Une certaine osmose entre King’s X et son public londonien a toujours existé. En 1988, alors qu’il venait à peine de publier son premier opus, « Out Of The Silent Planet », et qu’au pays, il se produisait encore devant une audience limitée, le trio texan remplissait déjà le Marquee de Londres. En hommage à ces fans qui l’ont toujours soutenu, King’s X s’était promis d’enregistrer son premier live officiel dans la capitale britannique. C’est désormais chose faite. « Live Love In London », qui sort chez Inside Out Music aux formats Dvd et double Cd, a été immortalisé en janvier 2009, lors d’un set accordé dans un Electric Ballroom londonien complètement sold-out (NDR : Il existe un Dvd intitulé « Gretchen Goes To London » publié en 2008 qui, bien que repris dans l’onglet ‘discographie’ du web site de King’s X, n’est pas considéré comme une sortie officielle).
Bien que nous soyons privés d’images (nous n’avons malheureusement reçu que la version audio promotionnelle), nos oreilles nous permettent d’apprécier le véritable culte que les Anglais vouent aux trois Texans. Leur entrée triomphale sur « Groove Machine » est saluée d’une salve de cris et d’applaudissement par un parterre qui répond comme un seul homme à chaque injonction de Ty Tabor (guitare et chant) et de Doug Pinnick (basse et chant). Le lien qui unit le public à ses idoles est palpable à chaque instant. L’Electric Ballroom ne se contente pas de regarder et d’écouter, il participe et vit son concert. Sur « Summerland », par exemple, la foule heureuse, reprend le refrain à tue tête. Sur « Over My Head » Tabor et Pinnick transforment l’audience en une immense chorale qu’il fait vibrer de superbes ‘Music Music I hear Music’. Mais c’est tout au long de « Goldilox », que Tabor, Pinnick, Jerry Gaskill (batterie) et leur auditoire prennent littéralement leur pied (et nous aussi par la même occasion). Le titre phare du premier opus est chanté dans son intégralité par un public au comble de l’extase, et ce, sans aucune intervention des vocalistes du groupe. Nous assistons là à un pur instant de bonheur.
Comme nous l’avons signalé dans le premier paragraphe, l’enregistrement date de janvier 2009 et la setlist fait la part belle au dernier album en date (NDR : « XV » sorti en 2008) dont pas moins de cinq titres sont interprétés. Cependant, les classiques ne sont pas oubliés : « Pleiades », « What Is This », « Black Flag », « Dogman », « Visions », « Moanjam ». Au total 19 plages qui mélangent groove ultime, harmonies vocales superbes et émotions incandescentes.
Plus qu’un live, « Live Love In London » est la célébration d’une histoire d’amour entre trois artistes et leurs fans. Un must si vous êtes au nombre d’entre eux.
La pochette relève de l’énigme. Qui est ce jeune homme à la coupe afro entouré de power rangers ? Un visuel plutôt disco pour un son totalement folk. Chercher l’erreur. Néanmoins ceux-ci ont leur importance. Le premier porte un turban, le second une tiare papale, le troisième un keffieh arabe et on termine par Judenhut. Il s’agit bien d’un rébus ! Qu’ont-ils en commun ? Leur multiculturalité.
Derrière Jil Is Lucky se cache un jeune Parisien qui écrit et compose ses propres morceaux. Jil voyage énormément et nous propose, sur cet album éponyme, un univers empli de sons venus d’ailleurs. Tantôt russe, tantôt afro et même une pointe texane. Résumer Jil Is Lucky à un simple son folk relèverait de l’aberration.
En plus de mélanger les styles, l’album dégage une flopée de sentiments : la mélancolie, le bonheur et la folie. Certains morceaux nous font même penser à des réunions de famille où tout le monde, guitare à la main, chante joyeusement. Même lorsque le groupe part en sucette sur des titres comme « When I am alone », il garde un son impeccable ! « The Wanderer », premier titre et single de l’album séduit par sa sonorité entraînante. En décembre 2009, il est choisi par Kenzo pour sa campagne de publicité mondiale ! Cependant, un petit bémol. A trop mélanger les couleurs, on part dans tous les sens et on finit par perdre en cohérence.
Difficile cependant d’en dire plus, car cette version sampler ne compte que 6 titres, alors que l’album en propose 12.
‘The perfect soundtrack pour se perdre en forêt la nuit’ disait on en 2006 quand la première mouture de cet album est sortie. A l'écoute de cette version remasterisée, de prime abord, il semble que la demoiselle active au sein du Nix Noltes Big Band et officiant régulièrement chez Mum ou Pan Sonic n'a toujours pas retrouvé le sentier de la clairière. Et ce même si le titre d'ouverture s’intitule « Light », on est en droit de se demander de quel type de lumière ténébreuse il est bien question.
Dans ces bois obscurs, il fait froid ; les pas crissent dans la neige, le vent glace les ossatures et les stalactites qui pendent des arbres carillonnent tristement. La folie comme seule compagne d'infortune, et la lune qui nargue par dessus les branches.
Errant de plages en plages à la recherche d'une éclaircie dans ces paysages désolés et sombres comme l'intérieur d'une tombe, l'imagination dessine bientôt des images palpables d'un film inexistant. Fantômes, spectres, et autres créatures fantasmagoriques venant peu à peu peupler les visions de ce conte en noir et blanc. Les cordes pleurent et se fondent en longues complaintes, conférant à l'ensemble de ce disque une aura pesante comme une tenture de velours dressée dans la neige durcie d'un froid hiver islandais. Mais à mi chemin, « Self » et son cortège de notes dissonantes (mais qui du zither ou du gamelan est cet instrument fascinant d'où émanent de si ensorcelantes vibrations?) empruntent une voie sous le couvert des branchages lourds de secrets jalousement gardés. En une gracieuse procession, se dressent alors les premiers feux dansants de souvenirs figés.
Beau, mais terriblement sinistre, froid, mais superbement brodé, ce disque continue sa progression virevoltante et le contraste saisissant entre les instruments graves et cristallins accentue le sentiment d'hébétude face à tant de subtilité. S’achevant dans un scintillement suggérant subtilement l'espoir et l'issue à emprunter pour sortir de cette forêt oppressante. Pris par la main d'Hidur Ingveldardóttir Gudnadottir, passants, trouvez votre chemin.
Roland Van Campenhout est de nationalité belge. C’est un vétéran du blues. Mais surtout un artiste complet, généreux et talentueux. Il arpente les scènes depuis tellement longtemps, qu’on a peine à croire qu’il ne va bientôt entrer dans le club des septuagénaires. Si à une certaine époque, il a drivé ses Blues Workshop, il a surtout privilégié une carrière individuelle, souvent marquée de collaborations marquantes. Ami de feu Rory Gallagher, il a bossé en compagnie d’Arno chez Charles et les Lulus, dans les années 90.
Steven De Bruyn est un jeune harmoniciste. Révélé d’abord à la tête d'El Fish, ce musicien talentueux, doublé d'une personnalité forte et d'une sensibilité hors normes, est le digne successeur de Toots Thielemans, même s’il n’évolue pas dans le même registre.
Steven est également impliqué chez les Rhythm Junks tout comme Tony Gyselinck, un batteur particulièrement notoire dans le monde du jazz belge
Lorsque Filip Casteels, le guitariste originel, a quitté El Fish, Roland est souvent venu renforcer le line up, sur les planches. C’est dire si Gantois et le Louvaniste étaient nés pour se rencontrer et partager leurs valeurs musicales. Ils ont d’ailleurs enregistré un album ensemble, "Waterbottle"!
Ce nouveau trio s'était produit lors de la dernière édition du festival Roots & Roses de Lessines, le 2 mai dernier. Un set qui avait littéralement médusé l’audience. Les trois compères se sont réunis, en studio, au cours des mois de mars et juillet 2010. Ils maîtrisent parfaitement leurs instruments. Ce qui explique pourquoi leur musique est impeccable, mais aussi aventureuse. Atmosphérique également. Difficile d’ailleurs de lui coller une étiquette, puisque les différents partenaires cherchent à explorer de nouvelles voies en tirant parti, tour à tour, du blues ou du jazz. En fait, on a même l’impression que ces nouvelles sonorités, ils les découvrent au fil des sessions.
Plage récréative, "Allumeuse Bayan" ouvre l’elpee. Imaginez un Toots Thielemans évoluant au cœur d'une world music parcourue d’effets électroniques. Steven joue de l’harmo d’une manière assez classique. Jazz bien sûr. Face aux percussions profilées comme un raga indien. Le tout traversé de bruitages électroniques. Avant que Roland n’y injecte des sonorités de cordes un peu particulières, entre dobro et sitar! "Reinvent yourself" intrigue davantage. Steven récite ses mots dans un monde bien étrange. L'harmonica adopte un profil discrètement lyrique. Lorsque les trois instruments jouent de concert, l’expression sonore baigne au cœur d'un blues subtilement funky. L'intro de "She knows how" est chaotique, presque déjantée. Le climat est pourtant hispanique. Une compo qui atteint cependant sa pleine puissance. Le chant frêle et délicat de Steven est bientôt rejoint par la voix graveleuse et tellement profonde de son comparse. Le résultat est étonnant, insolite mais toujours séduisant. Une vague électronique déferle sur "Boots & bitches". De quoi provoquer un climat de transe, rappelant à nouveau les ragas indiens, que soutiennent les percussions de Tony. L'harmonica de Steven divague dans le décor sonore, tandis que les cordes de Roland écrasent tout sur leur passage. Torturées, elles ne cessent de gémir tout au long de cet exercice de style d’une durée de près de 5'. Ballade relaxante et d’une grande pureté, "Tiny tiny" détermine une sorte de trêve instrumentale. Le timbre de Steven est serein, empreint de douceur. De Bruyn s’accompagne à la guitare résonator tandis que Roland se réserve les claviers, afin de communiquer au morceau une ambiance lugubre et cosmique à la fois! "King Kong in the Lunapark" macère dans un climat blues. Roland chante d’une voix grave. Elle pourrait émaner outre-tombe. Un certain effroi nous parcourt l’échine, tandis que Steven nous divertit de petites phrases claires et lumineuses. "Teeth grinder" adopte un tempo fort proche. Une longue fresque qui se développe très lentement. Tony balise la compo de ses fûts. Il double aussi aux claviers tandis que Steven arrache des sonorités pas possibles de son instrument. L’atmosphère ne respire pas la joie. Plutôt même un mal-être que cherche à tempérer les cordes de Roland, inspirées par cette texture minimaliste. Rien ne peut atteindre la sérénité de Mr De Bruyn. Même pas une araignée dans la figure. Il conserve son calme et son assurance tout au long de ce "Spider on my face" qui achève la première œuvre de ce trio. Sa voix est soutenue par les deux guitares. Le rythme s'accélère cependant progressivement. Le chant se dédouble. Les sonorités des cordes acoustiques sont limpides. Impressionnant ! Un bien bel album !
Paul Collins a exercé une influence manifeste sur la scène power pop des années 80. A tout juste 18 ans, flanqué de deux amis, il fonde The Nerves, une formation qui rencontre un certain succès. Mais la reconnaissance ne vient que lorsque Blondie reprend leur morceau « Hanging On The Telephone ». Il fonde ensuite The Beat, un combo connu aussi sous le patronyme de Paul Collins’ Beat et publie près de 13 albums !
Pour concocter cet opus, la formation a enregistré au Ghetto Recorders de Detroit, sous la houlette de Jim Diamond (connu pour son travail auprès de The White Stripes). Paul Collins a su bien s’entourer. En guests, on retrouve la voix de Nikki Corvette sur « C’mon Let’s Go ! » et Wally Palmar, chanteur du groupe New Wave The Romantics, sur « Do you Wanna Love Me ? »
Paul Collins’ Beat est parvenu à conserver le son spécifique de ses débuts. Une sonorité très californienne, marquée par les incontournables Beach Boys. On se souvient d’ailleurs de ces émissions télévisées qui proposaient des sessions live des groupes et surtout les cris poussés par des jeunes filles hystériques, à la vue de musiciens aux coupes de cheveux similaires à celles des Beatles. C’était la belle époque où le rock’n’roll battait son plein. En publiant « King of Power Pop ! », Paul Collins’ Beat nous renvoie une quarantaine d’années en arrière et ce n’est pas pour nous déplaire.
A l'image du label Matamore qui l'abrite, Cédric Castus, membre émérite de Soy un Caballo aime à colorier son univers d'improbables touches d'humour ‘à la belge’, sans craindre un instant de perdre l'auditeur dans un capharnaüm bigarré. Louable et affichant une intégrité remarquable, la démarche s'adresse au mélomane sachant faire fi de tout à-priori. Des titres comme « Homard » ou « Coboy », ne laissant finalement planer aucun doute sur la paternité spirituelle des Snuls. Les prouesses techniques du guitariste sont donc mises au service de motifs jacquards tricotés avec soin, loin de toute esbroufe ou d'un quelconque tape-à-l’œil. Mais sous cette apparente loufoquerie mise en scène, il n'en reste pas moins un indéniable talent pris entre les mailles de ce grand tricot entre pop, rock et jazz. Si Casimir jouait de la guitare dans Tortoise, le résultat serait sensiblement de cet acabit.
Pour les amateurs de ‘True Metal’, la sortie d’un nouvel album de Virgin Steele constitue toujours un événement. Car si Manowar (NDR : son concurrent direct) s’est un peu perdu en chemin à force de jouer les guignols motorisés en slip de fourrure, Virgin Steele lui, n’a jamais cessé de concentrer sur l’essentiel : la musique.
Le label allemand SPV a très bien compris l’importance d’une telle sortie pour les fans les plus loyaux du légendaire groupe américain. C’est pourquoi il propose le nouvel opus « The Black Light Bacchanalia » en trois formats différents. Une formule qui devrait ravir non seulement les collectionneurs les plus acharnés, mais aussi les fans de métal désireux de se payer, tout simplement, une bonne tranche de leur musique favorite. Il est donc possible d’acquérir, selon la préférence ou le contenu du portefeuille de chacun : soit un Cd simple boîtier (11 titres), une version double digipack (1 Cd 11 titres + 1 Cd 2 titres bonus + un ‘spoken words’ de David DeFeis, au cours duquel il dévoile l’histoire de son groupe) ou encore, pour les collectionneurs ultimes, un coffret luxueux (limité à 3.000 exemplaires pour le monde entier) réunissant trois vinyles, un bouquin consacré au groupe rédigé par DeFeis en personne, un poster, un autocollant, une carte postale et l’album version Cd. Notons encore que les trois formats (Cd, Digipack et Box) sont tous proposés sous un artwork différent.
Pour la musique, celles et ceux qui ont suivi de près la carrière des New Yorkais savent déjà à quoi (elles) ils peuvent s’attendre. Car si Virgin Steele a hésité entre plusieurs styles, au début de sa carrière, il n’a plus vraiment changé de ligne de conduite depuis la publication de « The Mariage of Heaven and Hell Part I », en 1994. Et, si vous attendez autre chose que du heavy métal épique et classieux frisant la perfection, il ne vous reste qu’à passer votre chemin.
Depuis la naissance de Virgin Steele, en 1981, David DeFeis mène un combat : celui de conférer de véritables lettres de noblesse au ‘métal véritable’. Pour l’Américain, chaque titre, même les plus longs et les plus épiques doivent rester de véritables chansons. C’est pourquoi il les compose d’abord au piano avant de les traduire en hymnes métalliques. « The Black Light Bacchanalia » recèle donc sa part habituelle de riffs speedés sulfureux, de cavalcades épiques, d’envolées symphoniques, de breaks au piano et de ballades romantiques. Bref, du Virgin Steele comme on l’aime. Bien que le timbre vocal de David DeFeis soit très proche de celui d’Eric Adams (Manowar), on ne retrouve pas, chez Virgin Steele, le discours primaire et abrutissant qui caractérise le true Métal de Manowar. Les textes de DeFeis sont intelligents et utilisent l’histoire et de la mythologie pour délivrer leur message. « The Black Light Bacchanalia » n’échappe pas à la règle et s’inspire des mythes de la Grèce antique, et notamment celui d’Orphée, pour évoquer l’insoumission et la rébellion contre l’autorité.
La carrière de Virgin Steele est jalonnée de classiques. « The Black Light Bacchanalia » peut trôner fièrement aux côtes des « Guardians Of The Flame », « Invictus », « The Mariage Of Heaven and Hell » et autres « House Of Atreus ».
A l’instar d’un Larry Levan ou d’un Walter Gibbons, Mr. K alias Danny Krivit est un roi de la réédition. Résident des ‘718 Sessions’ et de ‘Body & Soul’, le Newyorkais a vécu les belles épopées du disco. Il est, en outre, responsable de solides remixes, dont la perle « You Got Me Runnin' (Danny Krivit Breakdown Edit) » de Lenny Williams, disponible sur le « Fabriclive.36 », mixé par James Murphy et Pat Mahoney. Comme un vrai junkie des plaques sonores, Krivit connaît son sujet sur le bout des doigts ; et est à ce jour, l’un des DJ les plus notoires de la Grande Pomme, pour animer les soirées où disco rime avec transpiration.
Encore une fois, le label Strut est au taquet. Après avoir distribué en 2003 une première compilation des fines rééditions de Mr. K, l’écurie teutonne claque des doigts et c’est tout le monde du disco qui est chamboulé. Krivit signe donc ici le second volume à l’aide de ses armes dansantes. Intitulé « Music Of The Earth », on y retrouve des tracks soul, disco et funk. A la demande de Strut, le DJ y balance des raretés jamais publiées auparavant. On s’extasie d’abord pur le « Chicano » de Black Blood. Le « Music Of The Earth » de Patrice Rushen nous plonge dans un bain bouillant de soul secoué par une ligne de basse explosive. Enfin pendant presque 9 minutes, « Life & Death » de Chairmen Of The Board nous envoûte de son trip psyché tribal aux percussions lucifériennes et au groove incontrôlable ! Krivit est encore une fois au sommet de son art ; et c’est tout le corps qui entre en transe, sans jamais vouloir se reposer !
Le deuxième album de Troy Von Balthazar était fort attendu par tous les adeptes de son univers intimiste. Et puis par celles est ceux qui ont suivi son parcours tout au long de ces cinq dernières années ; en particulier lors de sa pérégrination européenne (l’Hawaïen confesse se sentir bien sur le Vieux Continent, où les tournées sont peut-être plus humaines et moins éprouvantes qu’aux États-Unis). Ces derniers se sont sans doute autant réjouis de la sortie de son nouveau disque solo que du retour de son groupe Chokebore, en compagnie duquel il a tourné tout l’été. Et pas en vain. Troy Von Balthazar n’aurait pas pu choisir un titre plus évocateur pour résumer sa vie d’artiste nomade, une humanité dans toute sa modeste condition, ses futiles joies et, parfois, son profond désespoir. L’homme est sa musique et il est prêt à conquérir également les néophytes.
Le danger d’un tel album aurait été pour monsieur Von Balthazar de devenir le cliché de lui-même ; heureusement, si ses mimiques scéniques réchauffées étaient les prémices dangereuses d’une formule éculée, « How To Live On Nothing » nous envoûte d’une nouvelle fraîcheur et préserve l’intégrité de l’auteur sans tomber dans le stéréotype du songwriter un brin cinglé, désabusé et plaintif.
Certes, on retrouve avec réjouissance la boîte à rythmes lo-fi et l’oversampling qui offre un son analogue sur scène ; la douce Adeline Fargier, pour la French Touch (ou pour rappeler que toute sa production, si réalisée à Los Angeles, est éditée en France où il connaît principalement son succès, même s’il est pour l’instant installé à Berlin).
L’album ouvre par les rugissements d’un félin : annoncent-t-ils la tonalité générale basée sur le titre « The Tigers », vilains fantômes, phobies et remords qu’il souhaite exorciser ou dénotent-ils un monde apparemment enfantin truqué de boîte à musique et de paroles faussement naïves ? « CATT » prend le relais. Un morceau fantomatique, tel son clip en pâte à modeler légèrement glauque, où apparaît déjà la voix spectrale d’Adeline. Le joli duo se retrouve également sur « Communicate » et l’irrésistible « Dots and Hearts », dont la vidéo tournée dans les rues berlinoises évoque légèreté et insouciance.
Certains titres plus conceptuels (« In Limited Light ») suggèrent leurs homologues du premier album (« Numbers »). Moins présent sur l’elpee précédent, le son ‘chokeborien’ refait circonstanciellement surface (« Happiness and Joy », « Mt Balthazar », « Santiago », influence de leurs retrouvailles ?) ainsi qu’une sonorité des années 1970 (« Mt Balthazar »), sans doute suscitée par le vieil orgue électrique absent auparavant. La délicieuse corrélation entre sa musique et celle de Sparklehorse (« Communicate ») est déconcertante ; mais elle est plus que surprenante, surtout lorsqu’on apprend que Troy n’a jamais écouté le moindre disque de Mark Linkous.
Les mots se condensent en métaphores surréalistes lourdes de sens et résonnent tels des regrets, désolations et confessions. Ils permettent, par leurs images subtiles, d’aborder de sombres thèmes (l’alcoolisme, le manque d’amour, l’avidité, la ‘carrière’ au sein de Chokebore qui n’a jamais complètement décollé) ; pourtant, Troy est quelqu’un d’élégamment simple, dont la vie d’itinérant moderne ne semble être pour lui qu’une succession de bons et de mauvais moments. Les quatorze tracks terminent sur un générique de fin, en mode choral rêveur et confortant.
« How To Live On Nothing » exprime la confirmation des choix de vie de l’artiste, qu’il avait douloureusement remis en question, ces dernières années. Cet album expiatoire révèle un tourment latent étouffé par une lumineuse candeur sur toile de bonheur ‘delermien,’ et a déjà été considéré comme meilleur que son précédent ; un univers dont les connaisseurs continueront à se délecter, ce qui prouve que Troy a pris la bonne décision.
« La Cretina Commedia » constitue le quatrième album de ce sextet originaire de la ville de Maghera, dans le nord de l’Italie. Le style des Transalpins, embrouillamini de punk rock, d’alternatif, de ska et de musique festive traditionnelle, semble avoir été très largement influencé par l’album « Patchanka » des Français de La Mano Negra et par le ska-punk torride des hispaniques de Ska-P.
Lorsqu’aux côtés des guitares, basse et batterie punk rock de Dema, Ketto, Jesus et Nick, viennent se joindre le trombone et le saxo de Rizia et Cioro, c’est la kermesse au pogo garantie. Difficile de ne pas danser en s’envoyant dans les esgourdes, cette rondelle féérique.
Le côté fiesta rebelle est renforcé par des textes sociopolitiques interprétés dans la langue exotique de Ramazzoti, Cutunio et Berlusconi. « La Cretina Commedia » est, semble-t-il un album conceptuel basé sur la vie et l’assassinat d’un célèbre activiste sicilien, activement engagé dans la lutte contre la mafia, répondant au nom de Giuseppe ‘Peppino’ Impastato. Celles et ceux qui ne pratiquent pas l’italien, mais désirent toutefois s’imprégner du contenu des lyrics, pourront se rabattre sur la traduction anglaise, incluse dans le livret.
Amateurs de pizza, de punk, de ska, de folk, de world music et de révolution, ce disque est taillé pour vous !
The Verve a donc vécu une formation, deux reformations et trois séparations. Pas mal pour un groupe qui était né en 1990. En 2000, son chanteur, Richard Ashcroft avait déjà embrassé une carrière solo. Enregistrant l’album « Alone with everybody », la même année et « Human conditions », deux ans plus tard. Mais en 2006, lorsqu’il publie « Keys to the world », on se rend compte que le natif de Wigan commence à s’intéresser de plus en plus à la soul. Et en fondant RPA & The United Nations of Sound, en compagnie du guitariste Steve Wyreman et du bassiste Dwayn Wright, c’est à nouveau dans ce style qu’il a décidé de creuser. Pas seulement, mais en règle générale. Pour concocter ce premier opus, il a également fait appel au producteur de hip-hop chicagolais No I.D. (alias Dion Wilson). Pas étonnant dès lors de déceler quelques traces de hip hop, dans la solution sonore, et puis surtout la présence d’un soundsystem sophistiqué. Pas vraiment une bonne idée. Notamment lors du recours à la boîte à rythmes. Paradoxalement, hormis sur l’excellent « Beatitudes », un morceau dansant, au flow soutenu et au groove hypnotique, abordé dans l’esprit de Beck, les autres compos du genre passent mal la rampe. A l’instar d’« America », sorte de sous-Ian Brown ou de « Glory », plage au cours de laquelle cette fameuse beat box rame à contre-courant.
Examinons donc, cependant, ce qu’il faut retenir de cet elpee. Un hit potentiel : « Royal Highness ». Un funk rock soutenu de chœurs falsetto, comme chez Prince. Problème, le riff de base pompé chez le « Sweet Jane » de Lou Reed, pourrait à nouveau causer des soucis à Ashcroft (NDR : comme s’il n’en avait déjà pas rencontré assez, en gravant son « Bitter Sweet Symphony », auquel il avait emprunté à « The last time » des Stones). Et plusieurs titres trempent dans la soul. Une soul soutenue par une imposante section de cordes. Elle est d’ailleurs très présente, tout au long de l’opus. Comme à la belle époque de Barry White. Tant pour les morceaux mid tempo que les ballades. Et ma foi, dans ce domaine, il ne se débrouille pas trop mal. Mais pourquoi donc cherche-t-il parfois à vocaliser dans un autre registre que le sien ? Passe encore quand il calque ses inflexions sur celles de Dylan voire de Springsteen, mais lorsque sur « Life can be so beautiful », il se fend d’un falsetto à la Bee Gees, époque « Saturday night fever », on a vraiment envie de se tordre de rire. En finale, il s’abandonne dans une autre ballade. Empathique. Un peu comme à l’époque des Hollies. Si on fait abstraction de cette foutue boîte à rythmes, bien sûr. Ah oui, j’allais oublier, il y a aussi le guitariste, qui se prend quelquefois pour Jimi Hendrix, en laissant dégouliner, suivant son inspiration, des soli plus vraiment dans l’air du temps. Etonnant, le tracklisting recèle quand même un blues ! Très Delta, fin des 50’s. Il s’intitule « How deep is your man ». La trame est irrésistible, mais le refrain ne décolle jamais, pire il s’englue. Dommage ! En publiant un elpee de la sorte, on a l’impression que Richard Ashcroft ne sait plus à quel Saint se vouer pour retrouver une certaine crédibilité. Qu’il en revienne à des choses plus simples. Il possède un talent de mélodiste exceptionnel. Et une voix remarquable, digne de Neil Diamond. Il n’a donc pas besoin d’artifices. Une raison pour laquelle on ne vous recommandera certainement pas cet album…
On connaissait la face jazzyfiante de Brisa Roché grâce à l’album « The Chase », sorti en 2005. Son profil folk également. Lors de la publication de son très remarqué deuxième opus, « Takes ». On découvre aujourd’hui, son intérêt pour le rock/blues, tout au long de son troisième long playing, « All Right Now ».
Enregistré dans une église délabrée, sous la houlette d’Henry Hirsch (Lenny Kravitz, Madonna), cet elpee a bénéficié du concours d’un véritable groupe. Pas n’importe lequel, puisqu’il s’agit du band qui l’a soutenu lors de sa dernière tournée. Et c’est une première. Si le son est résolument plus rock, énergique donc, la Californienne continue d’entretenir un climat à la fois baroque et mystique. Certaines plages lorgnent davantage vers le blues. Et je pense tout particulièrement au titre qui ouvre la plaque, « Stone Trade ». D’autres sont légèrement teintées de disco. A l’instar de « Hard As Love » et « Do What You Can Do ». Et si le reste est, en général, imprimé sur un tempo assez soutenu, la demoiselle s’est quand même réservé l’une ou l’autre ballade (« Bloom », « Get Down »). Si chaque morceau de ce disque est un tube potentiel, à cause d’un sens mélodique particulièrement contagieux, il faut reconnaître, que l’ensemble manque quand même cruellement d’originalité. Bref, « All Right Now » est un album sympathique, mais largement dispensable.
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