3e album pour Biffy Clyro et autant le dire d’emblée, leur cas ne s’arrange pas ! Le trio écossais souffre d’un syndrome dont les manifestations bruyantes écorchent une fois de plus les pavillons : l’ Americanus ‘MTV mid-90’s alt-rock’ Nostalgicus. Les 15 compositions de cet « Infinity Land » (qui se révèle de fait interminable…) en sont toutes contaminées. Gros riffs balourds, petits arpèges acoustico-sentimentaux calculés, changements de rythmes téléphonés… Simon Neil et les frères Johnston ont bien du mal à dissimuler la pauvreté mélodique de leurs titres. D’ailleurs, on ne sauvera du naufrage que les seuls « Glitter and trauma » et « My recovery injection », par pure charité rock’n’roll. Il est fort à parier que cet Infinity Land n’aurait pas laissé la moindre séquelle sonore même s’il était sorti en – par exemple – 1994. Au fait cela me rappelle que j’aimerais me débarrasser de quelques cadavres gênants, genre Everclear, Sponge et autres 3 Colours Red. Anyone interested ?

Aujourd’hui, Big Dez constitue certainement une des meilleures formations françaises de blues. Militant depuis 1996, elle est drivée par le chanteur/guitariste Phil Fernandez. Un personnage qui s'est souvent rendu au pays du blues pour se perfectionner et se mesurer aux musiciens locaux. Et tout particulièrement à Austin, au Texas. En mars 2003, il y a ainsi enregistré "Sail on", un elpee qui laissait transparaître un potentiel international indéniable. L’année suivante, il y est retourné ; pour mettre en boîte ce tout nouvel opus. Hormis Vincent Daune qui a cédé ses baguettes à Nico Leophonte, le line up de base est identique : Bala Pradal aux claviers, Marc Schaeller à l'harmonica et Lamine Guerfi à la basse. A l’instar du long playing précédent, quelques invités ont participé aux sessions d’enregistrement.

 

"Junk tour" ouvre le feu. Bala enfonce ses doigts de velours dans son clavier. La section rythmique prend ses marques. La guitare de Phil ne tient déjà plus en place et dispense de courtes phrases qui font mouche. Cueillies dans un Texas blues de choix avant d’être triturées, ces grappes de notes ne peuvent que nous mettre l’eau (NDR : le vin ?) à la bouche. Sapidité Freddie King, Long John Hunter et plus exactement Phil Fernandez. Le blues de Big Dez est d’une solidité à toute épreuve. La fête continue tout au long d’"Even me". Pradal est passé à l'orgue. Le souffle de Marc est percutant. Une attaque très caractéristique. Les invités se bousculent au portillon des studios Wire Recording. Dont une section de cuivres constituée de Gary Slechta à la trompette et de l'excellent Gordon Beadle au saxophone. Sans oublier Preston Hubbard, préposé à la basse. Chanteur particulièrement doué, Mike Cross échange des vocalises avec Phil, un ancien membre des Fabulous Thunderbirds Une deuxième guitare entre dans la danse : celle de Rodolphe Dumont. Elle attaque "Night after night", sur un tempo rock'n'roll. Le tempo persiste tout au long de "Never make a move too soon". Le chant de Phil ne présente pas la moindre faille. Sax Beadle se régale sur son sax ténor. Big Dez opte alors pour un changement de direction : la Louisiane ; et New Orleans en particulier. Nico impose le ton de ses percussions. Les touches de Pradal sont affûtées. Mike et Jacqui Cross rejoignent Phil pour chanter cet "At Gino's" contagieux. Le saxophone de Tom Robinson vibre. Pour aborder "#2", la Stratocaster de Phil libère un son pourri. Tous les instruments participent au rythme de ce shuffle bien carré, pendant que la guitare s'évade au pays des King, Freddie et BB. C'est la fête ! Et lorsque Big Dez produit un tel groove, c'est le bonheur ! Plus cool, atmosphérique, "Suspicion" est propice à de nouveaux éclats des cordes. Lors de l’instrumental "2710 S. Lamar", Marc et Bala démontrent leur savoir-faire. Bala Preadal nous donne même une leçon d’efficacité, sur son orgue, tout au long de "Big livers". Il nous transporte même à Memphis, au pays de Booker T. Plage finale, "Stroll for Madeleine", est toujours instrumentale. Elle est malheureusement trop brève à mon goût. Parce que nous sommes envahis par le climat relaxant du piano électrique de Bala ; une compo au cours de laquelle les cordes de Fernandez éclatent pour la dernière fois. Découpé en neuf fragments, « Night after night » est un album d’excellente facture. Un de plus pour Big Dez ! Au cours du mois de juillet, le groupe effectuera une tournée aux Pays-Bas (NDR : il en profitera pour enregistrer un album ‘live’), avant de se produire aux ‘Blues Passions’ de Cognac. Enfin, le 7 août, ils seront à l’affiche du Festival de Gouvy en Belgique.

Billy Gibson est né à Clinton, dans le Mississippi. Peu à peu, ce chanteur/harmoniciste blanc a fait son chemin, lentement mais sûrement. Après ses études, il émigre à Clarksdale où il joue au sein des Midnighters. Il se fixe ensuite à Memphis, à Beale street. Son université du blues, comme il aime si bien le rappeler. Depuis, il s'est forgé une solide réputation, collaborant notamment aux enregistrements de Deborah Coleman, Michael Burks et des Junkyardmen. Son premier album "Billy Gibson" est paru en 1996, sur North Magnolia. Il bosse ensuite pour la boîte de distribution, Indise Sounds. Il commet successivement "The nearness of you" en 2001 et "In a Memphis tone" en 2004. Pour ce nouvel opus, il a reçu le concours de son BG Band. Un backing band constitué de trois musiciens noirs : David Bowen à la guitare, James Jackson à la basse, et Cedric Keel à la batterie.

 

Billy ouvre les hostilités par "Down home", une plage très Memphis. L’homme est bien chez lui dans la capitale du Tennessee. Sa section rythmique imprime un rythme bien funky. Mais ce qui marque instantanément les esprits, c'est la puissance de feu de Gibson. Ce souffleur possède trois poumons. En outre, sa voix est taillée sur mesure pour son répertoire. Son premier solo est un plaisir des oreilles. L'homme dispose de solides atouts. Son style est très personnel. Sa puissance constante, sa technique infaillible et la dissertation ample. Signé David Bowen, "Keep doin' what ya doin" évolue dans un style que n'auraient pas reniés les Nightcats de Little Charlie Baty! L'orgue de Charlie Wood est venu renforcer l'équipe. Ce qui n’empêche pas Billy de demeurer aussi consistant sur son instrument. Le funky "Home at last" baigne encore dans le Memphis Sound. Le travail opéré par la basse, la batterie et l'orgue est méthodique. Pas étonnant dès lors d’assister à l’intervention d’un autre invité : le saxophoniste Charles Campbell. Un concours opéré totalement dans l'esprit de cette musique rythmée. Le "What is love?" de Gibson constitue un grand moment de cet opus. Une plage bien enlevée qui nous donne envie de participer à la fête. Un fragment caractérisé par une redoutable envolée à l'harmonica. Impressionnant! Charlie Wood s'est assis derrière le piano pour entamer le plus classique, "Darlin' please come home", un blues indolent inspiré par Sonny Williamson II, au cours duquel Billy souffle paresseusement dans son instrument. Notre homme est capable de varier son répertoire. Issu de sa plume, "Stingin' stang" évolue dans un registre bien plus soul. Une compo colorée par la guitare de David, dont l’inventivité laisse transparaître des influences jazz. La reprise du "Love everybody" de Willie Foster replace Billy dans ce qu'il fait le mieux : le blues largement teinté de R&B. Les voix féminines de Lucy et de Lynn le soutiennent. Ce qui lui donne des ailes pour produire un nouveau solo à l'harmonica. Et il est splendide ! La machine est décidemment bien huilée. C'est le bonheur! "One more time" demeure dans le même style. Une autre composition de Bowen au son très Beale street. En front de scène, Billy chante parfaitement ce titre tapissé par l'orgue Hammond. Cet excellent opus s’achève par le "Tell it like it is" de Mose Vinson. Une compo qui baigne au sein d’un atmosphère plus intimiste, et que Billy chante, avec pour seul partenaire, Charlie Wood et son piano roulant. Une dernière occasion pour souffler sereinement dans son harmonica. Parallèlement à la sortie de cet album, Billy vient également de sortir un ‘live’ immortalisé au Rum Boogie Cafe (NDR : il est paru chez Beale Street). En outre, il élabore un guide d'instruction pour harmonica chromatique sur CD, un mode d’emploi qui devrait sortir pour l'été 2006. Et pour que votre information soit complète, sachez que non seulement Billy se produit en compagnie de son propre groupe ; mais également chez les Delta Cats, un duo qu’il a constitué avec son guitariste David Bowen.

Paru l’an dernier, « Weather Systems » nous faisait découvrir un songwriter acrobate et sensible, maniant l’écriture pop avec la grâce d’un funambule suspendu dans le vide. Ses mélodies sans gravité, d’une allégresse timide mais si charmante, nous auront accompagnés tout au long de l’année. Aujourd’hui le Bostonien nous propose un nouvel album, et c’est la même apesanteur qui assaille nos oreilles à l’écoute de ces 14 titres sans esbroufe, mais d’une valeur inestimable. Son violon en guise de fidèle compagnon, Andrew Bird tisse des merveilles de mélodies sans attache terre à terre, tel un Arthur Russell fan de Nick Drake et de Linda Perhacs. Qu’il caresse son engin à rebrousse-poil ou le sample en boucles hypnotiques, Andrew Bird n’est jamais son esclave mais son amant fidèle : entre eux c’est l’amour, le vrai, même si parfois ça pète (« Fake Palindromes »). On ne remerciera jamais assez Andrew Bird d’exister à travers sa musique : sans elle on n’aurait pas gagné un ami, quelqu’un à qui parler, dans la joie ou la détresse.

Brant Bjork est issu de Palm Desert, en Californie. Lorsqu’il était encore aux études, il avait monté Kyuss, une formation responsable d’un ‘desert stoner’ rock aux accents heavy et psychédéliques. Le combo commettra quatre albums entre 90 et 94. Lorsqu'il quitte Kyuss, il se concentre d’abord sur le football avant de créer El Camino, un label indépendant rebaptisé depuis Duna. Il joue alors de la batterie chez De-Con, un ensemble de hardcore punk. Puis rejoint Fu Manchu, une formation de surf qui alignera quand même cinq albums. Il décide enfin d’embrasser une carrière solo et enregistre "Jalamanta" en 1999, un album de cool jazz. Peu satisfait du résultat, il grave un disque bien plus heavy l’année suivante, "Ch'e". Puis enregistre successivement "Brant Bjork and the Operators" en 2002, "Keep your cool" en 2003 et "Local angel" l’an dernier. Il a fondé, dernièrement les Bros, en compagnie de Dylan Roche à la basse, Mike Peffer aux drums et Cortez à la guitare. La critique n’hésite pas à qualifier le résultat de cette aventure, comme la plus proche du Jimi Hendrix Experience depuis près de quatre décennies.

 

En ouverture de ce double album, "Magic vs Technology" baigne au sein d’un climat sidéral. Caressées, les cordes synthétisent ces sonorités galactiques. Nous sommes directement plongés dans la musique de Brant Bjork. Bien en rythme, la guitare est tout d'abord malmenée. La voix étrange accroche. La section rythmique balise ce "Get into it" comme à la meilleure époque de la new wave britannique. Brant nous entraîne effectivement dans son trip. Psychédélique, déjantée, la guitare écrase tout sur son passage, puis s’évade… Impressionnant ! Quoique sculpté dans un hard – ma foi – fort classique, "Kiss away" demeure musicalement très riche, évoquant au passage les trios glorieux que furent Cream et Experience. "73" aurait pu sortir en ….1973. Un fragment furieusement proche du groupe anglais Free de Paul Rodgers et Paul Kossoff. "Lil' Bro" lorgne davantage vers le rock sans compromission des Flamin' Groovies. Répétitives, "Moda", "Dr Aura" et "Inside of you" trahissent une influence teutonne, krautrock si vous préférez ! Autre hard rock classique, réminiscent du début des 70’s, "Gonna make the pony trot" manque singulièrement d’éclat. "Sweet Maria's dream" campe un blues à la fois calme et allumé, un blues bjorkien, presque progressif. Nous ne sommes pas tellement loin de la démarche prônée par Tony McPhee chez les Groundhogs, il y a une trentaine d’années. La musique de Brant est riche, complexe, très diversifiée. Ses influences sont multiples. "Freak levels" entame le deuxième disque. L’univers sonore est envahi par quelques cris d’animaux. Les guitares arrachent et explorent de nouveaux horizons psychédéliques ; toujours aussi allumés. Bjork a également recours aux techniques studio pour projeter ce voyage torturé. Les cordes fouettent de riffs "Let the truth be known". Dominée par la voix, cette plage est taillée sur mesure pour un trio de hard rock du début des 70s. "Dylan's fantasy" est excellent, mais trop court. Un instrumental secoué par les quatre cordes frénétiques de la basse. Plus conventionnel, "The messengers" est une parfaite démonstration de la bonne mise en place des trois instrumentistes. La tension monte et se mue progressivement en fureur. Amorcé par un monologue, "Paradise on earth" nous convie à un voyage en Thaïlande. Une aventure qui respire la douceur. "Coor Abdul" propose un autre voyage atmosphérique vers l'Orient lointain. Narré par Bjork, "Avenida de la Revolucion" est imprimé sur un tempo répétitif assuré par les percussions. Lors de ce monologue, il évoque Hendrix et ne tarde pas à laisser ses cordes se tordre dans un tourbillon de notes qui aurait plu au dieu Jimi. Et ce même fantôme introduit ce riff notoire, immortalisé à la fin des 60’s par le Cream dans le sublime "Sunshine of your love" ; un trio qui aura lui aussi marqué les hommes du désert. Tourmenté par les cordes implacables, cette plage aboutit dans les flammes de l'enfer. Longue finale, "Arcadia eyes" repose sur un riff puissant, dispensé à l’unisson par les trois instruments. Maintenant, je me pose quand même une question : pourquoi cette compo se termine après 5 des 10' annoncées et redémarre deux minutes plus tard, mais sous la forme d’une pop song sucrée et mielleuse ? Brant a beaucoup écouté les musiques d'une époque lointaine et la restitue aujourd'hui, sous une forme contemporaine. De toute évidence, cet opus est digne d’intérêt.

Influencés tant par le rock n’ roll fifties que par le hard core des années 80, les Américains de Black Furies ont toutes les qualités pour séduire les amateurs de Turbo Negro ou des Hellacopters. Entre hard et punk rock, ce troisième opus (le premier sur le label Gearhead) file à cent kilomètres à l’heure, mais évolue à des années-lumière du speed métal. Il ne fait pas de doute que les fondements de l’univers musical du combo fondé en 2001 sont à chercher du côté des guitares aux sonorités ‘garage’ et des refrains faciles à mémoriser. Ici, le rock se fait tranchant, riffu, sautillant, irrésistible et donne la danse Saint-Guy. Sans vouloir révolutionner le monde du pur rock n’ roll, Black Furies se fend de douze nouveaux titres qui permettent de passer un bon moment sans se prendre la tête, ce qui n’est déjà pas si mal.

Auteur d’un premier album fort intéressant en 2003 (« Converted themes »), Black Lipstick nous revient avec un nouvel opus. Toujours aussi hantée par le Velvet Underground, leur musique semble aujourd’hui avoir été infectée par les Stones, le Clean et Pavement. Les Stones circa « Exile on main street », à cause de la sonorité un peu crade, produite par les guitares tour à tour, écorchées, sales, malsaines et tumultueuses. Clean ensuite. Parce que les mélodies tendres mais énigmatiques, spontanées et vibrantes, épanchent une mélancolie stimulante. Pavement enfin. Quand l’apparente anarchie se mue en véritable tourbillon hypnotique. Ajoutez y le timbre vocal lymphatique, monocorde, un peu limite de Philip Neimeyer (parfois soutenu par le backing vocal féminin de la drummeuse, Elisabeth Notthingham), dont le timbre peut rappeler Tom Verlaine voire David Byrne, et vous aurez une petite idée du climat sonore développé tout au long de cet elpee. Une belle affaire revivaliste, donc… Ben non, puisque comme je l’avais souligné sur le précédent elpee, B.L. possède l'art de mettre en valeur le détail sophistiqué qui le rend à la fois si attachant et contemporain. Et je n’ai pas changé d’avis.

Chez ses Pink Moutaintops, Stephen Gordon McBean se fendait d’un hommage à peine feint au rock des sixties, tendance psychédélique. Black Mountain c’est pareil, sauf qu’il passe au prog rock. Dès l’intro, des cuivres à la Roxy Music et de gros riffs ventripotents (Steely Dan ?) sèment vite fait la panique. Par-ci par-là des flûtes, des synthés, une batterie militaire et des chœurs défoncés se chamaillent pour jouer tous ensemble : on dirait du Fiery Furnaces version prog/acid folk. C’est une montagne, mais magique. Tout au-dessus, Stephen McBean cherche les tables : ‘Tu ne joueras pas de solo’, prévient l’une d’entre elles. Trop tard : le ciel est tombé sur sa tête, et le rock en est mort. Mission : retourner dans les années 70, et retrouver son ombre. On l’aurait vu picoler aux côtés des Chieftains et de Yes, jouer au poker avec ce vieux Neil Young. Ne reste plus qu’à attendre : bientôt, le revival Magma.

Pianiste, Christian Bleiming est né en Westphalie (Allemagne). En 1960. Très tôt inspiré par Clarence ‘Pinetop’ Smith et Meade ‘Lux’ Lewis, il s’est souvent produit en compagnie de chanteurs et de musiciens tels que Guitar Crusher, Big Jay McNeely, Big Joe Duskin, Angela Brown ainsi que Tommie Harris. Mais il a également varié les configurations : en solo, en duo (flanqué du drummer Peter Samland) et en trio (lorsque le guitariste Amadus Grund rejoint le tandem). Sans oublier ses collaborations menées avec Tommie Harris, un chanteur noir américain issu de l’Alabama et âgé aujourd’hui de 67 ans. Christian compte déjà quelques albums à son actif : "Jivin' time" en 1990 (NDR : soutenu par ses Boogie Boys), "Piano blues & boogie woogie" en 93, "Boogie-woogie power-train" en 95, "Boogie that blues away" en 98, et "Solo & Live" en 2001.

 

Ce nouvel opus s’ouvre par une pièce instrumentale échangée entre le piano et la batterie : "The whirlwind boogie" ; histoire de comprendre que Christian est un client très sérieux. Une formule qu’il reconduit sur "Blue basement shuffle", un barrelhouse shuffle exquis, et un autre boogie intitulé "Raintown boogie". De bonne facture, "I don't want no woman" est imprimé sur un tempo élevé. Au cours de ce blues, les musiciens sont à l'attaque. A la guitare, Grund conjugue parcimonie et efficacité. La voix soul de Tommie Harris est bien ciselée. Il ne reste plus au pianiste qu'à ajouter un solo très naturel. La voix de Harris illumine plusieurs plages. Aussi bien dans le domaine du blues lent (NDR : jadis popularisée par le géant Freddie King, la reprise d’"Ain't nobody's business" en est la plus belle illustration), que lorsque le tempo s’élève. Et je pense tout particulièrement à "Evening news", plage au cours de laquelle il force quelque peu sa voix, ou encore "Brand new boogie dance", un boogie pur et dur ! Et quel bonheur d’entendre Bleiming s'y éclater avec un talent fou! Tommie chante également deux dernières plages : "Next time you see me" - Amadus y prend son pied tout en sortant de sa réserve - et le traditionnel "Just a closer walk with thee", une ballade parfaitement soul. Les trois instrumentistes se réservent un autre boogie : "Battin' the boogie". Et pour que votre information soit complète sachez que Bleiming est seul derrière les 88 touches de son piano pour deux titres, dont la cover du "Lux's boogie" de Meade Lewis. L’elpee recèle deux autres excellentes reprises. Tout d’abord, une adaptation slow blue du "Just a dream" de Big Bill Broonzy, un fragment au cours duquel Grund exécute un bon travail sur les cordes. Enfin et surtout, un joyau de Chicago shuffle : "Beat up team" ; une compo signée Otis Spann. Car effectivement, Bleiming est parvenu à intégrer et à digérer la technique du merveilleux sideman de Muddy Waters. J'apprécie énormément cet album. Un disque qui mérite assurément une écoute attentive de la part des amateurs de piano blues et boogie.

Pour ceux qui n’auraient pas encore chopé le virus Bloc Party, qu’ils n’essaient même pas de se planquer chez eux en fermant toutes les portes à clé : il est déjà trop tard. Parce que Bloc Party est bien parti pour réitérer le carton plein effectué l’an passé par Franz Ferdinand. Ces quatre potes à la frange (post) punk (l’axe Wire-XTC-Cure) avaient déjà sorti un EP, « Banquet », comptant le tube du même nom, et deux autres singles (« Little Thoughts », non repris ici, et « Helicopter ») d’une puissance pop impressionnante. Il n’en fallut pas plus pour ériger ces Anglais en nouveaux porte-parole d’une jeunesse flamboyante, qui aime danser en boîte et pogoter dans les clubs de rock (ou vice-versa). Bloc Party incarne la synthèse moderne des beats glacés du disco et de la cold wave et de l’énergie incisive du rock à la Pixies. Un condensé d’humeurs a priori contradictoires, qui ici fonctionnent à plein tube (et il y en a plein, des tubes), sans que jamais ne pointe l’ombre d’un essoufflement. La grande différence chez Franz Ferdinand, c’est une autre sensibilité : plus féminine, plus romantique, plus posée (les ballades « This Modern Love », « So Here We Are »). Les Coldplay du post punk revival ? Même pas. Car si ces treize titres frémissent d’une émotion que certain taxeront de tiédeur (« Pfff, c’est quoi ces berceuses ? ! ? »), elle se trouve sans cesse ravivée par une rythmique proprement époustouflante (la basse et la batterie, hénaurmes). Bloc Party va sans aucun doute marquer cette année 2005 du sceau de l’hybridation pop et punk, slows et castagne, no et cold wave. Bref le passé, le présent et le futur, sur un seul disque. Et quel disque ! « Silent Alarm » est une vraie claque, à se taper en bloc. C’est bien parti pour Bloc Party : le jeu de mots est facile, mais il fallait le faire.