le comté de Los Angeles. Depuis, beaucoup d'eau à coulé sous les ponts, et Redd Koss est parvenu à créer son propre style, né d'un subtil mélange entre le bubblegum, la pop, le punk rock et le glam. S'il n'y avait ces références à Cheap Trick, qui lui vaut d'être comparé, à tort, à Urge Overkill, on se demande finalement si la formation n'aurait pas mieux fait de naître en Angleterre, tant sa musique s'inscrit dans le contexte britpop contemporain. Pensez à Manic Street Preachers pour les mélodies. Et puis aux Beatles originels pour le sens des harmonies vocales; le timbre d'un des frères Mc Donald campant, d'une manière troublante, des inflexions tellement proches de John Lennon. Et comme côté lyrics, les commentaires acerbes et humoristiques sur le monde décadent valent bien ceux de Blur...
Lors de la sortie de son premier album, " Replenish ", ce quartette de Glastonbury avait été taxé de Black Crowes britannique. A cause de ce goût commun pour la musique de la fin des années 60 et du début des seventies. Et en particulier pour les Small Faces, Led Zeppelin et les Stones. Vous ne serez donc pas étonnés d'apprendre que la musique de Reef flirte avec un rythm'n blues dont le groove filandreux, légèrement teinté de funk est tout naturellement râpé par la voix rocailleuse mais ténue de Gary Stringer. Deuxième opus, " Glow ", a reçu le concours de George Drakoulias à la production, un personnage très proche de Rick Rubin (Def Jam, American Rcds); dont la carte de visite mentionne à son crédit la mise en forme d'albums des Beastie Boys, de Johnny Cash et de Primal Scream...
Totalement subjugués par la vidéo du single " Ready to go ", nous espérions, tout naturellement, découvrir un album de la même trempe. Il a malheureusement fallu déchanter rapidement. Parce que le reste de cet opus éponyme se contente de négocier une forme de techno pop très superficielle. Etonnant lorsqu'on sait que le groupe implique un ex claviériste de Flowered Up et le drummer du défunt Bow Wow Wow. Il y a bien sûr la voix lascive, glapissante de Saffron, mais elle ne parvient jamais à s'extraire d'un bouillon sonore particulièrement indigeste. Ce n'est pas parce qu'on se procure les meilleurs légumes qu'on est capable de faire la meilleure soupe. Contentez-vous du single!
C'est vrai que nous n'avons pas été tendre avec les Stones, lors de la sortie de leur dernier opus, " Voodoo Lounge ". Soufflant plus le froid que le chaud. Douchant l'enthousiasme que nous avions manifesté pour " Steels Wheels ". Sorti en 1989, déjà, il est vrai. Avec le recul, même les aficionados le connaissent. Nous attendions donc ce " Bridges to Babylon " de pied ferme. Et, si ce n'est pas encore Byzance (NDR : sorry pour le jeu de mot), ce n'est plus Waterloo (NDR : évidemment, pour la photo de la pochette, c'est raté !). Un album solide (NDR : du Rolling Stones quoi !) produit, comme d'habitude serions-nous tenté d'ajouter, par Don Was, et découpé en 14 fragments dont nous vous proposons une brève radiographie. Groove et tempo irrésistible dès l'intro, " Flip the switch ". Normal puisque Jim Keltner est commis aux percussions. Tout comme sur " Too tight ", d'ailleurs. Phrasé de guitare très caractéristique de Richards sur la ballade douce amère " Anybody seen my baby ? ", sorti depuis en single. Riffs fouettés, syncopés pour le classique " Low down " (Start me up ?), assénés par Ronnie Lane. Funk blanc déchiqueté, décapant, aride, enrichi d'envolées d'électricité ‘crazyhorsienne’ avec " Gunface ". Reggae pour " You don't have to mean it ". Rythm 'n blues circa Temptations avec " Out of control ". Sans oublier la ballade countryfiante, " Always suffering ", le r&b blues sordide (Mink Deville ?) de " Thief in the night " et de " How can't stop ". Mais la meilleure composition nous est venue de " Might as well get juiced ". Sorte d'urban rock sauvage, lancinant réminiscent des Stooges, nonobstant cette coloration bluesy apportée par le souffle fiévreux de l'harmonica de Mick ...
Torturé, sombre et malsain, le blues urbain de Penthouse est hanté par les spectres de Birthday Party, Stooges, Scientists, Blue Cheer, Velvet Underground et Sun Ra, lorsqu'il ne macère pas dans l'univers claustrophobie de Fall ou encore lorsqu'il ne partage pas le même culte du sordide et de la lubricité d'un Jesus Lizard. Pas un album facile donc que ce " Gutter erotica ", à la limite dérangeant. Certains le suspecteront même de pratiquer une véritable opération dans l'underground contemporain sans anesthésie. Sexe, voyeurisme, satanisme et mort alimentent d'ailleurs les lyrics de cette formation, qui compte pour compagnon spirituel Gallon Drunk, et au sein de laquelle on retrouve Tim Cedar, drummer de Ligament...
Pour enregistrer cet album, Sam Phillips a reçu le concours de toute une flopée de musiciens, parmi lesquels Jim Keltner, Matt Chamberlain (ex drummer des Smashing Pumpkins) et T Bone Burnett, semblent avoir été les plus actifs. C'est même ce dernier qui a assuré la production de cet opus. Beaucoup de cuivres également. Parfois impliqués sous la forme d'une section, à l'instar d'un Dexy's Midnight Runners. Mais le plus souvent des solistes de jazz. Dont les interventions, tantôt satinées, tantôt lascives, sont destinées à entretenir le climat intimiste des chansons. Nées de la plume de Sam Phillips. Sur les douze titres de cet " It's only a flesh wound lambchop ", elle n'a d'ailleurs accordé ses faveurs qu'à une seule reprise, signée REM: " Slapstick heart ". Elle possède, en outre, une très jolie voix. Dont le timbre navigue quelque part entre celui de Kristin Hersh et de Marianne Faithfull, une voix qui apporte beaucoup de relief à des chansons fondamentalement pop, parmi lesquelles " Entertainment " et " Faster pussycat to the library ", mériteraient assurément une gravure en single.
Pigeonhed est un duo composé de Shawn Philipps et de Steve Fisk. Pas des types tombés de la dernière pluie, puisqu'ils travaillent, depuis plus de dix ans, chacun de leur côté, sur de multiples projets. Qui ne les empêchent pas de collaborer régulièrement aux sessions d'enregistrements de tas d'autres groupes. Et en particulier ceux qui occupent l'avant scène de Seattle. Steve a, en outre, commis quatre albums en compagnie de Pell Mell, produit une multitude d'artistes, alors que Shawn partage son temps entre Brad et Satchel, lorsqu'il ne tourne pas avec Afghan Whigs. Pour enregistrer ce " Full sentence ", leurs potes ont bien sûr rappliqué. Et parmi ceux-ci on retrouve Matt Chamberlain (ex Pearl Jam), Kim Thayil (Soundgarden), Jerryl Cantrell (Alice In Chains) et quelques autres. Un disque que nous pourrions qualifier de trip hop funk soul, et ce nonobstant le falsetto étrange de Shawn, rappelant plutôt Robert Wyatt que Prince. Encore que pour la musique ce soit plutôt le contraire. Car Pigeonhed a probablement atteint sur cet opus, ce que Prince tente désespérément de décrocher depuis plus de dix ans...
Stereolab japonais ou St Etienne nippon ? En fait, il y a un peu des deux dans cette formation de Tokyo réduite à un duo depuis le départ de K-Taro Takanani. Yasuharu Koneshi et la chanteuse au timbre vocal kitsh, glamoureux, sensuel, Maki Nomiya se partagent donc, tout au long de cet " Happy end of the world ", guitare, synthés, claviers, samples et autres bidouillages pour dispenser un mélange plutôt réussi de pop, de disco, de soul sixties et bien sûr de techno. Le tout raffiné par des orchestrations aussi somptueuses que chez Burt Bacharach et des arrangements dignes de Yellow Magic Orchestra. Nonobstant l'un de l'autre titre expérimental, suspecté d'un peu trop tirer en longueur, cet " Happy end of the world " ne manque pas d'allure. Mais la meilleure surprise nous est venue de " Collision and improvisate ", fragment qui s'aventure avec beaucoup de bonheur dans le jazz/pop/rock moderne...
Si au Japon, il existe une scène pop/rock particulièrement florissante, il faut reconnaître qu'à ce jour peu de groupes sont parvenus à s'imposer sur la scène internationale. Il y a bien eu le Yellow Magic Orchestra, duquel ont émergé Yukuhiro Takahaski et Ruichi Sakamoto, le groupe féminin Shonen Knife et puis aujourd'hui Pizzacato Five. A l'origine constitué d'un trio, il vient d'être réduit à un duo depuis quelques mois. Une formation souvent comparée à Saint Etienne. A cause de cette approche glamour, kitsch, romantique, synthétique de la pop. Or, il faut reconnaître que dans le domaine, Pizzicato Five se débrouille plutôt bien. Aussi bien que les Cardigans. Et ça, c'est une référence!
" A feeling of déjà vu ", premier album solo de Bernard Plouvier (surnommé Be) serait-il, enfin, la consécration de sa carrière artistique? Qui a transité de Ninove à Mad Dog Loose et en passant par Odieu. Il faut croire que oui. Be a en effet réussi à mélanger admirablement toutes les approches musicales qu'il a expérimentées depuis sa tendre enfance. Le résultat? Un voyage intemporel aux confins du classique, du rock et de la chanson française. Dans un langage plus rock, à la croisée des chemins de Bowie, Queen, Tuxedomoon et de dEUS. Un voyage intemporel, où se mêlent et s'entremêlent piano, violon, guitare, basse, batterie, claviers et même électronique, destiné à vous plonger dans une atmosphère chargée de romantisme, de tristesse, de nostalgie, de mélancolie et même d'humour. En un mot: somptueux!
Une formation installée à Nashville qui ne pratique ni la country, ni le blues, c'est plutôt rare. Et pourtant, Plumb entre dans cette catégorie d'exceptions. Un quatuor drivé par une fille. Tiffany Aubuckle, chanteuse et responsable de la plupart des compositions ; rôle qu'elle partage avec un certain Matt Bronleewe, qui n'est paradoxalement pas membre du groupe. Si le timbre vocal de Tiffany rappelle tantôt Nena, Juliana Hatfield ou même Alanis Morisette, Plumb appartient plutôt à cette nouvelle catégorie de groupes qui ont à la fois recours à l'instrumentation conventionnelle et à la technologie moderne. On pense ici, plus précisément à Garbage. Sur son premier opus, Plumb semble cependant encore chercher son style. Pas tellement convaincant dans ses égarements sub No Doubt, il peut se révéler tendre et intimiste, comme sur l'élégant " Pennyless ", souligné par les interventions délicates d'un violoncelle. Mais aussi fort bien inspiré lorsque ses mélodies pop énigmatiques se laissent envahir par le trip hop de Portishead voire de Massive Attack ; ou alors lorsque l'électricité des guitares devient franchement agressive, mais sans jamais déborder de son cadre de référence, celui d'une chanson...
Bob Weston, compère de Steve Albini au sein de Shellac produit le quatrième album de cet ensemble new-yorkais (Chapell Hill). Ce qui explique sans doute pourquoi ce morceau de plastique risque de passer moins inaperçu. Et pourtant, la musique de Polvo vaut son pesant d'or expérimental. Si à première écoute, on a l'impression de retrouver les prémices de U2, donc du fameux elpee "Boy" ; au fil des écoutes, c'est plutôt du côté de Wire, Captain Beefheart et Television qu'il faut lorgner. Et là, ce sont des références! Maintenant, n'imaginez surtout pas que cet ensemble yankee se contente de revitaliser ce prestigieux passé; vous vous berceriez de douces illusions. En fait, tout comme Archers of Loaf et Superchunk, il affronte un punk pop sans doute mélodique, certainement teinté d'exotisme, très branché sur l'électricité des guitares (deux!), mais surtout découpé dans des rythmes très versatiles, tantôt lents, obsédants ou rapides, lorsqu’ils ne sont pas déchiquetés à la manière du légendaire et défunt Pixies...
Ce quartet suédois manifeste une grande admiration pour l'œuvre de Neil Young, et en particulier pour l'album " Harvest ". Pourtant, on ne peut pas dire que Popsicle soit particulièrement inspiré par le célèbre Canadien. Peut-être dans le soin apporté aux arrangements. Confiés à un certain Pontus Olsson. Un illustre inconnu qui mériterait un tout autre statut, tant son concours a été d'une importance primordiale. Sans jamais dénaturer le feeling et le sens mélodique des compositions, il est parvenu à nous faire croire que Popsicle mériterait d'émarger à la scène britpop, à l'instar d'un Boo Radleys...
Fondé voici bientôt près de 20 ans, Prefab Sprout est aujourd'hui bien loin du postcard jazzyfiant, chatoyant qu'il pratiquait à ses débuts. Et son nouvel album, on ne peut plus décevant, en est une parfaite illustration. Bien sûr, les mélodies sont toujours là. Douces, romantiques, pleines de tendresse. Mais côté arrangements instrumentaux, quelle catastrophe ! Et ce, nonobstant le concours de violons, clochettes, trompettes, percussions feutrées et autres guitares espagnoles. On voyage durant 47 minutes tantôt dans l'univers d'un Take That en pleine inspiration, tantôt dans le monde de Walt Disney, lorsqu'on ne transite pas par celui de Phil Collins, d'Helmut Lotti, voire de Dire Straits, dans les meilleurs moments. Résultat des courses, cet opus devrait faire un tabac, auprès des fidèles téléspectateurs du concours Eurovision...
Le deuxième album de Presidents of the USA n'a rien de révolutionnaire, mais nous ne partageons pas l'acharnement mis par la presse britannique à le dénigrer. D'accord, hormis le hit potentiel "Volcano", l'opus ne recèle aucune chanson immédiatement mémorisable, ni de cover de la trempe de "Kick out the jams" (MC5), de "Video killed the radio stars" (Bangles) ou de "ça plane pour moi" (Plastic Bertrand), mais toutes les compositions sont issues du même moule que le précédent elpee. Et puis, pour l'enregistrer, le trio a reçu le concours de Mark Sandman de Morphine. Ce qui n'est quand même pas négligeable. Enfin, ce morceau de plastique risque fort de faire vibrer toutes celles et tout ceux qui ne jurent que par le punk pop contagieux, simple, fun, efficace et mélodique; critères auxquels répond ce trio de joyeux drilles qui ont, en outre, le mérite de combler le chaînon manquant entre Cheap Trick et les Fleshtones...
On assiste, pour l'instant, à une véritable invasion de groupes scandinaves, et suédois en particulier. Mais si la plupart d'entre eux s'essayent à la pop, d'autres, comme ce Pridebowl ne jure que par le punk. Et ce, à la limite du punkcore, voire metalcore. Véhiculant tous ces clichés caractéristiques: vocaux limites, vindicatifs, énergie débordante, texte engagés, rythmes échevelé et tout le saint tremblement. Honnêtement ce n'est peut-être pas mal fichu, mais pour l'originalité, faudra repasser!
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