Visiblement inspiré par l’épisode « Grinderman », Nick Cave n’avait pas concocté d’album aussi intéressant que ce « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! », depuis bien longtemps. Il faut bien dire qu’à partir de « The Boatman’s Call », les œuvres du bon Nick étaient devenues souvent dispensables et ennuyeuses. « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! » est gorgé de longues plages narratives plongées dans un rock crépusculaire, rehaussé des fantastiques trouvailles sonores de Warren Ellis et des paroles toujours soignées de Nick Cave. Les chansons rappellent souvent les albums des années quatre-vingt des Bad Seeds : de la country hantée de « Your funeral, My trial » aux cauchemars industriels de « From Her to Eternity », en passant par la mélancolie de « Tender Prey » et le rock de « Henry’s Dream ». Tout n’est pas franchement réussi, comme en témoigne l’épuisant « We Call Upon the Author », mais quelques titres renouent avec le meilleur des Bad Seeds. On citera les magnifiques « Hold on to Yourself » et « Jesus of the Moon », l’hypnotique « Night Of the Lotus Eaters », le très pop « More News From Nowhere » (qui rappelle « Oh ! Deanna ») ou encore l’innovant « Midnight Man ». Une moitié d’album formidable, une autre plus dispensable, mais « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! » témoigne d’une belle renaissance artistique.
Il existe deux façons d'aborder le nouvel album de KT Tunstall. Ceux qui l'avaient découverte lors de la sortie de "Black Horse and the Cherry Tree" et l'avaient trouvée pétillante tout au long de cet alliage de fraîcheur folk et d’énergie rock seront déçus. Finis jean's/t-shirt, finies chansons sans prétention mais terriblement efficaces. Ceux, par contre, qui voyaient en elle une chanteuse charmante mais quelque peu ‘gentille’ se réjouiront de sa métamorphose. Elle est devenue star, le coton devient cuir, le folk rock devient pop, le concert devient show et ce nouvel opus semble bien prévu pour ça.
Produit par Steve Osborne (U2, Happy Mondays), “Drastic fantastic” fournit sa kyrielle de chansons bien foutues à l'instar du morceau d’ouverture, « Little Favours » ou du premier single "Hold on". Mais si les chansons ont gagné en force, l’ensemble perd en émotion et précipite l’album dans le gouffre du facile, du formaté. Une constante malgré tout : les bottes, et des morceaux qui ne les oublient pas, tel que « Beauty of uncertainty » où la chanteuse écossaise joue de sa voix rauque sur des accents country. La voix est là, le talent aussi, même le succès. Mais le succès…
Après « Alive At The Red Rocks », sorti en 2004, « Look Alive » constitue le deuxième Dvd ‘live’ d’Incubus. Enregistré lors de la dernière tournée accomplie par la formation californienne, « Look Alive » se concentre essentiellement sur les morceaux extraits de « A Crow Left Of the Murder » et « Light Grenades », ses deux derniers efforts studio. Les aficionados seront donc peut-être déçus de ne pas y retrouver les tubes de la bande à Brandon Boyd qui a préféré éviter la redite et se concentrer sur des titres absents du Dvd précédent. Au programme donc « Anna Molly », « Love Hurts » et autres « Megalomaniac ». Techniquement, « Look Alive » est presqu’impeccable. A cause de ses somptueuses images et du son quasi irréprochable. Par contre, côté contenu, le quintet s’est satisfait du minimum syndical. D’une durée totale de 2h, les morceaux ‘live’ sont entrecoupés de quelques images des coulisses de la tournée mondiale et rien d’autre. Aucun bonus. On fera donc comme eux : merci, au revoir.
Probablement intrigués par la grande qualité de ses chansons, les acharnés des compilations de ‘rare funk’ y ont sûrement déjà croisé le nom d’Eddie Bo. Figure méconnue du funk de la Nouvelle Orléans, Eddie Bo a pourtant largement contribué à l’éclosion stylistique du genre. Le sort et les pratiques de plusieurs producteurs véreux ont jusqu’à ce jour, conjugué leurs efforts pour qu’Eddie Bo soit confiné dans un rôle d’auteur confidentiel. Le label espagnol Vampisoul tente de réparer cette injustice en proposant un éventail de ses 45 tours (NDR : et ils sont nombreux !), mais également des artistes qu’il a produit entre 1955 et l’aube des années 80.
Fortement influencé par Ray Charles à ses débuts, Eddie Bo ne se contentait pas d’inventer des grooves futuristes (écoutez « I Found a Little Girl » pour vous en convaincre), mais il composait aussi de superbes morceaux, portés par un style vocal original. De la pure ‘feel good music’, au groove implacable, qui peut mettre le feu à n’importe quel dancefloor. Quelques uns des 28 titres repris ici ont déjà été publiés sur les compilations « Saturday Night Fish Fry » et « New Orleans Funk », que le label Soul Jazz a consacré au funk de Crescent City. Les autres plages sont moins courantes mais tout aussi excellentes. On regrettera seulement le son quelquefois un peu limite, les bandes masters des chansons ayant été perdues (ainsi que les biens du pauvre Eddie) lors de l’ouragan Katrina. Un léger bémol qui ne doit pas empêcher les ‘funk heads’ de se ruer sur ces quelques pépites musicales.
Palestinien installé en Hollande, Haytham Safia est jeune musicien de oud ; mais également un musicien de formation classique dont les oreilles demeurent grandes ouvertes. Il a bien entendu consacré une grosse partie de sa production à la musique orientale. Mais il a aussi formé un quartet de jazz et opéré un mélange entre la musique classique orientale et le blues au sein du projet No Blues. Ce ‘blossom’ a été enregistré d’une telle manière, qu’on aurait pu craindre le pire. Aucun des musiciens impliqués ne s’était rencontré et n’avait joué ensemble auparavant. Cependant, chacun est parvenu à apporter sa touche personnelle aux compositions de Haytham Safia. Loin d’être stérile et froid, le résultat dégage une chaleur et une cohésion étonnante, malgré le casting disparate qui a présidé à la conception du disque. Contrebassiste, batteur et saxophoniste issus de l’école du jazz, violoniste palestinien, clarinettiste classique, percussionniste africain et joueur de Qanun galiléen se sont donc réunis pour contribuer aux arrangements des compos classiques orientales de Haytham Safia. Une musique pas facile mais de goût, qui s’apprécie au fil des écoutes, contrairement à ce que la pochette ratée laisse augurer.
Alléluia, mes frères et sœurs ! L’archange Mark Lanegan ne peut plus s’arrêter. Après Queens Of The Stone Age, Twilights Singers et Isobel Campbell, c’est au duo Soulsavers qu’il prête aimablement sa voix ténébreuse, qui n’est pas sans rappeler celle d’un certain Tom Waits. Une voix, qui colle par ailleurs parfaitement aux atmosphères de ce second essai. S’ouvrant sur le joli gospel de « Revival », « It’s not how far you fall, it’s the way you land » souffre cependant d’une légère inégalité. La faute aux deux producteurs (Ian Glover et Rick Machin). Ils n’ont pas su exploiter tout le potentiel mis à la disposition de leur invité qui s’est vu offrir d’une part des petites merveilles telle que la reprise des Stones, « No Expectations », ainsi qu’une version retravaillée de « Kingdoms Of Rain », vieux morceau de Lanegan lui-même et, d’autre part, des titres plats et/ou superflus comme « Ghosts Of You & Me » ou le Massive Attack-esque « Jesus Of Nothing ». Le salut de nos âmes n’émanera donc pas de ce disque...
Cette copieuse compilation de 28 titres agrège les travaux de plusieurs formations qui enregistraient pour le compte du label péruvien MAG. Des titres concoctés entre 1965 et 1969, époque au cours de laquelle le boogaloo déboulait de New York pour influencer la plupart des musiciens en Amérique du Sud. Les compos réunies ici évoquent le plus souvent le mambo et annoncent déjà la salsa pour le côté latin exacerbé et les impros jazz. Outre les ‘descargas’ plus classiques et convenues, cette compilation épingle quelques plages assez drôles et originales. L’utilisation des guitares dans un style très proche du rock’n’roll (écoutez « Arroz Con Coco », « Comentario en El Solar ») ou carrément psychédéliques (« Boogaloo del Perro ») confère à certains morceaux une atmosphère décalée qui ne dépareillerait pas dans un film de type Tarantino. D’autres plus ‘groovy’, comme le « Guajira Boogaloo » sont soutenus par une batterie lourde et des percussions irrésistibles. Le moment le plus étonnant et drôle de cet elpee revient à « Cobardia », un titre curieux qui semble avoir été chanté par Speedy Gonzales. Bref, un disque pas toujours passionnant, mais qui recèle quelques très bonnes plages quand même.
Il faut remonter aux 90’s pour atteindre la genèse du collectif fondé par Count Dubulha (Temple Of Sound) : le Transglobal Underground ou TGU. Très exactement en 1992. Depuis, la formation a connu quelques changements de line up, dont le départ de Natacha Atlas, partie embrasser une carrière en solitaire.
A la première écoute des morceaux du groupe, on comprend ce que le mot métissage signifie. Les Londoniens n’en sont pas à leur coup d’essai, s’octroyant le mérite d’avoir concocté en 15 ans, 10 albums, dont trois consacrés à des remixes. Par envie d’explorer, en apportant sa propre touche ethnique, Transglobal Underground se pare des meilleurs sherpas pour l’exercice : Hamid Ma Tu privilégie la dance alors que le multi-instrumentiste Tim Whelan semble disposer de six bras, par exemple. Multiculturelles à tous les points de vue, les mélodies orientales croisent le ragga, la techno voire même la jungle, ces deux dernières formes affichant un caractère nettement plus occidental. Natacha Atlas est même revenue leur filer un coup de voix pour quelques titres. C’est la première fois, depuis son aventure en solitaire. Malheureusement, un peu à l’instar d’un cocktail trop riche, les éléments mélangés rendent le tout indigeste. C’est dans une coupe un peu trop pleine de diversités que l’on se noie. Principale cause : les beats trop élastiques de certains morceaux (“Total Rebellion, “It’s A Sitar”, “Moonshout”…) D’autres mixtures, par contre, viennent adoucir nos estomacs malades en calmant le jeu (“Swampland”). D’autres encore nous transportent loin, au sommet d’une dune où les éléments déchaînés croisent les djembés ou le sitar et fouettent nos sens sans y laisser la moindre marque désagréable. “Carpe Thunder” et ”Mara Jhumka”, notamment. Et puis “Quit Mumblin”, une compo qui se densifie au contact des doigts de Sheema Mukherjee, joueuse de sitar tout à fait géniale. La ‘cherry on the cake’ de l’album est déposée sur le morceau “Border Control”, assemblage reggae/raga compulsif et percutant.
« Moonshout » est donc un nouveau voyage proposé par les maîtres du genre. Il traverse l’Orient et l’Occident par simple pression de cordes. Le résultat tien quand même bien la route, mais je conseillerai de ne consommer cette plaque qu’à doses homéopathiques.
Légende du hip hop old school, le New-yorkais d’origine anglaise Slick Rick disposait de tous les atouts pour devenir une star. De nombreux ennuis avec la justice américaine ont fichu en l’air une carrière qui s’annonçait prometteuse. Slick Rick se distinguait par son flow ultra décontracté et les histoires souvent méchantes et drôles qu’il débitait sur des beats old school. On peut même dire qu’il a largement inspiré des gens comme Jay-Z et Snoop Dog, pour n’en citer que quelques uns.
Compilé par le dj J-Love, ce disque réunit tous les classiques de Slick Rick, ainsi que quelques inédits et des collaborations, opérées notamment en compagnie de Ghostface Killah et Morcheeba. La plupart de ces titres (enregistrés entre 1985 et les années 2000) sont des tueries qui n’ont pas pris une ride ; mais on regrettera le peu de soin (sonore et informatif) accordé à cette sortie. La moitié des titres n’est pas mentionnée au sein du track listing ; en outre, certains morceaux sont quasi-inaudibles tant ils semblent avoir été repiqués sur une cassette audio miteuse. Comme si cette situation ne suffisait pas, J-Love interrompt de nombreux titres par des interjections comme ‘J-Love on the side !’ ou encore ‘My Nigger J-Love !’ : inutile et très vite énervant. C’est vraiment dommage, car Slick Rick mérite beaucoup mieux que ce ‘best of’ mal fagoté.
Bassiste de Viva L´American Death Ray Music, Harlan T. Bobo s´octroie une escapade solo sur les terres arides du folk. L´occasion comme pour beaucoup d´autres d´exorciser ses démons et ses chagrins. Sans pathos lourdingue ni rancune hargneuse, l´homme trace sa propre autobiographie sentimentale.
Ouvrant l´album, « Only Love » est d’une beauté brute à pleurer. Une ballade folk acoustique d´une simplicité désarmante, bercée par une voix rauque, profonde et désespérée qui dominera les neuf plages de cet elpee. Un orgue et une pedal steel se la coulent douce sur « Left Your Door Unlocked », naturellement, sans alourdir l´ambiance. Le titre maître tranche soudainement : Harlan branche l´électricité, la musique monte en puissance, les phrasés bluesy s´enchaînent. Un « Zipper And Jeans » gorgé de swing et l´excellent « Mr Last Week » poursuivront dans cette voie avant un retour à des ambiances plus posées. Le mélancolique blues « Bottle And Hotel » conclut l´album, comme une ivresse que l´on cherche pour oublier la douleur. Neuf pistes sans rien à jeter. Une petite perle de talent et de sincérité brillant parmi la production folk actuelle.
Véritable institution en Grande Bretagne, le dj Norman Jay anime le carnaval de Notting Hill depuis de nombreuses années. Notre homme a le chic pour remettre au goût du jour des classiques oubliés mais aussi faire connaître les nouveaux artistes de la scène R&B, hip hop, soul et funk. La série « Good Times » constitue un état des lieux de ses coups de cœur du moment. Vingt-quatre titres qui piochent dans la soul d’hier et d’aujourd’hui, l’électro funk (Shalamar D-Train), la house (Doug Lazy, Charles Dockins, Outside), le hip hop (le très doué Lupe Fiasco), un petit peu de reggae (Sister Riddim) et d’afrobeat (le formidable « Water got No Enemy » de Fela Kuti). Une sélection de goûts et de saveurs qui se concentre sur des plages peu connues et réserve de belles découvertes. En matière de reprises, on pointera Nina Simone responsable d’une magnifique adaptation de « Here comes the Sun » et le chanteur sicilien Mario Biondi d’une belle version d’« I can’t keep from Crying Sometimes ». Parmi les nouvelles divas de la soul ‘vintage’, Nicole Willis et de Joy Denalane (l’excellent « Soweto 96-06 ») tirent leur épingle du jeu. Dans le même registre, le « Morning Child Raw » de 4 Hero ressuscite de manière très convaincante la soul orchestrale des années 70. En chez les chanteurs soul d’époque, le « Thank You Love » de Clyde Mc Phatter est dynamisé par une rythmique hip hop avant l’heure. Le reste est loin d’être médiocre, mais s’avère peut-être un tout petit peu plus dispensable, surtout les compos house, qui ont très mal vieillies.
Nederlands 
Français 
