Encore un blues band américain qui puise son inspiration dans le son des années 50 : le blues urbain de Chicago époque Chess, le Delta blues du Mississippi et le rock'n'roll de Memphis, période Sun. Un quatuor : Chris Boegar à la basse, ‘Low Rollin´’ Joe Nosek à l’harmonica et à la guitare rythmique, Kenny ‘Beedy eyes’ Smith (NDR : le fils de Willy Big Eyes) à la batterie, et Travis Koopman aux guitares. Ces trois deniers se partageant les vocaux.

 

L'album s’ouvre par "Cash Box boogie", leur titre fétiche. Joe Nosek se réserve le chant. Tout est bien huilé. La machine swingue. Joe en profite pour dispenser son catalogue d’effets à la Little Walter! Tout reste bien en place pour la reprise du "Chicago bound" de Jimmie Rogers. Le rythme est soutenu. Le chant de Travis n'est guère transcendant, mais il démontre toute sa verve sur les cordes! Les Kings ne relâchent pas le tempo. Dans le même registre, ils nous assènent "Searchin' for you", un boogie composé par Travis. Son chant est ponctué de phrases décisives et agressives produites par l'harmonica qui reste constamment à l’avant-plan. Signé John Brim, "Tough times" nous ramène dans un climat très fifties, particulièrement proche de Muddy Waters : le Southside Chicago blues. Il est vrai que Travis a accompagné Brim, jadis! Il passe ici à la slide comme pour ponctuer cet effet Waters. Slow blues, "Trouble in mind" est une adaptation d’un ‘traditionnel’. Invité, Todd Cambio pousse son harmonica dans les aigus, en y injectant une bonne dose d'expression. Il chante également passionnément. Issu de la plume de Joe, "Drop down, holler and stomp" est un boogie léger et accrocheur. Son chant est excellent, même s’il force quelque peu sa voix. Le backing est parfait et l'harmonica décolle sur ce riff hypnotique. Bercée par un rythme exotique, "Blue cha cha" est une plage que j’apprécie beaucoup. Nosek y souffle à la manière de Junior Wells. La guitare de Koopman est réverbérée comme celle d'Otis Rush, mais les accords sont plus fragiles ! Les Kings sont ici à leur meilleur niveau. Le "Big road" de Tommy Johnson nous ramène davantage vers le Delta du Sud. Une cover que le Canned Heat de Bob Hite aurait pu réaliser. A cause du jeu rudimentaire mais respectueux. L’adaptation du "Louise" de Big Walter Horton est exécutée avec beaucoup de retenue et une certaine dose d'émotion. Travis chante autoritairement son "Money man", dans le style Southside. Epinglant des compos signées T-Model Ford, Muddy Waters, Johnny Young et Willie Dixon, la fin de l’opus respecte une unité de style. « Live at the King Club » est un disque d’honnête facture, sans plus. Une plaque commise par une formation comme il doit en exister, sans doute, une kyrielle outre-Atlantique.

Les mélodies du premier album de Tracy Chapman sont, aujourd’hui encore, d’une actualité ahurissante. Mais les accords de ce disque appartiennent désormais à un autre siècle. Nous étions en 1988 et la guitariste de Cleveland déposait là son classique aux pieds de l’histoire. Près de vingt ans plus tard, les choses ont changé. Nelson Mandela n’est plus président de la République sud-africaine et les soucis humanitaires vacillent trop souvent dans des considérations diplomatiques dépourvues d’humanité. Les causes vitales de l’univers de Tracy expirent lentement. Et pourtant, ce serait oublier les éclaircissements sociaux de la dame, qui s’est toujours montrée avant-gardiste dans l’art (?) de pointer les affres de nos sociétés. A quarante ans, Tracy prend du recul et signe « Where You Live », joli recueil des maux de ce monde, conté sur les déclinaisons folk-rock qui lui ont ouvert les portes de la gloire. Ici, pas question de guetter l’originalité. Non. Tracy Chapman demeure sur ses positions, ancrée dans un style qui lui sied à merveille. Peu importe les jugements et les critiques, Tracy Chapman tire sur ses ficelles favorites : la nature humaine. Toujours et encore. Thématique prépondérante (« Be and Be not Afraid », « Change », « America », « Before Easter ») de ce nouvel album : la confusion et le chaos orchestré par notre réalité bureaucratique. Une révolte contenue, tempérée, calme et résolument douce. Tracy Chapman est une artiste, et plus si affinité. Au final, « Where You Live » n’alimente pas le réservoir des singles mais se présente comme un disque cohérent, en phase avec l’univers affligé de son auteur. Qui parlait d’une révolution ?

La belle affaire : les Chemical Brothers sortent un cinquième album, et pas une once de remise en question chez les deux bricolos big beat d’Outre-manche. Si « Galvanise », malgré son sample bollywood un rien putassier (Najat Aatabu), débute les festivités avec vigueur et sympathie (Q-Tip enfin en forme), le reste de l’album est à l’avenant d’un genre (l’électro FMisée) qui de plus en plus se mord la queue (écouter le nouveau Daft Punk, raté). Sur « The Bower » (feat. Tim Burgess des Charlatans… comme d’hab’), Tom Rowlands et Ed Simmons ressortent leur TB-303 du placard, parce qu’il paraît qu’en ce moment y a un retour d’acide chez les jeunes gobeurs de BPMS. Opportunisme ? Pour s’en convaincre, le morceau suivant, « Believe », fera tout aussi bien l’affaire : du Chemical pur jus (Kele Okereke de Bloc Party au chant), comme il y a plus de 5 piges, bref des plombes dans l’industrie du disque. Le reste ? Du post-punk à la sauce boum boum parce que c’est « hip » (« The Big Jump »), du hip hop sur du semblant de Carpenter/Moroder (« Left Right »), et puis encore du « Psychedelic Private Reel » (« Marvo Ging »), comme si on n’avait pas encore saisi. Quoi ça ? Ben que les Chemical c’est déjà de l’histoire ancienne, et que comme dans ‘Le Père Noël est une ordure’, on conseillera à tous les nostalgiques dépressifs des années 90 d’‘appuyer sur le bouton’, pour en finir une fois pour toutes avec cette gaudriole.

Dans les années 60, toute une série de musiciens ont constitué l'ossature musicale du quartier de Northside. Ils marchaient sur les traces des grands de Chicago. Bientôt ils se sont aventurés dans le Southside pour écrire de très bonnes pages de blues. Parmi ces artistes figuraient le Paul Butterfield Blues Band, Mike Bloomfield, Charlie Musselwhite, le Goldberg Miller Band (dont les leaders étaient tout naturellement Barry Goldberg et Steve Miller) et le Siegel Schwall Band. Sans oublier l'Electric Flag de Gravenites, Bloomfield, Goldberg et Buddy Miles.

 

Comme au bon vieux temps, Nick Gravenites chante son "Born in Chicago", un titre autobiographique notoire qui ouvrait le tout premier album du Paul Butterfield Blues Band, paru au cœur des sixties. Une très bonne version qui bénéficie du concours de Corky Siegel à l'harmonica et de Harvey Mandel à la guitare. Nick a écrit "Buried alive in the blues" pour Janis Joplin. Une compo qui devait être enregistrée le lendemain ; c'est-à-dire le jour de la mort tragique de Janis. Gravenites est un excellent blues songwriter. Il le démontre tout au long de ce titre percutant. Il possède également une voix puissante. La machine est parfaitement huilée : Rick Reed à la basse, Gary Mallabern à batterie et un certain Barry Goldberg aux claviers. Autre artiste chevronnée, Tracy Nelson y excelle aux chœurs. Saviez-vous que Gravenites avait succédé à Janis au chant chez le Big Brother and the Holding Company? Préposée aux vocaux au sein de Mother Earth dans les 60’s, Tracy Nelson possède un timbre extraordinaire, explosif, étonnant, musclé. Il emporte tout sur son passage tout au long de "Walk away". Le Blues Reunion passe à la vitesse supérieure pour "Drinkin' wine". Le tempo redouble de vivacité lorsque Gravenites double aux cordes. Et aucune accalmie à l'horizon lorsque les musiciens s'engouffrent dans le "GM Boogie" (NDR : traduisez « Goldberg Mandel Boogie »), un morceau conduit par la guitare solide, déjantée et largement amplifiée d'Harvey Mandel. Quelque part, il nous rappelle qu'il fut autrefois guitariste chez Canned Heat. Nick chante à nouveau et à la perfection le blues tout au long de "Left handed soul". Opérée dans l’esprit de Bloomfield, l’ouverture de Mandel est royale. Savoureux shuffle, "I'm gonna miss you like the devil" est issu de la plume de Slim Harpo. Tracy chante cette plage caractérisée par de bonnes envolées de Siegel et Mandel. Le "I need all the help I can get" de Delbert McClinton privilégie le funk au blues. Nick empoigne sa guitare rythmique pour entamer une de ses meilleures compositions "The death of Muddy Waters", un morceau écrit en hommage à la grande légende du blues. La voix libère beaucoup d'émotion devant les cris proférés par l'harmo de Corky Siegel. Batteur du Howlin' Wolf Band et du Butterfield Band, le talentueux Sam Lay vient chanter une excellente version du "I've gotta find my baby" de Willie Dixon. Tracy Nelson reprend le rôle aux vocaux pour attaquer son "New truck" ; un fragment très rock'n'roll. Goldberg manifeste beaucoup de verve au piano. Les musiciens prennent leur pied. Soutenu par une bonne partie de guitare réverbérée de Mandel, Corky Siegel interprète de son timbre nasillard le célèbre "I'm a king bee" de Slim Harpo. Un Mandel qui se réserve le seul instrumental : "Snake". Le délire sur les cordes qui en fait sa réputation est intact. En finale, Sam Lay revient chanter "Hound dog" et "Roll over Beethoven" sous la forme d’un medley rock'n'roll. Cette bonne tranche de blues a été immortalisée ‘live’ au Fitzgerald de Berwyn, le 15 octobre 2004. Et on n’est pas au bout de notre bonheur ! Puisque le compact disc est accompagné d’un DVD de plus de 80'. Une plaque qui réunit des interviews de Buddy Guy, de BB King et de quelques autres artistes. Nonobstant les quelques (trop courts) documents d'époque, elle épingle une session du Mike Bloomfield en compagnie de l'Electric Flag, mais aussi du Muddy Waters Band impliquant Junior Wells à l'harmonica. Le Paul Butterfield Blues Band n’a pas été oublié. Et en particulier une photo saisissante du même Butterfield. Imaginez un blanc, seul, au beau milieu d’une foule uniformément noire. Le DVD inclut également quelques unes des plages de l'album ‘live’. On y ressent très bien le plaisir communicatif de ces - désormais - vétérans. L’œuvre est, en outre, enrichie par des notes de pochette détaillées et intéressantes et illustrée par de nombreuses photos dont quelques unes sont particulièrement rares…

Lors de son interview, Rudi Protudi (NDR: le chanteur/guitariste et leader des Fuzztones) n’avait pas tari d’éloges le Chocolate Watch Band. Une formation californienne. Issue de San José, très exactement. Parce que nonobstant sa durée d’existence éphémère (NDR : entre 65 et 69) et un nombre assez élevé de changements de line up, ce groupe de garage est devenu une véritable légende. Les collections ‘Nuggets’ et ‘Peebles’ nous l’avaient déjà rappelé. Et puis le label Sudazed avait ressorti leur catalogue complet sur compact disc en 1994. Mais pourquoi un tel engouement depuis peu ? Parce que le combo s’est reformé. Et est même reparti en tournée. En compagnie de son premier chanteur Dave Aguilar. Pas n’importe qui, puisqu’il est professeur d’astronomie à l’université du Colorado. Sous l’impulsion de leur producteur de l’époque, Edd Cobb, le label Big Beat a donc décidé de leur consacrer cette double compile. Le premier disque réunit leurs classiques (« Sweet young thing », « No way out », etc.); mais aussi trois titres (« Let’s talk about girls », « ‘til the end of the day » et « Medication ») remasterisés afin de replacer la voix de Dave. Le second morceau de plastique se consacre aux démos, à l’intégralité de leur album « One step beyond » et à toute une série d’enregistrements de leurs rivaux de l’époque : les Yo-Yos et les Inmates. Drôle d’idée ! N’empêche, dans le contexte du garage revival que nous vivons depuis quelques années, ces chansons ont gardé une saveur et une fraîcheur étonnantes. Rappelant même le plus souvent les Stones circa Brian Jones. A quand une semblable anthologie consacrée aux Standells ?

Réduit à un quatuor, Chumbawamba compte aujourd’hui 23 années d’existence. A l’origine punk, la musique de cette formation a progressivement évolué vers une pop précieuse, raffinée par de superbes harmonies vocales. Ce qui ne les a jamais empêché pas de poursuivre leur combat. A travers une attitude rebelle, contestataire, militante, anarchiste même, et des lyrics engagés. Aujourd’hui, le groupe de Leeds traduit cette lutte en pratiquant une musique folk, presque celtique ; sans pour autant oublier de soigner les polyphonies vocales. L’exercice a cappella y est d’ailleurs à nouveau pratiqué tout au long de « Walking into battle with the lord », une compo qui condamne le fondamentalisme religieux et les guerres qui en découlent ; et puis de « Coal not dole », une chanson de soutien aux mineurs grévistes, victime du capitalisme en Angleterre. La contestation sociale, et la révolte alimentent les 12 morceaux de cet opus. Même lors des deux covers qui figurent sur cette plaque. Tout d’abord l’adaptation du chant des partisans antifascistes italiens, « Bella ciao » ; et puis la reprise du « Bankrobber » de Clash. Enfin, la formation aborde des questions relatives à la discrimination et à la violence conjugale. Pour enregistrer ce nouvel opus, Jude Abbott, Lou Watts, Bob Whalley et Neil Ferguson ont quand même reçu le concours de quelques invités. Et parmi eux un inévitable joueur de cornemuse et un accordéoniste. Sans oublier la participation épisodique de l’un ou l’autre violoniste ou violoncelliste. Coloration folk oblige !

« Clap Your Hands Say Yeah » : un patronyme en forme de slogan, une invitation à la fête. Personne n’avait jamais songé à appellation si saugrenue. ‘Tape dans tes mains et dis ouais’. Une claque post-harmonieuse qui défie scrupuleusement le temps, l’espace et les lois des noms adoptés par nombre de tribus. Emmené par la voix spirituelle d’Alec Ounsworth, Clap Your Hand Say Yeah débarque dans le 21ème siècle pour ne plus le quitter. Rockers, réveillez-vous ! Voilà, un groupe qui témoigne de son époque, qui brise la servitude à laquelle le rock s’est attaché ces dernières années. ‘C’est un pote qui me l’a avoué : la révolution n’a jamais eu lieu. Tu ressembles à David Bowie. Mais tu n’as rien à me montrer. Allume donc un nouveau feu. Et regarde-le s’éteindre lentement’, clame Ounsworth tout au long de « Over and Over Again ». Enfin : la conscience d’un groupe se lève face à l’assoupissement du mode binaire. Le groupe de Brooklyn endosse le gilet prophétique et, d’un timbre tremblant, chante les craintes du monde : « Is This Love ? », complainte mirifique où les syllabes de Ounsworth semblent happées dans un flot de mélancolie. La Grosse Pomme a de nouveau germé. Quoi qu’il arrive. Hype ou pas, New York vient d’enfanter des rejetons lucides, conscience éveillée d’un monde désaxé. Interloqué, Lou Reed cherche maintenant à comprendre pourquoi « Let The Cool Goddess Rust Away » ne figure sur aucun de ses disques. Le lyrisme foudroyant de « The Skin of My Yellow Country Teeth » met alors le feu au plancher. Obligation générale de se bouger les fesses sous peine de voir son caleçon disparaître en fumée. « Clap Your Hand Say Yeah » : l’appel est lancé. Alec Ounsworth s’accapare les émotions, grille les octaves, pisse dans l’eau gelée qui a noyé les cordes vocales de Buckley. Derrière lui, un groupe s’acharne à remuer les vases des genres, à éplucher des sons ressassés. Les amis des Talking Heads, de Grandaddy, d’Arcade Fire, de Wolf Parade ou des Feelies (NDLR : mais aussi de James) pleurent devant telle bénédiction : 2006 sera un grand cru. Le revers de la médaille patriotique frappe à la porte de l’industrie du disque : « Maintenant que tout le monde est ici réuni. Pouvons-nous avoir votre attention ? Nous sommes les hommes qui restent en vie. Qui, à présent, envoie vos enfants loin d’ici. Nous vous assignons d’une tour. Exprimant l’opinion de tout un chacun », vocifère Ounsworth sur l’ultime « Upon This Tidal Wave of Young Blood ». Et de terminer : « Je les ai vu de mes propres yeux. Amérique, s’il te plaît, aide-les ! Ce sont tes enfants… » L’homme se trouva ainsi fort dépourvu lorsque la bise fut venue. Mais que faisait-il au temps chaud ? Nuit et jour, à tout venant, il chantait ne vous déplaise. Il chantait ? Nous en sommes fort aise. Et bien, Tapez dans Vos Mains maintenant !

Si Clapton est fondamentalement un guitariste de blues, il a acquis son succès commercial à travers ses albums de pop/blues/rock. Au cours de sa carrière, il s’est ainsi illustré en alternant productions blues et commerciales. En 94, "From the craddle" trempait dans le blues. Pop, "Pilgrim" en revenait dès 1998 à la pop. Blues, "Riding with the King" réunissait Eric et BB King, en 2000. L’année suivante, "Reptile" retournait à la pop… Et en 2004, il rendait hommage au mythique Robert Johnson en commettant "Me and Mr Johnson". Un opus suivi quelques mois plus tard par les "Sessions for Mr J", réunissant un CD et un DVD. Clapton semble vouloir protéger son statut de bluesman, sans pour autant en oublier le tiroir-caisse!

 

Son nouvel elpee s’ouvre par "So tired", une ballade country pop assez dynamique pour pouvoir susciter l'intérêt de pousser le laser plus loin. Les instruments sont bien en place. Constituée de Steve Gadd aux drums et de Nathan East à la basse, la section rythmique imprime un tempo solide et précis. La Stratocaster d'Eric évolue bien à l'avant du décor face aux pleurs d'un enfant. En 1974, Eric interprétait avec bonheur "I shot the sheriff" de Bob Marley ; une compo qui deviendra un énorme hit. Depuis, il lui arrive encore régulièrement de se consacrer au reggae. A l’instar de "Say what you will", qui figure donc sur cet elpee. Sculpté dans un R&B délicatement funky, la reprise du "I'm going left" de Stevie Wonder est envahie de choeurs féminins et investie par la présence massive des Kick Horns. "Love don't love nobody" symbolise la ballade lente ‘claptonienne’ par excellence. Il en aura déjà bien commises des ballades destinées à arracher les larmes des jolis cœurs. Pour la circonstance, il pousse même sa voix pour tenter d’entraîner, sur la piste de danse, les couples en mal de vibrations. "Revolution" est un autre périple bercé par les rythmes exotiques de la Jamaïque. Une plage parue en single et que vous avez certainement déjà dû entendre sur l’une ou l’autre station radiophonique. Clapton reprend "Love comes to everyone", un morceau issu de la plume de son ami et ancien rival sentimental, le regretté George Harrisson. Une adaptation qui n'a rien d'inoubliable, avouons-le. Au sein de son backing band, milite Andy Fairweather-Low. Le Gallois accompagne Eric depuis de nombreuses années. Un excellent musicien qui transita naguère par le Rockpile de Dave Edmunds. Pour concocter ce « Back home », Clapton a reçu le concours d’un autre gratteur : le Texan Doyle Bramhall II. Ce dernier signe deux compositions. Une excellente initiative, car les bonnes vibrations du blues font enfin leur entrée. Son "Lost and found" ne boxe pas dans les poids légers ; mais il était temps de donner un peu de tension sanguine à cet album. Or, Doyle affiche une puissance de feu certaine! Mais dommage que son "Piece of my heart" ne soit qu'une gentille ballade de plus. "One day" revient dans le monde de la pop. Le dieu des cordes nous réserve ici toutefois une sortie instrumentale plus musclée. A ce stade, vous avez certainement compris que Clapton a signé un album laidback de plus. Un disque inoffensif et soft, qui ne devrait même pas surprendre les profanes. Et la suite de la plaque corrobore ce point de vue : "One track mind" qu’il caresse finement de son bottleneck, mais la plage est derechef étouffée par ces voix féminines envahissantes ; "Run home to me", une ballade blues/pop séduisante rehaussée par la présence très efficace de Billy Preston à l’orgue hammond, mais qui finit par se noyer dans des cordes maladroitement programmées ! L’opus s’achève par une dernière ballade : le titre maître. Malheureusement, elle ne reflète pas le Clapton de Robert Johnson, mais celui de "Reptiles", celui qui vend beaucoup d'albums…

Otis Clay est né à Waxhaw, dans le Mississippi. En 1942. Au cours de sa jeunesse, il chante le gospel. A l’âge de 15 ans, il rejoint le Blue Jay Quartet of Birmingham. Il vit alors à Chicago. Fin des 50’s/début des 60’s, il est toujours adepte du gospel, mais milite alors chez les Golden Jubilaires. Néanmoins, il commence à s’intéresser au R&B et finit même par y consacrer ses facultés vocales. En 1971, il signe pour Hi records, le label soul de Memphis. Il y rejoint alors Syl Johnson et Al Green. Fin des 70’s, il tourne beaucoup en Europe et au Japon. Des périples qu’il reproduira tout au long des eighties. En 1985, il sort d’ailleurs "Soul man : Live in Japan", un elpee enregistré en public, vous vous en doutez. De sa discographie, je retiendrai surtout les albums suivants : "I'll treat you right" en 92 et "This time around", en 98, tous deux pour Bullseye ; ainsi que "The gospel truth" en 93, chez Blind Pig.

 

Ce nouvel enregistrement live constitue déjà le septième volume de la série "Live at Lucerne", parue sur Crosscut. Il a été immortalisé le 14 novembre 2003. Otis Clay est soutenu par son backing band au grand complet : guitare, claviers, basse, batterie, trompette et trombone ; sans oublier les chœurs (NDR : somptueux !).

 

Le concert s’ouvre par "You're the one" ; une compo rythmée, mais pas trop. Les musiciens accomplissent leur mission en toute discrétion, pour mieux mettre en exergue le chant délicieux de Mr Clay et de ses choristes. Cependant, je dois avouer que les claviers qui produisent le son d'un ensemble de cordes me restent en travers de la gorge. Lors de la ballade douce et lente "When hearts grow cold", Otis est au sommet de son art. La mélodie colle parfaitement à son timbre apaisant, pendant que la guitare de Hollywood Scott s’autorise une sortie, ma foi, fort plaisante. Mais qu'est-ce qu'il chante bien Mr Otis Clay! Il invite le public à danser son "Nickel and a nail". Hollywood Scott fait vibrer ses cordes et démontre qu'il est sans aucun doute un excellent musicien. "Sho wasn't me" est un agréable ballade soul. Benny Brown double à l'orgue et au piano, sur une trame subtilement funky. Sa version du "For the good times" de Kris Kristofferson bénéficie d’un arrangement adapté au véritable blues lent. Tout au long de cette plage, l’organe vocal d’Otis manifeste une grande clarté ; de la luminosité même ! Ce savant mélange de soul et de R&B ne froisse jamais l'oreille. Otis privilégie la douceur. Il a manifestement forgé son style dans les églises et les temples, lorsqu’il chantait le gospel au sein des chœurs. Pourtant il est capable de hausser aisément le timbre de sa voix. A l’instar d’"I can take you to heaven tonight". Tous les musiciens le soutiennent à l’unisson, lors du toujours gospel, mais plus traditionnel, "Amen". Et puis de "This little light of mine". Et grosse surprise, l'incroyable Sharrie Williams en profite pour faire son entrée en scène et partager le chant avec Mr Clay! Le "Love & happiness" d'Al Greene marque un retour au rythme. Une impulsion prolongée par le funk jouissif que partagent "I just wanna justify" et "Respect yourself", deux titres nappés par l'orgue Hammond complice. Dans le style, cet album est vraiment d’excellente facture…

Maîtrisant les vents de la pop mélancolique, du folk-rock traditionnel et du classicisme country, Clem Snide mène sa barque depuis 1991. Le navire d’Eef Barzelay a connu en 15 ans bien des tempêtes (changement continuel d’équipage, d’armateur…) A l’occasion de cette 5e croisière, Barzelay a engagé les matelots Ben Perowsky (The Lounge Lizards), Paul Burch et Ben Martin (Lambchop). C’est à une énième traversée de l’héritage rock US que cet expérimenté équipage nous invite. Un voyage tranquille, sans incident ni mauvaise rencontre. Et c’est là que l’ennui s’installe. Bons navigateurs, Barzelay et sa troupe évite les soubresauts de guitares, les déferlements rythmiques, les histoires à veiller la nuit. Trop appliqué, Clem Snide n’est pas encore prêt de rejoindre le port de la reconnaissance. Et si vous choisissiez une route plus aventureuse, Capitaine Barzelay ?