Benjamin Power est un ex-membre du groupe Fuck Buttons. Et « Blanck Mass » constitue le premier elpee de son projet solo. Un disque dont l’écoute est véritablement… éprouvante ! Au départ, on pense qu’il ne s’agit que d’une intro un peu longuette, et on prend son mal en patience. Mais rien à faire : le premier morceau est effectivement à l’image de l’ensemble de l’opus : c’est interminable, lent mais surtout totalement vide !
Pour chacune des 10 pistes que compte le long playing, on attend vainement qu’il se passe quelque chose. Que la musique ‘décolle’ enfin. Bref, que l’artiste nous surprenne un tant soit peu. Mais ce phénomène ne se produit jamais.
Les titres sont parfois longs, parfois courts, mais ils s’avèrent surtout, tous, inévitablement lancinants, flemmards et creux. « Blanck Mass » rendra tout auditeur normalement constitué amorphe.
Par exemple, quasi aucun instrument n’est utilisé, hormis un synthé, et encore, plus que parcimonieusement. Pas de changement de rythme non plus ou même de mélodie à découvrir. Seul un long fond sonore pénible, qui nous rappelle vaguement une séance de relaxation. Inutile donc de souligner que son écoute est pour le moins laborieuse. Et que dire encore lorsqu’on on arrive à « What you know », qui ne dure pas loin de 15 minutes ?!
Au rayon des reproches, on notera aussi l’absence totale de paroles, excepté sur un ou deux morceaux de l’elpee (NDR : et encore faut-il tendre l’oreille). En conclusion, ce disque s’adresse donc aux amateurs de silence…. dans le registre de la musique. Cherchez l’erreur.
Détail amusant : « Blanck Mass » pourrait se traduire en anglais par ‘La masse de vide’. Jamais à mon sens un album n’aura si bien porté son titre. On ne saurait donc que trop conseiller à l’auditeur lambda de passer son chemin : circulez, il n’y a rien à écouter !
Preuve, s’il en est, de leur ascension surprise et éclatante, Biffy Clyro délivre un premier combi Cd/Dvd live, relatant les prouesses scéniques des Ecossais. Après avoir publié cinq albums studio et un best of, le trio mené par Simon Neil est clairement parvenu à un point culminant de sa carrière. « Revolutions//Live at Wembley » permet donc de faire le point. Des petites scènes à celle autrement plus impressionnante du Wembley Arena, Biffy Clyro a pris son temps mais son efficace mélange de Rock, Pop et Metal, est arrivé à convaincre le globe. Et ce, notamment grâce à un album imparable, « Puzzle », publié en 2007, et, surtout, des tournées mondiales interminables.
Neil et les frangins Johnston ont donc, très logiquement, immortalisé leurs riffs, les mélodies et la sueur au cœur d’un ‘Live’ d’excellente facture au niveau de la production mais un peu trop focalisé sur « Only Revolutions », le dernier LP studio de la bande. Normal, me direz-vous ; mais malgré quelques bonnes surprises (les excellentes versions de « 57 » et de « Who’s Got A Match »), il y a de quoi être déçu de ne pas y retrouver « Semi-Mental », « 27 » et « The Ideal Height » ou que l’épique « Living Is A Problem Because Everything Dies » ait perdu énormément de sa substance dans sa mouture live.
Biffy Clyro se rattrape néanmoins au niveau de l’énergie déployée sur les planches et de la puissance dégagée par des riffs, ici gonflés aux stéroïdes. Il n’en demeure pas moins que l’objet s’adresse aux fans inconditionnels avant tout, ce live n’étant pas spécialement représentatif de la discographie du trio.
Cyber-homme à tout faire, le plus Liégeois des sujets de Sa Majesté Elisabeth, Brian Carney, alias Android 80, continue de sonder les sonorités eighties, tel un pionnier de l’histoire de la musique propulsé dans une capsule capable de voyager dans le futur.
Malgré des claviers vintage, les compositions de ce pur produit de l’ère disco-wave sonnent terriblement modernes. Elles sont même savamment équilibrées, à mille lieues de tout passéisme élitiste.
Mélodies imparables et textes cyniques qui font mouche, parsèment cet elpee de bout en bout.
Sortant de sa boîte à rythmes comme un diable robotisé, Android 80 remue les fessiers les plus rouillés et inflige un sérieux coup de jeune à la vielle garde sur le retour (Human League en tête).
Chanteur des défunts UFO Goes UFA et claviériste au sein de Phantom Feat. Lio, l’ami Brian nous offre ici une relecture moderne d’un passé que nous chérissons tous d’une manière ou d’une autre, que l’on soit fan de Kraftwerk, Depeche Mode ou de Jean Michel Jarre (et j’aime beaucoup l’improbabilité de cette référence).
Un album ‘boule à facettes’ hautement jouissif, et iconoclaste à souhait.
Second degré et (im)pertinence se disputent la part belle sur cette galette digitale calibrée pour devenir un must des années à venir et servir de référence à des générations et des générations à venir.
On travaille sérieusement chez The Workhouse, trop sérieusement peut-être... A l’instar de moines cisterciens, ces musiciens bâtissent des cathédrales sonores shoegaze –qui ont d’ailleurs séduit John Peel il y a quelques années– un peu austères. Le titre de leur 3ème album, « The Coldroom Sessions », décrit à merveille leurs morceaux glacés, mais encore suffisamment humains pour ne pas être chirurgicaux. Epurée, la musique de The Workhouse pêche donc parfois par sobriété ; et le mélomane risque fort de se détacher progressivement de son écoute, car il est parfois difficile de différencier un morceau de l’autre. Le chanteur possède une voix profonde. Un peu comme Lou Reed. Le climat est sombre. Martial même. Un peu dans l’esprit de Joy Division. Mais les « Coldroom Sessions » finissent par nous plonger dans une certaine torpeur, malgré quelques moments de bravoure, comme les trois plages qui ouvrent la plaque : « Fading Fast », « Stalker » et « The Last Time I Saw the Stars ». Difficile pourtant, de ne pas avoir du respect vis-à-vis d’une formation rendant hommage de si belle manière à son producteur, mort avant l’enregistrement de son album : ‘We were due to record this album with Rich Haines. Sadly, he was taken ill and passed away before we could begin. This album is dedicated to him’…
L’univers de Cécile Gonay se tient perché entre deux nuages, dans un équilibre si subtil qu’il tient presque du miracle.
Jouissant d’une voix dont les intonations ne manquent pas de rappeler une certaine Kate Bush, et présentant de longs doigts effilés, aussi à l’aise sur un clavier que sur les six cordes de sa guitare, la gente demoiselle égrène la poussière des étoiles au rythme de ses chansons n’appartenant à aucune convention ni diktat imposé.
Pénétrez dans son antre, laissez vous bercer par la douce lumière tamisée qui y règne et éclairer par ses mélodies aux charmes suaves. Approchez, approchez !
Découvrez par vous même l’étrangeté singulière de son monde habité d’une multitude de créatures célestes virevoltant avec grâce dans un rêve intemporel. Et valsez sur ces compositions aux influences aussi multiples que difficilement discernables.
Les vents baltiques qui portent les murmures d’anciennes légendes oubliées se rappellent au souvenir d’une triste complainte susurrée l’hiver au coin d’un feu où crépitent les flammes du désir (« Vampire », « Five »). Et au dehors, la pluie se mue en rideau mélancolique (« I Gave My Soul »).
Escapade en terrains celtiques (« Sorry My Dear ») et échappée belle dans la langue de Voltaire (« Dormir Debout »).
Un album fièrement assumé par une fée aux sortilèges enivrants et qui s’il manque de maturité, n’en demeure pas moins un excellent point de départ vers une galaxie aux jeux de miroirs déroutants.
En concert :
le 11novembre à L’an Vert, Liège.
le 10 décembre à l’Atelier Rock de Huy.
le 22 décembre à la Porte Noire, Bruxelles.
« The Widow Blades » constitue le 4ème album du duo américain Reigns pour le compte de la maison anglaise Monotreme (65DaysOfStatic, Barzin, …) Et, comme d’hab, l’ambiance n’est pas à la fête. Leur nouvelle œuvre s’inspire de la véritable histoire d’une veuve qui a disparu mystérieusement, en 1978. Leur album reflète à merveille cette atmosphère mystérieuse. « The Widow Blades » a d’ailleurs été enregistré dans les différents lieux que la dame est sensée avoir visité avant sa disparition, dont son propre domicile, celui d’un homme suspecté de l’avoir assassinée ou encore une maison de thé locale… « The Widow Blades » ressemble à une sorte d’exorcisme musical. Le climat finit même par envoûter. Reigns érige des paysages sonores en se servant de nappes de pianos, de cordes de guitare acoustique (« Over Tone Gulley ») ainsi que de samples (« The Diagram »). Notre esprit vagabonde, mais comme s’il tournait au ralenti, en compagnie de Miss Blades, au sein d’une ambiance éthérée proche de Sigur Rós voire d’Arab Strap (« I Will Burn for This »). Un œuvre réussie, malgré quelques longueurs, en fin de parcours…
Voir ou entendre un artiste ou un groupe pour la première fois est souvent déterminant, lorsqu’on doit ensuite poser une analyse. En ce qui concerne Shaka Ponk, quintet français exilé à Berlin, c’était lors de leur passage sur le plateau de l’émission Taratata. Ma réaction n’était peut-être pas très pro, mais mon esprit a été profondément marqué. Pas dans le bon sens, je dois l’avouer. Le kit du parfait combo néo-métal du début du millénaire arboré par des trentenaires ; désolé ça ne pardonne pas ! Autant dire que lorsque j’ai reçu le troisième album du groupe, « The Geeks and the Jerkin’ Socks », son sort (NDR : celui de l’album, évidemment !) était déjà à moitié scellé. Notre histoire avait commencé sur de mauvaises bases. Quoi qu’il en soit, par acquis de conscience et par déontologie, j’ai donc écouté le disque…
A leur décharge, il faut avouer que Shaka Ponk est un groupe essentiellement visuel. Et l’énergie live est difficile à reproduire sur cd. Dès « Let’s Bang », le ton est donné. Tempo rapide, mélodies prévisibles ; bref du punk électronique rappelant la scène californienne d’une décennie plus tôt. La voix de la nouvelle recrue anglo-égyptienne vient cependant adoucir celle aigue et insupportable du chanteur des débuts. Très vite, ce punk festif se répète et finit par lasser. On épinglera quand même la présence du rappeur Beat Assaillant sur « Old School Rocka » ainsi que celle de Bertant Cantat, aux vocaux sur « Palabra Mi Anor ». Ce qui devrait faire un peu de pub à leur long playing.
« The Geeks and the Jerkin’ Socks » va rapidement filer au fond de mon armoire, à l’abri des regards, et prendre peu à peu la poussière.
Samiyam ou la preuve par 17 que les produits redevables de près ou de loin à Flying Lotus ne sont pas forcément et systématiquement exceptionnels. Si Samiyam, de son nom de baptême Sam Baker, voulait cet essai éponyme à son image, il lui faudra la repenser de A à Z.
Sur ce premier LP en solo, le bidouilleur originaire du Michigan renvoie indubitablement l’image d’un personnage qui foisonne d’idées mais n’arrive pas vraiment à les enrober de façon marquante ou à les disposer de manière cohérente. « Sam Baker’s Album » se limite à une suite de beats Hip Hop sans relief. Parcourir le disque de long en large, et à répétition, ne permet même pas de dégager le moindre morceau marquant. L’impression globale laissée, au terme de l’écoute de la plaque, est irrévocable : « Sam Baker’s Album » sonne cruellement comme du Flying Lotus. Ou plutôt comme une série de démos que Flying Lotus n’aurait même pas pris le temps d’achever.
Rien d’épatant, rien d’exceptionnel. A croire que toute la vigueur et les bonnes idées du projet FlyAmSam de Baker et de son mentor reposaient entièrement entre les doigts d’un seul de ses deux membres. Tout le potentiel des beats de « Sam Baker’s Album » se noie dans un travail bâclé et inachevé. Du côté de chez Brainfeeder, mieux vaut s’attarder sur les dernières galettes de Thundercat et de Lorn.
Les espaces musicaux ouverts par Sandro Perri, sur « Impossible Spaces », son second album enregistré sous son véritable nom, semblent, à première écoute, difficile d’accès pour le commun des mortels. Le Canadien s’autorise toute liberté sur des longs morceaux rappelant les élucubrations de Sufjan Stevens en compagnie duquel il partage un goût immodéré pour le mélange du folk et de l’électro (le superbe « Wolfman »). Autrefois connu sous le patronyme de Polmo Polpo, Sandro Perri était surtout notoire pour son travail dans le domaine de la production. Et tout particulièrement en matière de musique électronique.
Au fil du temps, il s’est intéressé davantage au style acoustique ; ce qui explique pourquoi il a apporté sa collaboration à Great Lake Swimmers ainsi que Barzin. Multi-instrumentiste, ce petit génie est donc parvenu, en bidouillant dans son home studio, à concocter de véritables pépites uniques en leur genre, accessibles à l’oreille malgré leur originalité. Ses compos qui empruntent constamment de complexes chemins de traverse, mais finissent par retomber sur leurs pattes, pour un résultat pour le moins saisissant mais réussi (le diptyque « Futureactive Kid »). Il parvient même à conjuguer crescendos électro et cuivres ou percussions latines (« Love and Light »), sous un format pop, malgré la longueur des morceaux. Bref, Sufjan Stevens s’est trouvé un nouveau concurrent…
Bassiste au sein de la formation mancunienne Nine Black Alps, Martin Cohen s’offre une petite escapade solo à travers son projet Milk Maid. Quoiqu’insulaire, l’artiste semble apparemment fortement influencé par la scène américaine.
Enregistré dans son appartement, « Yucca » est évidemment lo-fi. Une dimension apportée par la production minimaliste. Résolument garage et brut de décoffrage, la musique, aussi simple qu’efficace, nage dans un rock psychédélique rappelant parfois Kurt Vile. Sous une nappe de guitares bien crades et chargées de réverb’, se cachent de véritables perles. Et on ne peut que tomber sous leur charme. Martin Cohen démontre toute l’étendue de son talent de songwriter, notamment lors de titres d’une simplicité austère ; à l’instar de « Girls » et « Someone You Thought You’d Forgot ». Maintenant, il est vrai que certaines séquences pourraient être taxées de trop dépouillées. Heureusement elles ne sont pas légion. Et puis elles font partie du jeu.
Un disque que je vous recommande vivement. Le label FatCat (Forest Fire, The Twilight Sad, Maps & Atlases …) a une nouvelle fois eu le nez creux en signant Milk Maid. Ce premier essai augure un futur prometteur. Du moins on l’espère !
Memphis Industries est un label exigeant. De qualité aussi. C’est ainsi la maison mère des Anglais de The Field et des Américains de Coulourmusic. Il concède cependant un fort penchant pour le rock progressif, un brin cérébral et sous addiction. Milagres, trio issu de Brooklyn, ne déroge pas à la règle, en dispensant une dream-pop à tendance… progressive. Dans un style sis à la croisée des chemins de Beach House, Grizzly Bear et Flaming Lips…
« Glowing Mouth » est un opus riche et varié. Les compos sont inventives et intemporelles, mais parfaitement maîtrisées. Longues en bouche elles surprennent et parfois même émerveillent. « Here to Stay » puise ses sources à la fois chez Arcade Fire et R.E.M., « To be Imagined » pourrait correspondre à une version moderne des Beach Boys (NDR : Kyle Wilson, chanteur du groupe au falsetto éthéré, partage d’ailleurs curieusement le même le nom de famille), alors que le titre maître, caractérisé par son électro-soul subtile et chaloupée, rappelle carrément James Blake. Des synthés bizarres soutiennent des harmonies vocales étonnantes de maturité pour une formation dont c’est le premier elpee. Il faut dire que Kyle Wilson a disposé d’énormément de temps pour le composer, immobilisé chez lui pendant de longs mois, à la suite d’un accident d’escalade !
Bref « Glowing Mouth » est un disque ambitieux et frais, pas toujours très facile d’accès, malgré son sens mélodique aiguisé. A découvrir d’urgence!
Quatre ans se sont écoulés depuis le jour où M83, alias Anthony Gonzalez, a commis l’immense, le grandiose, le luxueux « Saturdays = Youth ». La suite, on l’attendait bien évidemment de pied ferme. C’est donc un sourire jusqu’aux oreilles qu’on a accueilli l’annonce de la sortie d’un double album de l’enfant prodige. Un sourire qui s’st allongé de quelques centimètre de plus à l’écoute de l’excellent premier extrait de la plaque, « Midnight City ». Gonzalez est donc bien de retour, dans une forme olympique.
Publier un double album est toujours un pari osé. Il y a ceux qui, commercialement, se cassent les dents dans l’exercice (Ryan Adams & The Cardinals, Scott Weiland, The Knife, …) et ceux qui décrochent le jackpot (Pink Floyd, The Smashing Pumpkings, Outkast, pour ne citer qu’eux). En publiant « Hurry Up, We’re Dreaming », M83 se place définitivement dans la seconde catégorie. L’opus réunit 22 pépites divisées en deux galettes indissociables. Réfléchi, bien dosé, cohérent, ce nouvel ouvrage aidera les sceptiques à se faire une idée de l’étendue du talent de Gonzalez.
Pour le morceau « Intro », M83 a convié la non-moins talentueuse Nika Danilova, plus connue sous le nom de Zola Jesus (dont le nouvel LP « Conatus vaut également le détour) à lui prêter ses chœurs. Une mise en bouche qui renoue avec le son énorme, cinématographie, eighties et éthéré des œuvres du Français. « Hurry Up, We’re Dreaming » n’est pas foncièrement différent de la discographie antérieure de ce dernier mais permet a Gonzalez d’aller plus loin dans la matérialisation de ses idées. Des idées qu’on accueille les oreilles bien dressées, et particulièrement lorsqu’il délivre des morceaux de la trempe de « OK Pal », « Midnight City », « New Map », « Intro » et « Splendor » (pour lequel il a reçu la collaboration de Brad Laner). Des rêves de cette trempe, c’est toutes les nuits qu’on en veut.
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