Duke est Londonien. Un musicien qui a milité, fin des années 80, chez les Orbs. Chanteur et guitariste, il joue également du saxophone. Il a sévi au sein d’Archie Bronson Outfit. Son premier elpee solo, "Holy week", est paru en 2005. Dans la foulée, il commet son second, "Emerald Palace", soutenu par son ami percussionniste Paul May. En 2009, il signe chez Fire Records, et publie un Ep intitulé "He was a warlock", suivi de l’album, "The sand that falls". Son univers sonore n’est pas toujours facile d’accès. Sa musique de racines trempe dans une forme d’ambient ; un peu comme si un bluesman d'avant-guerre enregistrait sur le chantier d'un immeuble moderne en construction. Mais elle est très personnelle, même si on y décèle des traces de blues et de jazz. Les spectres de Nick Cave, de Tom Waits, mais également de Captain Beefheart, y planent d’ailleurs constamment. Surtout les aspects expérimentaux. Lors des sessions d’enregistrement, on ne peut pas dire que les musiciens se bousculaient dans le studio. Duke se réserve l’essentiel du boulot : il chante, joue de la guitare, de la basse, des claviers et du saxophone. Un unique et véritable collaborateur : Neil May. Et un invité circonstanciel, le bassiste Neil May. C'est tout!
Le safari démarre par l'énigmatique "Jesus got a gun". Un blues dépouillé, curieux, mais non dénué de charme, caractérisé par le flux et le reflux des cordes acoustiques. Il reflète bien le mal de vivre de ce Jésus armé. Duke G titre toutes les ficelles de cet assemblage singulier. "God in my shoes" trempe dans la même atmosphère tourmentée du Delta. Le son des cordes est métallique. Duke chante. Il est relayé dans la voix par Talulah James, comme le blues d'un ‘songster’ colportant de hameau à hameau des nouvelles peu rassurantes. Les percussions de May sonnent le glas. Le saxophone marque le pas funéraire. Ce n’est pas la joie, mais la densité sonore de ce "Panther" est assez remarquable. Duke est à nouveau seul aux commandes pour développer l’éthéré "Gold watch", une plage qui évoque le Krautrock expérimental. Celui du début des 70s. Un mouvement dominé par les sonorités synthétiques des claviers. Des sonorités alors visionnaires que nous livraient Tangerine Dream, Klaus Schulze, Kraftwerk, Can ou encore Amon Düül. Bienvenue dans l’espace sidéral de notre citoyen britannique sur "Space Trucker Lady". Voyage spatial ou vision orientale ? "Summer gold" est une ballade folk qu’il chante d’une voix empreinte de douceur, presque à notre oreille, à la manière d'un Tom Waits qui se serait payé une cure de fraîcheur. Ce climat enveloppe également "Wine blood", une ballade dépouillée à l'extrême. Il revendique l'héritage de Charlie Mingus et d'Albert Ayler. C’est donc dans cet esprit qu’il aborde pudiquement "Gengis". Un morceau très électrique qu’il maîtrise parfaitement, en juxtaposant les sons, avant de virer dans le free jazz débridé, aventureux, lors de "Tapestry of Mars", au cours duquel il souffle dans son saxophone au gré de sa fantaisie. "Flames of gold" est une compo introspective, qu’il aborde à la manière d’un Nick Cave, plongé dans ses pensées les plus ténébreuses. On se demande quand même s’il n’est pas poursuivi par l’esprit de Jimi Hendrix, époque Band of Gypsies, sur "Rank Panache". Il dompte parfaitement "Taras Bulbous", un morceau réminiscent de la période la plus complexe et délirante de Soft Machine voire de Yes. Et il nous propose, en finale, une piste spatio-orientale de toute bonne facture, au cours de laquelle il est aux commandes d'un bulbul tarang. Génial!
Les marches funèbres de « Both Ways Open Jaws », esquisses d’un conte noir de Charles Perrault revisité par Tim Burton.
A l’image de sa pochette, photographiée chez le grand-père d’Olivia en Finlande, le second opus de The Dø semble hanté, empreint de sortilèges. De la primale « Slippery Slope » à l’électronique folle de « B.W.O.J », le duo franco-finlandais célèbre une brillante messe noire, à la fois brute et délicate.
Deuxième album sur lequel les ex-n°1 du top album devaient confirmer leur identité musicale. Indépendante, libre et créative. Une philosophie d’ailleurs assumée par la voix féminine du groupe : On a compris que the « Both Ways Open Jaws » ne serait pas non plus forcément un album grand public. Ainsi, « The Dø » s’érige en un modèle, radical, de musique indépendante. Une forteresse autarcique imperméable aux enjeux non créatifs : Personne ne nous impose rien, vraiment, affirme Dan, on est producteurs de nos albums, auteurs, compositeurs, arrangeurs, mixeurs, ingénieurs du son… C’est comme ça qu’on aime faire notre musique. On sait où on veut aller. Il faut se battre pour conserver son intégrité, se battre pour ses idées : personne ne les aura à notre place. C’est important de pouvoir affirmer que notre musique, c’est ça, que nos visuels, c’est ça, et qu’on emmerde ceux qui ne sont pas d’accord ou qui t’expliquent que ‘c’est pas possible’. Le risque qu’on a pris pour le premier album, on l’a aussi pris pour le second.
Au sein de l’écurie franco-finlandaise, on l’aura compris, On n’aime pas le luxe, on aime se mettre en danger. Et ça s’entend ! Un pari gagné qui résonne sur les sillons d’un album versatile où le genre pop se réinvente titre après titre. Armé d’une formidable patte mélodique et d’une voix d’acrobate, les morceaux accrochent les mêmes neurones à plaisir que sur « A Mouthful ». Plus sombre et plus instrumental que l’album précédent, « Both Ways Open Jaws » se métamorphose en une authentique machine à spleen qui touche invariablement son public.
Gros bémol, cette musique de caractère (scandinave) offrant de magnifiques atmosphères oniriques présentées sur l’Ep constitue malheureusement la structure centrale de cet l’album (voir chronique de l’Ep : http://www.musiczine.net/fr/chroniques/the-d-/dust-it-off-ep/). Trois titres catchy décorés de mélodies rêveuses qui n’accrochent que trop rarement les oreilles de l’auditeur. Il paraît évident qu’on ne peut exiger de telles prouesses à aucun groupe. Reste, néanmoins, l’amère impression que « Both Ways Open Jaws » souffre d’un ‘extended play’ presque parfait. Quelques essoufflements s’entendent d’ailleurs sur « Leo Leo » et « Moon Mermaids ». Cependant, la qualité des arrangements audacieux (« Slippery Slope »), cinématographiques (« The Wicked & The Blind »), veloutés (« Was It A Dream ») de Dan Levy viennent systématiquement densifier les chansonnettes maléfiques de Madame ø. Ouvrez les oreilles ou écoutez-les au casque, les artifices de production sont remarquables.
Malgré quelques phases de sommeil profond, « Both Ways Open Jaws » n’en demeure pas moins un album splendide. Une œuvre originale qui s’amuse à pénétrer les interstices de vos rêves les plus sombres. Cauchemar ou réalité ? Plaisir coupable ? Olivia et Dan n’épargneront aucune âme sensible !
The dø, sous la forme d’un sextet (multi-instrumentistes aux cordes, aux cuivres et aux claviers), se produira à Bruxelles le 7 avril sur les planches de l’Orangerie (Botanique). Concert complet !
Curieux quand même que la notoriété d’un artiste ou d’un groupe peine souvent à traverser l’Atlantique. Dans un sens ou dans l’autre. The Demon’s Claws est une formation qui n’est guère connue chez nous, malgré quelques sets accordés sur le Vieux Continent. Et pourtant, au Canada et aux Etats-Unis, elle appartient à la crème de la crème du garage/rock. Ces Montréalais ont ainsi assuré le supporting act des Black Lips en compagnie desquels ils partagent le même excellent label yankee, In The Red, tout comme Vivian Girls, TV Ghost ou encore feu Jay Reatard. C’est d’ailleurs ce dernier qui avait mis en forme leur précédent elpee. Manifestement si le band est méconnu en Europe, il possède de belles références en Amérique du Nord.
Leur second opus devait, à l’origine, s’intituler « The Defrosting of Walt Disney » ; mais afin d’éviter des poursuites judiciaires, leur écurie leur a demandé de laisser tomber la mention relative à l’illustre dessinateur californien.
Une écoute de cet elpee est suffisante pour déceler le talent de ce combo. Leur mélange de rock et de psyché fait mouche. Les mélodies sont limpides. Les morceaux courts, énergiques, intuitifs, bourrés de charme. La voix réverbérée de Jeff Clarke, les accords de basse caoutchouteux d’Ysael Pépin et les solos de guitares, simples mais terriblement efficaces, nous replongent quatre décennies en arrière. Et pourtant, pas de revivalisme ici, mais une véritable bouchée d’air frais. Du bonheur à l’état pur ! On comprend mieux pourquoi Demon’s Claws est parvenu à devenir une référence, aux States et au Canada, en à peine, huit années d’existence.
Une bonne raison pour ne pas les manquer lorsqu’ils se produiront près de chez vous. Surtout qu’il paraît que leurs prestations scéniques sont décapantes…
Jeunes et talentueux, les Crookes livrent un premier album plein de promesses.
Bien sûr, à l'écoute de « Chasing after ghosts », bon nombre de prestigieuses formations de sa gracieuse Majesté viennent immanquablement hanter les esprits. Smiths en tête, la pertinence du propos en moins. De très belles mélodies, brodées et mises en lumière par la voix de son chanteur.
Dans la lignée des Maccabees, les Crookes reprennent le flambeau d'une Pop anglaise fière qui se replace en bon ordre sur la ligne du temps.
Alors, certes, rien de nouveau ici. « Bloodshots days » ou « Just like dreamers » assurent la continuité de groupes comme Gene ; et l'ombre de Morrissey trône de tout son poids sur l'ensemble de cette première œuvre. Mais si cette filiation calfeutre The Crookes dans un canevas qu'il sera dur de briser, il propulse néanmoins le groupe sous la loupe de la curiosité.
Et force est de constater que dans le registre, cet album possède assez de qualités pour plaire aux amateurs du genre.
A voir le 22 mai au Botanique en compagnie de Suuns et Mirrors.
Si Clan Edison a vu le jour le long de la Méditerranée, c’est certainement dans le sous-sol insalubre d’un bistrot suintant le whisky. Car apparemment, le trio a grandi en écoutant des groupes sudistes américains plutôt que des artistes de variété française.
Après sept années de dur labeur, Clan Edison, originaire de Nîmes, a donc décidé de publié son premier album. Autoproduit, il est découpé en neuf morceaux crépusculaires, hypnotiques, torturés et frénétiques. Sa musique ? Sombre, évidement. Le corbeau qui illustre le recto de la pochette en dit d’ailleurs long sur le climat au sein duquel baigne la musique de Clan Edison. Une forme de stoner qui rappelle tour à tour Sixteen Horsepower, Queens of The Stone Age voire le Noir Désir époque « Tostaky ». Le chant est puissant. Il est exprimé tantôt dans la langue de Molière (NDR : ce qui n’est peut-être pas leur choix le plus judicieux), tantôt dans celle de Shakespeare. Bienvenue dans le monde ténébreux de Clan Edison…
Mea culpa… il est probablement un peu tard pour parler d’un album sorti en septembre dernier ! Mais, les critiques du dernier album de Black Mountain étaient tellement peu à l’avantage de la bande à Stephen McBean, que « Wilderness Heart » est resté pendant de longs mois en dessous de ma pile d’albums à chroniquer….
A raison ? Si on le compare à « In The Future », leur 2ème album, c’est sûr qu’il s’agit d’un pas en arrière. Mais le groupe avait probablement atteint son apogée à l’époque ! Sur « Wilderness Heart », les Canadiens adoucissent le ton mais restent à notre plus grand bonheur, calés dans les années 70 (Black Sabbath et Led Zeppelin en tête). Les riffs heavy sont toujours au service de morceaux à la fois sombres (« Radiant Hearts ») et légers (« The Hair Song ») comme tend à le prouver le concours apporté par deux producteurs –Randall Dunn (SunnO)))) et D. Sardy (Oasis, Rolling Stones)– à la mise en forme. Une sensibilité noire et psyché arrondie par des mélodies presque pop qu’enrichissent les claviers quasi-glam de Jeremy Schmidt. Les voix de McBean et d’Amber Webber se complètent de mieux en mieux et Black Mountain offre tout de même encore des morceaux lourds et heavy comme jamais (« Let Spirits Ride » plus ‘sabbathien’ que nature et à la limite de la caricature) ; mais aussi une bonne moitié des ballades acoustiques (« Old Fangs »).
S’ils ne composent plus de morceaux inoubliables comme sur leur opus précédent, les membres de Black Mountain élargissent leur spectre musical quitte à perdre certains fans de la première heure. Un groupe d’une grande classe.
Tout d’abord, il est peut-être nécessaire de rappeler qu’Arid est incontestablement le leader de la scène belge ! Plus personne n’en doute. Du moins c’est mon sentiment…
Jesper Steverlinck et ses acolytes trustent depuis pas mal d’années maintenant les honneurs de la scène rock noir-jaune-rouge. Personne ne leur discute ce leadership.
Dernière parution du band, la sortie d’un boîtier ‘Limited Edition’ réunissant deux plaques. La première est simplement la réédition de leur dernier album en date paru il y a plus d’un an, enrichi d’une toute petite surprise. Un inédit. « Shine ». Inconnu au bataillon jusqu’à présent. Mwouais… Bien vu les gars ! Pas de quoi sursauter, juste un petit plus, c’est bien du Arid, pur jus, bon, simple, efficace.
Deuxième plaque dans l’emballage, l’intégrale du concert accordé à l’AB, le 28 février 2011, dans une salle comble et conquise d’avance. Au niveau images, excellent ! Elles restituent parfaitement bien l’atmosphère de la soirée privilégiant la communion entre Jasper et ses fans. Un moment exceptionnel de la soirée est à épingler lorsque Jasper descend au milieu de SON public, échangeant des poignées de mains avec les chanceux les plus proches mais gardant toujours le contrôle de la situation quant à son interprétation. En ce qui concerne la bande son, elle est tout bonnement excellente. Les 17 titres interprétés ce soir-là par Arid sont le reflet parfait de leur carrière. Le sublime « Life » constituant le point d’orgue de ce très bon Dvd.
Rien de plus à se mettre sous la dent. Pas de bonus, d’interview ou autres curiosités qui auraient pu donner à l’ensemble un label ‘incontournable’.
Ce coffret demeure néanmoins un beau souvenir pour celles et ceux qui ont vécu cet événement ou eu l’occasion de voir le ‘best belgium band on stage’. Mais également un témoignage destiné aux autres qui (j’ai un doute) ne connaîtraient pas encore Arid.
Incontournable pour tout fan qui se respecte !
Les fans de ce grand guitariste canadien auront probablement un peu de mal à le croire ; mais, malgré presque trente-cinq années de pratique intensive du culte du hard rock, votre serviteur n’avait jamais eu l’occasion de poser une oreille sur la musique de Pat Travers. Une lacune impardonnable, que le label allemand e.a.r. music a eu la bonne idée de combler en envoyant un exemplaire CD de sa réédition de l’album live « Boom Boom – Live At The Diamond – Toronto 1990 » à la rédaction de Musiczine.
Né à Toronto en 1954, Pat Travers tombe sous le charme de la six-cordes, à l’âge de douze ans, alors qu’il assiste à un concert de Jimi Hendrix. En 1975, il est remarqué par le légendaire rocker canadien Ronnie Hawkins qui l’emmène en Angleterre. Travers en profite pour fonder son propre groupe : le Pat Travers Band. Le premier album éponyme est publié chez Polydor, en 1976. Travers enchaîne ensuite les tournées (avec Rush et Rainbow notamment). Le succès est au rendez-vous et certains de ses elpees (« Live ! Go For What You Know » - 1979, « Crash & Burn » - 1981) sont très bien placés dans les charts américains. Quelques musiciens, aujourd’hui reconnus, se succèdent d’ailleurs au sein du Pat Travers Band. Au nombre d’entre eux, citons par exemple, un certain Nicko McBrain (Iron Maiden), Tommy Aldridge (Ozzy, Whitesnake) et Pat Thrall (Hughes/Thrall, Asia, Meat Loaf). En 1981, l’album « Radio Active » (1981) se vend beaucoup moins que ses prédécesseurs. Polydor en profite pour rompre le contrat qui le lie à Travers. Déçu par le ‘music business’, le guitariste canadien met sa carrière en sourdine pendant quelques années. Ce n’est qu’en 1990 qu’il ressuscite le Pat Travers Band en publiant un opus intitulé « School Of Hard Knocks ». Travers est désormais accompagné par Jerry Riggs (NDR : certains d’entre vous se souviendront peut-être que ce guitariste américain avait publié au début des eighties, un album à la pochette ‘canine’ impressionnante et dont certains extraits, « Radar Rider » et « Heartbeat » notamment, avaient été inclus à la B.O. du film d’animation « Heavy Metal »).
« Boom Boom – Live At The Diamond – Toronto 1990 » a été mis en boite au Diamond Club de Toronto lors de la tournée qui a suivi la sortie de « School Of Hard Knocks ». Sorti au format vinyle en 1991, l’album n’avait jamais été publié au format Cd. Travers, à la tête de son gang fraîchement reconstruit, y propose une heure et dix minutes d’un hard rock typique de la fin des seventies et du début des eighties. Les guitares lead sont, évidemment, plus que flamboyantes tout au long des quatorze titres musclés, fortement teinté de blues, de ce long playing. Le groupe interprète quelques uns de ses grand classiques : « Snorting Whiskey », « Boom Boom (Out Go the Lights) », « Life In London », « Gettin' Betta » ainsi qu’une reprise du titre blues classique « Born Under a Bad Sign » originellement interprété par Albert King (NDR : mais aussi par Jimi Hendrix et The Cream) et « Ready Or Not » qui était l’un des morceaux de l’album solo de Jerry Riggs dont nous parlions plus tôt. Petite merveille d’intensité et de feeling, l’œuvre s’écoute avec un plaisir intense, et ce, même si l’on ne connait pas le Pat Travers Band.
« Boom Boom – Live At The Diamond – Toronto 1990 » est, bien sûr, destiné aux fans nostalgiques de Travers mais aussi à celles et ceux qui, comme votre serviteur, sont passés à côté de ce musicien talentueux à l’époque de sa gloire. A (re)découvrir !
En concoctant « Accelerate », en 2008, REM avait, semble-t-il, effectué une légère embardée, emmenant son public dans des coins un peu plus reculés, légèrement plus violents que son image ne le laissait imaginer. Michael Stipe nous avait dévoilé une personnalité un peu moins exposée, plus sombre, plus nerveuse, plus rock’n roll !
Trois ans plus tard, le génial trio (depuis 1997, année où Bill Berry les quitte), auteur des mémorables « Losing my Religion » et autre « Daysleeper » nous revient après s’être douché et rasé de près. Tournée la page du ‘méchant’. Nos quinquagénaires sont de retour, tout gentils, tout doux et tout beaux dans leurs jolis costumes, dispensant une musique bien comme il faut, presque parfaite, nettement plus calme et plus soyeuse que sur cet album de ‘sauvages’, sorti en 2008… Fallait bien que jeunesse se passe…
« Collapse Into Now » renoue avec les recettes qui ont fait le succès du band depuis près de trente ans et 14 albums studio. Ce quinzième effort enregistré à Berlin, Nashville et à la Nouvelle-Orléans, est à nouveau produit par Jacknife Lee (U2, Bloc Party, Weezer), déjà préposé à la mise en forme sur « Accelerate ». On épinglera également les participations de Patti Smith, Lenny Kaye, Joel Gibb, Peaches et Eddie Vedder (Pearl Jam), qui ont chacun collaboré sur un morceau de l'album.
En effet, hormis les deux bombes rock initiales, « Discoverer » et « All The Best », dans la lignée de l’elpee précédent, le reste est un véritable retour aux sources.
Dès le troisième titre, le groupe baisse de rythme et nous propose alors une série de ses fameuses ballades ‘semi-folk-rock’ belles à en pleurer. Que ce soit l’excellent « Überlin » ou encore « Oh My Haert », à peine un ton en-dessous. « It Happened Today » permet à REM de repartir de plus belle avant de ralentir à nouveau le rythme et baisser très légèrement en efficacité sur « Every Day Is Yours To Win ». Michael reprend ensuite du poil de la bête tout au long du plus entraînant et aérien « Mine Smell Like Honey », caractérisé par son refrain qui déménage. La pression retombe toutefois très vite. Responsable de cette baisse de régime, la superbe ballade « Walk It Back » et l’organe génial de Stipe qui nous envoûte jusqu’à nous donner la chair de poule. L’opus prend ensuite à nouveau de l’altitude grâce à Peaches qui donne de la voix sur « Alligator_ Aviator_ Autopilot_ Antimatter », à l’instar de Kate Pierson (B-52’s) sur « Shiny Happy People », en 1991. La plage suivante, « That Someone Is You » est un petit rock sympa, tout ce qu’il y a de plus correct et simplement accrocheur. « Me, Marlon Brando and I » démontre tout le talent de compositeur de Michael Stipe. Cette splendide chanson nous dépose sur un nage tout moelleux, où règnent calme, paix et douceur. En finale, « Blue », plage sur laquelle Patti Smith apporte son concours, est sans doute la plus originale de l’album. Un échange ‘progressif’ plus parlé que chanté entre les deux complices aboutit à une rengaine entêtante, lente, poignante.
Et pour clôturer de façon originale ce quinzième disque, REM reprend, comme il avait débuté, quelques dizaines de secondes de « Discoverer ». La boucle est en effet bouclée !
Si certains reprocheront à cette œuvre un manque d’homogénéité, les mélodies sautant du coq à l’âne, un peu trop systématiquement, « Collapse Into Now » est vraiment un excellent album. Il démontre à la fois tout le talent d’écriture de Michael Stipe et l’envergure qu’a prise REM en près de 30 années d’une carrière riche en albums de choix. Celui-ci fera, assurément partie, à n’en pas douter, de l’élite absolue produite par le trio américain.
REM reste un (très) grand groupe qui garde la pêche.
La ville suédoise d’Uppsala n’est donc pas seulement connue pour ses thrillers nordiques chers à Stieg Larsson mais abrite également une artiste de talent : Britta Persson. La jeune Scandinave publie son 3ème et réjouissant album « Current Affair Medium Rare ». Une œuvre dont les arrangements, à la fois bien plus soignés et en même temps épurés, sont destinés à sculpter des compos agréablement accessibles. Britta possède en effet toutes les cartes en main pour percer au grand jour tant l’immédiateté de ses compositions saute aux oreilles.
Ses chansons sont portées par une voix singulière et de superbes mélodies. Une voix qui campe un hybride entre celle de Cat Power et Fiona Apple. Si dans le passé Britta lorgnait essentiellement vers le folk, aujourd’hui elle pratique une pop dans le sens le plus noble du terme. Ses morceaux ont tout pour séduire sans jamais racoler. Un petit exploit dans l’univers de l’indie qui devrait faire le bonheur de Pure FM. Les trois premières plages sont, par exemple, tout à fait tubesques : « Annoyed To Death », « Meet A Bear » et « Toast M » libèrent une énergie rafraichissante et vous incitent à les réécouter. Et pas de simples hits jetables ! Si elle calme le jeu par la suite, c’est pour offrir de jolies ballades comme la nerveuse « Some Girls, Some Boys » ou l’atmosphérique « Big Fuss », la meilleure chanson du lot. Le vivier semble décidément inépuisable en Suède…
Panic! at the disco n’est plus qu’un duo réunissant Brendon Urie et Spencer Smith. Qu’à cela ne tienne, l’aventure continue pour les fondateurs du groupe. Surfant depuis sept ans sur la vague du succès, PATD, que viennent de quitter, pour désaccord artistique, Ryan Ross et Jon Walker, n’en demeure pas moins une valeur sûre dans le paysage pop/rock électro made in USA. Preuve en est, ce troisième elpee, fort de dix nouveaux titres. Malgré la disparition de Ryan, l’âme du band, qui a laissé planer dans nos esprits le split du groupe, Brendon et Spencer ont réussi la gageure de replacer le train sur les rails. Après avoir écoulé plus de deux millions de copies de leurs deux premiers albums, les survivants ont décidé, non pas d’innover ou d’essayer de se réinventer. Ils se sont concentrés sur ce qu’ils savent faire de maîtresse façon : de la classique pop très efficace ; et ce n’est pas pour nous déplaire. Ouf, l’identité du groupe reste intacte…
Loin du rock baroque qui a forgé le succès du groupe, surtout sur « Pretty Old », paru en 2008, notre duo risque cependant de plaire nettement moins aux amateurs d’envolées lyriques qui émaillaient leurs sorties précédentes. Reste toutefois dix titres qui seront très vite assimilés ; car si on demeure dans le classique tout au long des dix plages proposées, le tout entre très, très rapidement dans l’oreille et n’est pas pour autant dénué d’intérêt.
Les singles vont à nouveau envahir les ondes FM et les lecteurs MP3 de nos jeunes ados, accros aux Fall out Boys et autres formations crapahutant au sein du même univers musical.
On épinglera, sur « Vices & Virtues », « The Ballad Of Mona Lisa », « Let's Kill Tonight », « Hurricane », « Memories » et « Sarah Smiles » qui seront, à n’en pas douter, des hits imparables surtout de l’autre côté de l’Atlantique.
Ce qui constituait la force du groupe, chorus, rythmes endiablés et mélodies simples, est très clairement mis en exergue sur « Vices & Virtues ».
Finalement, il n’y a pas eu de ‘Panic’ à bord lorsque le navire a été déserté par son capitaine, abandonnant une partie de son équipage à son triste sort. Loin de là ! Nos deux marins survivants ont même très bien mené leur barque. Ils ont renfloué le bateau et sont repartis vers de nouvelles aventures. Celles-ci les mèneront directement, sans escale sur les parquets cirés des plus belles discos de la planète…
Au final, un album que l’on prend plaisir à écouter !
Les inconditionnels des dancefloors ne pourront malheureusement pas assister au concert que la formation devait accorder ce vendredi 13 mai 2011, à l’Aéronef de Lille. Cette date est annulée.
Si l’artwork de la pochette m’a immédiatement fait flasher, le nombre de compos réunies sur l’album m’a aussitôt refroidi. Dix-neuf titres ! Il n’en fallait pas plus pour que le cd soit relégué en-dessous de la pile de disques à chroniquer. Mais à un certain moment, il a quand même fallu que je me décide à l’écouter. Et là j’ai été agréablement surpris. En fait, j’aurais dû en rester à ma première impression, car il faut reconnaître que cet opus est tout simplement superbe. Le trio normand est certainement ce qui est arrivé de mieux à la pop française depuis de longues années.
Les plages dépassent rarement les deux minutes. Un tracklisting réunissant dix-neuf perles pop mélodiques, contagieuses, efficaces, tantôt douces et mélancoliques, tantôt énervées et percutantes, à l’instar de « Day » ou encore « Who Tells you ? Mais la caractéristique de ce combo hexagonal procède de sa capacité à tirer parti au maximum de tout objet, instrument ou voix. Des vocaux dispensés en solitaire ou sous la forme de chœurs. Et si les compos sont déstructurées, ce n’est jamais à l’excès. D’ailleurs, tout au long de cette œuvre, la formation parvient à trouver l’équilibre parfait entre les différentes composantes de sa solution sonore. Les excellents « Unbeatable » et « Samba de la Muerte » en sont les plus belles illustrations. Et après s’être plongé au cœur de cette œuvre, on en ressort une heure plus tard la tête pleine de rêves et le moral remonté à bloc. Une véritable bouchée d’air frais qui fleure bon le printemps…
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