Molchat Doma sortira son quatrième elpee studio, "Belaya Polosa", le 6 septembre 2024.
Le groupe post-punk / synth pop biélorusse a toujours eu le sens de l'esthétique brutaliste de l'architecture qui orne la pochette de ses albums. C'est froid, gris, imposant, industriel, et pourtant, il y a des cœurs humains qui battent dans ces fondations.
La formation s'est installée à Los Angeles pour terminer l'écriture de cet opus, un testament sur le changement dans les moments difficiles, une lettre d'amour à la pulsation numérique des années 90 et une réinvention en Technicolor des hymnes sombres du groupe à destination des pistes de danse.
Le single "Son" libère des émotions d'anxiété, de déception, de désespoir et de peur. C'est un examen onirique de ce que l'on ressent lorsqu'on part pour l'inconnu, en sachant que l'on ne pourra pas revenir à son ancienne vie. Le band précise : ‘"Son" a été écrit avant que chaque membre du groupe ne connaisse des changements de vie importants, notamment un déménagement dans un pays nouveau et inconnu. Il reflète la destruction de tout ce qui était familier’.
En effet, au cours des quatre années qui se sont écoulées depuis la parution de son précédent LP, "Monument", les vies du chanteur Egor Shkutko, du bassiste (également préposé aux synthés) Pavel Kozlov et du principal compositeur, producteur et arrangeur Raman Kamahortsau ont tellement changé qu'il était inévitable d'entendre cette transformation dans sa musique. Dès lors, "Belaya Polosa" les propulse dans une nouvelle direction tout en conservant la froideur et le minimalisme qui les caractérisent.
S'éloigner du son passé du combo était tout à fait naturel étant donné les thèmes d long playing, à savoir le changement et le fait de se détourner d'un passé troublé pour se tourner vers un avenir incertain.
Le clip consacré à "Son" est disponible là
Après une longue et intense collaboration avec Sasha Vonk au sein du duo bruxellois Juicy, la multi-instrumentiste Julie Rens a décidé d’explorer son univers musical personnel à travers son nouveau projet Julie Rains.
Julie a déclaré : ‘Le travail d’écriture seule a commencé il y a quelques mois et ça a d’abord été très vertigineux de me plonger dans la composition, en sachant que tout était possible et que je pouvais aller dans toutes les directions. Je cherche ma singularité musicale et ça passe par beaucoup d’étapes. La première étant de sortir d’un rapport de rentabilité et d’efficacité. Voir ce qui émerge, quand on a travaillé en binôme pendant si longtemps et si intensément. Qu’est-ce qui m’est propre et comment le proposer. L’envie également d’arrêter de « protéger » les auditeurs- trices d’être déroutés par des rencontres de styles.’
On y entend tout son bagage empreint de musique classique et de jazz qui rencontre un grondement de synthés sur des textes en français qui touchent à l’intime. Cette première carte blanche répond à un besoin de valoriser les processus de création, souvent invisibilisés dans le domaine musical, de la volonté de présenter des étapes de travail et de recherches.
Les morceaux sont retravaillés en étroite collaboration avec Rowan Van Hoef et joués sur scène avec
Julie Rens : chant/claviers, Lou Wery : claviers/backings, Lennart Heyndels : modulars/basse, Olivier Penu : batterie.
Invités : sextet de flûtes vibrations
Julie Rains se produira dans le cadre du Marni Jazz festival le 14 septembre 2024.
A l’écoute de la pop rêveuse de Kokopeli, on pense à D’Ibeyi, Cocorosie et The Do. Notamment !
Kokopeli, vous connaissez ? Mais non, ce n’est pas une marque de semences bio (avec deux « l ») ! On vous parle de musique. Et de la bonne ! Dans le genre pop-folk-indie, le trio poitevin devrait rapidement faire parler de lui hors des frontières de l’Hexagone.
L'aventure Kokopeli a débuté au sein des fêtes de famille : Carla et Julie sont cousines et grandissent dans une famille de musicien.nes. Elles n'hésitent pas à impressionner mamie Claude avant de réaliser leurs premiers concerts. Julie à la basse/contrebasse et au chant, et Carla au chant, à la guitare et au n'goni. Les deux cousines composent à quatre mains et traversent les années, les affaires familiales et les routes de France sur une bande son solaire et mélancolique. Le duo s'inspire du parcours des deux sœurs du groupe Ibeyi, et d'autres formations telles que The Do, Alice Phoebe Lou ou encore Warpaint. Une pop rêveuse et étonnante, qui convoque les contes poétiques, les récits intimes et la complicité de celles qui ont tout fait ensemble.
Kokopeli est accompagné par La Sirène. Le groupe a été lauréat du prix Riffx Paris Music Festival, en 2023. A la suite de sa bonne prestation aux derniers Inouïs du Printemps de Bourges et l’arrivée de nouveaux partenaires, la sortie de l’album est reportée au mois d’octobre.
En attendant, il nous propose un second extrait de son Ep, « Family Affair », pour lequel il a reçu le concours de la Sirène, et sous forme de clip, là
Il y a un bon moment que Trixie Whitley n’avait plus donné de ses nouvelles, car hormis quelques remaniements au sein du line up de son backing group, elle n'a rien sorti depuis son dernier album, « Lacuna », paru en 2019. Son nouveau single, « High Wire », brise enfin le silence.
Trixie Whitley est prête à écouter les battements de son cœur, qu'ils soient douloureux pour l'état du monde, qu'ils appellent son enfant ou qu'ils soient simplement synchronisés avec ses baguettes sur sa batterie.
Musicienne dans l’âme, dont la vie a été une succession de mélodies, de danse et d'expression personnelle, la nouvelle ère de Whitley consiste à creuser dans le ‘primal’, en insufflant à ses chansons toutes les joies, les peines et les complexités de la maternité - et de la vie elle-même.
« High Wire » est issu de l’Ep « Dragon Of Everything » qui sortira le 27 septembre 2024. Cette compo aborde des tas de thèmes, de l'amour maternel à la perte d'autonomie corporelle. C’est une vieille chanson écrite il y a 10 ans.
Il a été baptisé, à juste titre, d'après une illustration de sa fille qui figure également sur la pochette du disque. Trixie signale : ‘J'ai besoin d'écouter mon utérus, mes tripes’.
Le single s'ouvre sur un rythme sensuel de guitares et de batterie, puis la voix agréable de la chanteuse prend le dessus et glisse doucement dans nos tympans. Les guitares confèrent à la chanson une atmosphère presque lourde et sombre, même si les instruments à vent apportent un contraste plus soulagé. Bien que Whitley expérimente parfois le rock alternatif, l'étiquette de ‘blues rock’ est attachée à sa musique. « High Wire » démontre pourquoi on lui a collé cette étiquette et ce single ne serait certainement pas déplacé dans une salle de concert.
Pas encore de vidéo mais le titre est en écoute là
Les concerts :
30/06 Live is Live – Antwerpen, BE
31/08 Road Rock – Kuurne, BE
01/10 Botanique – Brussels, BE
02/10 Casino – Sint-Niklaas, BE (SOLD OUT)
06/10 Wintercircus – Gent, BE (SOLD OUT)
07/10 Wintercircus – Gent, BE (SOLD OUT)
08/10 Het Depot – Leuven, BE
09/10 Trix – Antwerpen, BE
12/10 Metropool – Hengelo, BE
13/10 Cactus – Brugge, BE
Inspiré par ses voyages et son exploration du monde, EYM Trio vient de sortir son cinquième album, « Casabalanca », avec toujours cette interaction totale entre les trois musiciens, et une pédale d’effet sur le piano qui donne d’étonnantes sonorités proches de la viole ou du oud.
Un an après avoir gravé l’elpee « Bangalore » en compagnie de la chanteuse indienne Varijashree Venugopal, le groupe poursuit ses explorations nomades et se recentre sur une création à trois, comme une nécessité de retour aux sources après s'être nourri de tant d'aventures et de collaborations.
Composé d'Elie Dufour au piano, Marc Michel à la batterie, et Yann Phayphet à la contrebasse, la formation s’amuse avec des éléments de langage de musiques issues des quatre coins du monde, le tout dans des métriques innovantes laissant place à une grande liberté d’interprétation. A eux trois, ils créent un univers captivant, amusant et surprenant qui invite avec légèreté au voyage et au lâcher prise.
Nous embarquant dans un jazz mélodique qui se joue des frontières, ce long playing s’inscrit dans la continuité du projet Nomad' Sessions, initié en 2019.
Cet opus est l’occasion de dévoiler en avant-première une innovation pianistique. Elie Dufour a profité du confinement avec Robert Kieffer, pour créer une pédale mécanique, acoustique, ayant pour but de muter la partie centrale du piano et ainsi de pouvoir avoir accès à des modes de jeu inédits. Elle est omniprésente sur l’album « Casablanca », permettant au piano de sonner comme un nouvel instrument, proche du oud et des instruments à cordes pincées. Belle découverte !
Le clip d’animation consacré au titre maître est disponible ici et la session tournée à Casablanca, là
Le dernier elpee de Steve Wynn, "Northern aggression" remontait à 2010. Son prochain, "Make It Right", paraîtra ce 30 août 2024 et coïncidera avec son nouveau livre de souvenirs ‘I Wouldn't Say It If It Wasn't True’ (Jawbone Press). Lors des sessions, il a reçu les contributions de Mike Mills (R.E.M.), Vicki Peterson (The Bangles), Chris Schlarb (Psychic Temple), Emil Nikolaisen (Serena Maneesh), Linda Pitmon (The Baseball Project) et d'une douzaine d'autres artistes. Wynn sera également en tournée cet automne. Son spectacle solo mêlera des chansons tirées du livre et inspirées par celui-ci, ainsi qu'une structure narrative composée de lectures et de récits. Les fans peuvent s'attendre à une sélection de chansons classiques et de raretés du catalogue de The Dream Syndicate, ainsi qu'à des morceaux réfléchis du nouvel opus, le tout constituant un spectacle où le passé sera revisité.
"I Wouldn't Say It If It Wasn't True" (Je ne le dirais pas si ce n'était pas vrai) est le mémoire vivant et révélateur du leader et fondateur de l'un des groupes d'indie rock les plus vénérés des années 1980, The Dream Syndicate. C'est l'histoire de l'écriture de chansons et de la participation à des formations comme moyen d'accéder à un monde que son auteur aurait à peine pu imaginer - un monde de grandes maisons de disques, de bus de tournée luxueux et de salles à guichets fermés, mais aussi d'alcool, de drogues et d'une Babylone rock'n'roll de bas étage. En fin de compte, il s'agit d'un récit de rédemption, où la musique est un vecteur de transformation et de transcendance artistique et personnelle.
Steve Wynn déclare au sujet de son nouvel LP : ‘J'ai écrit et enregistré ces chansons en même temps que je travaillais sur "I Wouldn't Say It If It Wasn't True", mes mémoires qui sortent chez Jawbone Press la même semaine que "Make It Right", mon premier album solo depuis 2010. À chaque chapitre, j'avais des idées de chansons inspirées par la plongée dans mon passé. Au bout d'un moment, les réflexions se sont entremêlées donnant lieu à un commentaire mutuel entre la rumination littérale et métaphorique.
Les chansons ne sont pas directement autobiographiques, même si l'album commence par "Santa Monica", la ville et le boulevard où je suis né, et se termine par "Roosevelt Avenue", l'artère principale du quartier du Queens à New York où je vis aujourd'hui. On écrit ce que l'on connaît, même si l'on n'en est pas conscient au moment où l'on écrit.
Au fur et à mesure que je trouvais les mélodies et les mots qui allaient s'agiter et mijoter avec les histoires que je racontais dans le livre, j'ai simultanément fait appel à des amis et à des collaborateurs de mon passé récent et lointain pour m'aider à les étoffer sur ce disque. Vicki Peterson, Mike Mills, Stephen McCarthy, Scott McCaughey, Jason Victor, Dennis Duck, Mark Walton et ma femme Linda Pitmon sont tous présents dans le livre et ils sont aussi sur le disque !!’
Paru en single, "Make It Right" est disponible sous forme de clip là
Manu Chao, l'icône de la scène musicale mondiale, revient sur le devant de la scène en sortant un nouveau single baptisé "Viva tu". Après plusieurs années d'absence médiatique volontaire, l’artiste nous offre un avant-goût de son prochain opus tant attendu.
"Viva tu", produit par Radio Bemba et co-mixé par Manu Chao et Chalart58, constitue un hommage vibrant à l’humanité et à la diversité, une célébration de l’autre. Ce single, paru ce 29 mai 2024, capture l’essence de l’artiste avec sa simplicité désarmante et ses paroles touchantes. Il reflète les thèmes chers à Manu, tels que la communauté, les relations humaines et la beauté des moments simples de la vie.
"Viva tu" annonce également la sortie d'un nouvel elpee qui promet de transporter les auditeurs dans un voyage musical riche en émotions et en réflexions. Ce long playing, qui recèlera des titres inédits et des compositions en plusieurs langues (espagnol, anglais, français et portugais), explorera des thèmes contemporains tels que l’immigration, la critique sociale et l’amour pour la vie quotidienne.
Sur "Viva tu", Manu Chao nous rappelle que malgré les défis de notre époque, il existe toujours des raisons de célébrer la vie et de rester connectés les uns aux autres. Cette compo invite à redécouvrir sa musique.
Le clip d’animation consacré à "Viva tu" est disponible ici
Après la sortie de second elpee, "Gravity" (décembre 2022), et de l'Ep "Before Night Falls - The Black Box Sessions" (digital janvier 2024), le quatuor LUX the Band (Angela Randal et Sylvain Laforge accompagnés de Julien Boisseau et Amaury Blanchard) est de retour. Il vient de sortir un nouveau single intitulé "Infinite Mind".
Il s’agit d’un titre rock simple et direct, avec un gimmick mémorable et un solo reconnaissable de Sylvain Laforge. Les paroles cherchent à capturer un instant, à suspendre le temps suffisamment longtemps pour observer de près un état d'esprit où la beauté et l'amour côtoient la frustration et la déception, pendant que nous comptons les heures de la journée, jour après jour. Un sentiment d’exclusion, regardant ce qui se passe à l’extérieur tel un spectateur de sa propre vie. Le titre se conclut sur cette note d'espoir : ‘retreat, toss out the garbage and redefine’ (‘se retirer, se débarrasser des interférences et se redéfinir’) !
"Infinite Mind" est disponible sous forme de clip là
Le plan statique et le huis clos traduisent un espace mental et les différents états qui s'y trouvent.
L'action se déroule uniquement en intérieur –répétition, réflexion et multiplication– autant de façons de montrer le fonctionnement d'un esprit, visuellement soutenu par le montage du talentueux William de Caron et les images lumineuses de Jehsong Baak.
Dans cette vidéo, Sylvain symbolise la musique, toujours présente. Il n'est pas tout à fait le fruit de l'imagination d'Angela mais il existe dans son imaginaire (la petite musique dans notre tête).
Angela est à la fois la narratrice et l'autrice, en train de réfléchir, d'écrire et toujours en mouvement, prise dans l'acte de chercher les mots pour écrire la chanson.
A l’instar de l’univers, le monde de My Light, My Destroyer est en constante expansion.
Le troisième elpee de Cassandra Jenkins, qui sort le 12 juillet chez Dead Oceans, promet d'atteindre les limites de la nouveauté, avec une palette sonore plus large que jamais –englobant le rock indé à guitares, la new age, la sophistipop et le jazz. Au centre de tout cela on retrouve la curiosité de Jenkins pour les quarks et les quasars qui composent son espace, alors qu'elle mélange des enregistrements de terrain avec un lyrisme poétique tour à tour allusif, humoristique, dévastateur et confessionnel –un geste alchimique qui approfondit encore la richesse des 13 compos de My Light, My Destroyer.
Après avoir récemment sorti son premier single, « Only One », d'une luxuriance stupéfiante, Cassandra sort aujourd'hui le titre pop new age caverneux « Delphinium Blue », accompagné d'une vidéo qu'elle a également réalisée.
Cassandra Jenkins imprègne « My Light, My Destroyer » d'une grande confiance, qui trahit la simple vérité que le chemin n'a pas été sans difficulté.
En compagnie de ses plus proches collaborateurs musicaux et du producteur, ingénieur et mixeur Andrew Lappin (L'Rain, Slauson Malone 1) en coulisses, Cassandra Jenkins a commencé à construire « My Light, My Destroyer » à partir des cendres d'un faux départ qu'elle avait fait alors qu'elle ‘fonctionnait au ralenti’ après deux ans de tournées avec An Overview.
La vidéo de « Delphinium Blue » est à voir et écouter là
Après avoir accordé des concerts pendant un an à Paris et accompli un passage en Angleterre en début d'année, Fuji-Joe sort son premier Ep, « Soleil brûlant ».
À travers 3 titres, Fuji-Joe revendique être à l'origine du meilleur Ep de ‘post-punk noisy french poetry shit’ jamais enregistré à Pantin, en 2024 ».
Le trio, composé de Lou (à la batterie), Sarah (à la guitare) et Achille (au chant, basse, synthétiseur), aborde cet Ep comme un premier geste, proposant des textes en français et un son post-punk noise assumé.
Ce disque, conçu à six mains, est la somme de forces opposées. Fuji-Joe cherche ici une forme d'équilibre, la poésie au cœur du bruit, l'ombre dans la lumière d'un soleil brûlant.
« Désert » est en écoute ici
Tout de suite : plus qu’un mantra ou une profession de foi, trois mots qui résonnent comme l’affirmation d’un désir pur. Un appétit qui guide la vie d'Emma Peters chaque jour. Surtout depuis deux ans et la sortie de son premier album, « Dimanche », clin d’œil à son jour préféré, celui où, depuis sa chambre, elle diffusait sur Youtube des reprises de ses titres préférés.
Une habitude qui lui a valu des millions de streams, en France comme à l’étranger.
« Tout de suite » est né, comme « Dimanche », dans la chambre d’Emma. Une chambre dont elle a écarté les murs. Si la guitare acoustique reste son fil rouge, elle l’habille de nouvelles couleurs, afrobeat ou bossa (sur « Cariño », avec November Ultra et Noorou sur sa reprise en français de « Billie Bossa Nova »). Et s'aventure plus loin dans les univers qui l’inspirent depuis toujours, de la puissance frontale du rap français à la grâce extrême des chansons de Michel Berger ou Véronique Sanson. De nouveaux horizons vers lesquels l’accompagnent de nouveaux collaborateurs : Sage, ‘song doctor’ pour Clara Luciani, Lomepal ou Eddy de Pretto ; Boumidjal, ‘hitmaker’ » chez Niska ou Damso, qui a contacté spontanément Emma sur Instagram après avoir entendu ses chansons. Mais aussi Tristan Salvati (Angèle, Louane), Stan Neff (Barbara Pravi) et Mark ‘Spike’ Stent (Miley Cyrus, Harry Styles, Dua Lipa) au mix.
Multicolore, telle est aussi la palette de « Tout de suite ». Un opus dont l’extrême richesse trouve sa cohérence dans la sincérité d’Emma et dans sa voix. Sans jamais hisser un mot plus haut que l’autre, elle sait donner à chacun tout son sens, et oser le contraste entre les plus doux, les plus cash, les plus intenses. Tendresse et brutalité : dans le second elpee d’Emma Peters, tout, ou presque, est vrai. Chaque texte a la substance des choses vécues, celles qui font souffrir comme celles qui font grandir. Tous nous vont d’ailleurs droit au cœur. Tout de suite.
Extrait de « Tout de suite », « Empreinte » est en écoute là
Monseigneur est un quatuor liégeois dont les membres se connaissent puisqu’ils ont foulé les mêmes scènes au sein de projets musicaux différents, depuis de nombreuses années. Il s’agir d’un projet 2.0, né d'abord digitalement, lors du confinement imposé en 2020 et par la volonté de ses membres d’acquérir du matos leur permettant de surmonter les barrières de la production musicale classique, offrant ainsi une liberté totale de création et de production dont a découlé une quinzaine de titres.
Totalement autoproduit, le groupe revendique son autonomie créatrice en proposant une musique, en français dans le texte, dont les influences font le grand écart entre Led Zeppelin et Alain Bashung.
Le collectif numérique s'est dorénavant mué en une véritable entité physique qui s'est produite en concert pour la première fois en novembre 2023 lors d'un showcase de présentation dans leur berceau en bord de Meuse liégeoise. La formation est maintenant prête à prendre la route pour relancer l'aventure des concerts et propose un second extrait intitulé « L'Origine et la Fin ».
Dans l'attente de la parution du futur long playing, d'autres morceaux seront postés sur la toile, au cours des prochains mois pour essayer de se frayer un chemin jusqu'au public réceptif à l'appel de la musique de Monseigneur.
« L'Origine et la Fin » est à découvrir sous forme de clip ici
Edouard van Praet a publié son nouveau single, « Remplaçable », ce 2 mai 2024, une chanson délicate et rêveuse à la basse hypnotique, aux synthés mignons et aux guitares discrètes. Entre pop et punk doux, les paroles en français à la reverb’ profonde évoquent des souvenirs oubliés et une demande de pardon pathétique du narrateur. Stylistiquement entre 80’s et pop alternative moderne, ce titre commence frontalement et termine par une coda envoûtante qui pousse à la réminiscence. Finalement, cette ballade puise ses influences chez Tom Waits et Frank Sinatra, en servant d’un son gabber/trance dégénéré.
Le clip est à voir et écouter là
Le Belgo-canadien Edouard van Praet façonne son univers depuis maintenant trois ans. Trois années d’étrange fusion chimérique de styles : entre tradition et modernité, entre sourire et pleurs. Le dandy trash inhale les vapeurs du rock'n’roll pour les expirer en sons qui lui sont propres, ce que l’on pourrait appeler le jungian indie-pop-punk-electro-rock-paper-scissors alternatif ou pour faire plus simple, l’anti-rock.
Après avoir publié deux Eps bien accueillis en Belgique, Edouard nous prépare son premier album, la suite logique mais audacieuse de ses précédentes expérimentations (« Doors » en 2021, « Cycles » en 2022). Sur son nouvel opus, son chant en français est plus présent. Il voit sa musique comme un immense terrain de jeu au cours duquel des guitares sont grattées, des synthétiseurs sont manipulés et des micros sont malmenés.
Sur scène, Edouard se déchaîne. C’est une constance parmi ses contrastes. Accompagné de son band d’anti-rockeurs, il vous invite à boire la tasse et à vous abandonner à la transe.
La Flemme émerge comme un tourbillon coloré dans le paysage musical français, entraînant son public dans un univers où convergent des sonorités pop garage, des textures psychédéliques et une indéniable énergie nerveuse.
Originaire de Marseille, ce groupe de jeunes musiciens s'est déjà fait une place sur les scènes hexaqgonales, chacun d'entre eux s'étant déjà frotté au monde de la musique dans le cadre de divers projets. Jules, Stella, Charles et Ronie, respectivement associés à Technopolice, Flathead, Tense of Fools et Avenoir, ont mis leurs talents en commun après une nuit où la paresse était bien présente, décidant de créer ensemble une nouvelle entité musicale.
L'objectif initial était simple : monter sur les planches pour un concert dans les deux mois à venir. Et le résultat est à la hauteur de leurs aspirations : des titres accrocheurs, imprégnés de l'énergie frénétique du rock garage et d'une volonté d'exploration sonore psychédélique, gravés dans la mémoire auditive de leur public.
La Flemme dévoile également un clip captivant pour accompagner la sortie de son titre phare, "Somnifères". Il est à découvrir ici
Les membres de la formation sont figés dans des scènes évocatrices de quatre lieux emblématiques : un cinéma, un jardin, une chambre et la mer. Leur présence statique contraste avec l'effervescence sonore de la chanson, tandis qu'ils prononcent des paroles simples mais percutantes. "Somnifères" explore subtilement les thèmes de l'ennui et de la perte de l'innocence, plongeant dans la nostalgie de l'enfance où chaque instant semblait empreint de magie.
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