Comptabilisant à peine 319 575 habitants, l’Islande exporte en moyenne une trentaine de groupes, sur toutes les scènes mondiales, chaque année. Autour des gros moteurs tels que Bjök, Sigur Rós, múm, Emiliana Torini…, l’île du Nord du Monde satellise une multitude de formations moins connues, dont la touche particulière participe à la magie naturelle propre aux pays scandinaves. Spécificité singulière, qu’on aime ou pas, indice d’un talent indéniable. Une féérie et une poésie uniques inspirées des paysages majestueux du Nord. Pour l’anecdote, 40% de la population islandaise se plait à croire aux elfes et aux fées. Ensuite, la nature exceptionnelle, les couleurs inédites des paysages semblent composer elles-mêmes des mélodies et créent des atmosphères uniques. Une communauté d’artistes solidaires qui collaborent régulièrement ensemble autour du génial fédérateur Jón Þór Birgisson (leader de Sigur Rós).
Pascal Pinon est un de ces artistes talentueux, moins exposé médiatiquement. A l’instar de Sóley, Ólof Arnalds, Seabear, Sin Fang, Ampop, Dead Skeletones, Gus Gus, Bang Gang and many more.
Parfois, des mélodies se conjuguent aux humeurs, aux émotions éprouvées lors de moments difficiles de la vie, suscitant des raz-de-marée émotionnels inattendus qui vous submergent littéralement. Une combinaison qui vous plonge au cœur même des profondeurs et vous guide, vous entraîne à travers les turbulences de sentiments confus. C’est alors que « Twosomeness » devient thérapie douce. Un instant suspendu aux lèvres du mystère où l’âme rejoint l’essentiel ; un instant qui efface les matins glacials et lézarde d’ajourés le ciel bitumineux. Moment précis où le soleil enfin peut darder ses rayons pour éclairer le monde de mélodies magiques et tendres.
Les voix splendides des sœurs jumelles Jófríður et Ásthildur décochent leurs armes les plus délicieuses pour peindre une atmosphère folktronica déstructurée et apaisante. Les bruits maladroits et sourds des bandes des machines et le doux bourdonnement du background renforcent une ambiance captivante et claustrophobe. Effet tout particulièrement palpable sur le délicieux « Evgeny Kissin » appuyé de ses chœurs choraux.
« Twosomeness » : un plaisir rare et beau.
On sonne à la porte. Je regarde par la fenêtre.
Ah, zut ! Eux ?
J'enfile un ciré et chausse des bottes en caoutchouc.
Je vais ouvrir...
Je souris poliment à Andy McCluskey et Paul Humphreys.
- ‘Ah oui, on m'avait dit que vous alliez repasser. Quoi de neuf depuis votre naufrage en 2010 ?’
Et bing !
Je me reçois un gnon dans l'estomac.
Magistral de puissance. Un de ces coups de poing qui vous laisse haletant sur le carrelage.
D'ailleurs, c'est là, à même le sol, que je finis l'écoute d’« English Electric », le douzième opus d'OMD.
Et je ne suis pas prêt de me relever.
Je me suis fait avoir, en beauté.
L'effet de surprise a énormément joué, c'est sûr.
Comprenez ! Je ne m'y attendais pas. Absolument pas…
J'avais abandonné le groupe agonisant, il y a bientôt trois ans.
Un peu moqueur, j'avais nargué la bête blessée.
Faut dire que « History Of Modern » était une insulte définitive (ou semblait-elle définitive du moins) à la carrière de ce groupe aussi mythique que jadis authentique (ou l'inverse, je ne sais plus).
Nous en étions restés là, au bord d'un gouffre. Orchestral Manoeuvres complètement noyé dans le dark.
Bouffi, méconnaissable, la viande encore bien saignante, les plaies purulentes, les tripes à l'air, l'animal gisait presque mort. Un vrai carnage. La bête s’était dévorée elle-même.
Un exemple rare d'auto-cannibalisme avéré.
Pas beau à voir !
Un spectacle grisant d'horreur.
Le rictus facile, la morve exaltée par quelque vieux sentiment nostalgique, j'y étais allé personnellement de bon cœur à ruer de coups, ce corps flasque promis aux vers.
Ainsi, après l'effet d'étonnement suscité par son retour, je m'attendais à une nouvelle salve de vomi gluant et j'avais donc pris soin de m'équiper en conséquence.
Sans m'attendre le moins du monde au dénouement.
Pourtant, j'étais prévenu.
C'est écrit en blanc sur fond noir, sur l’arrière de la pochette : 1. ‘Please Remain Seated’
Pfff ! Faisant fi à cette sommation, j'avance le nez haut, la narine frétillante, cherchant à humer le parfum nauséeux de la barbac refroidie.
Et donc, je suis accueilli par cette fameuse estocade.
Les larmes vibrantes au bord des cils, un filet de bave scintillant à la commissure de mes lèvres ouvertes béatement dans un sourire médusé, je me recroqueville et me laisse emporter.
Les mélodies retrouvées, le sens aventureux, le regard fièrement jeté dans le rétroviseur, l'audace jetée sur les épaules comme un manteau d'humilité et non plus comme une peau de chagrin.
Ma vue est brouillée mais j'en suis certain.
Ces ombres qui se dessinent et ondoient nonchalamment au dessus de mon squelette ratatiné, forment à nouveau le corps de ce groupe auteur par le passé de ces succès dorés, tant de fois fredonnés, maintes fois dansés.
« Enola Gay », souviens-toi ! Oui, je me souviens. J'ai failli t'oublier. Depuis, je t'avais rangé dans les allées poussiéreuses de mes archives sacrées, de celles qu'on ne ressort qu'avec respect, tentant d'oublier le mal qui a été fait.
Bien sûr, j'aurais dû m'en douter !
‘Enola Gay, it shouldn't ever have to end this way’
Et donc, OMD est revenu. Revenu venger sa mémoire. Et rappeler ce qu'ils étaient. Ceux qu'ils étaient.
Inespéré !
Un frisson me parcours l'échine. En montant. En descendant. Une salvatrice dose d'« Electricity » qui surgit de ma mémoire.
Mais le bonheur est bel et bien présent.
Car là où tout foutait le camp sur leur dernier témoignage en date, des sons antidatés, périmés, vérolés, aux compositions branlantes, branleuses, biaisées, « EE » s'offre aujourd'hui une seconde jeunesse, un vrai retour aux sources.
OMD ne semble plus courir après le futur. D'ailleurs « The Future Will Be Silent ».
OMD embrasse à pleines lèvres son passé (« Kissing The Machine »), titre composé par McCluskey et Karl Bartos en nonante trois, après le départ de Kraftwerk et qui figure sur l'album « Esperanto » de ce dernier.
OMD revient et je ne veux plus le quitter (« Stay With Me »)
OMD est redevenu OMD
La belle esthétique enfin au service de la musique, tous deux enfin réconciliés, le graphisme comme support d'une musique retrouvée et non plus présent pour sauver les meubles dans un mouvement tangiblement fossile.
Alors, pendant que je m'épanche en sincères excuses, Andy et Paul me gratifient d'une « Final Song » qui jette une poignée de sel sur cette belle plaie sucrée ouverte sur mon cœur.
‘Vous partez déjà ? Et les gars, c'est quand que vous revenez ?’
En concert, le 20 mai 2013 à l'AB.
Night Beds est un projet initié par Winston Yellen, citoyen de Rocky-Mountain à Nashville. L’homme fait honneur à ses origines en distillant sur « Country Sleep », son premier LP, une agréable procession de morceaux louvoyant entre Americana, Country et Folk. On retrouve sur cette galette une large palette d’influences, parfois un peu trop flagrantes, mais toujours usée avec justesse. Impossible, par exemple, de ne pas penser à Ryan Adams à l’écoute de « Ramona » ou « Borrowed Time », Eliott Smith pour « Cherry Blossoms » ou encore à Fleet Foxes sur « Even If We Try » et « 22 ».
Pour « Country Sleep », Yellen s’est évertué à composer dix morceaux d’une beauté fragile, parcourus d’une voix passionnée qui emporte instantanément l’auditeur vers des paysages autrefois arpentés par des Johnny Cash et June Carter. En 34 minutes à peine, Night Beds nous fait le tour du propriétaire mais il n’en faut pas plus de 10 pour succomber totalement et irréversiblement aux charmes de ce « Country Sleep » resplendissant. Hautement et chaudement recommandé.
Premier arrêt en Belgique pour Yellen et ses cinq musiciens ce 4 avril à l’ABClub en compagnie de Matthew E. White.
Ce trio belge pratique une musique personnelle, ma foi, fort complexe et exclusivement instrumentale. Elle est le fruit d’un cocktail –en émulsion– de jazz (free, fusion), avant-garde, prog et hard. Le line up réunit Maguire, Michel Delville et Tony Bianco. Les deux premiers se réservent les claviers. Le deuxième les synthés et la guitare. Le troisième, les drums et tout ce qui touche à l’électronique. Avant de publier "Mercy pity peace & love", la formation avait déjà gravé "Never pet a burning dog". Richard Sinclair avait participé à l'enregistrement du premier opus, et manifestement, l'influence du bassiste de Caravan est encore significative aujourd'hui. Ce concept album est tiré de l'œuvre de William Blake, "Songs of innocence and experience"! L'enregistrement a été réalisé en deux séances, à six mois d'intervalle.
Alex Maguire est anglais. Il a été très marqué par l'école de Canterbury (Caravan, Soft Machine, Hatfield and the North), mais s’intéresse également à la musique avant-gardiste. Et tout particulièrement à John Cage ainsi que Howard Riley. Michel Delville est liégeois. Il milite au sein de Wrong Object, un groupe de jazz rock au sein duquel militent également Elton Dean et Harold Beckett. Tony Bianco est new-yorkais. Il est également fort impliqué dans ces milieux de jazz rock expérimental.
La lecture rapide du poème "There's a war goin' on" est accomplie devant un orgue aux sonorités enchanteresses. Néanmoins, on va droit vers une déclaration de guerre. De courts motifs de claviers tournent en boucle sur "Jalal", alors que la guitare réverbérée de Michel s'étire, avant de laisser libre cours aux interventions de piano électrique, puis de revenir enfin toute débridée, dans un style vraiment proche de l'école de Canterbury. La progression instrumentale rencontrée sur "No more quarrel with the devil" évoque King Crimson. Robert Fripp hante les cordes. "Rising upon clouds" trempe dans la musique classique d'avant-garde. Les accords de piano balayés de sonorités électroniques lorgnent vers Cage et Riley! Une reprise sur cet elpee ! Et elle est surprenante. En l’occurrence le "Purple haze" de Jimi Hendrix. Torturée, la guitare vagabonde. Psychotique voire démoniaque, le clavier s’immisce dans l’ensemble. La référence à Hendrix est aussi proche que lointaine… "The invitation" baigne au sein d’un climat dépouillé et empreint de douceur. Notamment à cause de la beauté naturelle des cordes de Delville, mais également des interventions d’orgue de Maguire. Très long, le titre maître s’ouvre dans un climat paisible. Mais après deux bonnes minutes, il est rompu par les roulements de batterie produits par Bianco. L’orgue progresse, il cherche sa voie avant d’émanciper les ivoires qui s’aventurent dans le free jazz, puis de céder le relais à une conjugaison entre claviers et guitare, gratte s’emballe lors de l’assaut final. Autre aventure intense, mais cosmique, "The human abstract" nous entraîne dans un périple imaginaire. De toute bonne facture, "Mercury" s’intègre parfaitement dans le style de l'école de Canterbury. Difficile d’accès, cet opus ne manque pas d’allure. Et il s’achève par "Goodbye my fellow soldier", une dernière longue piste caractérisée par un clavier sidéral, majestueux, et abordée dans l’esprit du krautrock des Tangerine Dream, Popol Vuh, Cluster et consorts…
La formule trio jouit toujours de mes faveurs. Et pour cause, son impact est immédiat, tant dans l’univers du blues que du rock'n'roll. Le MET tourne inlassablement près de ses terres. C’est-à-dire du côté de Los Angeles, en Californie. Mike Elder en est le chanteur et le guitariste. Il excelle dans le domaine du rockabilly. On le considère même comme un spécialiste. Sa première idole, c’était Scotty Moore des Jordanaires, le backing band du King Elvis! Il avait tapé dans l'oreille de Brian Setzer et Lee Rocker. Il a d’ailleurs participé aux sessions d’enregistrement de deux elpees gravés par Lee Rocker. John Bazz est préposé à la basse (NDR : formidable nom pour un bassiste !) C’est un des fondateurs des Blasters, un remarquable combo de rockab’. Quant au drummer, Jerry Angel, également un des piliers du band, il a apporté son concours à un nombre incalculable d’artistes ; et notamment les Blasters, Brian Setzer, Doug Yoakam et Leon Russell. En 2012, MET avait enregistré "Elvis Unleaded", un long playing dont les 20 titres issus du répertoire d'Elvis Presley, avaient bénéficié de la participation du mythique Gene Taylor, au piano.
Mile Eldred nous entraîne d’emblée sur les rives du Mississippi. Il est d’abord seul pour chanter "Don't go down there", avant d’être rejoint, à l’instar des work songs de naguère, par les chœurs –féminins et masculins– de l’Emmanuel Church Gospel Choir. Les amplis sont ensuite branchés. Place alors au boogie instrumental, "Jake's boogie". "Louise" est un blues légèrement teinté de jump. Nous sommes à L.A. La plage swingue. Mike est rejoint par une deuxième gratte, celle d'un des ténors locaux du genre, Kid Ramos. Roots song, "Mr Newman" est à la fois cool et immédiat. Délicieuse, la six cordes adopte un profil proche de Mark Knopfler. Rockabilly boogie éblouissant, "She's a rocket" déménage littéralement. Les accords de piano d’Ike Turner sont sautillants. Il est insatiable derrière ses ivoires. Jeff Turmes tire son épingle du jeu au sax baryton. Ike est toujours au poste pour "Jimmy, Jimmy", un rock'n'roll infernal. Très lent, "Ruby's blues" est un blues instrumental réminiscent des exercices de style opérés par Ronnie Earl. Plus roots et laidback, "Ms Gayle's chicken house" est un autre instrumental. Il bénéficie de la collaboration de Scotty Moore en personne. Le rythme agite à nouveau "For a girl", une compo bien texane soutenue par Riley Osborne à l'orgue Hammond. Somptueuse ballade, "This old train" fleure bon le sud, mais du côté de la frontière mexicaine. Les arrangements vocaux sont savoureux. Cesar Rosas (Los Lobos) se charge des cordes acoustiques. Ce long playing privilégie manifestement le blues. Eldred est vraiment brillant tout au long d’"I ain't comin' back", une compo balisée par le riff de "Help me". Le swing développé par John et Jerry pousse Mike au sommet de son art, sur le west coast jump, "Looke here". "61/49" évoque le célèbre carrefour de Clarksdale, dans le Delta, au croisement des highways 61 et 49. Un ‘crossroad’ légendaire où le mythique Robert Johnson aurait vendu son âme au diable. Ce morceau rend hommage à Delta blues. Eldred se réserve le bottleneck. Sa voix est particulièrement expressive. Une œuvre d’excellente facture…
Fondé en 1986, The Hitman Blues Band est drivé par Russel ‘Hitman’ Alexander, un chanteur guitariste new-yorkais. Il avoue pour influences majeures, Elmore James, Buddy Guy, Johnny Winter et Duane Allman. Son blues band réunit une section rythmique, un claviériste et un trio de cuivres.
Son premier album remonte à 2000. Il s’intitule "Blooztown". Un disque suivi par "Angel in the shadows", gravé en 2003 et caractérisé par l’intégration au sein du line up du claviériste Kevin Rymer ainsi que du saxophoniste Michael Snyder. En 2006, paraît "Live at Stonybrook University", un elpee qui bénéficie du concours de Mike Porter à la basse ; et enfin, en 2008, "Pale rider". "Blues enough" constitue son cinquième vinyle. Il recèle onze compositions ‘maison’ réalisées au studio Hot Sound à Brooklyn.
"Blues enough" est imprimé sur un tempo vivace. Cette compo déménage. Elle est soulignée de chœurs et de cuivres. Rymer est le premier à mettre le nez à la fenêtre sur son l'orgue, mais il cède rapidement le relais à son leader, apparemment hanté par le spectre de Johnny Winter. Plus nonchalant, "Sam the Bluzman" rend hommage au regretté bluesman Sam Taylor, disparu à l’âge de 74 ans, début 2009. Hitman chante ce morceau passionnément mais aussi respectueusement. "Fishing where the fish are" s'ébroue sur des rythmes syncopés. Le piano et les cuivres sont bien présents au sein de ce climat instable. Mais la guitare fait mouche au cœur de cette ambiance néo-orléanaise. Blues de bonne facture, "Backhand drive" pourrait émaner de Chicago, mais aussi d’ailleurs. Une compo abordée dans l’esprit de Buddy Guy voire de Luther Allison, au cours de laquelle la slide est très remuante au milieu des cuivres. Lent, "Every peace of me" est un R&B de toute bonne facture. Le chant est impeccable. Les sorties de cordes et d’orgue sont solides. La guitare libère toute sa sensibilité sur "Streets of downtown", une autre ballade indolente très réussie. Retour à Chicago pour "Everything you do", un bon shuffle à la Elmore James. "Life's too short" évolue sur le Diddley beat. Neil Alexander se réserve l’harmo et Guy Lafountaine affronte les cuivres, de ses drums. Roots blues, "Better glass of bums" véhicule des accents swing et dixieland. Le trombone d'Al Alpert et la trompette d'Eric Altarac s’autorisent un billet de sortie. Encore une ballade R&B :"Deaf, dumb & Blind". Le saxophone brille de mille feux tout au long de cette piste séduisante et cool. Et l’album se referme par un morceau plus agressif, sans doute, à nouveau inspiré par Johnny Winter.
A contrario de ses frères primates, Le Singe Blanc a loupé le train de l’évolution darwinienne ou plutôt, il a décidé de ne pas le prendre, préférant vivre ainsi dans son état primaire. Originaire de Metz, en Lorraine, la formation nous repasse les mêmes plats que lors des deux précédents essais, à peu de chose près. Il y a toujours ces deux basses et la batterie, mais les innovations sont surtout à chercher du côté des vocaux. Et pour cause, les onomatopées ont cédé le relais au chant. Particularité, un violon parcourt une compo ; en l’occurrence, « Cheuby ». Sans quoi, musicalement, rien de bien neuf à l’horizon. Peut-être une production plus soignée. M’enfin, pas de panique, les aficionados vont adorer. Pour les autres, il est préférable de passer votre chemin…
L’histoire de Filiamotsa débute en 2007, lorsque deux Nancéens se rencontrent, en l’occurrence Anthony (batterie) et Emile (violon). De cette rencontre va naître un concept original et intéressant. Et pour cause, en se servant uniquement d’une batterie et un violon, le duo va explorer les tréfonds du rock-noise. Le groupe a déjà sorti plusieurs elpees et tourne régulièrement à travers le monde. Il s’est ainsi déjà produit aux States, au Canada et en Europe. Il a même partagé la scène de Steve Shelley (Sonic Youth), Oxbow ou encore The Ex, formations ou artiste qui les ont naturellement influencés.
Pour enregistrer leur dernier opus, le tandem a décidé d’élargir le line up du combo, en engageant un second violoniste. En outre, plusieurs invités ont participé aux sessions d’enregistrement. Et notamment Le Chapelier Fou. Il vient jouer du clavier sur « La Porte de la Fontaine ». Ou encore G.W.Sok qui pose sa voix sur « 4GSO ». Une voix qu’Anthony nous fait enfin découvrir (« Cerveaux de famille », « Chiens Déguisés »). Sous la forme de ‘spoken word’. Et c’est une innovation. Découpé en sept morceaux pour 38 minutes, « Sentier des Roches » recèle évidemment ses titres instrumentaux.
Si la formule peut paraître peu accessible, à premier abord, au fil de l’écoute, on se sent comme transporté par l’intensité de leur musique, déchirée entre frénésie et envolées lyriques. En outre, Filiamotsa a le bon goût de ne pas chercher l’expérimentation à tout prix. Et le résultat est tout à fait convaincant…
Il existe des groupes ou des artistes pour lesquels il est toujours difficile d’être objectif. IAMX appartient à cette catégorie. J'ai toujours été un grand fan d'IAMX, et plus précisément depuis le jour où j’ai assisté à leur set, à Dour, en 2006. Je m’étais déplacé pour applaudir Archive, mais IAMX m'a tout simplement explosé la tête. Chris Corner (ex-Sneaker Pimps), le fondateur et leader de cette formation, est extrêmement talentueux. Multi-instrumentiste, chanteur, compositeur et producteur, il a réussi à développer un cross-over musical étonnant, qui combine avec bonheur des éléments new-wave, funk, dance et indie-pop, soulignant le tout de paroles intelligentes et sexy. Au final, ce sont des chansons d'une beauté incroyable. Et leurs concerts sont tout simplement dingues.
Intéressant : pour produire ce 5ème opus, Corner a lancé une campagne de 'crowdfunding' via pledgemusic.com, afin de lever des fonds. La réaction des fans a été hallucinante : une heure plus tard, le groupe avait déjà atteint 100% du montant escompté. Le jour de la sortie du long playing, les promesses d'achat culminaient à 800%! Un signe du lien incroyablement fort qui lie cette formation à ses fans.
Jusqu'à présent, Corner avait produit ses albums lui-même, mais cette fois, il a fait équipe avec Jim Abbiss, un Britannique qui a mis en forme le "Becoming X" des Sneaker Pimps ; mais il est surtout connu pour son travail opéré chez Arcade Fire, Adele et Ladytron. Cet elpee, enregistré à Berlin, dans le propre studio ('Turmwerke') de Corner, offre donc un éventail beaucoup plus large d'arrangements que les productions précédentes. ‘Jim a contribué à libérer ma créativité’, a déclaré Corner. C'est pourquoi vous retrouvez ici des instrumentations plus diversifiées, dont le dulcimer, le violon, la flûte, le vibraphone ou le glockenspiel.
Les thèmes des paroles, par contre, n'ont pas changé. Le sexe, la mort, l'amour, l'ivresse narcotique, la décadence, la religion, la politique, l'aliénation et la société moderne sont toujours au cœur des lyrics. Corner avait déjà publié trois vidéos avant la sortie du disque : "The Unified Field", un hit électro très accrocheur, "I Come With Knives", une chanson forte et hypnotique incluant un poème en allemand chanté par Janine Gezang, et "Quiet The Mind", une très jolie berceuse.
Sur l’album, on trouve d'autres plages puissantes et rythmées comme par exemple, "Sorrow", une ode magnifique à la mélancolie et "Walk With The Noise", dominé par un superbe riff de piano ; mais l'ambiance générale est plutôt dans les tempos mi-lents, voire lents. "The Adrenalin Room" propose une atmosphère trip-hop, 'ambient', et identifie beaucoup d'effets sur les voix, tandis que "Screams" se distingue par des sons mystérieux au dulcimer et un refrain aux vocaux très aigus. Une guitare acoustique berce une magnifique ballade intitulée "Under Atomic Skies". Quant à "Come Home", il est très susceptible de vous flanquer des frissons partout. Enfin, "Land Of Broken Promises" évoque une valse aux accents burlesques, qui virevolte au son de percussions folkloriques et de violons manouches.
Pas de doute: ce nouvel opus d'IAMX est à nouveau un chef-d'œuvre. Je vous avais prévenus: je ne suis pas objectif. La seule chose qui manque, c'est un hit comme "Spit It Out", publié en 2007 ; mais vu le soutien de ses nombreux fans dispersés partout dans le monde et le genre de vie qu'il mène à Berlin, je ne pense pas que Chris Corner ait vraiment besoin de retrouver ce succès 'mainstream' éphémère et tellement factice. Achetez ce disque: c'est un ‘must’!
Dave Kelly est un vétéran du blues anglais. Agé de 66 ans, il a milité chez John Dummer Blues Band et Tramp, des petites formations qui ont forgé la richesse du british blues boom des sixties. Disparue en 1990, sa sœur aînée, JoAnn, était considérée comme la meilleure chanteuse de blues britannique. Memphis Minnie, c’était son influence majeure.
Dave va monter d’une division une décennie plus tard ; et plus précisément en pleine vague punk. Il rejoint alors le chanteur/harmoniciste Paul Jones (NDR : un ex-Manfred Mann) au sein du Blues Band. Le combo va alors publier un nombre incalculable d'albums. Ce qui n’empêchera Kelly de poursuivre une carrière individuelle. I"We had it all" réunit 18 plages inédites, une collection puisée sur une période de 43 ans. C'est dire si notre homme a des racines.
"New Stockyard blues" ouvre la plaque. Dave est flanqué de son DK Band. Une plage immortalisée ‘live’ en 2003. En Suède. Un standard du blues d'avant-guerre imprimé sur un tempo rock'n'roll. Pete Emery, qui était le compagnon de feu Jo Ann, se réserve la guitare. Country blues acoustique, "Needed time" est interprété en duo ; et c’est Eric Bibb qui se charge des vocaux !! "Dust my blues" est un classique signé Robert Johnson. Nous sommes en 1969. A Manchester. Pour cette version ‘live’ particulièrement rare, c’est le légendaire Howlin' Wolf qui chante et souffle dans l'harmonica face au John Dummer Blues Band. Dave s’y réserve la slide. Cette collection puise au sein d’une multitude de styles. Soutenu par les chœurs de Kokomo et balisé par les ivoires de Chuck Leavell, "The River" trempe dans le gospel. Tout au long du "Ramblin' gal" de Hank Williams, la voix de Jo Ann Kelly est troublante. Les interventions de Dave à la slide, sont littéralement glaciales. Country bluegrass, "Passing through" date de 1971. Banjo électrique et violon dominent cette compo concédée par Rocksalt. Ex-Stone The Crows, Maggie Bell est une autre grande dame du blues anglais. Elle chante en duo sur la plage acoustique "Gulf Coast Highway". Les dernières pistes puisent dans un répertoire plus récent. Et épinglent quelques duos. Dont celui échangé en compagnie de Chris Barber, un des pionniers du blues outre-Manche. Il s’y réserve le trombone sur le bouleversant "Mr Estes said". "D-Day blues", ensuite. Impliquant le pianiste de boogie, Jona Lewie. Le "Too young to know" de Muddy Waters, encore. Auprès de son fidèle ami Paul Jones. Et enfin, le traditionnel "Take this hammer". Feu Long John Baldry, un autre artiste inoubliable, est alors le partenaire de Kelly. Dont la carrière est quand même fort riche…
Si vous aimez le blues, le southern rock ou toute forme de jam session, vous ne pouvez être insensible à tout ce qui touche à la famille Allman. Devon est le fils de Gregg, leader charismatique et intemporel de l’Allman Brothers Band. Originaire de Corpus Christi (NDR : c’est au Texas), il est âgé de 40 balais. Il a été élevé par sa mère, Sjhelley Kay Jefts, mais il a hérité des gènes musicaux de son père.
Il opère ses débuts au cours des années 90. A l’époque, il vit à St Louis, dans le Missouri. Il adoptera un style plus franchement blues, à partir de ses trente ans. Son album favori était "Layla" de Derek and the Dominoes. Eric Clapton en était le leader, mais le groupe pouvait aussi compter sur l’oncle de Devon, Duane Allman, virtuose de la guitare slide. En 1999, il fonde Honeytribe, une formation qui va s’accorder une pause dès 2001, avant de reprendre le collier dès 2005. Au fil des ans, il se produit aux quatre coins du monde. Il publie également deux albums, "Torch' en 2006 et "Space age blues" en 2010. L'année suivante, il rejoint le Royal Southern Brotherhood, un supergroupe de blues rock, au sein duquel militent le chanteur/percussionniste Cyril Neville (NDR : il est issu de la Nouvelle Orléans) et le très prometteur chanteur/guitariste Mike Zito. Le combo grave un elpee éponyme en mai 2012. Mais déjà, fin du mois de septembre, il entre en studio à Memphis, sous la houlette de Jim Gaines, pour enregistrer son premier opus personnel : "Turquoise". Lors des sessions, il a bénéficié du concours d’une section rythmique, soit le drummer Yonnico Scott et le bassiste Myles Weeks, mais également de quelques invités.
"When I left home" ouvre le bal. Une chanson inspirée par la bio de Buddy Guy. Du roots rock de toute bonne facture. La voix rappelle celle du père, mais en moins ravagée. Il est épaulé par Luther Dickinson des North Mississippi All Stars, à la slide. Et ses interventions sont limpides. Mike Zito cosigne "Don't set me free", une excellente ballade soul blues, hydratée par l'orgue Hammond de Rick Steff (de Lucero) et enrobée de chœurs, autorisant une sortie de cordes très cool. "Time machine" est une chanson douce, atmosphérique. Les cordes acoustiques épousent parfaitement la pureté du chant. "Stop draggin' my heart around" est un des sommets de l’elpee. Devon, de son timbre nasillard, et la délicieuse Samantha Fish (NDR : une autre artiste hébergée sur le label Ruf), se partagent un duo tout au long de cette remarquable composition issue de la plume de Tom Petty. Des rythmes latins et africains alimentent "There's no time", une piste caractérisée par des sonorités de guitare réminiscentes de Carlos Santana. Imprimé sur un mid tempo, "Homesick" est un blues rock qui s’illustre par une sortie de cordes originale. Devon dédie "Into the darkness" à son fils Orion, une ballade qui bénéficie du concours de Ron Holloway au sax ténor (NDR : cet ex-Dizzy Gillespie est membre du Warren Haynes Band). Et la dernière ballade, "Turn off the world", baigne dans un climat éthéré…
Lisa Cee a accompli de respectables études dans le domaine de la musique et des arts théâtraux. Doué d’une très bonne voix, cette chanteuse est aussi capable de livrer toute son âme dans son interprétation. Elle vit à Los Angeles. Ce qui lui a permis de monter sur les planches, auprès d’artistes locaux de blues comme Johnny Mastro et ses Mama's Boys, Canned Heat, Kid Ramos, Kirk Fletcher, Rod Piazza, Robert Lucas ou encore Mickey Champion. Une certaine presse raconte que sa voix et son charisme rappellent de grandes dames du passé ; et en particulier Janis Joplin et Lydia Pense (de Cold Blood) ou encore Bonnie Raitt. Je n'irai pas jusqu’à oser ces comparaisons ; mais il faut reconnaître que Miss Cee est une fameuse vocalise, outre son talent de compositrice.
En 2005, elle avait publié "Beast of honey". Pour concocter cet opus, elle a reçu le concours de son backing groupe habituel. En l’occurrence, l'excellent gratteur BR Million et le bassiste Mike Highwater, sans oublier Albert Trepagnier et Jim Kersey qui se partagent la batterie.
Le signal de départ est donné par "What good am I", un blues qui rocke vachement bien. Il semble calqué sur "Messin' with the kid", un classique de Junior Wells. Tout aussi nerveux, il est marqué au fer rouge par la guitare de Millon, alors que Lisa reste sur sa réserve. "Fire in the sky" est teinté de funk. La voix domine son sujet. Le tempo est appuyé par le sax baryton de Ron Dzuibla. De toute bonne facture, "Lost you" est un blues lent qui baigne au sein d’une atmosphère dépouillée à l'extrême. Lisa chante face à la guitare réverbérée de Scott Abeyta, le boss du label Rip Cat, alors que le soliste se réserve une nouvelle brillante sortie. Abeyta est toujours au poste pour entretenir le tempo boogie de "Good-bye baby", se frottant aux sonorités plus trash de l’autre gratte. Il ne faut pas oublier que les musicos de Canned Heat, considérés comme les rois de la boogie music, sont issus de la même cité. "Fire" est sculpté dans du pur funk. Lors de cette invitation à se secouer les hanches, la guitare rythmique répète ses accords à l’infini, alors que Dzuibla en profite pour faire hurler son saxophone. Ballade roots sensuelle, "My turn" est illuminée par une superbe partie de slide, signée Scott Abayta. Dansante, "I'll take you there" trempe dans le jazz R&B. Une plage acoustique au cours de laquelle la voix de Lisa est drapée de chœurs masculins. La sèche concède des accents manouches. Max Bangwell est une gloire locale. Il se charge des bongos. La basse de Mike fédère l'ensemble. Dès les premières notes de "Right man", on reconnait Johnny Mastro, à la puissance de son souffle dans l’harmo. Mais le leader des Mama's Boys n’empiète jamais sur la voix de Lisa, lorsqu’elle chante ce blues nerveux! Pour votre info, sachez quand même que c’est Mastro qui se charge de la production de cet opus. Très rythmique, le chant est talonné pare la guitare largement amplifiée de Million sur "Stop tryin", un blues climatique. Lent, "Bright shiny world" est un blues chargé d’intensité. Edo Guidotti siège derrière l'orgue Hammond. Féline, la voix de Lisa est de plus en plus furieuse. "Cold hearted woman" prend la direction de la Nouvelle-Orléans. Les percus sont bien mises en évidence. Le chant est plus tourmenté. Lisa et ses acolytes partagent le micro sur le paisible "Evil wind", une piste au cours de laquelle la guitare brille de mille feux. Une surprise ? La cover du "White rabbit" de Jefferson Airplane, une compo signée Grace Slick. La nouvelle version est superbe. Miss Cee chante divinement face au sax impérial de Dzuibla. Excellent, ce long playing s’achève par "Already", un titre folk empreint de tendresse, que Lisa interprète devant le violoncelle de Chris McCarthy.
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