" The ghost sonata " constitue l'album ultime du groupe culte californien Tuxedomoon. Paru à l'origine en édition limitée, sur le label " Les temps modernes ", ce disque s'inspire d'un opéra sans paroles, accordé par le groupe en 1982 au festival de Polverigi, en Italie. Une œuvre ambitieuse, qui n'avait jamais été publiée auparavant dans son intégralité. Steve Brown, Blaine Reiniger et Peter Principle ont entièrement réenregistré tous les fragments de la bande son fin 90, tandis que les enchaînements narratifs et les bruitages procèdent des bandes originales de 1982. Attention, cet opus est essentiellement instrumental, et ne s'adresse, par conséquence qu'aux inconditionnels...
Après une tournée triomphale en Australie, le trio Canadien nous revient avec un quatrième elpee, " Transmission ". Nous n'allons pas derechef vous faire l'éloge de Tea Party, dont les trois premiers albums sont absolument remarquables. Mais simplement vous répéter que si vous aimez voir traiter le metal et le folk dans le sens le plus underground, le plus progressif du terme, Led Zeppelin, les Doors, la philosophie orientale, le symbolisme et le mysticisme, ces trois disques doivent absolument trôner en bonne place au sein de votre compactothèque. " Transmission " risque cependant de mécontenter les puristes. Ceux qui voyaient en Tea Party la résurrection du rock pur et dur. Et pourtant, cet opus ne manque pas de richesse. Beaucoup plus expérimental, il tente d'hybrider la musique électronique et l'instrumentation basique. Un peu à la manière de Stabbing Westward et de Filter. Mais en plus psychédélique, en plus exotique. Il plane d'ailleurs toujours sur la musique de Tea Party cette atmosphère grave, envoûtante, somptueuse, capable de vous donner le vertige... Il faut cependant reconnaître que si, pour la plupart des compositions de ce morceau de plastique, le traitement technologique est plutôt réussi ; et nous pensons ici à " Temptation ", " Army ants ", " Psychopomp ", " Gyroscope " et " Pulse ", certaines ont peut-être le tort de vouloir marcher sur les plates bandes, tantôt de Chemical Brothers, de Prodigy, de Moby et même de Ministry. D'autres encore font cependant preuve d'une toute autre audace. Notamment " Release " qui réussit la fusion, jusqu'alors impensable, entre Joy Division et l'ambient post " crimsonien " (" Island " ?), ou alors va à la rencontre de la culture maghrébine, à l'instar de feu Brian Jones, sur le titre maître, lorsqu'il ne succombe pas à la fascination hypersophistiquée d'un Japan, voire au gothisme spectral d'un Bauhaus sur " Aftermath "... Etonnant !
Dix années déjà que le quartet écossais roule sa bosse sur la scène pop rock contemporaine. Une décennie peuplée de six albums aussi solides les uns que les autres. Enfin presque, puisque " Bandwagonesque ", commis en 91, ne sondait que la noisy purement instrumentale. Quant aux cinq autres, y compris ce " Songs from northern britain ", ils font la part elle à la pop électrique, limpide, mélodique, héritée en ligne droite des Byrds, de Big Star (NDR : Encore !) et des Beach Boys. Un album sans grande surprise, mais surtout sans mauvaise surprise, dont le principal mérite est de ne jamais décevoir, et même, au fil du sillon, de séduire...
En gravant " I don't want a lover ", dont la mélodie trotte toujours quelque part dans notre mémoire, Texas entamait sa carrière sur la plus haute des marches de la gloire. La suite sera bien moins triomphale, puisqu'elle se résumera à une dégringolade progressive des échelons, que le groupe n'avait même pas gravis. " White on blonde " semble être une exception à cet inéluctable déclin. En effet, l'opus est entré la semaine dernière dans le top 5 britannique, ce qui ne leur était plus arrivé depuis bien longtemps. Peut-être est-ce dû à l'accessibilité du CD. Il est vrai que du côté de la production (voire surproduction) ils nous ont gâtés! Violons, effets symphoniques, cuivres, sha-la-la par-ci, sha-la-la par-là. Reste le timbre de Sharleen qui a conservé toute sa sensibilité, sa puissante, son aura. Et puis la musique reste malgré tout celle de Texas. Certains titres nous ont d'ailleurs semblé fort intéressants. En particulier " Halo " ou le titre maître. Dommage que l'opus soit piqué aux hormones commerciales...
Pour concocter ce nouvel opus, John Lennel et John Flansburgh ont reçu le concours de nombreux musiciens de studio. Notamment Brian Doherty (John Henry) aux drums, Graham Maby (Joe Jackson) à la basse et Eric Schermerhorn à la guitare; recrutement auquel le duo ne nous avait guère habitués, puisqu'en six albums, ce n'est que la deuxième fois qu'il s'entoure d'un véritable groupe. Grands admirateurs de Devo et des Residents, les deux John ont longtemps prôné la thèse du minimalisme, pour mener à bien leurs expérimentations, au sein de They Might Be Giants. Des expérimentations souvent farfelues, toujours aventureuses, destinées à réaliser un mariage idéal entre l'esprit et l'harmonie. Certains n'ont d'ailleurs pas hésité à les taxer de dadaïstes. Et si la texture instrumentale, à l'origine limitée à un accordéon, une guitare, un enregistreur et une voix, s'est étoffée au fil des disques, il faut reconnaître que la recherche a toujours été leur credo. Sur " Factory showroom ", on a ainsi droit à une composition très curieuse, enregistrée au site historique " Edison " de West Orange, à l'aide du matos d'époque, sans électricité; puis en intro à la participation d'une section à cordes et d'une section de cuivres. Des cordes et des cuivres mais également des percussions que l'on retrouve disséminés tout au long du morceau de plastique, dont les caprices technologiques se fondent naturellement dans la fluidité des pop songs...
Tiger a sa propre idée du glamour (trad: enchantement, éclat), du glam (NDR: style musical prôné au cours des seventies par des artistes ou des formations telles que Bowie, T Rex, Gary Glitter et Roxy Music). En fait, c'est l'excentricité de la musique et l'impressionnisme des lyrics qui confirment cette impression ; pas leur attitude et encore moins leur look. Ce qui semble avoir fort surpris la presse insulaire, et dans la foulée provoqué son agacement. Pourtant, tous les médias s'accordent à reconnaître chez Tiger une certaine originalité, et même une originalité certaine. Et ce " We are the puppets " en est la plus belle démonstration. Alors, pas de quoi faire la fine bouche; d'autant plus que la griffe électrique de Tiger écorche au passage Stereolab, Supergrass, Devo et même Pulp. Etonnant!
Evidemment, si vous êtes déprimés, ce n'est pas vraiment le style de disque qui va vous remonter le moral. Normal, puisque la plupart des chansons issues de ce " Curtains " sont empreintes de mélancolie, de tristesse et de désespoir. Et l'humour sous-jacent supposé imprégner les lyrics, plutôt sombre. Ce qui n'est pas fait pour détendre l'atmosphère. Que nous pourrions qualifier de lourde et tendue. Surtout lorsque la voix confessionnelle, nicotinée de Stuart Staples paresse pathétiquement sur la mélodie. Heureusement, les compositions de ce " Curtains " ne sont pas toutes calquées sur un profil aussi désespéré. Ce qui permet ainsi de pouvoir écouter l'œuvre d'une seule traite (NDR : plus d'une heure quand même !) sans tomber dans la sinistrose. " " Buried bones ", par exemple, titre sur lequel Stuart partage le chant avec la vocaliste de Bongwater, Ann Magnuson, bénéficie d'arrangements symphoniques clinquants, luxuriants ; " Tonight are you " et " Let's pretend " épousent un tempo paso doble, magnifié par un duo de cuivres mariachi, alors que " Dancing " est torturé par le violon grinçant, spectral de Dickon ; et enfin, " I was your man, bathtime ", dont les accès de basse sourds, glacés, réveillent en notre fors intérieur, le spectre de Joy Division...
Ed O' Brian, guitariste de Radiohead a déclaré, tout récemment, que Strangelove était une source d'inspiration majeure. Un fameux compliment pour ce groupe, fondé à Bristol en 1992, qui n'est toujours pas parvenu à sortir de la zone crépusculaire de l'underground, malgré la confection de deux superbes albums. Mais en même temps, une confession qui risque fort de vous surprendre si vous envisagez de vous procurer leur troisième. En fait, cet opus éponyme rompt avec la période atmosphérique post Sad Lovers & Giants, qui avait prévalu sur " Time for the rest of your life " et " Love & other demons ". Si l'instrumentation s'avère plus luxuriante, il faut reconnaître que les guitares sont moins imposantes, les claviers plus rognés, plus syncopés ou réduits à des accords de piano spectraux. Heureusement, le feeling mélodique est toujours bien présent, mais si la voix de Patrick est toujours capable de vous communiquer son angoisse, son désespoir, elle peut également se faire plus tendre, plus enjouée. On regrettera cependant la coproduction de Paul Corkett, à notre humble avis, un peu trop rudimentaire... Ah oui, il y a en morceau caché, une version acoustique de " Freak "...
Gorky's Zygotic Mynci et Super Furry Animals sont deux formations galloises caractérisées par un goût très prononcé pour l'excentricité. En outre, ces deux groupes n'hésitent pas à chanter dans leur dialecte natal. Surtout en public. Mais ici s'arrêtent les comparaisons, car si GZM appartient au psychédélisme pastoral, SFA adopte une vision plus futuriste, plus électronique, vision qu'il inocule dans une structure basiquement rock. Une musique hybride contaminée par la sophistication d'ELO, la sensibilité pop rampante de Supergrass, le prog rock de Faust, l'expérimentalisme de Wire et la frénésie du Move. Beaucoup d'effets technologiques, donc, sur les quatorze fragments de ce " Radiator ". Donc des synthés. Mais aussi des instruments conventionnels. Dont deux guitares. Agressives ou liquides, elles sculptent délicatement les chansons, pour mieux laisser filtrer la voix mélancolique, languissante, mais aussi parfois empreinte de cynisme de Gruff, dont le timbre se fond parfois dans un lit d'harmonies vocales limpides, falsetto...
Il n'aura fallu que deux elpees au trio d'Oxford pour entrer dans la cour des grands. Et avec quel panache! Puisque pour son deuxième essai, il vient de réaliser un véritable coup de maître. Il ne fait d'ailleurs aucun doute que cet " In it for the money " figurera parmi les meilleurs albums de l'année 1997. Une situation qui s'explique assez facilement, au vu de la maturité et de la cohésion du groupe. Que l'on a d'ailleurs pu observer lors de ses dernières visites en Belgique. Mais revenons donc à ce nouvel album, qui recèle douze chansons contagieuses, soulignées par de superbes harmonies vocales, gorgées d'adrénaline électrique que vivifie leur exubérance juvénile naturelle. Depuis le titre maître sarcastique au final psychédélique " Sometimes I make you sad ", en passant par le single frénétique " Richard III ", le sinistre, terrifiant, " Tonight ", l'étonnant " G-song ", imprimé sur un tempo beatlenesque, le futur hit " Sun hits the sky ", corrodé par un moog dont l'intensité nous rappelle un certain Keith Emerson, le " garage " " Going out ", rogné par un inévitable hammond sixties, le funkysant "Cheapskate ", l'espiègle " You can see me ", le presque bluesy " Hollow little reign ", sans oublier les deux superbes ballades " Late in the day " et " It's not me ". Indispensable!
Rien de vraiment très 'supernaturals' sur le premier album de cet ensemble écossais, mais douze (brit)pop songs agréables, contagieuses, rafraîchissantes, parmi lesquelles vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre le single " Smile ", sur l'une ou l'autre station radiophonique. C'est vrai qu'ils s'inspirent beaucoup des Beatles, à l'instar d'Oasis. Et puis que pour les lyrics de leurs chansons, ils ne se sont pas vraiment foulés. Les mauvaises langues les ont même déjà qualifiés de sub Supergrass ! Humour très britannique, lorsqu'on s'aperçoit que la pochette de cet " It doesn' matter anymore " arbore un chimpanzé ( !). Pourtant, malgré l'accumulation de critiques, cet opus possède un petit quelque chose capable de vous faire craquer. Et notamment un sens mélodique particulièrement développé. Un enthousiasme communicatif qui nous rappelle tantôt EMF ou les Ned's Atomic Dustbin, le timbre vocal de McColl naviguant quelque part entre celui des chanteurs de ces deux formations...
Superswirls appartient à cette catégorie de groupes dont on parle peu, et qui, au vu de son talent, mériterait un tout autre statut. Suffirait d'ailleurs que la radio, la TV ou quelques magazines s'y intéressent vraiment, et les portes du succès s'ouvriraient toutes grandes devant eux. Un quintette suédois dont les influences vont de St Etienne au Velvet Underground en passant par Massive Attack et Roxy Music. Sa pop atmosphérique, synthétique, fortement imprégnée de claviers, navigue à la croisée de la new-wave (OMD, Ultravox mais surtout Modern English et Julian Cope), de la brit pop (Pulp, Blur), du prog rock (Gong?), de la pop de Daho voire même de la techno de Beloved. Espérons que leur avenir sera à la hauteur de ce CD. Car ils le méritent. Superbe!
Evidemment, si vous ne connaissez Swans que depuis le début des eighties, vous risquez fort de tomber du haut de votre chaise. En fait, sur ces deux albums ‘live’, enregistrés quelque part en Europe entre 85 et 87, le groupe new-yorkais use et abuse de sonorités post industrielles monolithiques, répétitives, pour communiquer la douleur et le dégoût ressentis par Michaël Gira, face aux aspects les plus inhumains et destructeurs de la société contemporaine. Mais on a beau être de grands admirateurs de Swans, il faut reconnaître que cette période n'était certainement pas la plus passionnante du groupe. Pour inconditionnels uniquement!
Lorsque Hugh Cornwell quitte les Stranglers en 1990, il n'y a plus grand monde pour oser parier un penny sur l'avenir du groupe. Et pourtant, l'arrivée d'un nouveau chanteur, Paul Roberts, et puis de l'ex-guitariste de Peter Gabriel, John Ellis, permettent à la formation de graver un album réconfortant, " Stranglers in the night ". Malheureusement, le nouveau line up ne parviendra jamais à confirmer ces belles promesses; et après être descendu en deuxième division, le combo est aujourd'hui tombé dans l'oubli. " Written in red " est probablement ce que les Stranglers ont commis de plus faible à ce jour. Déjà que la menace, la violence et la provoc ont été abolies depuis belle lurette; mais, en outre, les dernières traces de sculpture auriculaire, héritées de " Golden brown ", et la volupté féline, inhérente à " European female ", se sont littéralement volatilisées. Même " Summer in the city ", cover de Lovin Spoonful, ne parvient pas à sauver un ensemble, particulièrement affligeant...
Encore une formation de britpop! Et de qualité. Ce qui n'est pas fait pour nous déplaire. D'autant plus que ce quatuor semble avoir hérité de la perversité glamoureuse de Suede, de l'ambiguïté rusée de Placebo et de l'intensité émotionnelle de Radiohead. Une intensité accentuée par le timbre vocal de Peter Bradley Jr, timbre que nous pourrions qualifier de ‘stratosphérique’. Naviguant quelque part ente celui de Thom Yorke et de Brian Molko, mais en plus mâle. Pour Subcircus, la vie ressemble à un cirque. Ce qui explique pourquoi les lyrics de Peter s'inspirent du théâtre, de la tragédie, du chaos et du carnaval. Des lyrics qui tournent en dérision la faiblesse de l'être humain. Un peu à la manière de Nick Drake et de Michaël Sipe (REM). "Carousel" constitue le premier album de Subcircus, une œuvre dont la mélancolie sophistiquée exerce une véritable fascination. Superbe!
Double compact disc, " Sci fi lullabies " réunit les faces B des singles de Suede enregistrés depuis 1992. En d'autres termes, les titres subsidiaires de leurs singles. 27 en tout. Le box est en outre enrichi d'un booklet de 32 pages, conçu par Peter Saville, booklet qui inclut toutes les paroles des chansons. Du bon, du moins bon, mais également d'excellentes choses sur ce recueil. Notamment " My insatiable one ", repris plus tard par Morrissey. " To the birds ", " The big time ", " Europe is our playground ", " The sound of the streets ", " My dark star " et " Killing the flash boy "...
S'il n'y avait la voix du chanteur, nous n'aurions que des compliments à formuler à l'égard du deuxième album de cet ensemble yankee. En fait soit l'inflexion est beaucoup trop en avant par rapport à la ligne mélodique, soit le timbre épouse celui de Phil Collins. Dommage, car le groupe qui l'accompagne est bigrement solide et efficace. Adoptant un trash funk metal légèrement teinté de hip hop qui évoque instantanément Red Hot Chili Peppers, Beck et dans une moindre mesure INXS, c'est à dire lorsque le groupe australien méritait encore qu'on s'y intéresse. Tout ceci avec un aplomb métallique (!) digne de Pearl Jam et une approche du blues urbain aussi convulsive que celle du Jon Spencer Blues Explosion. " The Sounds of Solid " bénéficie, en outre, du concours des Dust Brothers, à la production, personnages qui ont établi leur réputation en travaillant en compagnie des Beastie Boys. Maintenant, si Sugartooth cherche à sortir de la zone crépusculaire de l'underground, soit il vire son chanteur, soit il lui paie des cours de chant...
Troisième album en huit années d'existence pour ce groupe issu du nord de Londres. Un groupe drivé par un duo. Ou plus exactement un couple. Harriet Wheeler et David Gavurin. Ils se partagent la composition et la production. Elle chante. D'une voix exquise, claire, angélique. Un peu à la manière de Liz Frazer (Cocteau Twins) et de Lisa Gerrard (Dead Can Dance). Il joue de la guitare. Avec autant de doigté que Johnny Marr. Dispensant des accords cristallins, chatoyants, tantôt à l'aide d'une râpe électrique, tantôt d'une six cordes acoustique, sur une musique faite de textures et de nuances, une musique toujours aussi atmosphérique, mais moins éthérée que sur le second opus " Blind " ; et ce nonobstant le recours aux arrangements symphoniques ou orchestraux. Un climat, en tout cas, favorable aux mélodies pop visionnaires, mélancoliques, diaphanes...
Si vous appréciez Teenage Fan Club et les Posies, vous ne pouvez passer à côté de Super Deluxe. Tous les ingrédients de base y sont. Electricité blanche, jaillissement des guitares duales, harmonies vocales byrdsiennes, mélodies pop sucrées, rafraîchissantes. Et nous pensons ici tout particulièrement à " You pleasure's mine ", de " Farrah Fawcett " et du hit potentiel "Love liquid wash around ". Heureusement l'opus nous réserve quand même son lot de nuances. Par exemple lorsque " New variation " et " Lost in your failure " s'emballent dans le popcore post Hüsker Dü. Et puis surtout chez les compositions les plus acoustiques qui permettent alors aux deux chanteurs de tirer parti de toute la richesse de leurs timbres, un peu comme pour Glen Tilbrook et Chris Difford chez Squeeze. Produit par Tim Palmer, " Via satellite " a, en outre, bénéficié des studios de Slipping Stone à Seattle. Super Deluxe n'a d'ailleurs pas dû chercher bien loin, puisque les musiciens sont originaires de ce port des Etats Unis (NDR : si vous pensiez que la formation s'y était rendue pour la frime, c'est raté !). Normal donc, qu'il plane, sur ce "Via satellite ", un petit parfum de grunge. De post grunge, plutôt. Mais très léger, à peine palpable. Et finalement davantage à cause de l'atmosphère et surtout de la nature mélancolique des lyrics, que de la musique. A moins que ce ne soit à nouveau, parce qu'on y retrouve ce sempiternel morceau caché...
Stips n'est autre qu'un projet parallèle du chanteur/claviériste des Nits, Robert Jan Stips. Un trio au sein duquel on retrouve Martin Bakker, bassiste du groupe batave. " Egotrip " recèle treize fragments composés par Bob entre 69 et 96, treize compositions interprétées par les différentes formations au sein desquelles il a sévi au cours de cette période. Depuis Supersister aux Nits, en passant par Golden Earring, Sweet d'Buster et Transister. Le tout enrichi de quelques nouvelles chansons. Un opus qui tire fatalement dans toutes les directions. Rock, free jazz, rock symphonique et l'inévitable pop minimaliste, témoignages d'une carrière déjà bien riche pour cet artiste néerlandais...
Même Bob Mould et Grant Hart ne jouent plus dans la même division. Green Day? Faudrait voir lors de la sortie de son prochain album? China Drum? Dans les grandes lignes. Encore que l'aspect mélodique est beaucoup plus soigné chez le groupe de Newcastle. En outre, le line up de Green Day et de China Drum se limite à un trio, alors que l'ossature de Stoned repose sur un quintet, dont une paire de guitaristes. Nous n'en voyons d'ailleurs pas la nécessité, puisque l'un des deux se limite à dispenser des accords écorchés. Sans quoi, en général, cet ensemble suédois, responsable à ce jour de deux albums, ne jure que par le punkcore...
Palace, Sophia et Smog appartiennent à cette nouvelle scène yankee dont le spleen minimaliste contraste singulièrement avec la férocité électrique dispensée par la plupart des groupes contemporains du pays de l'Oncle Sam. Smog, c'est avant tout Bill Callahan, personnage introspectif responsable de chansons le plus souvent autobiographiques, mais surtout mélancoliques. Il les chuchote d'une voix basse, confidentielle, en s'accompagnant d'une instrumentation la plus dépouillée possible, qu'il résume le plus souvent à quelques cordes de guitare acoustiques, une steel guitar, un piano émacié et des drums plus caressés que frottés, une instrumentation embuée, suivant les circonstances et en filigrane, d'arrangements sporadiques, dont une trompette occultée. Sur " Red apple falls ", Callahan a réussi la rencontre parfaite entre la cruauté austère de " The doctor came at dawn " et la plénitude luxuriante de " Wild love ", faisant défiler tel un écheveau des images abstraites, expressionnistes qu'il voit au plus profond d'une âme sinistrée, ... la sienne.
En choisissant le morceau " Underwater love " pour sonoriser la bande sonore d'une pub consacrée à ses jeans, la firme Levi's offrait une opportunité unique à Smoke City de se faire connaître auprès du grand public. Et le trio cosmopolite - une brésilienne et deux insulaires - ne manquera pas l'aubaine, transformant l'essai (NDR : A vous Roger !) en tube (NDR : d'embout ?). " Flying away " constitue donc leur premier CD (NDR : et pas de panique, il est bien rond, pas ovale !). Découpé en dix titres, il recèle bien évidemment leur hit single, mais surtout nous plonge dans une forme de trip hop revue et corrigée par les rythmes latinos ; la bossa nova, en particulier. Une texture où foisonne et se mêle, à l'instar de " Jungle ", une pléiade de propriétés musicales. Reggae, ska, jazz, pop, flamenco, etc., etc. ; texture truffée de samples, de bruitages technologiques originaux, exotiques voire ethniques et envolées d'arrangements à caractère symphoniques. Et dans cet univers particulièrement célèbre, flotte la voix sensible, fragile de Nina qui caresse ses mots, tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Luis de Camoès...
Leader du défunt et regretté God machine, Robin Proper Sheppard nous revient avec un nouvel album: " Fixed water ". Pas tout à fait en solitaire, puisqu'il a reçu le concours des musiciens d'Elevate, de Ligament et d'Oil Seed Rape. Ce qui explique, sans doute pourquoi, il a intitulé ce projet: Sophia. Maintenant, ne vous attendez pas à retrouver toute la fougue et la violence manifestée sur les albums de God Machine. Vous risqueriez de connaître une grosse désillusion. Désillusion, un sentiment omniprésent dans les lyrics de Robin, qui semble ne pas encore avoir réussi à faire le deuil de son ami et compère Jimmy Fernandez, décédé d'une overdose. Mais un formidable album dont les vertus mélancoliques devraient plaire, sans aucun doute, aux inconditionnels de Smog, Palace, Sparklehorse, Red House Painters, Mazzy Star et consorts.
La bande sonore de nos existences! Fallait le trouver, non? Si, si, c'est le nom du groupe. Pas le titre de l'album. Une formation suédoise née des cendres d'Union Carbide. Oui, on sait, le jeu de mot est mauvais. C'est quand même pas une raison pour rester sur votre nuage (NDR: toxique?). D'autant plus que cet album est remarquable. Et c'est pas de l'intox! Vingt titres. Plus de septante minutes. Donc, pas un groupe punk, obligé de prendre une pose toutes les 120 secondes. Remarquable disions-nous! Et toxique, pardon psychédélique. Ces musiciens puisant incontestablement leur inspiration dans la quintessence de ce style musical. Celui de Syd Barrett, de Kevin Ayers et des Beatles circa " Magical Mystery Tour " tout d'abord. De Tea Party dans son approche la plus acoustique de la musique orientale. De Paul Roland, lorsque la flûte et le clavecin veulent se réserver un espace champêtre. Des Doors lorsque les claviers épanchent leur fluide ‘manzarekien’. De Kula Shaker. Parce qu'on avait envie de le dire. D'Oasis. Parce qu'on ne pouvait se permettre de l'oublier. Et surtout d'House of Love. A cause de ce sens mélodique, de cette voix détachée, si proche de Guy Chadwick. Si après tout ce qu'on vient de vous raconter, vous n'êtes pas encore contaminés, c'est que vous portez en permanence un masque à gaz. Ce qui n'est pas indispensable si vous craignez uniquement la pollution par les oreilles...
De Joy Division à Happy Mondays en passant par Section 25, le label Factory a toujours eu le nez creux pour dénicher les perles rares. C'est encore le cas avec ce Space Monkeys. Un groupe issu de Manchester bien sûr. Fondé en 1994, il remet au goût du jour la house du tout début des nineties. Une house sculptée dans une pop au tempo irrésistible, au groove pulsant, traversée de boucles hypnotiques, fouettée de cordes de guitares et nappée de clavier poisseux. Parfois, on pense aux meilleurs moments de The Farm. A EMF aussi, notamment sur le single " Sugar Can ". Mais le plus souvent, c'est à Happy Mondays (voire à Black Grape) que Space Monkeys nous semble le plus proche. Même si le vocal de Richard Mc Kevin Duff est aussi susurré que celui de Liam Gallagher et que certaines compositions n'hésitent pas à s'aventurer dans de longues envolées instrumentales, dont le parfum sixties nous rappelle le second album des Stones Roses...
Daniel Johns, Ben Gillies et Chris Joannou viennent de fêter leurs dix-sept ans et comptent à leur actif deux albums. Trois ados issus du nord de Sydney, en Australie. Un trio qui a raflé la plupart des Awards, chez lui, en 1995 et qui risque fort de récidiver avec la sortie de ce " Freak show ". Produit par Nick Launey, personnage dont la carte de visite épingle la mise en forme du premier elpee de Midnight Oil, mais également des collaborations pour PIL, Killing Joke, Posies et Gang of Four, cet opus a, en outre, été mixé à New York par Andy Wallace (Rage Against the Machine, Jeff Buckley, Helmet). Si vous pleurez la mort du grunge, consolez-vous, Silverchair risque fort de prendre rapidement la place du défunt Nirvana. Pourtant le groupe se cache bien de revendiquer ce lourd héritage, préférant se réclamer d'Helmet, de Soundgarden, de Pearl Jam ou de Pantera. Maintenant, nous on veut bien, mais le style des deux groupes est tellement proche. Même la voix de Daniel nous rappelle quelque part Kurt Cobain; et nous mentirions en accordant un quelconque crédit à leurs dénégations...
Pas de bassiste chez ce trio féminin, mais une ‘drummeuse’ et deux guitaristes qui se partagent également le chant. Deux vocalistes assez étonnantes, parmi lesquelles, Corin Tucker semble avoir hérité des mêmes caractéristiques vocales que celles de Brian Molko. Son timbre perçant, écorché vif, vous donne même la chair de poule. Mais si la musique de Sleater-Kinney est aussi sauvage que celle de Placebo, elle épouse le plus souvent un tempo post punk, gothique, réminiscent de Sisters of Mercy, lorsqu'elle ne s'évade pas dans l'aridité underground d'un Sonic Youth ou dans la complexité ‘déboussolante’ des débuts de Throwing Muses...
Septième album pour l'ex-égérie de la scène intello-rock new yorkaise des seventies. Un disque fondamentalement rock. Ce qui semble ne pas trop plaire à la presse insulaire (NDR : ça rime !). Nous n'en voyons d'ailleurs pas trop bien la raison. Car, si ce " Peace and noise " n'apporte rien de neuf, il est de très bonne facture. D'abord, il y a la voix de Patti qui possède toujours cette même chaleur et cette même profondeur susceptible de vous communiquer le frisson. Et de cette voix, souvent chantée, parfois psalmodiée, elle aborde des textes symboliques, ésotériques et surtout poétiques, en vous invitant à plonger dans un univers psychotique à la rencontre des âmes disparues. Celles de Rimbaud, de Jim Morrison, d'Andy Warhol et surtout de William Burroughs, à qui elle dédie cet opus. Patti peut en outre compter sur la présence d'un solide backing group. Au sein duquel, Tony Shanahan, apporte, au piano, sa griffe toute personnelle sur le superbe " Waiting underground ", et puis Oliver Ray, qui parvient presque à faire oublier Tom Verlaine sur " Dead City "...
Shipping News n'est pas un véritable groupe, mais un projet monté en 1995 par Jeff Mueller (June of 44) et Jason Noble (Rachel's), réunis à l'occasion de l'enregistrement de la bande sonore d'un programme de NPR, " This american life ". Deux années plus tard, le duo a donc décidé de recommencer l'expérience, mais en y incorporant un batteur. En l'occurrence, celui d'Eleven Eleven, Kyle Crabtree. " Save everything " est criblé de références underground. Un album riche, complexe, né d'un savant mélange entre l'instrumentation basique et la technologie moderne, dont la succession de climats tantôt oppressifs, climatiques, énigmatiques ou minimalistes, mais toujours expérimentaux, évoquent tour à tour Sonic Youth, Swans, Tortoise et King Crimson circa " Lark's tongues in aspic "...
Curieux groupe que ce Shudder To Think dont la musique navigue à la croisée des chemins du punk et du prog rock des seventies. Un peu comme si elle voulait célébrer la rencontre improbable entre Jane's Addiction et Gentle Giant. Vous voyez le topo! Et cette sensation de surprise est accentuée par la voix de Craig Wedren. Falsetto androgyne, se rapprochant plus de Jeff Buckley que de Brian Molko. Une voix très présente, parfois même envahissante qui sert de véritable fil conducteur aux compositions dont la texture est sans cesse déchirée entre énergie et complexité, entre brisures de rythme et sensibilité mélodique...
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