"Electro-shock blues " constitue le quatrième album de Mark Olivier Everett, et non son deuxième. Il est vrai que l’Europe ne l’avait découvert qu’en 1996, lors de la sortie du remarquable " Beautiful freak ", ponctué par le succès de son single " Novocaine for the soul ". Depuis deux ans, Everett n’a vraiment pas eu le temps de rigoler. Sa mère s’est éteinte à la suite d’un cancer, après avoir vécu une phase terminale assez pénible. Sa sœur s’est suicidée. Et plusieurs de ses amis sont décédés prématurément. Pour s’en sortir, E s’est mis à écrire les chansons de ce deuxième album. Une forme d’exorcisme qu’il a répercuté sur les seize compositions de ce morceau de plastique. En racontant simplement le cours des événements tragiques qu’il a dû éprouver. Et pourtant, cet album est loin d’être déprimant. En fait, E cherche à transformer sa situation négative en conjonction positive. A l’instar du single " Last stop : this town ", et surtout de " P.S. you rock my world ", où il estime qu’il est peut-être temps de vivre… Pas de hit de la trempe de " Novocaine for the soul " sur cet elpee, mais de superbes chansons empreintes d’une inévitable mélancolie, un blues cependant le plus souvent apaisant, enveloppé d’électro-groove lisses, tapissé de tintements de boîte à musique, voire même cuivré de subtiles touches de jazz, sous Morphine, comme sur le titre maître. Ce qui n’empêche pas Everett de se montrer également plus incisif, surtout lorsqu’il laisse épancher son courroux. Alors, c’est à Tom Waits que l’on pense ou alors à Grant Lee Philipps du Grant Lee Buffalo, lorsque l’électricité se fait enfin plus présente. Superbe !
Difficile de faire plus bref dans le choix du titre d’un album. Manquait plus que trois ou quatre phrases supplémentaires dans l’intitulé, et la chronique était bouclée. Ce qui aurait été franchement injuste, puisque le nouvel opus de Mark Eitzel est fort intéressant. D’abord, il y a la partie minimaliste, dépouillée. Plus conventionnelle, mais excellente, où l’artiste interprète d’une voix gémissante, veloutée, des chansons noyées dans les lyrics cruellement introspectifs, en s’accompagnant d’une guitare acoustique aux sonorités vulnérables pépiantes. Et puis, bonne surprise, Mark opère un retour à l’électricité. D’abord, en catimini, sur " Goodbye ", à l’instar d’un Red House Painters. Et puis, avec une incandescence aussi intense, luxuriante et écorchée de feedback que chez le défunt American Music Club. Sur deux titres, " Queen of no one " et " Cold light of day ". Et pour réaliser cette performance, il a reçu le concours de Steve Shelley, de James Mc New et surtout de l’ex-Cramps, ex-Gun Club, King Congo Powers. Et avant de revenir, le temps de deux fragments dans son univers intimiste, il nous accorde avec " Go away " un détour par une pop plus chatoyante, kaléidoscopique, tellement proche de Kitchens of Distinction…
Le plus dérangeant chez Embrace, ce sont les affinités qu’il partage, sans doute involontairement, avec des formations aussi contemporaines que The Verve, Oasis et les Stone Roses. Encore que ces derniers soient séparés depuis peu. Affinités musicales, mais également d’attitude et d’intensité émotionnelle. Ajoutez-y deux frères. A la guitare, Dany et Richard (NDR : non, non, pas Ashcroft) Mc Namara. Le premier, lead singer, campe des inflexions qui nous rappellent Gary Brooker du mythique Procol Harum, alors que le second, s’il chante beaucoup plus rarement, possède un timbre fort proche de Liam Gallagher. Des conditions qui alimentent inévitablement les comparaisons. Et pourtant, leur premier opus est excellent. La plupart du temps enrichi d’orchestrations luxuriantes. Hormis le " charlatanesque " " Fireworks " et le plus intimiste " Now you’re nobody ", interprété dans l’esprit de Simon & Garfunkel, les compositions se révèlent le plus souvent hymniques, empreintes d’une mélancolie typiquement britpop, pop britannique, quoi !…
‘Si vous aimez les Byrds et le Crazy Horse, vous aimerez Del Amitri’. C’est ce que la bio du net annonce. Sorry, mais c’est vraiment n’importe quoi. D’abord, si à ses débuts, la formation glasgowégienne était issue de la vague ‘postcard’, on ne peut pas vraiment dire qu’elle en était un parfait exemple. Nonobstant le fait que le combo se soit toujours ouvertement réclamé d’Orange Juice et de Joseph K. M’enfin, une chose est incontestable, à l’origine, sa pop était contagieuse et surtout rafraîchissante. Mais de là à envisager des comparaisons aussi approximatives, il y a une marge électrique que nous n’oserions même pas franchir. D’ailleurs, au fil des albums, la bande à Justin Currie s’est mise à épouser un profil de plus en plus accessible, de plus en plus mièvre. A un tel point qu’on se demande aujourd’hui, comment Del Amitri, pourtant remanié à plusieurs reprises, est encore vivant. Reste quand même toute une flopée de singles, tels que " Nothing ever happens ", Kiss this thing goodbye ", " Roll to me ", " Always the last to know ", " Don’t come home too soon " " et " Cry to be found ". Sans oublier les quelques compositions d’honnête et même parfois d’excellente facture, curieusement le plus souvent sculptées sous un format acoustique, qui font l’objet de ce " Best of ". Un seul regret, l’absence de " Sense sickness " et de " No strings ". Mais on suppose que ses chansons n’avaient pas suffisamment d’impact commercial…
Laika, They Might Be Russians, Rollerskate Skinny, Throwing Muses et surtout Mercury Rev auraient influencé cet ensemble glasgowégien, que nous ne serions pas surpris. Le Velvet et les Pastels également. Mais là, c’est une évidence. Pourtant, chez les Delgados, il y a tellement de fraîcheur, qu’n’on a jamais l’impression de se farcir un recyclage. Que du contraire. Parce que leur musique recèle une foule de nuances subtiles et d’idées ambitieuses, aventureuses mêmes, susceptibles de sonder l’underground sans pour autant abandonner une piste mélodiquement pop, sûrement tracée. En intitulant son deuxième album " Peloton ", et en s’inspirant de Pedro Delgado, champion cycliste espagnol qui avait brillé au tour de France voici quelques années, pour choisir son patronyme, le groupe a peut-être encore l’intention de gagner quelques étapes. Mais revenons à leur dernier opus. Tantôt fragile, tantôt rebelle, souvent capricieux, il alterne climats atmosphériques, tantôt traversés d’une section à cordes, tantôt d’une flûte, enrichis par la conjugaison des vocaux moelleux d’Emma Pollock et d’Alun Woodward, et climats électriques bourdonnants, presque ‘mybloodyvalentinesques’, comme sur le superbe et sinusoïdal " Russia orthodox ". Remarquable !
Fondé en 1990, cet ensemble était, à l’origine, constitué d’un trio. Et, à l’instar de China Drum, offrait la particularité de compter en son sein un drummer/chanteur. Depuis l’arrivée d’un nouveau batteur, James Grundler a pu se consacrer exclusivement au chant. Une aubaine pour le groupe, car cet artiste possède un organe vocal impressionnant. Se payant même un timbre et des inflexions héritées en ligne droite de Bono et de Thom Yorke. Or la musique des Din Pedals navigue à la croisée des chemins de U2 circa " Boy " et de Radiohead, libérant tout au long de cet opus éponyme, onze mélodies pop/rock mélancoliques, hymniques, dont la texture est musclée par une section rythmique puissante, solide, électrifiée par des cordes de guitares jaillissantes, pétillantes, jacassantes ou gémissantes et enrichies de lyrics psychotiques… Inévitablement, une question nous vient à l’esprit : serions-nous en présence d’un futur supergroupe ?
Isabelle Monteiro, Mike Chilinsky et Daron Robinson, rejoints depuis peu par une violoncelliste, sont de grands admirateurs de Radiohead. Sur scène, il leur arrive même régulièrement de reprendre " Black star ". Pas étonnant que Thom Yorke leur ait renvoyé l’ascenseur, en participant à l’enregistrement de leur formidable single " El president ". Une chanson très engagée, qui traite de la politique interventionniste des Etats Unis. Une composition que l’on retrouve sur le nouvel album de Drugstore, " White magic for lovers ". Faut dire qu’Isabel est née au Brésil, et qu’elle n’a pas sa langue en poche. Un autre exemple ? " Say hello ", titre où elle se soucie du sort des prostituées, des junkies et des paumés. Pour enregistrer son dernier opus, la formation a reçu le concours d’un ensemble mariachi. Ce qui vous donne une petite idée de la coloration sonore de leur musique, que l’on pourrait qualifier de pop dans l’esprit de Mazzy Star, mais avec un esprit fondamentalement plus optimiste…
Damon Krukowski et Naomi Yang constituaient, autrefois, les deux tiers du Galaxie 500. A l’issue du split de ce groupe, Dean Wareham s’en est allé fonder Luna, tandis que le couple décidait de poursuivre l’aventure en duo. Qui en est ainsi à son troisième album. Damon s’est cependant reconverti à la guitare acoustique, sans pour autant négliger les drums, alors que Naomi cumule aujourd’hui basse, six cordes électriques et un curieux instrument responsable de sonorités aussi spectrales que bourdonnantes. Enfin, ils chantent tous les deux. Surtout Damon. Toutes les compositions de ce " Playback singers " baignent au sein d’un climat indolent, mélancolique, climat qui au fil de l’écoute, vous flanque carrément le bourdon. Pas que les compositions soient mal ficelées, mais plutôt linéaire, à notre goût. Avec un peu de relief et surtout une bonne dose d’intensité électrique, cet opus décrochait, la timbale. Ce n’est malheureusement pas le cas…
Premier album pour ce quintette du nord de l'Angleterre, de Galashiels très exactement, un patelin perdu à la frontière de l'Ecosse. Un opus qui accumule une foultitude de références, oscillant de Roxy Music à Echo & The Bunnymen, en passant par Stereolab, Status Quo, My Bloody Valentine, Velvet Underground, Sonic Youth, 60ft Dolls, Arab Strab, Mogwai, Gorky's Zygotic Mynci, Syd Barrett, les Kinks, Wire, Throbbing Gristle, Joy Division, Suicide ; et nous n'avons pas la prétention de toutes les avoir décelées. C'est dire si ce " One head, two arms, two legs " se révèle déroutant dans son art du recyclage. On pourrait même ajouter les Only Ones et Midnight Oil, à cause du vocal nasillard de Paul Vickers, coincé quelque part entre celui de Peter Perrett et de Pete Garett. Un Vickers qui est un peu la tête pensante de ce Dawn Of The Replicants ; et surtout le responsable des lyrics, des lyrics torturés, surréalistes, bourrés de symboles et de métaphores. Ce disque est, en tout cas, d'excellente facture, libérant une pop expérimentale qui ne néglige pas pour autant l'aspect mélodique…
En 1991, trois étudiants qui fréquentent l’université du Texas nord décident de mettre sur pied un projet musical. Initialement appelé Leper Mesiah, le trio se découvre très vite des talents cachés et de nouvelles ambitions. Une demo est enregistrée, un second guitariste embauché, et un nom choisi : Deep Blue Something. Deux ans après sa création, le groupe commet son premier album : " 11th song ". Il faudra cependant attendre 1995 pour voir la formation texane décrocher son principal succès commercial, " Breakfast at Tiffany’s ", un single qui atteint la cinquième place des charts européens. Restait à attendre la confirmation, déjà bien amorcée l’an dernier avec un superbe cds, " If you want my love, you got it ". Et c’est chose faite avec " Byzantium ", un nouvel album qui fera assurément partie des plus belles réalisations de l’année. Un disque trempé dans une sorte de pop électrique habituellement dispensée au pays des kangourous, par des groupes comme Died Pretty, Chevelles, et surtout Midnight Oil. On pense également à d’autres influences. A Cake, lorsque viennent s’incruster quelques accords de mariachi. A Big Country lorsque Toby dessine, de sa guitare, de superbes et fragiles envolées mélodiques ou alors les taille dans des riffs glacés qui vous flanquent la chair de poule. Aux Chameleons, pour ne pas dire Echo & the Bunnymen, lorsque le son se fait plus âpre, plus rude, plus froid. A Jet Black Joe dans ses moments les plus agressifs. Enfin, aux Silencers pour ce côté tendre, mélancolique, cette fraîcheur qui se dégage sur chacune des quinze compositions. En un mot, splendide !
Pour célébrer les 30 années d’existence de Deep Purple, EMI a décidé de sortir un " best of ". Pardon, un " very best of ". Une compile sur laquelle vous retrouverez, évidemment, tous les classiques du combo. Notamment " Hush ", " Black night ", " Speed king ", " Smoke on the water ", " Highway star ", " Woman from Tokyo ", etc., etc.
Les vieux dinosaures sont de retour avec un nouvel album et sous un line-up presque classique, puisque si Ian Gillan, Jon Lord, Ian Paice et Roger Glover sont toujours au poste, Ritchie Blackmore a cédé sa guitare à Steve Morse. Ce qui permet finalement à Glover de mieux rogner les compositions à l’aide de son "Hammond". D’ailleurs, on a l’impression que le Purple s’est souvenu de la recette utilisée à l’aube de seventies pour graver un des fondements de tout l’édifice hard, "In rock". Bien sûr, en 1998, ça fait un peu ringard; mais finalement, lorsqu’on voit que la rencontre entre Page et Plant a réveillé un style musical à la dérive depuis plus de vingt-cinq ans, il n’y a aucune raison de faire la fine bouche. Et surtout de gâcher son plaisir. Parce que dans le style, cet "Abandon" est une excellente surprise; et lorsqu’on sait qu’en général, nous sommes particulièrement allergiques à tout ce qui touche au hard rock, il est assez facile d’imaginer la portée de notre jugement. Et là-dessus, on va s’en repayer une tranche (NDR: de CD?); à fond la caisse, bien entendu (?!?!).
Lorsqu’on écoute la musique de cet ensemble cosmopolite, au sein duquel on retrouve l’ex-bassiste d’EMF, Zac Foley, on se demande pourquoi il a adopté pour nom, le titre de ce célèbre film d’épouvante, commis en 1970 par Brian De Palma, un long métrage qui mettait en scène l’anti-héroïne Sisy Spacek ? Une musique que nous pourrions qualifier de power pop limpide, dont le soin apporté aux harmonies vocales nous rappelle les Beach Boys. Les mélodies contagieuses sont presque aussi légères que chez les Undertones. Et l’instrumentation très équilibrée, fouettée, à l’instar d’un Radiohead, d’un Jane’s Addiction, d’un Weezer ou même parfois d’un Nirvana au sommet de son art, par des cordes de guitare vivifiantes, cinglantes. C’est en se penchant sur le contenu des lyrics que l’on comprend mieux les raisons de ce choix. Steve Ludwin, personnage issu du sud profond des States, qui cumule les fonctions de compositeur, de chanteur et de guitariste, en est le principal responsable. Des textes sombres, torturés, qui paradoxalement, alimentent de parfaites pop songs. Pas pour rien, que Ted Nicely, (Girls Against Boys, Fugazi) a accepté d’en assurer la production…
Réponse féminine à Will Oldham de Palace et à Bill Callahan de Smog, Chan Marshall, alias Cat Power, en est déjà à son quatrième album. Un disque pour lequel elle a reçu le concours des deux tiers de Dirty Three, soit le guitariste Mick Turner, et le drummer Jim White, alors que lors de l’enregistrement de son opus précédent, ce sont Tim Foljahn (Two Dollar Guitar) et Steve Shelley (Sonic Youth) qui lui avaient servi de backing group. Pourtant, ces remaniements n’influent en rien sur la musique de Cat Power. Toujours aussi intimiste, ténébreuse, taillée dans l’émotion la plus pure et la plus dépouillée. Onze titres partagent ce " Moon pix ", onze compostions austères, lo fi, minimalistes, qu’elle chante d’une voix gémissante, fragile et puissante à la fois, en marchant sur une corde tendue entre la lucidité de ses textes introspectifs et le monde crépusculaire du folk hanté. Elle y révèle tantôt ses racines sudistes (" You may know him "), lorsqu’elle n’épanche pas toute sa férocité, avec tendresse, à l’instar de " Metal heart ". Mais les chansons qui nous avons le plus appréciées sortent quelque peu de ce contexte. Tout d’abord, l’hypnotique " Cross bones style ", le mystérieux, spectral, " He turns down ", et puis l’hymnique " American flag "…
Ce qui frappe directement chez cette formation issue de Cardiff, c’est la voix de Cerys Matthews. Une voix étonnante, trempée à la fois dans le miel et la tequila, dont le timbre oscille quelque part entre celui de Mélanie et de Björk. Mais après plusieurs écoutes, on se rend compte que le support instrumental ne manque pas d’allure. Epousant à merveille les arabesques vocales de Cerys, sans pourtant négliger l’aspect mélodique. Que l’on pourrait qualifier de britpop effervescent. Dans l’esprit d’Echobelly et de Super Furry Animals, autre formation galloise; mais en moins psychédélique. Catatonia privilégie les guitares tantôt sémillantes, lacérantes, gémissantes, atmosphériques ou délicates, les accès de basse ondulatoires, entêtants, les drums arides, presque mécaniques ; infiltrant régulièrement le tout de claviers à la saveur new wave et d’effets technologiques audacieux, du meilleur effet, un peu comme chez Portishead. Pourtant, cet opus s’achève par trois compositions qui explorent un registre davantage acoustique, tantôt à l’aide d’une guitare sèche, tantôt au piano, comme sur le tendre et passionné " My selfish gene ". Pour enregistrer son deuxième album, Catatonia a, en outre, reçu le concours de Tommy D (Sugarcubes, The Shamen), à la coproduction…
Enfin, le premier album solo de Guy Chadwick vient de sortir. Depuis le temps qu’on l’attendait, on commençait vraiment à désespérer. Et l’attente n’aura pas été vaine, puisqu’il est tout bonnement excellent. Oh oui, bien sûr, le ton est beaucoup plus cool, plus intimiste. Normal, lorsqu’on sait que Robin Guthrie (Cocteau Twins) assure la production et se réserve la basse, sur la plupart des morceaux. De trace manifeste de House Of Love, on n’en trouve plus que sur le seul, et par ailleurs savoureux " You’ve really got a hold on me ". Si les dix autres fragments baignent dans une mélancolie ouatée, bercée par la voix frêle, envoûtante de Guy, dont le timbre nous fait de plus en plus pense à celui d’Al Stewart, " Soft & slow " et " This strength " sont pimentés par une pedal steel guitar, " Song for Gala " et la cover signée Pop/Bowie, " Fall in love with me ", sont tramés sur fond d’accordéon et de bongos, " Wasted in song " hanté par un violon lancinant et " One of these days " arrosé par les vagues chaudes d’un hammond. Plus remarquable encore, " Crystal love song " est profilé sur les cordes de guitare ondoyantes et les claviers insidieux ; alors que le comble du raffinement dans le traitement des cordes semi-acoustiques est atteint lors du final, " Close your eyes "... Un must !
Vic Chesnutt en est déjà à son sixième album. Un exercice qu’il a réalisé en compagnie de toute une flopée de collaborateurs, et notamment ceux de Lambchop. Avec pour résultat des compositions qui naviguent en eaux country/folk paresseuses, parfois éthérées, légèrement teintées de rock, mais surtout empreintes de mélancolie. Etonnant, lorsqu’on sait que depuis trois albums, sa musique s’était considérablement électrifiée. Bref, retour à la case départ avec ce " The salesman & Bernadette ", où Vic raconte ses histoires douloureuses, souvent chavirées par l’alcool, qui évoluent dans un périmètre d’angoisses, de colère et de dégoût ; des chansons, qu’il interprète d’une voix gémissante, maladive, brisée par l’émotion. Trois titres, cependant, montrent un visage moins pessimiste. Tout d’abord, l’allègrement cuivré " Until the led ", " Mysterious tunnel ", corrodé de claviers dylanesques circa Band, et enfin le final " Old hotel ", sorte de rencontre improbable entre Johnny Cash et Labradford. Pourtant, le meilleur titre à nos yeux reste " Woodrow Wilson ", beau et déchirant à la fois, comme s’il avait réalisé la fusion parfaite entre les Aints d’Ed Kuepper et le Red House Painters…
Depuis qu’il a procédé au remplacement de sa section rythmique, Come parvient à injecter davantage de profondeur et d’émotion dans ses chansons. On avait déjà pu le constater sur le mini elpee " New life experience ", paru en 96. C’est encore plus flagrant pour " Gently down the stream ". Bien sûr, l’électricité duale est toujours omniprésente ; et puis la voix chocolat et cendre de Thalia continue d’attiser la flamme du blues urbain, entretenu par le combo. Encore que parfois, certaines de ses inflexions marchent sur les traces d’une certaine Patti Smith, voire même de Marianne Faithfull… Mais la texture nous paraît plus riche, et surtout moins linéaire. Une métamorphose qui se manifeste surtout sur l’hispanisant, réminiscence du Jefferson Airplane, " One piece ", le crazyhorsien " Silk city ", les deux fragments stellaires, post Television, " New coat " et " The fade-outs ", le clin d’œil psychobilly à Boss Hog, " Jam blues " et le chant funèbre, " The former model ". Et nonobstant les inévitables teintes plus sombres, destinées à magnifier la douleur et les angoisses, ce " Gently down the stream ", enregistré dans les studios de Fort Apache aux States, navigue le plus naturellement du monde dans le courant classique du rock yankee…
Tout come Cibbo Matto et Pizzicato Five, Keigo Oyamada, alias Cornelius, nous vient du pays au soleil levant. Un artiste post moderniste capable de toucher à tous les styles musicaux. Et il étale tout son savoir faire tout au long de ce " Fantasma ". Mais s’il écume aussi bien le psychédélisme des Beatles que les harmonies vocales des Beach Boys, en passant par l’électro pop de Stereolab, le heavy metal, la country, la bande sonore pour dessins animés, la bossa nova, le punk circa Pistols, la noisy de My Bloody Valentine, voire la new age, c’est pour mieux régurgiter le tout après traitement au sampling. Il atteint ainsi un résultat inspiré et audacieux, même s’il faut reconnaître que la forme n’est pas toujours très académique…
Un double album ‘live’ pour Counting Crows, en attendant la sortie de leur troisième opus. Le premier morceau de plastique est issu d’un enregistrement réalisé, le 12 août 97, aux studios " Chelsea " de New York, alors que le second remonte au 6 novembre de la même année, mais immortalise un set " live " accordé au Hammerstein Ballroom de la même métropole. Aubaine pour les aficionados, ce double Cd recèle deux morceaux cachés, et inédits par dessus le marché : " Chelsea " et " Good luck ". Pour le reste, la bande à Adrian Duritz se prive volontairement d’électricité. Un peu comme à la belle époque des Unplugged d’MTV. Un exercice de style qui, au fil de l’écoute, finit quand même par lasser.
Saviez-vous que les Cramps sévissent depuis 1976 ? Vingt-deux années de pratique de rock’n roll dans ce qu’il y a de plus sauvage et de plus menaçant. Vingt deux années à naviguer à la croisée des chemins d’influences aussi diverses que le rockabilly, le psychédélisme, le garage punk des sixties, le delta blues et le surf, sur une mer de films de série B, de vampires, de sexe et d’humour noir. Et leur dernier elpee ne déroge pas à la bonne règle. Une seule surprise, l’absence de reprise. Mais qu’importe, puisque le couple Lux Interior/Poison Ivy, assisté par Slim Chance et Harry Drumdini, n’a rien perdu de son sens de l’excès, de son habileté à capturer des sons vivants et bruts, tels quels, sans autres critères que ceux de l’efficacité immédiate. Alors laissez-vous séduire par ce " Big beat from Badsville "…
Pour enregistrer son premier album solo, le guitariste d’Alice In Chains a notamment reçu un coup de main de deux de ses condisciples ; en l’occurrence le drummer Sean Kenny et le bassiste Mike Inez ; mais pour deux titres seulement. Un disque qui baigne inévitablement au sein d’un climat post grunge. Surtout à cause du timbre vocal languissant, mélancolique de Jerry. Et puis de l’aspect insidieux, teinté d’amertume des mélodies. Mais la texture instrumentale se révèle beaucoup plus riche, plus élaborée. D’abord, les parties acoustiques et les poussées de métal sont bien équilibrées. Certaines compositions adoptent même un profil franchement country. Et la présence d’une slide n’y est certainement pas étrangère. Une country originale qui nous rappelle, quelque part, un certain Poco. D’autres encore s’aventurent, à l’instar d’un Brad, dans le funk, le jazz et même la prog. Des expériences que Cantrell mène avec beaucoup de bonheur ; et qui, en tout cas, nous ont agréablement surpris…
Difficile d’imaginer que ce quintette suédois en est déjà à son quatrième album, alors qu’il n’existe que depuis fin 92. Faut dire que le groupe peut compter sur la plume particulièrement prolifique de Peter Svenson, qui se réserve en outre les parties de guitare. Mais, le personnage central chez les Cardigans, demeure bien évidemment Nina Persson. Jolie, blonde, nordique, comme on colle aux affiches, douée d’une voix à la fois limpide et sensuelle (NDR : c’est tout ?)… Enrichi d’un superbe booklet consacré aux paysages scandinaves, " Gran turismo " implique davantage d’éléments technologiques, s’imposant de plus en plus comme le chaînon manquant entre Saint Etienne et Dubstar. A la recherche de sonorités électro-atmosphériques que ne désavoueraient ni Pizzicato Five, ni Bel Canto, ce chouette album épingle quelques hits en puissance, tels que le remarquable " My favourite game " ou encore " Erase rewind " ; mais surtout des chansons abordées avec une insouciance délicieuse, réminiscence de la pop des sixties, qui parviennent à réaliser la balance entre la pensée et la spontanéité, le calme et la folie…
En dix-sept années d’existence, le quintette californien (Los Angeles) n’a pratiquement pas changé de line up, mais surtout a commis neuf albums studio, un ‘live’, quelques ‘best of’, deux Eps et une flopée de singles. Un parcours exclusivement attaché aux valeurs sociales, écologiques, donc politiques, accompli à travers un punk pop bourré d’énergie. Musicalement, on n’est cependant très loin de l’aridité d’un Fugazi, Bad Religion accordant une grande importance au sens mélodique de ses chansons que nous pourrions qualifier de contagieuses, d’impétueuses et surtout d’hymniques ; mais également à la qualité des harmonies vocales. Et ce " Substance " n’échappe pas à la bonne règle, rappelant même parfois les meilleurs moments des Buzzcocks, ou dans un registre plus contemporain le très britannique China Drum…
Difficile de chroniquer un album que toute la presse spécialisée s’est empressée d’encenser, alors que nous l’estimons d’honnête facture, sans plus. C’est vrai que le groupe célèbre ses dix années d’existence, et compte à son actif sept albums ! Que depuis que Paul Heaton a abandonné les Housemartins pour fonder Beatiful South, les hits singles se sont succédés à une cadence régulière, et les différents albums ont atteint une place de choix dans les différents charts. En plus, Norman Cook, le bassiste de la défunte formation, est venu donner un petit coup de main, lors des sessions d’enregistrement. Mais ce qui nous chagrine le plus, c’est que si les 13 compostions de " Quench " ont tout pour plaire, elles sont façonnées dans un même moule depuis 1988… Ce qui n’empêche pas la formation de faire preuve de beaucoup de charme et d’élégance dans l’approche du sens mélodique. De pouvoir compter sur des lyrics souvent sarcastiques, engagés, rebelles dans le contexte sociopolitique actuel. D’entretenir un climat intimiste, mélancolique, au sein duquel la voix chaude, souple de Paul Heaton, se sent comme un poisson dans l’eau. Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes, si justement ce disque n’avait pas cet arrière-goût de déjà entendu…
" Mutations " constitue le cinquième ou le troisième album de Beck, suivant que l’on comptabilise ses expérimentations menées pour les labels indépendants ou pas. En fait, à l’origine, cet opus composé de chansons écrites au cours des quatre dernières années, devait paraître sur " Bongload ", à l’instar de " Mellow Gold ". Mais, après avoir écouté les bandes démos, Geffen a mis le paquet (au propre comme au figuré) pour le récupérer. Et à notre humble avis, ce n’est pas à fonds perdus. Car ce disque ne manque pas d’allure. Plus confessionnel, plus confidentiel, à l’instar d’un Bob Dylan qui aurait été piqué par l’acid rock médiéval, capricieux, de Syd Barrett, au point de virer parfois dans le Pink Floyd cosmique. Pour la plupart des compositions. Car, ce disque recèle également quelques fragments traditionnellement country/folk, où Beck se montre aussi à l’aise que Neil Young à l’harmonica ; et puis surtout son lot de surprises. Notamment le single " Tropicalia ", hommage au révolutionnaire brésilien Caetano Veloso, relaté sous une forme allègre et pétillante de samba typiquement latino-américaine. Et puis, également, " Oh Maria ", trempé à la fois dans le jazz et le cabaret. Peu de traces de hip hop, cependant, sur " Mutations ", mais quand même une petite incursion dans l’underground, exercée sur " Diamlond bollocks ", avec beaucoup d’imagination…
Des apiculteurs qui butinent ! C’est le monde à l’envers. Et qu’est-ce que butinent ces Irlandais de Derby ? Le pollen du punk rock insulaire, pardi ! Et tout particulièrement celui des Undertones et de Stiff Little Fingers. Mais avec des appétits aussi gloutons que ceux de Manic Street Preachers, China Drum, Joyrider ou de 3 Colours Red. Ce qui vous donne une petite idée de la qualité du miel sonore produit par les Beekeepers. Une gelée énergétique, tumultueuse, chargée d’adrénaline qui dégouline à travers les mélodies hymniques. Et pour raffiner le nectar de ce "" Third party, fear and theft ", le groupe a reçu le concours de Marco Pirroni à la production. Pas sur tous les titres, mais presque…
Deuxième opus pour ce septuor écossais, glasgowégien très exactement, dont le patronyme trahit un sens très aigu de l’esthétisme, tout en exhalant un parfum étrange, presque euphorisant de romantisme adolescent. Pourtant, si Belle and Sebastian conjugue l’insouciance des Pastels, la sensibilité acoustique de Nick Drake, l’intimisme chaleureux de Pale Fountains, la qualité des arrangements du mythique Go-Betweens et la fibre poétique d’un Donovan, il atteint la richesse instrumentale d’un Felt et la poésie des Smiths. Ce qui lui permet de ne pas se contenter de se lover dans la tendresse moelleuse, souvent responsable de chansons aseptisées. D’autant plus que les mélodies, contagieuses, astucieuses, sont servies par des lyrics aussi mordants et décapants que ceux de Jarvis Cocker (Pulp)…
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