Tout baigne pour The Big Pink. Après s’être vu décerner le ‘Philip Hall Radar Award’, une récompense attribuée par le journal musical anglais New Musical Express, pour la publication de son premier opus, « A Brief History Of Love », Milo Cordell, moitié du duo indietronic, s’est chargé d’élaborer un mix pour le label teuton !K7. Pas mal quand même…
« Tapes » et sa pochette, c’est du grand art. De quoi inciter clairement à pousser le son. The Big Pink et sa police Walt Disney. The Big Pink et tous ces petits éléphants psychédéliques tirés du classique « Dumbo ». On n’y est pas insensible. Par contre les tracks ne sont pas vraiment de mon goût. Zut ! J’ai beau faire l’effort mais les petites mélodies pop sur fond de gros beats freestyle minimalistes ne communiquent pas beaucoup de vibrations afin de remuer les jambes…
Pourtant The Big Pink, c’est hype. Oui mais chez qui ? « Tapes » n’a vraiment rien de transcendant et malgré tout le respect que je porte à !K7 (NDR : et notamment ses trois furieuses galettes parues récemment pour célébrer leur anniversaire), il est temps que l’année se termine pour le label. Allez, s’il vous plaît, repartons sur de bonnes bases pour 2011 ! En vous remerciant !
Erland & the Carnival a le profil du ‘super groupe’. Et pour cause, au sein du line up, on retrouve Simon Tong (ex-Verve, Blur, The Good, The Bad & the Queen), David Nock (batteur de Paul Mc Cartney) ainsi que le guitariste/chanteur folk, Erland Cooper.
Les trois compères ont enregistré ce premier elpee au sein du studio ‘13’ de Damon Albarn, là où se sont déjà déroulées les sessions consacrées à des formations comme Gorillaz ou Blur. E&TC définissent eux-mêmes leur ‘folk/rock psyché’ comme le résultat d’une rencontre entre Ennio Morricone, Love, 13th Floor Elevator, Pentangle et Joe Meek. Rien que ça !!! Tout un programme pour ces Britanniques qui affichent fièrement leur culture littéraire et leur héritage folk en piochant dans les airs traditionnels, mais également dans les textes d’artistes comme Léonard Cohen, pour en imaginer des titres résolument modernes et enchanteurs.
L’album s’ouvre par une ballade écossaise, « Love Is A Killing Thing», qui annonce fièrement la couleur. Les autres titres sont à l’avenant. Passant d’une mélodie mélancolique à une rythmique plus pop, les treize plages s’enchaînent de façon surprenante.
Comment ne pas épingler, entre autres, le single « Was You Ever See » qui a fait le tour des ondes ou « My Name Is Carnival » emprunté au regretté Jakson C. Frank, sans oublier « Trouble In Mind » et « Gentle Gwenn »…
Les ingrédients sont savamment dosés pour une recette délicieusement plaisante : une cuillerée de folk britannique, une bonne dose de pop/rock, un soupçon de country et un petit fumet typiquement seventies ajouté pour la circonstance.
Une œuvre curieuse qui s’écoute attentivement, s’apprivoise d’écoute en écoute et ne lasse jamais.
Exactement comme lorsque, tout petit, on se faisait raconter à l’infini une belle histoire (toujours la même) avant de partir pour le pays des rêves, des aventures peuplées de magiciens, dragons et autres personnages imaginaires…
Qu’il est dommage de ne découvrir cet album que neuf mois après sa sortie. Mais comme il n’est jamais trop tard pour bien faire, n’attendez plus une seconde et ruez-vous dessus…
Comme il est loin le temps où Ted faisait la pluie et le beau temps, au sein de son band Live. C’était au cours des nineties, une époque au cours de laquelle la formation remplissait les stades américains. La carrière de ce combo a duré près de 20 ans (1988-2009) mais est essentiellement demeurée confinée aux States. Live a quand-même publié huit albums studio et vendu plus de 20 millions de disques. Ce qui n’est quand-même pas rien pour un groupe relativement inconnu sous nos latitudes (NDR : seul l’album « Throwing Copper » et ses deux tubes « I Alone » et « Lightning Crashes », sont parvenus à percer sur notre Vieux Continent).
Après le split du band, l’ami Ed n’a pas trop traîné pour remettre son métier sur son ouvrage. En juin 2010, il a ainsi publié, en solo, « Alive » (bien trouvé le ‘A’ en plus…) Force est de constater que les fans de la première heure ne seront pas surpris ; car tout comme aux heures de gloire de Live, c’est exactement la même recette que nous dispense le divin chauve… Un rock FM bien huilé, bien rythmé, des guitares, une voix plaisante, soit les ingrédients nécessaires pour noyer les ondes de Los Angeles...
Pour son premier opus solo, Ed Kowalczyk ne surprend pas vraiment en nous proposant son mélange habituel de rock alternatif et de grunge. Agréable mais franchement pas indispensable, « Alive » recèle quelques bonnes mélodies, mais manque d’audace pour vraiment convaincre !
Répétitif et pas très emballant.
Depuis que “Flat Beat” est devenu un hit planétaire, on a appris combien Quentin Dupieux était un drôle d’oiseau… Par contre, on sait moins qu’à côté de sa carrière musicale, l’homme se consacre également à sa véritable passion, le cinéma. Après avoir réalisé le très absurde ‘Steak’ en 2007, mettant en scène Eric et Ramzy en tête d’affiche, il a remis le couvert sur ‘Rubber’, présenté à Cannes l’année dernière. Difficile de décrire son synopsis en quelques lignes, mais ‘Rubber’ est l’histoire singulière –et c’est peu dire– d’un pneu sérial-killer sévissant dans les grands espaces américains. Pour illustrer cette escapade meurtrière, une musique appropriée était donc nécessaire. Et pourquoi laisser quelqu’un s’en occuper lorsqu’on se débrouille pas mal et que l’on dispose des relations nécessaires dans le milieu ? Mr. Oizo a donc fait appel à Gaspard Augé de Justice afin de composer la BO de son dernier ovni cinématographique.
Après une intro quasi-médiévale, « Symph08 », « Rubber » ne débute réellement que par le titre éponyme, un morceau musclé balancé dans le plus pur style électro cher à Mr. Oizo. Une bien courte réjouissance malheureusement ; car le reste d’album s’apparente souvent à du Enio Morricone un peu kitch (« Racket), lorsqu’il n’abuse pas de synthés 80’s (« Sheila ») ou encore de flûte (« Crowds & Guts »). Comme souvent dans les BO, trop peu de morceaux se démarquent du lot. Hormis « Trycicle Express », plage qui lorgne vers l’univers de Kraftwerk, le reste baigne au sein d’une musique d’ambiance. Une œuvre sise donc à des années-lumière des BO de Tarantino. L’intérêt de « Rubber » s’avère donc plus que limité, l’ensemble se révélant plus que probablement indissociable du film…
Oxmo Puccino occupe une place bien à part dans l’univers du hip-hop français. Il possède en effet une écriture tout en nuances qui lui a, un jour, valu le surnom de ‘Black Jacques Brel’. Le Malien d’origine décline un verbe poétique et humaniste, bien moins agressif que la plupart de ses collègues et amis, et en particulier les membres de son ancien collectif Time Bomb, au sein duquel militaient Booba et Pit Baccardi.
Le ‘Black Desperado’ sort aujourd’hui son 2ème album ‘live’. Il fait suite à premier opus publié en 2005. Les 15 morceaux de « Minutes Magiques » ont été immortalisés à La Cigale de Paris, en mai 2010. Abdoulaye Diarra semble avoir atteint un niveau de maîtrise et de connivence optimale avec son public. Parfaitement à l’aise, il y interprète la plupart de ses tubes : « Mama Lova », « J’ai Mal au Mic », « L’Arme de Paix » et « Cactus de Sibérie ». L’auditoire semble visiblement acquis à sa cause. Oxmo est épaulé par un véritable groupe –c’est décidemment une manie chez les rappeurs confirmés–, les Jazzbastards. Ce qui lui permet de balancer ses répliques mythiques avec style, sur un ton finalement assez rock quoique parfois jazzy. Dommage que son flow soit parfois un peu banal ; car ses textes sont d’une rare justesse. Oxmo Puccino prouve en tout cas que s’il s’embourgeoise peut-être (il a d’ailleurs composé pour Florent Pagny et Alizée !), il reste l’un des rappeurs français les plus doués de sa génération. Toutefois, pour les fans de mauvaises manières et de gros son, le nouvel album de Booba arrive à point nommé !
Bien que portoricain de naissance, Gabriel Rios appartient un peu à la ‘scène belge’. En effet, s’il est né en 1978, dans les Caraïbes, il a débarqué dans notre plat pays, à Gand très précisément, à l’âge de dix-huit printemps, afin de poursuivre un cursus artistique dans le domaine de la peinture. Près de quinze années plus tard, il y est toujours ! La guitare ? C’est son paternel qui lui a appris à en jouer. Et puis, il a chanté dans la chorale de son village. Ce qui explique pourquoi, à l’adolescence, il est déjà imprégné du parfum de salsa et de la bamba...
A l’aube de l’âge adulte, tout en poursuivant sa formation universitaire, il assouvit sa seconde passion en offrant sa collaboration à de petits groupes locaux dont le moins méconnu (?) est sans doute les Nothing Bastards.
Jo Bogaert, producteur réputé dans la partie néerlandophone du pays lui offre son concours, dès 2004. Un premier album naît de cette rencontre, « Ghostboy », un opus qui recueille un petit succès dans le Benelux. « Angelhead », son second, voit le jour en 2007, toujours sous la houlette de Jo Bogaert.
« The Dangerous Return », son troisième commis à ce jour, confirme tout le bien que l’on pense de lui, depuis ses débuts. Créatif, mélangeant les genres, il propose des compositions recherchées, fouillées, intéressantes.
Les onze titres qui peuplent cet ouvrage sont honnêtes, variés et toujours agréables. Un joli brin de voix bien soutenu par des guitares et un piano efficaces, des compos plus que valables, sans oublier les quelques petites touches d’originalité, à l’instar de ces quelques accents empruntés au Boléro de Ravel, sur « Tidal Wave ». Bref, on peut parler d’une belle réussite.
Si l’écoute du cd ne suscite jamais l’ennui, j’épinglerai quand même deux plages de ce disque. Tout d’abord « You will go far », le morceau d’ouverture, et puis « Gulliver », chanson qui donne envie de remuer.
Gabriel Rios est un artiste à l’imagination débordante. Sa pop est recherchée, inspirée et certainement plus profonde que celle d’un Mika (NDR : pour n’en citer qu’un) ; mais sans doute aussi moins commerciale…
A découvrir sans hésiter !
Après Coldplay, Keane, The Fray et autres Snow Patrol, The Script s’inscrit dans la même lignée. Un trio irlandais issu du quartier délabré de James Street, à Dublin, et réunissant le chanteur Danny O'Donoghue, le guitariste Mark Sheehan et le batteur Glen Power. « Science & Faith » constitue leur second opus en à peine plus de deux ans.
Leur premier ouvrage, au titre éponyme, publié en 2008, a rencontré un succès certain aux Iles ; et pour cause, l’epee s’est écoulé à plus de deux millions d’exemplaires et les singles « We Cry », « Breakeven » ainsi que « The Man Who Can't Be Moved » on trusté les premières places des charts.
Forts de ce (relatif) succès, ils assurent la même année les premières parties de U2 et de Paul McCartney. Enfin, en 2009, le groupe effectue un passage remarqué sous la pyramide de Rock Werchter.
Le créneau visiblement porteur, The Script nous propose dix nouveaux titres sur leur nouvel essai. Et le succès est déjà au rendez-vous pour « Science & Faith », puisque le premier single « For The First Time », une ballade sirupeuse à souhait, bien mise en scène lors d’un clip auquel participe, comme figurante, la fille de… Bono (NDR : ah la solidarité irlandaise !), a déjà propulsé le trio irlandais en tête des ventes.
Le reste du long playing est de la même trempe, même s’il est partagé entre morceaux plus rythmés et autres jolies ballades.
Bien qu’agréable à écouter, on ne peut pas dire que ce cd se distingue par son originalité. Néanmoins, malgré le mimétisme flagrant identifié auprès des groupes précités, cet album devrait ravir les amateurs du genre. Et ils sont nombreux !
Tant que le moule n’est pas cassé, il n’y a pas de raison de s’en priver !!!
« Ivory Tower » est bien plus qu’un simple album. La septième œuvre de Gonzales est en fait la supposée bande-son du long métrage éponyme d’Adam Traynor (Puppetmastaz), mettant en scène le musicien et ses proches amis Feist, Peaches et Tiga. ‘Supposée’ car enregistrée bien avant le tournage du film. Produit par Boys Noize, « Ivory Tower » met à nouveau en exergue le talent indéniable du Canadien au piano. D’ailleurs, qui ne se souvient pas du gracieux « Solo Piano » publié en 2004 ? Sauf qu’ici, il ne s’agit pas de jolies compositions épurées mais d’une œuvre pop aux accents très électroniques.
Mais que ceux qui s’attendent à des beats pompiers en lisant le nom du producteur du nouveau projet de Gonzales soient prévenus. « Ivory Tower » évolue à des années-lumière des productions habituelles de Boys Noize, même si sa patte est des plus évidentes sur certains morceaux (« Smothered Mate », « Never Stop »). Jason ‘Chilly Gonzales’ Beck, entré l’an dernier dans le livre des records, après avoir accordé un concert marathon de 27 heures, propose ici un disque en dents de scie, dont seule une bonne moitié conserve une certaine raison d’être, en dehors du long-métrage (« Knight Moves », « Smothered Mate », « I Am Europe », « Never Stop » et « You Can Dance »).
Marcos Ortega, alias Lorn. Hormis le fait qu’il soit originaire de l’Illinois, difficile de choper des infos sur l’homme derrière ces quatre lettres. Ce qui n’est pas vraiment d’une importance capitale lorsque l’on écoute « Nothing Else », un disque à la fois sombre, direct et énigmatique. Premier artiste émanant d’une ville autre que L.A. à être publié sur Brainfeeder, le label d’un certain Flying Lotus, Lorn suit les traces de son mentor en proposant un Dubstep agité, plus riche, plus étoffé, plus original que celui de la plupart de ses contemporains. On pourrait même parler de ‘Deepstep’ tant les morceaux de Lorn ne se contentent jamais du minimum syndical, ce desespérant minimum qui étaye les soirées pseudo-‘dubstep’. « Nothing Else » mise tout sur son atmosphère pesante, ses breaks envoyés tel un poing dans la tronche et ses beats électroniques qui semblent avoir été créés dans l’obscurité la plus totale. « Nothing Else », masterisé par Clark, fera bander les fans de Flying Lotus, The Glitch Mob, DJ/rupture ou Hudson Mohawke. En un peu plus de 30 minutes, Lorn largue une pure bombe. Rien d’autre.
Bien qu’Oasis se soit désintégré et que les Dandy Warhols soient incapables de composer la moindre bonne chanson depuis quelques années, ces deux groupes continuent de bénéficier d’un statut de véritable culte, auprès de leurs aficionados. Et cette situation risque de durer, quelques années encore. Une formation hexagonale vient même d’imaginer le chaînon manquant entre ces deux formations : Smile ! Et ne souriez pas, ces Lillois prennent leur mission très au sérieux et ne manquent pas de talent. « Let’s Get Together » constitue déjà le second elpee du combo français. Autoproduit, il recèle toute une série de titres dont les frères Gallagher (« I’m Alive », « Let’s Get Together ») ou Courtney Taylor (« Shall We Overcome », « In My Mind »), seraient fiers d’avoir écrits. Et si « You’re a Junkie » est un tube en puissance, « Best Of You » est une véritable tuerie psyché ! La voix est plus vraie que nature et souvent filtrée comme le requiert implicitement le style. Les musiciens assurent des parties de guitares soniques très bavardes, tout en n’oubliant pas d’y ajouter quelques inévitables clappements de main ou des interventions d’orgue vintage. Si vous attendez la sortie du premier opus de Beady Eye, le nouveau combo de Liam Gallagher, « Let’s Get Together » devrait vous permettre de patienter. Par contre, si vous privilégiez l’originalité, il est préférable de passer votre chemin…
Trixie Whitley (US/Bel) se produira au Tipi le 22 décembre 2010
(Le Tipi : 13, rue Roture B-4020 Liège)
Support act : Jeff Taylor (US)
10€ en prévente / 12€ le soir même
Infos & réservations: Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Le 5 mars 2011, R.E.M sortira un nouvel album. Il s’intitulera « Collapse Into Now ». Pour en avoir un avant-goût, le trio invite les fans à se rendre sur leur site web, http://remhq.com/index.php . Ils pourront télécharger en exclusivité le single "Discoverer".
Le groupe a également prévu un cadeau pour Noël…
http://filtermagazine.com/index.php/media/entry/r.e.m._christmas_baby_please_come_home
« Computer & Blues » est le titre du nouvel album de Mike Skinner, alias The Streets, dont la sortie est prévue pour le mois le février. Un premier single en a déjà été extrait : “Going Through Hell”. Skinner parviendra-t-il à retrouver les sommets atteints lors de la publication d’« Original Pirate Material ». La participation de Rob Harvey des horribles The Music n’est en tout cas pas de nature à me rendre optimiste…
Tête pensante et active du collectif Les Marquises, Jean-Sébastien Nouveau nous a accordé un entretien téléphonique, ce dimanche 5 décembre. Une conversation chaleureuse au cours de laquelle cet artiste sensible, humble et talentueux est parvenu à nous faire oublier la tempête qui souffle, dehors, entre Lyon et ma région, et permettre un instant de s’évader sur ces lointaines îles du Pacifique Sud, en bonne compagnie. D'abord, il y a le nom. Inutile de revenir sur la référence proclamée à Jacques Brel. Et puis la signification poétique relative à la localisation géographique de cet archipel, perdu loin de tout continent. Et enfin surtout, la musique. Et quelle musique! « Lost Lost Lost » est une œuvre singulière, pensée, dense, riche de détails, de sons, d'idées. Conceptuelle sans être présomptueuse. Onirique sans être soporifique. Une bande-son qui interpelle les sens et les bouscule.
Jean-Sébastien, sans revenir sur ce qu'on peut lire au travers d'autres interviews, mais pour nos lecteurs qui ne connaîtraient pas encore la genèse de ce premier album, peux-tu nous parler de sa principale source d'inspiration?
La trame du disque est inspirée de l'artiste Henry Darger que j'ai découvert au travers d'une exposition à Lausanne. Son œuvre est tout simplement ahurissante, et d'une telle force (NB: pendant des années, dans l'anonymat le plus complet, retiré dans les toilettes d'un hôpital de Chicago où il était commis au nettoyage, cet artiste fournira plus de quinze mille pages illustrant un univers coloré où des fillettes orphelines sont plongées dans la terreur d'adultes tortionnaires et des caprices de la nature. Pour plus de détails, visitez http://www.abcd-artbrut.org/article.php3?id_article=91) Je ne dirais pas que je m'en suis inspiré. C'était plutôt comme un repère constant. Quand je ne savais plus quelle direction donner à tel où tel morceau, je me replongeais dans le bouquin que j'avais acheté, et ces représentations de ces fresques hallucinantes me guidaient, me servaient de repère. J'ai vraiment été marqué par cette œuvre fourmillante qui représente le travail d'une vie.
En ressortent six titres épatants qui s'enchaînent habilement.
Merci. Oui, j'ai vraiment recherché à délivrer un disque dense, physique, et qui parle au corps. Je voulais que la musique remue les tripes de l'auditeur. Qu'il y ait une réelle interaction avec lui. Et 6 titres me paraissaient le format idéal. Condensé et propice à ce désir d'urgence. Pour moi, six à huit titres, c'est le nombre idéal pour un album. J'ai lu quelque part que Thom Yorke pensait qu'idéalement, chaque prochaine sortie de Radiohead serait limitée à 4 morceaux. J'aime bien cette idée. Elle permet d'aller à l'essentiel. De ne pas se perdre en chemin.
Tu parles de disque physique? En termes de confrontation?
Je voulais que l’auditeur soit remué, qu'il ressente les choses... Physiquement. Oui, vraiment, de manière physique. Dans mon projet précédent, Immune, la musique me semblait un rien trop contemplative. A l'écoute, il était permis de rêver, de voyager. Cette fois, je voulais quelque chose de plus ressenti. Ebranler les sens. Pas juste les chatoyer.
Existe-t-il d’autres sources qui t’ont inspirées pendant le processus créatif et pendant l'enregistrement?
Bien sûr. J'avais une idée bien arrêtée de la manière dont je voulais que ce disque sonne. J'ai pensé à la lisibilité de la musique. Un peu comme un film d'Alfred Hitchcock. Si vous regardez ces films, ils ont l'air assez linéaires, on suit facilement le cours de l'intrigue. Mais on y décèle de petits détails qui s'immiscent tout au long et ont tout leur sens. De même, je désirais une trame évidente dans son déroulement, mais qu'une autre dimension s'intègre.
En découle une musique élaborée par strates successives...
Effectivement, j'opère par succession de couches. C'est l'avantage de concevoir un album de A à Z dans son appartement. Le home recording offre le luxe de pouvoir revenir tous les jours sur différents morceaux en chantier.
Tu es entouré sur ce disque par Jonathan Grandcollot (Pan Pan Pan, Robe Et Manteau) et par Jordan Geiger (Minus Story, Shearwater, Hospital Ships). Comment s'est déroulée la coopération?
Fort bien. Jonathan est un ami que j'ai connu sur les bancs de l'école. C'est un multi-instrumentiste de talent avec qui j'ai beaucoup de plaisir à travailler. Il apporte sa couleur à l'album. J'enregistrais quelques boucles de drums, et lui jouait de la batterie en live. On a mixé l'album ensemble. On partage la même vision des choses. Quant à Jordan, j'avais imaginé d'autres contributions, mais sa voix et sa façon de chanter tout en fragilité me paraissaient coller parfaitement aux morceaux.
Tu avais notamment pensé à Stuart Staples des Tindersticks, si je ne me trompe?
Oui. Et aussi à Chris Adams de Hood. Des timbres de voix sensiblement différents, en fait...
Comment avez-vous organisé la collaboration entre Lyon et Austin?
J'ai contacté Jordan par mail, et il a paru tout de suite intéressé par le projet à l'écoute des démos. Je ne l'ai rencontré qu'une fois, lors d'un passage lyonnais de Shearwater, et nous avons un peu discuté ensemble. Puis, de fil en aiguille, il m'envoyait ses parties chantées que j'incorporais alors au son des Marquises.
Est-ce un line-up définitif ou penses-tu engager d’autres coopérateurs pour la suite?
Il y aura du changement, c'est sûr. Mais je ne sais pas encore précisément vers qui je vais me tourner au final. La suite est en chantier, mais sera différente de « Lost Lost Lost ». Je ne veux pas d'une redite. J'aimerais m’orienter vers quelque chose de différent. Un peu dans l'optique ‘chansons bricolées’.
Tu envisages donc de changer beaucoup de choses. N'as-tu pas peur que le résultat se singularise un peu trop?
Il est encore trop tôt pour le dire, mais je pense que l'identité des Marquises sera toujours bien palpable, même si je modifie certains éléments. J’aspire adopter une autre approche musicale. J'aime des artistes comme Robert Wyatt ou Hood, dont le travail a pu évoluer. Ils sont parvenus à se remettre en question. J'aime le Post Rock, mais je suis vite distrait lorsqu’un morceau ne comporte pas de vocaux. Au final, je m'ennuie très vite. J'aime le côté humain qui me permet de me raccrocher à une chanson. La somme de toutes ces influences génère l'essence de ma musique. Et je veille à l'homogénéité du tout.
Avant de nous quitter, quid de l'aspect live?
On ne joue jamais. Je ne suis pas musicien. Je peux broder quelque chose sur ma guitare qui me semble intéressant mais que je serais incapable de le recréer par la suite ou alors avec beaucoup de mal et de recherches. Rejouer « Lost Lost Lost » sur scène demanderait une réinterprétation des morceaux. Donc, pas de concerts pour l'instant. Par contre, je m'intéresse à l'aspect visuel de la musique. Images et son étant à mon sens intimement liés. J'ai pris beaucoup de plaisir à collaborer auprès de différents cinéastes pour chacune des chansons. Le résultat est fantastique. J'adore ce que chacun a apporté. J'ai d'ailleurs l’intention de sortir un coffret reprenant le Cd, et un Dvd des vidéos. Et puis une amie m'a demandé de participer à un projet excitant qui constituerait à mettre en musique des images projetées sur des façades, lors d'un festival à Lyon.
Jean-Sébastien, ce fût un plaisir de m'entretenir avec toi.
Mais moi de même.
La conversation se clôt dans le bruissement d'une bourrasque qui au dehors chasse la neige en tourbillon. Loin des images d'Épinal, sur les Marquises, souffle un vent nouveau...
Il s’agit sans conteste d’un des combos les mieux notés par la presse spécialisée en 2010. Encore relativement inconnu lors de la publication de l’Ep « Summertime ! », fin 2009, The Drums a d’abord conquis la planète blog, avant que ses mega-tubes, « Let’s Go Surfing » et « Best Friends », lancent l’assaut final. Depuis, les New-Yorkais se sont naturellement imposés comme l’une des formations les plus incontournables de la scène indie. Pour preuve, un passage à la Rotonde lors des Nuits Botanique 2010, sold out en un temps éclair, suivi quelques mois plus tard par un petit tour sur les podiums d’enceintes à la capacité largement plus conséquente. C’est donc l’AB, configuration salle, qui accueillait le quatuor pour l’avant-dernière date de sa tournée mondiale.
Succès mitigé mais succès quand même pour le spectacle de The Drums à l’Ancienne Belgique. Vers 20h40, l’espace n’est encore qu’à moitié rempli et n’atteindra, une vingtaine de minutes plus tard, que les trois quarts de sa capacité. Examen oblige ? Une situation qui ne va pas empêcher Jonathan Pierce, Jacob Graham et leurs deux bras droits, Kessler et Hanwick, d’enchaîner les petites perles pop qui étayent « Summertime! » et le disque éponyme. Vêtu d’un T-shirt à la gloire d’Island, label du combo, Pierce s’avance sans se presser tandis que les premières notes de « Best Friend » provoquent les premiers sursauts d’allégresse dans le parterre. S’enchaînent ensuite « Submarine », « Book Of Stories » et « Make You Mine », sans réel remous. La formation arrive au bout de sa longue épopée autour du monde et on le ressent un peu trop.
Le set est un peu linéaire et mené avec beaucoup moins d’entrain que lors, par exemple, de leur prestation accordée sur les planches du Pukkelpop. Les singles « Let’s Go Surfing » et « Me And The Moon », interprétés en milieu de parcours, ajoutent un peu de relief à l’ensemble ; mais le thermomètre chute à nouveau lorsqu’ils embrayent sur un « I Need Fun In My Life » sans provoquer la moindre étincelle. Au bout de 50 minutes, le quatuor se retire après un rappel limité à la ballade « Down By The Water », alors que l’on était en droit d’attendre un final un peu plus relevé. Des « I Felt Stupid » ou « Saddest Summer » auraient facilement fait l’affaire… Allez les gars, rentrez à New York vous reposer un peu…
Setlist :
Best Friend
Submarine
Book Of Stories
Make You Mine
Let's Go Surfing
Me And The Moon
I Need Fun In My Life
Don't Be A Jerk, Johnny
We Tried
Forever And Ever Amen
Baby, That's Not The Point
The Future
Down By The Water
(Organisation : Live Nation)
J’avoue qu’en introduisant la plaque du combo keupon parisien The Black Stout, dans ma machine à décibels, je m’attendais à vivre une toute autre aventure sonore. Tout d’abord, à cause du patronyme inspiré par la bière noire et sirupeuse que l’on sert tiède et plate dans la plupart des pubs d’Irlande et d’Angleterre. Et puis de cette allusion aux Dropkick Murphys. Une mise en bouche susceptible de nous entraîner dans l’univers celtique. Et bien, j’ai tout faux. Les Black Stout pratiquent du ‘Street Punk’. Déçu votre serviteur ? Même pas, puisque dans leur genre ils sont plutôt bons.
Métalleux primaire, je confesse une ignorance crasse de la musique préférée de mes frères à crête et surtout de ses diverses subtilités (NDR : j’ai pourtant l’impression de m’être un peu amélioré depuis que j’écris chez Musiczine). Une visite éducative sur la toile s’impose donc ! D’après une célèbre encyclopédie ‘libre’ en ligne, le ‘street punk’ serait un dérivé du punk rock, né au début des eighties. Les ‘street punks’, issus des classes-laborieuses britanniques, se seraient rebellés contre les prétentions artistiques des groupes de la première vague punk et seraient liés au mouvement Oi! ; l’idéologie raciste en moins. Le ‘street punk rocker’ type serait coiffé d’un mohawk multicolore et d’une veste de cuir cloutée bardée de slogans politiques ou de noms de groupes. Bref, un punk quoi.
Côté look, ce n’est déjà pas gagné pour nos ‘street punks rockers’ parisiens. Le quatuor est dépourvu d’excentricités capillaires (NDR : hormis la longue chevelure blonde de Vaness, la vocaliste). Et, à en juger la photo reproduite sur le feuillet promotionnel joint au Cd, leur look vestimentaire est plutôt BCBG. Cependant suivant l’adage urbain, ‘l’habit ne fait pas le keupon’ ; et côté musique le quatuor tape dans le mille, en distillant un punk rock rageur et mélodique aux refrains fédérateurs. « Voices Of Generation » est un Ep réunissant cinq glaviots gluants et une excellente reprise (cachée) du « Roots Radical » de Rancid.
Si les plages mélodiques comme « Celebrate » ou « Workers Mad Games » sont plutôt sympas, mon côté ‘brute épaisse’ leur préfère sans conteste les hymnes ‘in your face’ ; à l’instar de « Voices Of Generation » ou « Prince Charming's An Asshole (1, 2, 3, Fuck) », sur lesquels la voix de ‘bad girl’ de Vaness opère, sans conteste, son petit effet !
Les Black Stout préparent un long playing pour bientôt. Et sont prêts à défendre leur street punk à fortes effluves de houblon, sur les planches. Avis aux promoteurs et aux brasseurs !
Le rock belge de nouveau à la fête ? Pas vraiment, car même s’il a été révélé par un concours organisé par Pure FM, enregistre à Bruxelles et se fait produire chez nous, Sandmoon n’est pas à proprement dire une formation autochtone…
Le combo est parvenu à se forger un début de notoriété, grâce à l’appui de la station de radio. De fil en aiguille, quelques concerts sont mêmes mis sur pied mais ne rencontrent qu’un succès mitigé. Et pour cause, Sandmoon est le projet solo de la chanteuse libanaise Sandra Arslanian. Or, le rock libanais, sous nos latitudes, on ne connaît pas vraiment.
Présentation… Après avoir milité au sein de plusieurs formations rock ou rock/électro, Sandra Arslanian décide de voler de ses propres ailes, tout en retravaillant ses réalisations personnelles. Initialement, c’est seule, chez elle, en s’accompagnant au piano qu’elle compose ses mélodies et écrit ses textes.
Pour mener à bien son projet, elle s’entoure de différents musiciens du cru tels le drummer Tony Abou Haidar, le guitariste Elia Monsef et le bassiste Nicholas Credli, tous issus, comme elle, du pays du cèdre….
« Raw » n’est pas un véritable album. C’est en fait une démo réunissant onze titres sélectionnés par Sandra parmi plus d’une vingtaine qu’elle gardait en réserve de la république. Les thèmes abordés dans ses textes sont assez variés. Ils oscillent de la guerre (ben oui évidemment, nous sommes au Liban !) à l’enfance, en passant par la tolérance et… l’amour !
‘Mes chansons sont à écouter avec le cœur, elles sont personnelles, nostalgiques, mais elles sont là aussi pour vous faire bouger’. C’est ainsi que se définit la Libanaise qui insiste encore sur le côté folk/rock de ses compositions.
« Raw » est plutôt perçu comme un hommage aux origines, à la culture et à la beauté du pays d’origine des membres du combo, le Liban.
En observant la pochette de cette nouvelle compile élaborée par les deux Berlinoises de Sick Girls, je m’attendais à du bon son qui en jette. Désillusion ! Pour faire bref, « Revolution N°5 », signé sur le pourtant très bon label BBE, est tout bonnement insupportable. Motif ? Les mixes opérés par les deux Teutonnes sont tout simplement dégueulasses. Après avoir écouté « Raise Riddim » et « Android Porn » vous êtes instantanément vaccinés. Le son est rude, agaçant. Une rencontre entre big beat et dub moisie traversée de voix et dialogues rabâchés. A dégager…
Broken Glass Heroes: une nouvelle révolution sur la planète rock belge ? Pas exactement.
Une musique qui n’invente rien mais recycle. Un hommage aux golden sixties rendu par deux pointures de la scène pop-rock : Tim Vanhamel et Pascal Deweze. Ces deux artistes prolifiques se renouvellent sans cesse et multiplient une quantité invraisemblable de projets qui tiennent la route. Souvenez-vous. Le premier, ex-membre d’Evil Superstar et de dEUS, se lance dans une carrière solo et fonde rapidement Millionaire. Artiste hyperactif, il fricote également en compagnie d’Eagles Of Death Metal et se rend coupable de deux side-projects jubilatoires : Eat Lions et le déjanté Disco Drunkards (NDR : projet dont on attend le retour impatiemment !) Quant au second, Pascale Deweze, il a activement contribué au succès de Metal Molly et de Mitsoobishy Jackson avant de poser ses valises au sein de l’écurie Sukilove. Deux touche-à-tout de talent aux parcours professionnels impressionnants !
A travers « Grandchidren of the Revolution », les deux musiciens anversois réalisent un véritable travail d’historien du rock et poursuivent leur collaboration pour concocter un premier disque rendant hommage aux années 60/70. Un elpee qui devrait vraisemblablement plaire à l’auditoire de Classic 21. Un flot de compositions personnelles mettant à l’honneur des formations légendaires telles que The Beach Boys, The Left Banke, The Kings, The Beatles… Ou l’impression subite d’assister à une relecture de Johny Cash (« It won’t be much longer ») et des Zombies (« I don’t deserve this feeling »).
Globalement, c’est l’ombre de Brian Wilson qui laisse l’empreinte la plus marquée sur la plaquette. Un matériau resté trop longtemps exposé au soleil californien qui fourmille d’arrangements musicaux et d’harmonies vocales respirant le surf rock des Beach Boys. Citons, par exemple, les très inspirés « Poor little rich girl » et « Let’s not fall apart » qui soufflent cette insouciance sonique propre aux années soixante.
Les titres psyché-rock (« U becomes U ») et rock garage (« I don’t need a woman ») s’avèrent cependant les plus réussis. Pistes sur lesquelles on peut tout particulièrement contempler le talent artistique des deux musiciens.
Grosse ombre au tableau, « Grandchildren of the Revolution » verse parfois dans la caricature grossière, la parodie. Prenez un bon vieux classique N&B du cinéma US et passez-le à la moulinette du Technicolor. Imaginez ‘Psychose’ d’Hitchcock en couleur. Le résultat ? Un pâle ersatz qui souffre de la disparition de son âme originelle et perd logiquement de son authenticité.
Un long playing découpé en 15 pistes (NDR : attention morceau caché !) qui devrait néanmoins ravir les nostalgiques du genre.
Broken Records est un combo prolifique. Un an seulement après avoir publié « Until The Earth Begins To Part » –un premier elpee qui avait suscité l’enthousiasme– écumé les plus grands festivals européens et accompagné The National en tournée, les Ecossais nous proposent déjà un nouvel opus. Il s’intitule « Let Me Come Home ».
Comme on ne change pas une formule qui marche, tous les ingrédients qui nous avaient fait craquer, il y a quelques mois, sont à nouveau réunis sur ce disque. Ainsi, cuivres, piano et violon soutiennent parfaitement la voix sous tension de Jamie Sutherland, chantant comme si sa vie en dépendait. Produit par Mr Tony Doogan (Mogwai, Delgados, Belle & Sebastian, …), cet LP campe un lyrisme proche des Canadiens d’Arcade Fire, mais en plus ténébreux. Le climat peut-être? Qui sait ! Encore qu’il recèle quelques titres plus entraînants, comme le single « A Darkness Rises Up ».
Si « Let Me Come Home » n’est pas vraiment une œuvre novatrice, elle n’en demeure pas moins excellente. La formation a sans doute voulu assurer, plutôt que d’expérimenter. Le troisième essai devrait nous permettre de faire enfin le point sur le potentiel d’évolution de cette formation…
Pour concocter son second album intitulé « The Disease Of St. Vitus », le groupe finlandais Dead Shape Figure n’a pas vraiment fait dans la dentelle. Sa combinaison brutale de thrash métal moderne et de death métal mélodique pourrait bien réveiller plus d’un mort.
Formé à Helsinki en 2003, le quintet a acquis expérience et cohésion en se produisant plus de deux cent fois sur scène. Outre une centaine de concerts accordés en Finlande, Dead Shape Figure a parcouru seize pays différents et chauffé les planches pour des groupes d’envergure tels que Cradle Of Filth, Moonspell, Chimaira, Samael et Turisas.
« The Disease Of St. Vitus » est destiné à tous les accros au Modern Thrash Metal de Dew-Scented ou de The Haunted qui apprécient aussi le Death Metal Mélodique original d’At The Gates (NDR : la voix death de Galzi Kallio ressemble énormément à celle de Tomas Lindberg). Et surtout, il s’adresse à celles et ceux qui ne sont pas avides d’originalité.
Car c’est un peu là que le bât blesse. Malgré toutes ses qualités (NDR : compositions dynamiques, riffs en béton, chant agressif doublé parfois d’un chant clair, technique imparable, etc.), il n’y a rien dans la musique de Dead Shape Figure qui n’ait déjà été entendu ailleurs.
Un bon album que l’on prend plaisir à écouter, mais qui ne laisse malheureusement pas une marque indélébile chez l’auditeur.
Un peu à l’image du loup menaçant, illustré sur la pochette du cd, la redoutable paire Cave/Ellis et leurs hommes de mains, Jim Sclavunos et Martyn Casey, montrent les crocs. Pour la seconde fois, le conteur des ténèbres et ses acolytes braquent leurs armes sur la tempe de la populace au nom de Grinderman, leur inquiétant alter-ego. Tout simplement intitulé « Grinderman 2 », le second opus du quatuor reprend les ingrédients de son prédécesseur en les gonflant d’une sacrée dose de testostérones. Grinderman va droit au but.
En tout, neuf morceaux radicaux et aiguisés comme des lames. Un sentiment oppressant de danger immanent traverse chacun des neufs morceaux de la plaque. De sa plume, toujours plus affutée à chaque publication, Nick Cave invoque les dieux et démons, quelle que soient leur forme ou leur acabit (« Evil », « Palaces Of Montezuma », « Mickey Mouse and The Goodbye Man », « Heathen Child »), tandis que ses compères taillent des mélodies malicieusement infectieuses. Du Punk Blues pur sang !
Franchement, il n’est pas très intelligent de se servir de clichés comme ‘le talent n’attend pas le nombre d’années’ pour servir de rampe de lancement, à la sortie d’un nouvel album. Mais dans le cas de Bert Vliegen, la formule est tout à fait appropriée. Horses est un projet imaginé par un Limbourgeois âgé de 18 ans. Inspiré par ses maîtres, parmi lesquels figurent Bon Iver, Sophia, Neil Young, Sufjan Stevens et Beirut, il manifeste un sens de l’écriture particulièrement subtil. « Horses » constitue son premier Ep. Il est partagé en quatre titres intimistes et mélancoliques, parcourus par sa voix d’ange, haut perchée, mais également ténébreuse. Essentiellement acoustique, l’instrumentation est épurée. Des coups de cœur ? « These Birds » et « White Lake » deux compos qui illustrent, plus que probablement, la naissance d’un talent nouveau. Suffira pour le confirmer qu’il se débarrasse de ses références, encore un peu trop conventionnelles. A suivre donc…
Et si nous reparlions des dangers de la mondialisation ? Vous cherchez un exemple ? Ingraved, un groupe italien qui publie un album de metalcore inspiré par la mythologie japonaise, sur un label allemand. Franchement, la recette me semble dangereuse. En tout cas, elle est mondiale. Périlleuse aussi, peut-être, mais pour les oreilles seulement.
Le fil conducteur du second elpee de cette formation italienne est ‘Onryou’, un personnage issu de la mythologie nipponne. Un esprit malfaisant, capable de revenir d’entre les morts pour semer vengeance, terreur et désolation dans le monde des vivants. Ce sujet plutôt inhabituel constitue finalement le seul motif original de la plaque.
Pour celles et ceux qui s’intéressent à la géographie, Ingraved est originaire de Brindisi, une ville située dans le talon de la grande botte. Le quintet à déjà publié, en 2006, un album death métal plutôt brutal, intitulé « Hatred From Outside ». Quatre années plus tard, nos amis transalpins effectuent un changement de cap important. Sur « Onryou », toujours orienté métal, c’est désormais le ‘core’ qui à remplacé le ‘death’. Les modifications ? Un peu plus de mélodie, un peu moins de parties lead et davantage de variation dans le chant. Exit les grunts death. Place à l’alternance de hurlements hardcore et de chant clair. Bref on standardise sa musique selon les normes internationales du métalcore !
Sur la forme, rien à redire. « Onryou » est un disque ‘rentre-dedans’. Les riffs sont brutaux, le tempo rapide et le son étonnamment puissant. De quoi passer un bon moment à headbanger (si vous êtes du côté ‘métal’ de la force) ou à pogoter (si vous êtes du côté ‘core’). Sur le fond, cependant, il faut bien avouer que le résultat s’avère quelque peu linéaire. La rondelle, qui ne dure qu’un peu plus d’une demi-heure, devient carrément lassante au bout de vingt minutes. Nous ne remettons pas en cause les qualités du groupe qui, dans le genre, est aussi bon qu’un autre. Le problème c’est que dans le domaine du metalcore, l’expression sonore est on ne peut plus conventionnelle et ne réserve aucune surprise.
« Onryou » est un disque parfait dans son genre. Aussi parfait que des centaines d’autres du style, parus auparavant. Alors pourquoi choisir celui-ci plutôt qu’un autre ? La question reste posée…
En matière de ‘Variétés françaises’, rayon cds pour supermarchés (NDR : il y a bien longtemps que mon disquaire préféré s’est retiré des affaires), on devrait trouver, sans aucune surprise, des noms tels que Saez, Noir Désir, Superbus, Eiffel, Zazie, Anaïs, Saint André et bien d’autres encore. Parmi tous ces artistes, un nom cependant totalement inconnu éveille ma curiosité : Kaolin. Fouineur comme pas deux et irrésistiblement attiré par tout ce qui se chante dans la langue de Voltaire (mais faut qu’ça ‘sonne’), cet artiste constitue une découverte pour votre serviteur, et peut-être également pour vous…
Kaolin nous vient du centre de la France, plus précisément de Montluçon, et compte déjà à son actif quatre opus studio. Après avoir publié « Allez » en 2002, « De retour dans nos cirques » en 2004 et « Mélanger les couleurs » en 2006, la formation auvergnate a patienté quatre ans, permis au chanteur, Guillaume Cantillon, de concocter un album solo, intégré un nouveau membre (chant et basse), avant de nous pondre ce nouvel elpee au titre éponyme, en cette fin d’année.
Mis en forme par Jean-Louis Piérot (Bashung, Miossec, Renan Luce), ce disque nous offre un patchwork de folk, funk, rock, disco-rock susceptible de ratisser un public bien plus large que lors des débuts du groupe, où ils s’essayaient principalement à ‘imiter’ un style ‘power pop rageur’ anglo-saxon, qui était jusqu’il y a peu leur marque de fabrique…
Quatre ans plus tard, le style s’est donc davantage orienté vers la chanson française, faisant la part belle aux textes un peu naïfs, soutenus par une instrumentation de bonne facture. De quoi ravir les amateurs de bonne variété ; bref, qui ne souhaitent pas trop se prendre la tête !!! Des titres comme « Crois-moi », « Bang bang » ou l’excellent « C’est mieux comme ça » donnent vraiment envie de bouger. Et pour une fois, on comprend les paroles, ce qui n’est pas fréquent… « Sans importance » est du même acabit : simple, accrocheur, énergique et frais.
Sans prétention aucune, Kaolin propage de la bonne humeur à travers des petites mélodies entraînantes qui s’écoutent sans arrière-pensée. En adoptant une forme d’humour au second degré (« Tu m’emmerdes ») ou en esquissant un sourire en coin, Kaolin nous démontre que même les histoires amoureuses qui finissent mal (« Petite peste ») peuvent donner envie, si pas de danser, au moins de chantonner…
Enfin, « Shanana », rappelle que le quintet était attaché à la pop anglo-saxonne, lors de ses premières réalisations.
Chouette !
« Welcome To Trash Vegas » pourrait servir de Bande Originale au prochain film de Tarentino. C’est en tout cas l’impression laissée dès la première écoute de cette nouvelle rondelle concoctée par ce combo finlandais. Tout y est. Et tout d’abord ce mélange d’humour noir et de second degré, caractéristiques des longs métrages du grand Quentin. Ensuite, et surtout, ce brassage hétéroclite de rock’n’roll, de surf, de garage rock, de boogie hillbilly, de blues et de rockabilly, qui illustre souvent l’œuvre du réalisateur américain. C’est simple, on a l’impression que le quatuor d’Helsinki n’avait qu’un seul objectif, lorsqu’il a composé les morceaux de cet opus : courtiser le géniteur de « Pulp Fiction », « Reservoir Dogs » et « Kill Bill ». N’allez pas croire que c’est une critique. Au contraire, les BO des films Tarentino sont ce qui se fait de mieux dans le genre.
Knucklebone Oscar, c’est un peu le Little Richard du punk, les Beach Boys sous acide ou bien les Stray Cats infectés par la rage, à force de courir les rats du quartier. Bref, quatre joyeux allumés qui, en 27 minutes chrono, balancent 11 plages d’un rock’n’roll bouillonnant et hystérique (NDR : trois des onze titres sont des reprises de standards du rock’n’roll : « Girl Can’t Dance » tiré du répertoire du chanteur rock’n’roll afro-américain Bunker Hill, « Girl That Radiates That Charm » interprété à l’origine par le chanteur rockabilly Jimmy Isle et « Rocking the joint », le hit du pianiste rock’n’roll Esquerita).
En ouverture de « Welcome To Trash Vegas », l’hilarant « Knucklebone Preaches » donne l’occasion à Oscar, le guitariste/chanteur de singer les prédicateurs yankees, en prêchant contre ce rock’n’roll pernicieux qui pousse le pays à sa perte. Il est suivi de « Six-Sixtysix (Lucky Number) », un pur rockabilly à la Stray Cats, rehaussé d’un solo de six-cordes qui doit manifestement beaucoup à Chuck Berry. D’autres plages telles qu’« Avenger » et « Circus Knuckelbone » rappellent le surf rock endiablé des sixties ; et en particulier les rythmes rapides et saccadés des Del Tones voire de The Lively Ones. « Blood Trails » et sa guitare slide verse dans le Hillbilly et le country rock.
Destiné à tous les amateurs de Fun et de Rock’n’Roll !
Le label Full Time Hobby est manifestement une maison de disques sur laquelle il va falloir compter, dans le futur ! Après avoir signé Micah P. Hinson et Timber Timbre, ces têtes chercheuses anglaises viennent de consacrer un album, partagé en 29 plages, aux inestimables Let’s Wrestle ! Un groupe qui porte bien son nom ; car, oui, on va se battre ! Et dans le but de défendre ce trio déjanté mais ultra-doué ! Mojo les considère d’ailleurs déjà comme des génies, alors que le NME estime que Let’s Wrestle manie l’insolence comme une certaine forme d’art… Si ces magazines s’emballent souvent au moindre frémissement médiatique, il faut reconnaître que le combo épouse une toute autre dimension. Et pour cause, ces Londoniens sont responsables de véritables brûlots indie, peu rencontrés au cours des dernières années…
Dès la sortie de ce premier elpee, ces garnements de Let’s Wrestle sont parvenus à tutoyer de grosses pointures qui ont marqué les 90’s comme Dinosaur Jr., Pavement, Yo La Tengo ou Sebadoh. Comme quoi s’ennuyer à mourir en Angleterre peut transcender des adolescents désœuvrés… Empreints d’une irrésistible nonchalance, les 16 plages de ce long playing (NDR : déjà publié en 2009) traitent de thèmes aussi sérieux que futiles. Des exemples ? Offrir un verre à sa copine en boîte (« We Are the Men You’ll Grow to Love ») ou discourir sur les cheveux de Lady Di (« Diana’s Hair »). Le tout dans la tradition littéraire chère aux Kinks. Encore que lorsque les lyrics deviennent vraiment drôles, c’est à Art Brut que l’on pense. Des chansons qu’interprète Wesley Patrick Gonzales d’une voix éraillée. Par contre, les sonorités des guitares évoquent davantage les 90’s que le Post-Punk. Bonne nouvelle, l’opus est enrichi de morceaux issus de toute une série de maxis enregistrés entre 2007 et 2008. Une bonne raison pour ne pas passer à côté de ce Let’s Wrestle !
Melissmell, c’est un petit bout de femme de 26 ans, issue de l’Ardèche qui possède une voix incroyable, rocailleuse, abîmée mais puissante. Un organe vocal qui sert merveilleusement bien les textes dramatiques qu’elle chante. Espèce d’écorchée vive, issue du même moule que Ferré, Brel ou Cantat, elle alterne brûlots et ritournelles sur cet Ep réunissant trois titres.
« Aux armes » ou « Je m’souviens », histoire d’un Noël pourri, auraient pu être interprétés par Noir Désir, Gainsbourg ou Renaud. Et bien non, c’est cette petite brune qui nous gueule sa révolte dans les oreilles avec hargne et passion. Faut avouer qu’elle a une fameuse histoire derrière elle. Souhaitant ‘vivre’ de sa musique, elle a vécu dans la rue en faisant la manche et en dormant avec les exclus. Des rencontres et des expériences qui ont façonné sa personnalité. ‘Dans la rue, il y a des rencontres qui t’apprennent beaucoup de choses’. Elle a chanté partout où elle le pouvait, aux terrasses des cafés ou dans les squats d'artistes.
Finalement, elle se fixe à Strasbourg où elle rencontre Stefano Bonacci (guitare) et Thomas Nicol (violoncelle) qui l’épaulent en ces prémices d’une carrière prometteuse.
Un album est prévu pour le début janvier 2011, suite logique de ces trois titres très prometteurs.
On attend donc impatiemment « Ecoute s’il pleut » qui paraîtra le 17 janvier chez Discograph. En attendant cette date, je vous invite à jetez un coup d’œil au clip d’« Aux armes » ici .
Sur la scène rock belge, Benjamin Schoos est un véritable électron libre. Le Sérésien cumule en effet les casquettes de chanteur, auteur, compositeur, producteur, illustrateur et chroniqueur, selon ses humeurs ! S’éparpillerait-il en chemin ? Entre Phantom flanqué de Lio, le concours de l’Eurovision auquel il a participé en compagnie de Patrick Ouchène et ses chroniques pour le jeu du dictionnaire, allait-il trouver suffisamment d’inspiration pour son nouveau projet solo ; le premier depuis « L’Homme Libellule », publié en 2007 ? A première vue non… tant le début d’album est laborieux, malgré une très belle intro exécutée dans un esprit très rock. Si la voix de Benjamin n’est pas vraiment extraordinaire on lui reconnaît une belle plume. Pourtant, on ne peut pas dire qu’il se soit foulé en écrivant le « Roi des Paranos », une compo qu’il semble avoir pompée à Priba 2000.
Il faut d’ailleurs attendre l’adaptation de « J’écoute une K7 de la Vedette », des cultissimes La Variété –le groupe électro pop de Rudy Léonet et Bernard Dobbeleer– pour entre enfin dans le vif du sujet. Parfaitement absurde « Blues Automatik » est déclamé en allemand robotique. Deux véritables inepties jubilatoires. La « Femme Plastique » est enfin sur rails ! Car le reste de l’opus est de la même trempe. Il recèle une série de titres épatants dont l’irréel et groovy « Charleroi 2015 », projection de la cité hennuyère dans le futur, imaginée sous la forme d’un polar. Particulièrement déjanté, le clip consacré au morceau est d’ailleurs à découvrir sur le net. Sans se prendre au sérieux, Schoos enchaîne les vignettes référencées et rétros. Le superbe morceau « Je vois dans le noir » et le lubrique « Erotomane » lorgnent vers Gainsbourg, tandis que l’entraînant « Pseudonyme » évoque le Renaud des débuts, dont il s’inspire dans ses textes à la fois efficaces, drôles et tranchants.
Pour enregistrer cet elpee, il a reçu le concours de son très rock backing band Loved Drones, dont le line up implique Marc ‘Morgan’ Wathieu (Tricheurs), Daniel Offerman (Girls in Hawaï et Hallo Hosmo), Marie France, Marie Ange et Man From Uranus.
Bref, si tout n’est pas parfait sur cet elpee, il s’avère néanmoins insaisissable et attachant. Difficile cependant de dire si, pour Benjamin, la musique est à prendre ou non, au sérieux… Mais, ces considérations ne sont guère importantes, car cet artiste atypique qui ne pourrait exister qu’en Belgique, et tout particulièrement en Wallonie, possède un don unique pour torcher une mélodie pop à la fois légère et terriblement efficace.
A découvrir en live le 19 janvier au Botanique, le 22 du même mois au Belvédère de Namur, le 4 février à l’Atelier Rock de Huy et le 11 mars à Mons, en la salle ‘On Air Club’, très exactement.
Avoir été choisi pour chroniquer cet album n’était pas vraiment de nature à soulever mon enthousiasme. Faut dire que le tube mondial « New Soul », pourtant efficace, de la diva, avait été tellement diffusé sur les ondes radiophoniques, qu’il avait fini par m’insupporter. J’étais, en outre, persuadé qu’il s’agissait d’une version un peu trop lisse de la Canadienne Feist. La Franco-israélienne truste de façon très étonnante les ondes et les plateaux de télévision depuis quelques années. Une succession d’indices suspects ? Parfaitement, quand on sait qu’elle a débuté sa carrière dans la comédie musicale ‘Les Dix Commandements’…
« She Was a Boy » constitue son 3ème album. Il fait suite au confidentiel « In a Man’s Womb » et l’ultra récompensé elpee éponyme, un disque composé en compagnie du percussionniste David Donatien, toujours à ses côtés aujourd’hui. Se nourrissant de folk, pop et jazz, sa musique baigne au sein d’une atmosphère souvent paisible et éthérée. Rien de très surprenant, à l’horizon. Mais finalement, et il faut le reconnaître, les 13 titres de son nouvel opus tiennent la route. Les mélodies sont finement ciselées, les arrangements jazzy très subtils et la voix de Yael à la fois douce et vaporeuse. Les hits potentiels se bousculent au portillon. Vous ne devriez d’ailleurs pas échapper à certains d’entre eux ; et je pense tout particulièrement à « Come Home », « She Was a Boy » et surtout « Go to the River », enregistré en compagnie de Spleen ! Si certaines compos sont un peu trop larmoyantes à mon goût (« Today »), d’autres se révèlent bien plus récréatives et surtout convaincantes ; et je pense tout particulièrement à « Stupid Goal », chanté en compagnie de Tété.
Manifestement Yael Naïm excelle dans le domaine de la bonne variété ; et sous le sapin, ce disque devrait plaire tant à vos parents qu’à vos vieilles tantes, sans pour autant vous payer la honte… saluons la performance !
Yeal Naïm se produira le 17 mars à l’AB de Bruxelles.
Si Shipping News compte à ce jour près de 15 années d’existence, son dernier album remonte quand même à 2005. « One Less Heartless to Ear » fait donc suite à « Flies The Fields ». Mais pourquoi ce long silence? La conséquence d’événements et d’épreuves rencontrées au cours de la vie (mariage, maladie, etc.) Mais malgré cette longue parenthèse, le combo n’a pas perdu sa fougue. Sa démarche n’a même jamais parue si violente. Comme si ces vicissitudes avaient endurci le caractère de ces musicos.
Shipping News tourne donc le dos au post rock pour embrasser un style particulièrement énergique. Découpé en neuf fragments, dont deux morceaux immortalisés live (« Morays or Demon » et « Axons and Dendrites ») empruntés au précédent opus, l’œuvre est sous haute tension. Le tempo est soutenu, les riffs sont hypnotiques (à l’instar de « Bad Eve » et « Half a House ») et les vocaux de l’Américain sont invariablement menaçants. On pense à Shellac lorsque les cordes de guitares cisaillent littéralement le flux sonore en générant des crescendos frémissants. Difficile cependant d’épingler un titre en particulier, tant l’ensemble est homogène. Bref, cet « One Less Heartless to Ear » est tout simplement énorme. Et le mélomane est sans arrêt sur le qui-vive.
Éternel adolescent, Shipping News a encore de belles années devant lui. Dommage que mon top 2010 a déjà été établi ; sans quoi ce « One Less Heartless to Ear » y figurait certainement !
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