Vous n’aviez peut-être jamais entendu parler d’eux ? El Tattoo del Tigre est un combo d’origine anversoise. Il est venu clôturer sa tournée d’adieu ‘El Último del Tigre’ à l’AB. C’est-à-dire la scène qui l’avait révélé à ses débuts, il y a neuf ans. Tout au long de son brillant parcours, il s’est consacré essentiellement à revisiter des morceaux mambo des années 40-50. De grands classiques, arrangés et interprétés par des musiciens belges en mal des rythmes envoûtants des Caraïbes.
On peut parler d’un projet imposant. A chaque représentation, ce ne sont pas moins d’une trentaine de musiciens et vocalistes qui se relaient. Pour le compte, vendredi soir, on ne recensait pas moins de 12 cuivres (saxophones, trompettes et trombones), des percussionnistes, un pianiste, 7 chanteurs, 2 contrebassistes et 2 maîtres de cérémonie. Un orchestre dont les membres ont assuré leur rôle d’animateurs en manifestant un grand enthousiasme. Des artistes belges, talentueux, réunis pour faire partager au public, des airs qui nous font remonter dans le temps. Un peu comme dans un vieux film où on entend le phonographe qui crépite et crache inlassablement des vieux tubes de Pérez Prado.
Au cours de leur périple, hormis les principales salles du nord du pays, le tigre a rugi tant à Werchter, au Printemps de Bourges (F), à l’Eurosonic (NL) ; mais aussi de l’autre côté de l’océan, notamment au Canada et au Mexique. Le dernier chapitre d’El Tattoo del Tigre s’est donc achevé à l’Ancienne Belgique ; salle où le collectif a enregistré son premier elpee. Trois albums au compteur. Une griffe originale. Un des premiers groupes belge qui se soit lancé dans une aventure d’une telle envergure.
Un spectacle de deux heures coupé par un entracte d’1/4 d’heure. Des émotions palpables : de la joie, de la fierté et probablement une petite pointe de tristesse pour chaque membre du groupe qui a grandi et partagé des moments uniques. Le show était à la hauteur de leur réputation. Imposant et stylé. Les morceaux mis en scène soigneusement. « Man Without a Smoke », « Caballo Negro » et « Arrivederci Roma » interprétés de façon théâtrale, tout en préservant la légèreté et la tonicité. Une énergie contagieuse, communiquée au public qui au fur et à mesure s’est laissé prendre dans la fureur des rythmes cubains.
Un ultime hommage à un répertoire soigné qui aurait mérité de sortir davantage de l’ombre. On soulignera la discrétion de la presse francophone quant à leur succès. La fin d’une histoire et le début de plusieurs autres… Secrètement, on espère que les auteurs de ces pages s’attaqueront à d’autres projets tout aussi riches et interculturels.
(Organisation AB)
Ils avaient fait une apparition très remarquée lors de la soirée ‘All Access’ des Nuits Botanique en mai dernier aux côtés de I’m From Barcelona ou encore We Are Scientists. Cette fois, c’est au tour de la Rotonde d’être investie par les délires sonores et visuels de of Montreal. La promo de « Hissing Fauna, Are You The Destroyer ? » à peine achevée, le quintet d’Athens remet le couvert, à guichets fermés. Entre paillettes et provocation.
La première partie était assurée par Casiokids, formation norvégienne d’electro-pop. Le risque de se planter en attestant qu’il s’agit d’une formation dont on entendra beaucoup parler dans les mois qui suivent est moindre. En effet, Casiokids jouit d’un bon petit buzz naissant sur la toile et honore celui-ci en assénant au public des beats irrésistibles extraits de « Fuck Midi!! », publié en 2006, ainsi que de leur second opus, à paraître d’ici peu. Séance de rattrapage en compagnie de Soldout le 19 février à l’AB.
Quelques instants après la fin du set de Casiokids, un drôle de personnage apparaît sur scène. Un chef d’orchestre à la tête de tigre, tiré à quatre épingles, donne le signal de départ. Pas de doute, nous assistons bien à un concert d’of Montreal. Kevin Barnes et ses acolytes suivent de près et entament un set tonitruant devant un écran projetant des bizarreries animées. Barnes joue aux Bowie, remet le Glam au goût du jour et se montre presque à la hauteur du mythe. of Montreal retrace les dernières années de sa carrière et présente son petit dernier, « Skeletal Lamping », de manière très théâtrale. Sur scène se succèdent des ninjas, de gros bouddhas dorés et approximatifs, le diable en personne ou encore Barnes dans un cercueil.
Mais le clou du spectacle nous est venu du rappel. Le chef d’orchestre à la tête de tigre se mesure alors à un Superman celle de Branchiosaure lors d’un combat courtois, aussi improbable que l’ensemble des costumes ayant défilés tout le long de la soirée. Quelques minutes plus tard, le quintet réinvestit les planches de la Rotonde et achève un spectacle des plus psychés et éclectiques par « Ever Fall In Love », honorable reprise des Buzzcocks. Le Glam est loin d’être enterré.
Organisation : Botanique
La dernière visite d’Oasis à Forest National remonte à 2005. Après avoir accompli une traversée du désert de plusieurs années, le groupe bénéficie d’un soudain regain d’intérêt depuis la sortie de « Dig Out Your Soul », leur dernier album. Lorsqu’un ami m’offre une place pour assister au concert du célèbre groupe de Manchester, je suis à la fois surpris et dubitatif. Sans cette initiative de sa part, pas de concert… 40 euros… un peu cher pour un admirateur occasionnel. Fan du groupe il y a plus de 10 ans, lors de la sortie de leurs deux premiers et inoubliables opus, le reste de leur répertoire m’est passé totalement au-dessus de la tête. En outre, j’avoue avoir toujours été un ardent défenseur de Blur au détriment du gang des frères Gallagher. A l’époque, pas question en effet de ne pas se positionner par rapport à la guerre médiatique livrée entre Damon Albarn et la fratrie mancunienne. A ma grande satisfaction, mon choix initial a d’ailleurs été confirmé par la carrière des deux groupes. C’est donc en traînant ces quelques a priori négatifs que je me suis rendu à ce spectacle. Et en me frottant les mains, rien qu’en pensant pouvoir descendre en flammes ce groupe totalement passé de mode…
L’absolue méconnaissance des derniers disques du groupe accentue mon manque de motivation à l’heure fatidique. De plus, je ne suis pas un adepte convaincu de la salle bruxelloise. Mais un cadeau ne se refuse pas… Dès 20h, le concert débute. Un groupe relativement méconnu se produit en première partie : Twisted Wheel. Un trio originaire de Manchester, comme ses illustres ainés. Leur set permet de passer agréablement le temps. L’assemblée est encore clairsemée. De facture classique, leur rock doit encore s’affiner, et en particulier leur sens mélodique, si le combo souhaite un jour jouer en tête d’affiche, au sein d’une salle de pareille capacité.
Lors de la montée sur les planches des stars anglaises, il y a 8 000 personnes dans l’hémicycle. C’est d’ailleurs sold out depuis un bout de temps. Difficile d’imaginer pourtant qu’Oasis possède une telle base de fans en Belgique ! Le public est jeune, la relève est donc assurée !
Dès les premières notes, je suis rassuré… si la musique n’est pas à la hauteur de la situation, une chose est sûre, le son est plus que correct. Petite surprise… au fur à mesure des morceaux, que je ne connais absolument pas, la magie opère. Faut dire que le début a été mené tambour battant. Et la présence de l’explosif « Rock n’ Roll Star », dans leur tracklisting, n’y est pas étranger. Les chansons issues de « Dig Out Your Soul » donnent envie de découvrir l’album. Liam chante peut-être nonchalamment mais sa voix possède cette classe naturelle toute anglaise. En retrait, Noël dirige le groupe de main de maître et surclasse son frère lorsqu’il passe derrière le micro. Mon esprit replonge quelques années dans le passé. Certains titres touchent directement leur cible… Oasis joue ce soir devant un public conquis qui le lui rend bien. Visuellement, le show est classique mais efficace.
En fin de parcours, le combo nous dispense alors ses magnifiques hymnes « Don’t Look Back in Anger » et « Supersonic ». La communion avec le public est alors à son paroxysme. En guise de rappel, le gang des frangins Gallagher nous réserve trois titres dont une très belle version de « Champagne Supernova ». Ils quittent la scène, convaincus d’avoir renforcé leur capital sympathie. Et ils on raison. Le duo indomptable ne se limite donc pas de proférer des déclarations excessives et arrogantes…
22h30… les lumières se rallument. Je remercie mon ami pour son invitation. Obligation pour moi de lui renvoyer l’ascenseur ! Tâche qui risque d’être ardue…
Après s’être produit au Botanique en janvier 2007 et à l’ABClub en décembre 2007, Joshua était à l’affiche de l’ABBox ce 18 décembre, pour nous présenter son nouvel opus, « Animals Will Save The World ». Une fameuse progression en matière de popularité, il faut l’avouer. Pourtant, le concert n’affichait pas ‘sold out’. Enfin, il l’était presque. En fait, la salle s’est remplie graduellement et a atteint une capacité maximale juste avant que le groupe ne monte sur les planches. Car il s’agit bien d’un groupe aujourd’hui. N’empêche, orphelin de son second chanteur, Matt, on se demandait si Joshua avait toujours la pêche en ‘live’…
La première partie du show est essentiellement consacrée à des titres du dernier elpee. Des chansons plutôt calmes. Ce qui explique sans doute pourquoi il faudra attendre quelque temps avant que l’ambiance ne monte d’un cran. Et ce sera le cas pour "You Know How". Le groupe commence alors à inviter le public à lever les mains. Néanmoins, il faut reconnaître que Senso est nettement moins remuant que son ex-partenaire de scène (voir les photos prises lors de la MCM Night à l'AB Box). "Animals Will Save The World" chauffe un peu plus le public. Tout comme le bref passage au chant de Greg. Mais, quoique bien rythmé, le band ne parvient pas à déclencher l’hystérie gestuelle de l’auditoire comme je l’espérais. Il faut dire que si le dernier album se focalise sur leur business : la street pop, le précédent opus, « Music & Chocolates », paru l’an dernier, et surtout l’Ep « Alligator city » faisaient davantage la part belle aux sonorités funky et au groove rock. Edité en 2006, cet Ep est devenu aujourd’hui introuvable. Pourtant, c’est toujours à ce disque que se réfère le concept scénique de la formation. En fait, lors d’un concert, les membres du groupe invitent les spectateurs à pénétrer dans leur ville imaginaire : « Alligator City… Ce n’est qu’en fin de parcours que Joshua va se décider à lâcher les tueries de son premier elpee ; et en particulier "Kill Your Own Arms" et "Punk Rock Song". Et le public se mettre à danser frénétiquement, de la scène jusqu'à la console son.
La formation bruxelloise (NDR : les membres de Joshua revendiquent leur nationalité belge et clament haut et fort qu’ils sont bruxellois) passera deux semaines en résidence à Roubaix pour préparer une tournée en France. Leur album paraîtra d’ailleurs chez Wagram début 2009.
Et on vous invite à aller jeter un œil dans notre rubrique ‘Live photos’…
Organisation AB
Cet été, le prolifique Pharrell Williams et ses deux acolytes de N*E*R*D mettaient le feu au Lokerse Feesten. Quatre mois plus tard, la formation boude la France au profit de notre petit pays. Et débarque ainsi à l’Ancienne Belgique. Explosif !
Le terme ‘sold-out’ a pris tout son sens ce soir. A 20h, on souffre déjà du manque d’espace dans la salle. Dès le début de leur set, les Hollandais de Het Jeugd Van Tegenwoordig chauffent à blanc une foule qui reprend en chœur les refrains de leurs tubes. Même si l’on n’est que moyennement friands des travaux de la formation, il faut lui reconnaître un talent scénique plutôt fédérateur.
Après une courte pause, N*E*R*D monte sur les planches. A 21h précises. Et ouvre le bal toutes guitares en avant. Dès les premières mesures, le sol se met à trembler et l’air commence à se faire rare. Pharrell Williams a manifestement un pouvoir d’attraction phénoménal sur les filles. Celles du premier rang hurlent si hystériquement qu’il est difficile de se concentrer sur la musique. Pendant ce temps, la partie du public préoccupée par les chansons plutôt que par le physique de leur interprète sautille dans tous les sens et sue à grosse gouttes. La formation calme ensuite un peu les ardeurs d’une assistance particulièrement bouillante, en dispensant un long medley de ses chansons les plus tendres dont l’excellent « Provider » et leur dernier single « Sooner Or Later ». Précédé d’un sympathique petit speech de Williams et de quelques extraits de « Seeing Sound », dont « Kill Joy » et l’excellentissime « You Know What », les hostilités reprennent ensuite lors d’un enchaînement des plus grosses machines de guerre de la discographie de No One Ever Really Dies.
« Rock Star » donne en effet le signal de départ d’une seconde partie magistrale au cours de laquelle le groupe invite quelques garçons sur le podium. Et après quelques morceaux, « Lap Dance » achève avec succès sa mission de mettre l’Ancienne Belgique à genoux. Au bout de 45 minutes, la formation met déjà les voiles. Le sexe féminin, frustré du manque d’attention, va cependant être rapidement rassuré. Pharrell et sa bande reviennent assez vite pour un rappel et invitent plusieurs filles (triées au volet) à les rejoindre. Le chanteur garde un flegme impressionnant tandis que les jolies demoiselles l’agrippent et sont à deux doigts de le foutre à poil. S’enchaînent alors « Everyone Nose (All The Girls Standing In The Line For The Bathroom) » et un grandiose final sur le tube « She Wants To Move ». Le show cesse au bout d’une heure. Court diront certains, mais plus personne présent ce soir ne doutera de l’efficacité et du talent de l’une des formations les plus originales de la scène Hip Hop.
Organisation : AB
Imaginez-vous un continent lointain. Pourquoi pas l’Australie ? Près de vous, un feu de camp crépite et une tribu aborigène célèbre la Terre-Mère. Des sons sortent d’étranges bouts de bois et vous chatouillent l’échine au point de vous procurer une petite décharge électrique. Des vibrations sonores graves et profondes sortent de ces yirdakis, appelés chez nous plus communément didgeridoos.
Dimanche soir, à l’Ancienne Belgique, seul un ticket d’entrée pour Xavier Rudd vous permettait de vous rendre en aller-retour direct à l’autre bout du globe. Ce talentueux homme-orchestre maitrise et joue, en même temps, de plusieurs instruments, sans transition et en continu. De la tête au pied, chaque membre de son corps s’agite. Depuis 2002, à la sortie de son premier album, et en toute discrétion, Xavier Rudd promène ses instruments aux quatre coins du monde. Et ce n’est qu’en 2006, lors de la sortie de l’album « Solace », qu’il a récolté du succès en Europe. Ce qui lui a permis d’être propulsé en tête d’affiche de certains festivals alternatifs, dont l’Esperanzah ! auquel il a participé cet été.
Comme c’était à prévoir, le concert affichait complet. Pendant que Ben Howard, séduisant musicien nous venant de l’autre côté de la Manche, nous interprète quelques compos acoustiques, la salle se remplit, lentement. Il faut le préciser, l’audience est arrivée fort tardivement.
Dave Tolley, le batteur, est l’unique musicien qui l’accompagne sur les planches. Le décor est sans artifice : juste un drapeau aborigène accroché en toile de fond. Une sobriété mise en valeur par un excellent éclairagiste dont les spots aux couleurs chatoyantes vont illuminer le set, tout au long de la soirée. Coté jardin, une pléthore d’instruments rassemblés autour d’un tabouret : cymbales, percussions, Weissenborn slide guitare, djembé, un harmonica, et bien-sur 3 didgeridoos disposés sur un support. Côté cour, une batterie, des congas et des bongos. C’est impressionnant à voir et à entendre! Un multi-instrumentiste habile qui arrive, de manière simultanée, à souffler dans son didgeridoo et à jouer sur sa slide guitare. A deux, ils produisent autant de sons que s’ils avaient été dix !
Bien au chaud, les morceaux s’enchaînent harmonieusement pendant 100 bonnes minutes. L’artiste échange quelques timides propos avec les 2000 personnes présentes sans la salle. Tout en humilité, il nous rappelle combien il a de la chance de pouvoir faire de la musique et voyager. Surfeur à ses heures perdues, il milite en faveur des droits des aborigènes. Il est également actif dans le domaine de la protection de l’environnement. Ces paroles engagées transmettent des messages positifs, sur un ton humain, loin d’être moralisateur. Il tente simplement de conscientiser les esprits. Le public l’écoute et vibre. Sa playlist ne lasse pas. Au fur et à mesure, on découvre les morceaux de son dernier album « Dark Shades of Blue », ainsi que certaines anciennes chansons plus connues telles que « Let me Be » et « The Mother ».
Le plaisir et l’émerveillement s’achèvent sur quelques pas de danse… Xavier Rudd, il faut le voir ! Certes influencé par Paul Simon, Xavier Rudd pratique avant tout une musique folk teintée de roots et de reggae… Une musique particulièrement envoûtante susceptible de donner un coup de fouet au premier qui serait pris de déprime pendant ces tristes journées d’hiver.
Pour fêter la sortie de leur double album live, les trois têtes pensantes de Gotan Project avaient donné rendez-vous à leurs fans belges et luxembourgeois aux Halles de Schaerbeek, lors d’un show encore plus ambitieux. Pas étonnant donc de voir l’ancien marché couvert de Bruxelles afficher complet ce soir. Baptisée « Exclusive Tour », cette tournée conceptuelle retraçait la carrière du trio, de « La Revancha Del Tango » à « Lunàtico ».
Philippe Cohen Solal, Eduardo Makaroff et Christoph H. Müller avait mis les petits plats dans les grands dès 20h30. Dissimulée derrière un léger voile blanc, sur lequel était projeté des images esthétiquement réussies, la formation franco-brésilienne entame la première partie de son set par une rétrospective de « La Revancha del tango », leur premier opus. En une demi-heure à peine, Gotan Project va parcourir la quintessence de cette œuvre (« Santa María (del Buen Ayre), « Queremos Paz», « Last Tango In Paris »…). A deux reprises, le public va même profiter d’une magnifique démonstration de tango par une jolie demoiselle accompagnée d’un élégant gentleman. Le voile tombe lors de la seconde danse et dévoile une scène identique à celle utilisée lors de la tournée « Lunático », tandis qu’une petite vidéo bénéficiant de la participation exceptionnelle de l’acteur Adrien Brody (« Le Pianiste », « King Kong », « The Darjeeling Limited »…), est projetée sur l’écran.
La seconde partie s’est concentrée, en très large partie, sur la seconde œuvre du trio. Flanquée, comme lors de la tournée qui était consacrée à cette dernière, par non moins de sept musiciens et évoluant au sein d’un décor blanc immaculé, la formation s’est focalisée, une heure entière, sur « Lunático » et les merveilles qui en sont extraites dont « El Norte », « La Vigüela », « Mi Confesion », « Amor Porteño » et un « Diferente » à frissonner. Le clou du spectacle nous viendra cependant du rappel. Composé d’un enchaînement parfait entre « Criminal » et « Triptico », il provoque (enfin) la réaction d’un public à la fois mou et désagréablement bavard. Et une version remaniée de « Diferente », chantée en anglais et comportant un petit sample d’Abba, mieux géré que lors du « Lunático Tour », boucle le set de deux heures. Une bien belle soirée.
Organisation : Live Nation.
Curieusement, l’Ancienne Belgique n’affiche pas complet ce soir. Dans la salle, le public est hétérogène. On y croise tous les looks, toutes les personnalités, toutes les couleurs de peau. Une multiculturalité réunie le temps d’une soirée. Un peu à l’image d’un Barack Obama, vainqueur des présidentielles US, The Roots, combo hip hop de Philadelphie, vient à son tour nous faire rêver de changement. Mais ici, il ne s’agit nullement de changement politique. Place à la musique !
En première partie, le trio suédois Looptroop Rockers a tenté de se forger une certaine crédibilité. Juste avant l’apparition des génies de la scène hip hop. Sur fond de boîte à rythmes et de quelques bidouillages électroniques, les flows des deux chanteurs ne font guère bonne figure. Pourtant, respectueux, le public applaudit malgré tout ce rap inerte proposé par les trois larrons.
Le temps de voir opérer les derniers réglages par les roadies, et la pression commence à monter. Particulièrement excitée, la foule piaffe d’impatience et le manifeste à travers les premiers coups de sifflets. Finalement, quelques notes de bombardon viennent couvrir les cris du public. Qui en une fraction de seconde se mure dans un silence religieux. Les sept membres du combo montent sur le podium en file indienne. Ils rejoignent leur poste et font déjà exploser les premières notes de « Rising Down », le neuvième et dernier opus des Américains. Parfaitement au point, les musiciens s’amusent, sourient, et partagent plus que généreusement leur musique qui oscille du hip hop à la soul, en passant par le jazz et même rock. ?uestlove, batteur mythique à la coupe afro, s’éclate. Son acolyte aux congas est son meilleur complice. Ensemble, ils opèrent un battle de percussions sur le titre phare « Mellow My Man ». Irrésistible ! Les musiciens sont manifestement des virtuoses. Chacun d’entre eux se réserve d’ailleurs un solo. A l’instar du saxophoniste dont les interventions sont dignes d’un Charlie Parker voire même d’un John Coltrane. Il exécute les plus belles impros sur « You Got Me ». Personne n’y échappe. Même, Owen Biddle, le substitut à la basse. Hubbard (et son bâton de réglisse) a donc décidé de quitter le navire. Ce remplaçant est le seul musicien de couleur blanche sur scène. Il parvient à faire rebondir son instrument tout en créant diverses chorégraphies en compagnie des ses partenaires. Le public assiste à une véritable démonstration, riche en maîtrise musicale et en énergie. Le concert s’achève majestueusement par un débit de flows surprenants concédés par Black Tought, Mc. Probablement le moment le plus charismatique de l’elpee. Et les paroles engagées y contribuent largement.
Pourtant plus très jeune, The Roots est parvenu ce soir à tenir le public en haleine, durant un peu moins de deux heures. Depuis plus de dix ans, cet ensemble parvient à souffler un véritable vent de fraicheur sur le hip hop tout en se posant comme une des plus grandes références dans cet univers. La rumeur colporte une fin de parcours pour la formation, pourtant au sommet de son art. On parle notamment de leur dernière tournée mondiale. Si ces infos sont exactes, je dois avouer être fier d’avoir assisté à ce show hors du commun. Mon cœur est d’ailleurs encore empli d’émotion. Merci The Roots ! Et n’hésitez pas à jeter un coup d’œil dans notre rubriques ‘Live photos’….
Organisation : Live Nation
Samedi 6 décembre. La météo n’est pas au beau fixe. Mais quelle importance quand on sait que l’on va passer sa soirée au Botanique. On ne se bouscule pourtant pas au portillon. Et c’est probablement la raison pour laquelle, les locataires d’une soirée ont pu se produire dans la Rotonde. Le set avait été annoncé à l’Orangerie ; mais il faut croire que la crise frappe aussi la hype du moment. Dommage ! Pourtant, The Whip est un quatuor à voir. Au moins une fois dans sa vie. Tant l’énergie libérée lors de leurs prestations est intense.
Les hostilités s’ouvrent à 20h15 précises. Pas de première partie. Curieux ! Les quatre de Manchester débarquent pour présenter leur premier opus « X Marks Destination ». Le line up du combo réunit trois gars et une fille. A l’instar de nombreuses formations péninsulaires, la formation a pris le train rock/électro en marche. Découverts par l’écurie française Kitsuné, les Britons ont saisit crânement leur chance. Et se sont notamment illustrés lors du festival Pukkelpop, cet été. Sur les planches, les Mancuniens affichent beaucoup d’élégance. Dès les premières mesures, le public est déjà chauffé à blanc. Comme sur l’album, tous les titres joués ce soir sont de petites pépites dansantes. Le clavier vibre. La batterie est minimaliste mais efficace. L’ensemble homogène. Les spectateurs remuent constamment. Les musiciens semblent prendre leur pied, malgré le peu de monde présent dans la salle. Une fameuse performance, il faut le souligner. La donzelle assume magistralement les parties de drums. Faut croire qu’elle est née le rythme dans la peau. Son énergie et son dynamisme, elle les met au service de ses trois partenaires masculins, leur permettant ainsi enflammer les quelques fans collés contre le podium. On a même l’impression qu’ils sont aux anges. Le set ne va cependant durer que plus ou moins une heure. Il s’achève par le tube « Trash ». Et dès les premiers accords de cette compo, le public, visiblement satisfait, décide d’envahir la scène. Il en profite même pour entourer fièrement les musiciens de The Whip, dont on devrait, à mon humble avis, entendre parler dans un futur proche…
Organisation Botanique
Si mes souvenirs sont bons, il y a onze années que je n’avais plus mis les pieds au VK. C’était lors du concert de Chumbawamba. Le seize novembre 1997, très exactement. Faut dire que le climat dans le quartier, à l’époque, était plutôt tendu. S’aventurer le soir à Molenbeek, c’était un peu la zone. Enfin, c’est le sentiment que j’éprouvais. Et que partageait, vu les expériences vécues, la plupart des baroudeurs de concerts rock. Aujourd’hui, les choses ont bien changé. Les rues sont bien éclairées. Pas vu de rassemblement hostile. Un commissariat de police a été construit dans le quartier. Et on se sent davantage en sécurité. D’autant plus que le staff du VK implique une équipe multiculturelle aussi soudée qu’efficace. Un bel exemple d’intégration…
Suite au remarquable concert accordé dans le cadre du festival Pukkelpop, la formation californienne (NDR : de San Francisco très exactement) revenait donc en Belgique pour un set très attendu. On n’était d’ailleurs pas loin du sold out…
Jennifer Gentle servait de supporting act. Une formation italienne. Issue de Padoue très exactement. Née en 1999, elle a compté jusque cinq musiciens ; mais est réduite aujourd’hui à un duo : le chanteur/compositeur/guitariste et membre fondateur Marco Fasolo ainsi que le claviériste/vocaliste Liviano Mos. Moustache à la gauloise et longs cheveux, ce dernier trahit le look d’un musicien de métal des seventies. Pensez à Black Sabbath. Il souffle aussi ponctuellement dans un kazoo. Premier groupe transalpin à être signé sur le label Sub Pop, Jennifer Gentle compte parmi ses admirateurs Mark Arm (Mudhoney), Grahan Coxon (Blur), Jarvis Cocker, Mars Volta, Julian Cope et même des musiciens d’Architecture In Helsinki ainsi que des Dandy Warhols. En fait leur psychédélisme farfelu, presque cartoonesque, s’inspire de Syd Barrett ; mais également du cinéma italien (Fellini et Morricone, tout particulièrement). Marco possède un timbre particulièrement aigu, androgyne, rappelant parfois Danielson, alors que le falsetto de Liviano est plus limpide. Leur musique est très minimaliste, mais assez complexe. Les accords dispensés par Marco, à la guitare, plutôt arides. Les changements de rythme constants. Cool au début, le set s’achève par deux titres puissants et énergiques, dont le premier bénéficiera de la participation de Meric et Logan des Dodos, aux percus. Une demi-heure, c’était largement suffisant. En fait, pour pouvoir apprécier ce style musical, finalement très proche de la prog, il est indispensable de bien connaître les morceaux. Sans quoi, on est constamment déboussolés.
Place ensuite aux Dodos. Un trio californien. A gauche, Meric Long. Probablement d’origine mexicaine (NDR : la formation est issue de San Francisco !) Le plus souvent assis devant deux micros. L’un destiné aux basses, l’autre aux aigus. Il change de guitare à chaque morceau. Ses grattes acoustiques électrifiées, il les joue en fingerpicking. Il imprime régulièrement le rythme en frappant du pied sur le podium. Il se sert de temps à autre d’un bottleneck. Parmi ses râpes électriques, il dispose d’un spécimen qui a du vécu, tant la boiserie est usée. Ses interventions allient punch et virtuosité. Il possède une voix claire, qui se conjugue très souvent en harmonie avec celle du drummer, Logan Kroeber. Le deuxième larron siège à droite de la scène. Pas de grosse caisse. Rien que des toms et des cymbales. Et puis un tambourin fixé en-dessous de son pied droit. Son amplitude, sa versatilité et sa dextérité en matière de drumming sont sidérantes. Il est capable de reproduire le bruit d’une machine à écrire, en tapotant le bord de son tom ou de ficeler une mélodie rien qu’en caressant ses peaux. Enfin, au centre, mais en retrait, milite le dernier arrivé : Joe Haener. Préposé au xylophone et aux percus. En fait de percus, il tire le plus souvent parti de sonorités qui émanent d’une poubelle métallique complètement cabossée. Et franchement, ça claque ! Très discret (NDR : il se cache derrière son matos quand il ne doit pas participer aux festivités), Joe se révèle terriblement efficace.
La musique de Dodos brasse une multitude d’influences (NDR : à cet égard, je vous invite à aller revoir la chronique consacrée à leur dernier album, « Visiter »). Cependant, l’une d’entre elles saute aux oreilles : celle du troisième album du Led Zeppelin. Oui, oui, le plus acoustique et personnellement l’œuvre majeure du dirigeable. Surtout lors des morceaux les plus bluesy. Mais en même temps, le groupe y injecte un feeling latino, hispanique plus précisément, et libère une intensité percussive qui vous prend littéralement aux tripes. Au fil du set, Meric commence à se lever de plus en plus souvent tout en martelant le rythme du pied sur les planches. Il abandonne même sa six cordes, en fin de parcours, pour cogner également sur le bidon martyr. A cet instant, Joe est allé rejoindre Logan pour partager les drums . Bref au fil de la prestation, l’intensité et l’ambiance montent en crescendo. Impossible de rester en place tant le rythme est contagieux. Et provoque in fine une véritable transe. On ne sait plus trop où on en est. L’intensité est à son paroxysme. Les changements de rythmes sont légion. Les instruments bavardent entre eux. Et multiplient les réponses cinglantes. Meric est en nage. Joe aussi. C’est même beaucoup plus spectaculaire. D’ailleurs, lorsque les perles de sueur giclent littéralement de son front, pendant qu’il assène furieusement ses coups sur le bidon, on ne peut y voir qu’une attitude esthétique. Et le concert s’achève dans la frénésie la plus totale.
Deux titres seront accordés en rappel. Et lors du dernier morceau, cerise sur le gâteau, les musiciens de Jennifer Gentle viennent apporter leur collaboration aux percus, martelant notamment le sol à l’aide de sticks. Un final extatique et carnavalesque ! Les Dodos ne reviendront plus. On en aurait quand même encore bien repris un morceau. Surtout d’un aussi savoureux gâteau…
Organisation : VK
Ce jeudi 27 novembre, c’est l’effervescence face au 110 du Boulevard Anspach. L’enceinte de l’Ancienne Belgique est prise d’assaut, une heure déjà avant le concert de ce soir. Ni la pluie, ni le vent qui vient nous glacer jusqu’aux os, ne semble décourager la meute impatiente. Pourtant, immobile depuis quelques minutes, je décide de me dégourdir les jambes. Impossible de rester sur place sans se me sentir happé par l’hiver dont la rigueur commence déjà à frapper. Je lance un regard circulaire vers la masse. J’essaye de retrouver Bernard Hulet, avec qui je partagerai la soirée. Il sera les yeux de Musiczine, je serai la plume. Introuvable ou noyé dans la foule, je sais qu’il doit être sur les lieux depuis un bon moment. Les photographes ne disposeront pas de couloir réservé ; c’est Monsieur Bashung lui-même qui l’a souhaité. Il devra donc se battre pour se creuser un trou stratégique, d’où il regardera le concert à travers l’œilleton. Je quitte le boulevard pour m’engouffrer chez un bouquiniste voisin.
45 minutes plus tard, je me dirige à nouveau vers la salle. Les vendeurs de places au marché noir grelottent ; mais il y a fort à parier que leur petit business sera lucratif. La soirée est en effet ‘sold out’ depuis belle lurette. Un arrêt au stand presse, un sourire ravi à l’hôtesse qui me remet mon sésame, une fouille en bonne et due forme et un détour par les vestiaires plus tard, je pars à la recherche d’un coin agréable pour ne rien louper de la soirée. Pas simple. Je suis même forcé de monter au deuxième balcon pour dénicher ce petit angle de vue, plus ou moins sympa. Je pose le bloc note sur le rebord de la rambarde. Ok, pour moi c’est bon les gars ! Je n’ai toujours pas retrouvé Bernard, mais ce grand gaillard se débrouillera, c’est une certitude. (NDR : Je vous invite d’ailleurs à aller jeter un œil sur ce lien pour confirmer mes propos : http://www.musiczine.net/fr/index.php?option=com_datsogallery&Itemid=47&func=viewcategory&catid=622)
Le public est composé en grande partie de quinquas. On y croise tous les looks : du classique au vieux rockeur. Quelques ados accompagnent leurs parents. Ils portent des tee-shirts dont l’effigie ne trompe pas sur leurs goûts musicaux. Pas mal de trentenaires aussi. Tout ce petit monde affiche une mine ravie, et prouve l’étendue des générations touchée tour à tour par la tête d’affiche. Il faudra que tout ce petit monde patiente encore. Fred, la première partie n’a pas encore commencé son set Il est annoncé pour 20 heures.
20 heures tapante, la salle s’obscurcit. Le premier Français de la soirée débarque guitare à la main. Son set est tendre. Sa voix se pose agréablement sur des accords simples et envoûtants. Les textes parlent d’amour ou de relations humaines. D’écologie ou de prise de conscience. Il se sample lui-même, le pied sur la pédale, pour permettre des croisements d’accords. Il reçoit les acclamations du public. Il en recevra encore plus lorsqu’il se permettra une reprise de Noir Désir « A l’Envers à l’Endroit ». En 25 minutes Fred est parvenu à capter notre attention, et préchauffer nos cœurs. Un bien beau défi quand on connaît le pedigree de l’artiste suivant ; pas mal s’y seraient cassés les dents.
La salle continue à se remplir. Dans mon pigeonnier on commence à se sentir à l’étroit. Un couple vient juste de se coller (et c’est peu dire) à ma gauche, essayant au fil des minutes de grappiller un peu plus d’espace. Même les flagrances insupportable de ce parfum dont les ‘vieilles’ se tartinent en général, ni les dialogues complètement vides qu’ils m’obligent à écouter n’auront raison de ma ténacité. Je reste bien à ma place, je bombe le torse. Tout le monde veut le meilleur confort pour tout voir, on n’est pas prêt de me déloger.
20h50, l’AB a respecté ses engagements de ponctualité. Les musiciens font leur apparition. Alain Bashung arrive à son tour. C’est l’hystérie dans la salle. L’accueil est d’une puissance telle, qu’il doit insuffler une bonne dose de motivation à l’artiste. Coiffé d’un chapeau noir, vêtu d’un costume de la même couleur et les yeux cachés par de lunettes fumées, l’homme est beau. Il a la classe du dandy, et un charisme à couper le souffle.
On essaye un instant, d’effacer de sa mémoire les mots ‘maladie’, ‘cancer’, ‘chimiothérapie’ qui sont souvent associés au chanteur. On essaye de se persuader que c’est uniquement la timidité qui le pousse à se dissimuler derrière ses lunettes et son couvre-chef. On oublie le mal qui le ronge pour ne se consacrer qu’aux émotions positives. Un petit pincement au cœur surgit malgré tout, de temps en temps. Assis sur un tabouret, il remercie son public pour l’accueil réservé. Il ouvre les festivités par une phrase qui va tout embraser : ‘Ce soir, je vous propose des chansons, des chansons… et encore des chansons’. Comme au Cirque Royal au mois de mai dernier, il ouvre son set par « Comme un Lego ». La sobriété, est de mise. Le violoncelle et la guitare viennent élever l’instant. Les premiers frissons n’ont aucune peine à vous envahir. C’est l’échine électrisée qu’on est plongé au sein d’un univers sensuel et délicat. Il embraie par « Je t’ai manqué ». Le jeu de lumière vient découper les différents protagonistes ; mais on ne voit que le chanteur. Il avale littéralement la lumière. Il se lève du tabouret que les roadies viennent discrètement déplacer pour entonner « Hier à Sousse », accompagné de son harmonica. Le deuxième clin d’œil de la soirée adressé à Bertand Cantat, apparaît sous le costume de « Volontaire » qui est proposé de manière beaucoup plus rock que la version originale. « Mes Prisons » précède « Samuel Hall ». Une adaptation plus soutenue que celle opérée sur l’elpee « Fantaisie Militaire ». Les lumières transfigurent l’instant, en embrasant la scène de ses milles feux. Complètement bluffé, et sous les coups de butoir du solo de guitare, on frise le sublime quand démarre « Vénus ». Un silence complet dans la salle traduit le respect accordé par l’audience à l’artiste. La peau se couvre d’émotion. Les poils se hérissent. « La Nuit je Mens » est accueilli de manière soutenue. Le public est complètement acquis à la cause, et le fait savoir. L’intro est à nouveau enrichi par le violoncelle et la guitare. Bashung lève les mains. Il enrobe, de ses mouvements lents, la moindre parcelle d’amour que les spectateurs lui accordent. « Je tuerai la Pianiste » et « Légère Eclaircie » sont des compos que l’auteur semble vivre de l’intérieur. « Mes Bras », un extrait de l’album « L’Imprudence », approche la perfection. ‘Sauve toi. Sauve moi, et tu sauras où l'acheter le courage’ : ces quelques mots suscitent à nouveau la révérence. Une leçon de courage que tout le monde se prend en pleine poire. La salle est subjuguée. Elle est encore sous l’emprise des paroles prononcées, juste avant, par l’artiste. Mais il devra se ressaisir en écoutant « Happe » ; histoire de ne pas en louper une miette. Ballade mélancolique, « J’passe Pour une Caravane » déclenche une salve d’applaudissements. Le groupe s’accorde une pause, quelques instants. Le chanteur a ainsi tout le loisir de s’exprimer en solitaire. Il interroge les spectateurs. Leur demande si quelqu’un connaît le film « Macadam Cowboy ». Un hurluberlu ignare hurle : ‘C’est un film de pédé !!’ Bashung manifeste un flegme exemplaire dans sa réponse : ‘Non, c’est un film d’amour’, et entonne « Everybody’s Talkin » de Harry Nilson, une adaptation de la BO du film de John Schlesinger. Et il embraie par un morceau dont l’intro a été volée à Bob Dylan : « Blowing In The Wind ». Cet interlude ouvre une version percutante du célèbre « Osez Joséphine ». Le light show est vraiment superbe et danse autour des musiciens. Sans le savoir, nous entamons le dernier morceau de la soirée. « Fantaisie Militaire » achève la prestation, une compo démantibulée par un solo de guitare énergique qui doit en étonner plus d’un. Il est 22h15.
Le rappel est incroyable, les applaudissements et les cris s’entrechoquent pour former un brouhaha incroyable. Bashung ne s’en sortira pas ainsi. Il en faut une dernière, une ‘sublime’, comme si les 85 minutes précédentes n’étaient qu’une mise en bouche. Bashung revient interpréter « Madame Rêve ». Il en profite pour présenter ses acolytes. Et nous laisse comme deux ronds de flanc, complètement sur les genoux. D’un pas lent et imprécis, il quitte la scène, remerciant la main sur le cœur le témoignage d’amour qu’il vient de vivre. Et que nous venons de vivre. Il se retourne, s’en va dans l’embrasure du côté de la scène. Il y laisse un grand vide. Dans nos cœurs aussi. Sûr, c’est la véritable clôture de la soirée ! Les lumières réapparaissent. Les roadies commencent à démonter le matos. Rien n’y fait, le public continue de hurler. Sans doute résignée, la foule se décide finalement à quitter les lieux. Cette soirée du 27 novembre était magique, et me laissera, longtemps encore, de superbes souvenirs. Je vais par contre tenter d’oublier le parfum de ma voisine de soirée… Quelle horreur !
Organisation Ubu
En se plongeant dans la musique électronique lors de leurs deux albums parus le même jour, c'est-à-dire ce 29 septembre (« Snowflake Midnight », sous une forme matérielle, et le second, « The Strange Attractor », uniquement téléchargeable via leur site), on se demandait comment Mercury Rev allait transposer cette nouvelle orientation en ‘live’. La réponse en Belgique était donc attendue pour ce 24 novembre. A l’AB de Bruxelles. Et honnêtement, après avoir écouté ces deux opus, j’imaginais un spectacle réduit à des synthés, des boucles, boîtes à rythmes et autres gadgets électroniques. Le tout, bien sûr balayé, par la voix de Jonathan Donahue. En fait, hormis les parties vocales assurées Jonathan, c’est le reste de mes préjugés qu’il a fallu balayer…
Un zeste d’électro à la Terry Riley envahit l’espace sonore, et le supporting act monte sur les planches : Howling Bells. Un quartet impliquant une très jolie chanteuse. A la chevelure couleur de jais : Juanita Stein. Douée d’une très belle voix, pure, cristalline, évoquant tantôt Karen O des Yeah Yeah, Yeahs, tantôt Polley Harvey, tantôt Nina Persson des Cardigans. Egalement préposée à la guitare rythmique. Le line up est complété par un guitariste, un bassiste et un drummer. La formation est de nationalité australienne, mais s’est établie en Angleterre. Eponyme, leur premier elpee est paru en 2006. C’est même le producteur de Coldplay, Ken Nelson, qui l’avait mis en forme. Le prochain opus est prévu pour l’an prochain. Plutôt britock, mais dans l’esprit shoegazing, leur musique ne manque pas de charme, même si les mélodies sont plutôt mélancoliques, voire ténébreuses et inquiétantes. Plutôt doué, le soliste s’autorise l’un ou l’autre périple dans un psychédélisme rappelant Wedding Present ; et en fin de parcours, la chanteuse vient apporter sa contribution percussive sur un tom basse. Régulièrement, le bassiste et le guitariste enrichissent la solution sonore de claviers (ou de synthés, selon !) ; quant au tempo il est souvent susceptible de se convertir à la new wave. On a même droit à une compo hypnotique, réminiscente d’« I want you (she’s so heavy) » des Beatles (NDR : si, si, le dernier et long morceau de la première face d’« Abbey road »). En une petite demi-heure, le quartet a ainsi démontré un potentiel particulièrement ample, même si les enchaînements manquaient parfois de fluidité. Probablement les risques inhérents à une première partie. Signe qui ne trompe pas, quand même, le combo assure ce supporting act pour toute la tournée mondiale du Rev…
20h55, les lumières s’éteignent et les premières images sont projetées sur l’écran, sis à l’arrière du podium. On annonce l’un ou l’autre test. Puis soudain, un film en noir et blanc (NDR : pas d’époque, mais bien imité), sonorisé par une musique charleston nous est proposé. Et dans la foulée, alors que les hauts parleurs diffusent le « Lorelei » de Cocteau Twins (NDR : qu’on a envie de reprendre en chœur), défilent devant nos yeux des reproductions de pochettes (Nico, Dylan, Drake, Cohen, Elliot Smith, etc.) ; mais également des images de maîtres de la littérature (Kerouac, Miller), de films culte (« Paris, Texas ») ou encore des clichés immortalisant le passé du groupe. Et sous les acclamations, Mercury Rev entre en scène. Outre le trio de base, on y retrouve la solide et très efficace section rythmique qui les accompagne en tournée depuis maintenant quelques années.
A première vue, en matière d’innovation instrumentale, on ne remarque la présence que d’une batterie électronique fixée au dessus des claviers. Jonathan porte une écharpe autour du cou et déjà lampe une gorgée de la bouteille de vin rouge qu’il a emportée avec lui, avant de la ranger soigneusement près des drums. Et à laquelle il viendra s’abreuver régulièrement. Le son et puissant. Très puissant même. Ce n’est pas nouveau, mais j’ai l’impression qu’il l’est encore plus que la dernière fois. Et je dois avouer que dès le premier morceau, « Snowflake in a hot world », un extrait du dernier opus, j’ai été littéralement scotché sur place. Et que dire de cette explosion presque atomique produite au milieu du set. Les murs de l’AB doivent encore en trembler. Pendant tout le show, les images vont défiler. Souvent relatives à l’univers, à l’atome, aux océans ou à la nature. Parfois ponctuées de citations. Entre autres d’Aldous Huxley, de Vincent Van Gogh et bien d’autres. Dès le deuxième titre, Jonathan empoigne sa guitare. Et vivifiante, l’électricité se met déjà à crépiter. Chaque fois qu’il va reprendre la râpe pour conjuguer ses échanges avec Grasshopper, les morceaux vont littéralement cracher des flammes. Une lueur brille constamment dans les yeux de Jonathan. Son falsetto fragile, caressant, limpide est susceptible de vous plonger dans un océan de mélancolie douce. Il allie le geste à la parole, caricaturant le rôle d’un chef d’orchestre, le vol d’un oiseau, d’une ballerine, d’un bodybuilder ou encore mime celui d’un humain qui aurait le monde dans sa main… Enfin, ce soir, c’est plutôt le public qu’il a mis dans sa poche… En outre, lorsque la foule applaudit, Donahue sourit. Aux claviers, Jeff Mercel se réserve l’une ou l’autre intervention jazzyfiante, plusieurs interludes ‘ambient’ et puis dynamise de ses interventions aux drums électroniques le percutant et hallucinant, « Dream of a young girl as a flower », un morceau sculpté sur un tempo post house/techno. Impressionnant ! L’ovation en fin de set l’est tout autant. Le groupe applaudit pour remercier son auditoire et quitte les lieux en laissant un fond sonore couvrir les acclamations.
Quelques minutes plus tard, le quintet revient sur le podium et nous livre une fin de parcours somptueuse : « Diamonds », « Goddess on a hiway », le symphonique et intense « The dark is rising » ainsi que l’obsessionnel « Senses of fire ». Nouvelle clameur monstrueuse et nouvelle marque de gratitude de la part de la formation. Qui ne reviendra plus. Heureux, mais assommé, on décide alors de reprendre la route. Il est 22h20. L’horaire a été scrupuleusement respecté. Vu les conditions météorologiques, la prochaine fois, on pourra peut-être emprunter les services des chemins de fer…
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