Classic Rock Productions avait aligné toute une série de DVDs consacrés à des légendes du rock. L’originalité ne procédait pas de l’immortalisation de concerts ou d’un historique de ces formations ou artistes, mais bien d’une analyse critique d’elpees parus au cours d’une période bien définie. Des musiciens, des critiques ou des journalistes musicaux avaient ainsi participé à ce projet. Cette nouvelle série s’intéresse à nouveau aux monuments de l’histoire du rock, mais sous une forme différente, puisque si l’un ou l’autre clip leur sont consacrés, l’essentiel de l’objectif est concentré sur l’audio. Pour Nirvana, on a ainsi droit au célèbre live KAOS FM radiodiffusé le 17 avril 1987. Remasterisé, il est ici reproduit en intégralité ! En bonus figure également le fameux concert ‘Saturday Night Live’ enregistré aux Etats Unis en 1992 et 1993. Il recèle des versions proposées en avant-première des albums « Nevermind » et « In Utero », à la fois sous forme audio et vidéo. Le CD est inséré dans un magnifique livret de 72 pages dans lequel figurent une biographie historique et une analyse approfondie titre par titre de tous les albums studio de Nirvana ; le tout enrichi de nombreuses photographies pratiquement introuvables. Un opus indispensable pour tous les fans de la bande au défunt Kurt Cobain !
Né en Suède, mais de parents argentins, on connait surtout José Gonzales pour ses versions acoustiques de titres tels que « Love will tear us apart » de Joy Division, « Hand on your heart » de Kylie Minogue, « Smallboy town boy » de Bronski Beat ainsi que « Born in the USA » ou « The ghost of Tom Joad » de Bruce Springsteen. Et bien sûr la cover du « Heartbeat » de The Knife, plage qui avait permis à Sony de développer une campagne mondiale de pub. Pourtant l’artiste est également responsable de compositions personnelles. En 2005, il avait ainsi concocté un album solo, intitulé « Veneer ». En outre, il a également collaboré à de multiples projets dont ceux de Zero 7 et Junip. Sans oublier son coup de main apporté auprès de l’artiste hip hop Plan B.
Sur son nouvel opus, figure une nouvelle reprise. Celle de « Teardrop » de Massive Attack. Mais surtout neuf nouvelles chansons personnelles. Une œuvre intimiste, minimaliste qui se limite à sa voix claire et chaleureuse (dédoublée ou légèrement reverb), un chouia d’électronique, quelques frappements de mains et une guitare sèche, le plus souvent overdubbée. Une technique qui lui permet de jouer à la fois en picking et en puissance ou même de suppléer à la basse. Les mélodies sont douces et délicates, les lyrics poétiques. Nous ne sommes pas très loin de l’univers d’Elliott Smith ou de feu Nick Drake. Mais le feeling cool latino en plus. C’est dans sa nature.
Originaire de Pittsburgh, en Pennsylvanie, ce jeune musicien a longtemps vécu au sein de sa famille, à Los Angeles, avant de rejoindre New York, il y a une dizaine d'années. Depuis, il y est resté! Musicien très sollicité, il est parvenu à se forger une identité musicale en intégrant de nombreux éléments issus de styles divers : du blues bien sûr, mais également du jazz et du rock'n'roll. Il nous invite à accomplir un tour des States : du blues de Chicago aux rythmes de la Nouvelle Orléans, en passant par les shuffles texans, le jump et le swing californien. Il semble donc bien se nourrir dans ce creuset qui constitue le blues le plus populaire aujourd'hui. Pour enregistrer "Sour mash", il a reçu le concours de ses musiciens, en l’occurrence le Blues Prescription ; c'est-à-dire une section rythmique constituée du bassiste Admir ‘Dr Blues’ Hadzic et du drummer Barry Harrison (ce solide musicien de couleur noire a longtemps sévi chez le backing band de Johnny Copeland) et enfin sa fille Shemekia. Pour concocter cet opus il a également fait appel à de solides connaissances : George Papa George aux claviers et surtout Jason Ricci à l'harmonica. Considéré comme un jeune prodige, ce dernier vit à Nashville, compte déjà trois albums personnels à son actif et drive son propre groupe : New Blood. Le Rich Cohen Blues Band avait déjà gravé un elpee en 2005 : "Who's that knocking".
En ouverture, Rich attaque "Can't do nothing about it". Du blues solidement rythmé destiné à donner rapidement le champ libre à Jason Ricci. Ce véritable prodige joue comme nul autre. Très personnel, son jeu est basé sur une accumulation de notes ; mais aussi sur une créativité constante. Cohen embraie aussitôt par un solo construit progressivement. Il monte sensiblement en puissance. La barre est déjà placée fort haut. Instrumental, le titre maître émarge au funk participatif. Il est alimenté par tous les instruments : les percussions de l'ami Rod Gross, l'orgue de Papa George et la basse d'Admir ; pendant qu’à l'avant-plan, les cordes tissent des arabesques dans un contexte jazz funk. Dans le même registre, les musiciens adaptent "2:19", une compo signée Tom Waits mais revue et corrigée suivant leur imagination. Rich murmure des mots hypnotiques tandis que les instruments creusent de nouveaux sillons novateurs. Autre instrumental, "Bounce & burn" permet à Cohen de swinguer et de jumper sur les cordes. Rich chante de son timbre rocailleux et quelque peu nasillard une version très rafraîchissante du "Floating bridge" de Sleepy John Estes. L'orgue Hammond nous plonge dans un climat décontracté. Jason apporte sa touche émotionnelle de l’instant à l'harmo. Il se fait avare de ses notes pour mieux faire passer le message et céder le témoin à Rich dont les notes sont puisées au plus profond de sa sensibilité. Véritable rampe de lancement à ses solistes, Dr Blues assure le rythme sur "Shame on you", un shuffle classique à la texane. Cohen est un musicien brillant. Et il le démontre constamment. Il emprunte même la technique d’Hubert Sumlin sur "Rx Blues", avant de se mettre à délirer, à improviser, à dénicher des notes improbables sur un thème proche d'Howlin' Wolf. La Blues Prescription poursuit son invasion victorieuse par un nouveau shuffle intitulé "Who's that knockin'?". Impossible de tenir en place : un sommet ! La finale a été immortalisée en 2006, au Trumpets de Montclair. Un morceau ‘live’. Près de 10' de défonce boogie exécutée sur le thème du "Shake your hips" de Slim Harpo.
Non seulement cet album est d’excellente facture, mais il constitue une véritable découverte. Rich est un musicien qui déborde d’idées. Il a ainsi mis d’autres projets en chantier. Dont une approche exploratoire et introspective consacrée à l'utilisation des instruments à cordes acoustiques ; un dessein notamment concrétisé par l’elpee "Moods and meditations", paru en 2005. En outre, il trouve encore le temps de partager un duo acoustique en compagnie de l'harmoniciste Miguel Weissman. Leur album "Hollow log" devrait sortir d'une semaine à l'autre et présenter une facette de blues traditionnel, plus proche du Delta du Mississippi.
Cet album intrigue immédiatement. Son concept graphique est étrange. Un enfant casqué semble se protéger du soleil. Il nous apparaît en contre-jour. Le patronyme de ce groupe hollandais est aussi tordu : Club Of High Eyebrows. Ah bon ? Les miens continuent à froncer quand, une fois ouvert, l’album déploie le nom de leurs auteurs. Silver Surfering Rude Boy Tylon au chant, par exemple. On pense naturellement à un album hip hop, imaginé par des artistes un tantinet railleurs. Même les silhouettes à casquettes dessinées à l’intérieur de l’album exhalent ce parfum. C’est en découvrant le nom du label (NDR : Hazelwood Vynil Plastic) que ma patience me lâche, et me pousse à enfourner le cd dans mon lecteur.
Ok, on est loin, très loin du hip hop, et on pénètre finalement dans un univers rock indie. Aux premiers accords de « Tar Black Poisoned Cup », une pop folk sans complexe module la voix sur une ballade tendre et s’enflamme au fur et à mesure. Les guitares sont terriblement tranchantes. Et je mettrai ma main à couper qu’elles demeurent aussi affûtées tout au long de l’elpee. « Prince Of Turbulence » entame une ronde autour de la batterie afin d’affûter les médiators. Tous les morceaux suivants s’enchaînent très vite, et s’imbriquent les uns dans les autres assez facilement ; le tout en respectant une cohérence manifeste. Des plages comme « Aquarius », « Gift Of Song » ou « Veering Between The Genders » sortent un peu du lot. A cause des mélodies acidulées mises au service d’une pop tendre. On récupère vite la touche que le groupe est occupé d’afficher pour « Club Of High Eyebrows », la petite merveille de l’album. Et s’il n’y avait qu’un morceau à écouter de cet elpee, je choisirai celui-là. Il représente à lui seul tout l’univers un peu répétitif mais pas vraiment saoulant des quatre larrons. Si vous aimez Godhedsilo ou Idaho, ce disque devrait vous botter.
La pérégrination de Josh Rouse prend une nouvelle tournure. Après s’être installé auprès de sa petite amie sous le soleil espagnol et avoir sorti en 2006 « Subtitulo », un disque fortement influencé par sa nouvelle vie, il revient accompagné de sa belle, Paz Suay, dans un side-project subtilement nommé « She’s Spanish, I’m American ». Ce premier EP éponyme est composé de 5 tranches de pop estivale, fidèles au style de Josh Rouse mais relevé par le charmant accent de Paz Suay. Elle a beau ne pas toujours chanter très juste, la jeune femme se révèle être un joli atout (dans tous les sens du terme). Enfin, bien que l’on retienne essentiellement « These Long Summer Days », seul titre interprété intégralement par Rouse, le duo nous offre dans l’ensemble une excellente incursion dans leur dôme intime. Et en bons voyeurs que nous sommes, c’est d’une impatience non retenue que l’on attendra le premier album.
Mark Ronson est un verni. Avec ses airs de Benjamin Biolay, ce beau gosse talentueux transforme en or tout ce qu’il touche. Il remplit ses poches et la liste de ses potes sans aucun problème. Mixeur, musicien, DJ, producteur, c’est en manifestant un flegme purement britannique qu’il se détache de l’image hip hop lui collant aux doigts. Se frottant aux plus belles et aux plus talentueux du moment, il arrange des versions made in Ronson provenant de classiques appartenant à The Smiths (« Stop Me »), Zutons (« Valerie ») ou Britney Spears (« Toxic »), par exemple. Démoulant les mélodies pour les ré-enrouler dans un esprit plus dance et groovy, il les propose à différents artistes, tout aussi célèbres que les airs qu’ils reprennent. Ronson actualise ses cartons d’invit’ en conviant Ammy Winnehouse, Kasabian, Paul Smith, Lily Allen, et même Robbie Williams. Quoique ce dernier parvient à massacrer l’excellent « The Only One I Know » des Charlatans. Tout ce beau monde doit le changer du feu ODB (Old Dirty Bastard mort récemment d’une overdose) hantant ses studios. Le concept des reprises de covers est largement connu chez nous, grâce à une certaine Béatrice Ardisson ; mais la particularité de ces adaptations procède de la position des artistes mis en situation imprévue. Ainsi que de la qualité des remixes, nettement mieux soignés lorsqu’il sont passés entre les mains du petit Anglais. Commercial au possible, « Version » se répand à la vitesse de l’éclair. Ne soyez donc pas surpris d’entendre chez vos amis du Kaiser Chief à la sauce Lily Allen ou du Radiohead crucifié par Phantom Planet. Répondez d’un sourire complice, en ce moment c’est ‘has been’ de ne pas apprécier la déformation de l’indéformable.
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Les ballets C. de la B. sont une des trois principales compagnies de danse en Flandre et sont depuis plus de vingt ans une plate-forme artistique pour différents chorégraphes comme Koen Augustijnen, chef de file des Ballets. Import Export est la version live de la musique du spectacle de danse éponyme de Koen Augustijnen. Ce sont les compositeurs Bart Vandewege et Sam Serruys (né en ‘77 !) qui ont combiné et adapté la musique baroque et la musique électro-contemporaine. Chimie unique et fusion entre le vieux et le nouveau. Bart Vandewege a parfaitement réussi les adaptations des compositions de Couperin, Charpentier, Hahn, Clérambault et Lambert pour l’alto Steve Dujardin et le Quatuor à cordes Kirke. Tous trois, Bart Vandewege, Sam Serruys et Steve Dujardin ont un cv impressionnant et développent leurs talents dans le monde du théâtre, du cinéma et de la danse pour les deux premiers et l’opéra, la musique contemporaine et la danse pour le dernier.
Le quatuor à cordes Kirke quant à lui est composé de quatre amies issues d’Anvers. Elles jouent ensemble depuis quelques années et leur vaste répertoire va du classique au tango en passant par la pop. Pour l’anecdote, Kirke doit son nom à la nymphe grecque Kirke, qui habitait sur l’île paradisiaque d’Ayaya, là où de somptueux repas et boissons enivrantes coulaient à flot. Elle possédait aussi un don magique de transformer les hommes difficiles en porcs. (Information non vérifiée !)
La version live de la musique du spectacle Import/Export a l’avantage de nous faire entendre les mouvements des danseurs, rythmés sur le sol. Selon que vous ayez assisté ou non au spectacle, vous revoyez ou imaginez le décor industriel, chantier portuaire tout en verticales et échafaudages. Le souffle des cordes et de l’alto se mêle au souffle des danseurs. Et nos oreilles d’explorer ce nouveau langage, combinaison de théâtre, acrobatie, musique baroque et sculpture. Une (re)découverte de la musique baroque, en scènes brèves et au contenu d’une haute émotion.
A écouter en boucle (non pas avec des bigoudis !)
A noter : les Ballets C. de la B. sont l’ambassadeur culturel de l’Unesco, IHE, Institut for Water Education.
Trio espagnol, Charlotte’s Shadow est manifestement hanté par la musique gothique du début des eighties. La cold wave aussi. Des influences qui oscillent de Cure à Bauhaus, en passant par Indochine (époque « l’Aventurier ») et Sisters of Mercy. La voix de J.Catala campe même un hybride entre Peter Murphy et Andrew Eldritch. Sur cet Ep 4 titres, la version radio de « Hush », morceau qui termine la plaque, une voix féminine vient déclamer quelques lyrics, à la manière d’Anne Clark. Bref, si leur solution sonore tient plus ou moins bien la route, elle manque singulièrement d’originalité ; et dans ces conditions sera inévitablement traitée de revivaliste…
Tom Doughty est né en Angleterre. Dans le Cheshire. Quelque part dans la campagne où s’étirent des champs à l’infini. Il apprend à jouer de la guitare dès son plus jeune âge. En compagnie de son frère, mais surtout en solitaire. Il développe un style fingerpicking en s’inspirant des artistes britanniques sacralisés par le mouvement folk des années soixante : Davey Graham, Bert Jansch et John Renbourn. En 1974, il est victime d’un grave accident de moto. Cette mésaventure lui laisse des séquelles : il devient paraplégique. Il délaisse alors sa guitare pendant dix ans avant de la reprendre et se remettre à travailler avec acharnement. A la recherche d'une technique personnelle, il écoute Leo Kottke, Bob Brozman et Kevin Brown. Il joue de la ‘lap slide’ ou encore de la guitare ‘résonator’, dont le son métallique est très caractéristique. Il se lie d'amitié à Brozman et finit par sortir un premier album en 2002 : "The bell".
"Running free" constitue donc son second opus. Bien qu'il soit inspiré par le blues acoustique, il se dégage indéniablement de sa musique une sensibilité folk, ou plus exactement country folk, dans une atmosphère qui sent bon la campagne anglaise. Tom chante d'une voix claire qui correspond parfaitement à son univers sonore ; mais il est avant tout un remarquable gratteur. Il se complait d’ailleurs fort bien dans l'aventure instrumentale. L'album manifeste une unité évidente dont je retirerai des petits trésors de délicatesse et d’authenticité. Et tout d’abord "Your picture has faded". Un titre d’ouverture empreint d’une grande pureté. Terry Jones s’y réserve l'harmonica. Une plage écrite dans un style fort proche du pianiste de blues Walter Davis, dont il reprend également l’émouvant "Tears came rollin' down", plage au cours de laquelle Doughty laisse éclabousser sa sensibilité naturelle. Dans le domaine du blues, j’épinglerai une adaptation très personnelle du "Catfish blues" de Muddy Waters, une version bouleversante du "Some these days", de Charley Patton et puis la cover "Brownsville blues" de Furey Lewis, caractérisé par la magie de la slide. Parmi les plages instrumentales, je mettrai surtout en exergue la complexité de son exercice de style opéré sur "Eleanor Rigby" (des Beatles bien sûr!), l'émotion palpable qui émane de sa version du "Every time we say goodbye" de Cole Porter ainsi que du traditionnel "Black Orpheus" qu’il interprète en duo avec Woody Mann, un autre musicien talentueux à la guitariste acoustique.
Alors que le jeune Shepherd a entamé sa carrière comme un clone de Stevie Ray Vaughan, il vient de signer une performance assez exceptionnelle sous la forme de ce coffret : un pèlerinage aux pays du blues. Dix jours sur les routes du sud à la rencontre des vétérans de ce style musical. Un périple qui s’est déroulé du 9 au 18 juin 2005. D’une durée d’1h46', le Dvd a été réalisé par Noble Jones. Et les couleurs sont absolument superbes !
Kenny est soutenu par Double Trouble, la section rythmique de Stevie Ray Vaughan. En l’occurrence Tommy Shannon et Chris Layton. L'aventure débute à la Nouvelle Orléans. Pour y rencontrer tout d'abord Clarence Gatemouth Brown. Il chante, joue de la guitare et du violon sur son "Born in Louisiana". Bryan Lee, ensuite. Au sein du Blues Club, sis à Bourbon Street. Bryan est le parrain musical de Shepherd. Il lui a conclu, naguère, son premier concert. Il joue ici sur sa Gibson Flying V. Réverbérant des accents métalliques, elle sonne à la manière d'Albert King. Les musiciens prennent la route du Nord et s'arrêtent à Shreveport, la résidence habituelle de Kenny. Ils croisent Buddy Flett dans un cimetière apparemment désaffecté. Au milieu de la pelouse, se dresse la tombe de Leadbelly. Assis, les deux musiciens grattent leur guitare acoustique. D’une voix proche de celle de John Fogerty, Buddy chante superbement son "Honky Tonk". Manifestement un des grands moments de l'album! La formation remonte le Mississippi et s'arrête à Indianola, le repaire du plus célèbre des bluesmen contemporains : BB King. Ils se fixent rendez-vous au Club Ebony, un excellent juke joint. Le groupe de BB est au grand complet. Kenny introduit avec panache le célèbre "The thrill is gone". BB chante. Assis sur son siège, il caresse assez paresseusement Lucille. Cap sur l’Alabama. Et en particulier chez l'harmoniciste Jerry "Boogie" McCain. Il chante un merveilleux blues lent : "Potato patch". Le timbre de sa voix est remarquable. Un large frisson nous parcourt l'échine. La remontée vers le Nord, et plus précisément vers la Caroline du Nord nous entraîne à la recherche des artistes du style Piedmont. Ceux qui relèvent de la Music Maker Relief Foundation. Cette expédition nous vaut des moments d'intense émotion vécus en compagnie de vieux musiciens bien sympathiques : le guitariste Cootie Stark et l'harmoniciste Neal ‘Big Daddy’ Pattman. Bluesman, conteur et danseur, John Dee Holeman compte aujourd’hui 78 balais. Il chante "Chapel Hill boogie", une compo singulièrement entraînante. La gorge se noue lorsque Miss Etta Baker épile ses cordes en fingerpicking. A plus de 93 ans ! Direction ouest. A St Louis, dans le Missouri. Nous entrons au sein du living room de Henry Townsend. Alors âgé de 95 ans, il recevait chez lui le Chicagolais Dave Honeyboy Edwards, nouveau nonagénaire. Le duo de vétérans interprète "Tears come rollin' down". Henry nous a quittés l'automne dernier. L'aventure s’achève à Salina, dans le Kansas. Au Blue Heaven Studio, très exactement, une ancienne église reconvertie en salle de concert et en studio. Pour la circonstance, Kenny ressuscite le Howlin' Wolf Gang et Muddy Waters Band. Tout d'abord, le Wolf Gang : Henry Gray est au piano, Hubert Sumlin à la guitare, Calvin ‘Fuzz’ Jones à la basse et George "Wild Child" Butler à l'harmonica. Henry chante puissamment et passionément "Red Rooster", Hubert, "Sittin' on top of the world" et Butler, "Spoonful". Le Muddy Waters Band, enfin. Nonante-quatre ans au compteur, le vieux Pinetop Perkins chante son "Grindin' man", une compo autobiographique et "Got my mojo working", en s’accompagnant au piano. Il est épaulé par Bon Margolin et Kenny aux guitares, Calvin Jones, Willie "Big Eyes" Smith à la batterie et, surprise, Lazy Lester, à l'harmonica. Pour la circonstance, le Louisianais est tout de blanc vêtu. Au total plus de 100' de bonheur, sans oublier quatre bonus tracks. Et que de souvenirs pour le jeune Shepherd qui s’est également retrouvé assis, jouant entre deux légendes du blues, Townsend et Edwards. Ce film réunit de larges extraits musicaux entrecoupés d'interviews accordés par la plupart des participants. Le CD nous restitue l'intégralité de toutes les pages musicales décrites ci-dessus, à l'exception de "Got my mojo working", un inédit réservé au DVD. Cassez vos tirelires! Kenny Wayne accomplit actuellement une tournée en compagnie de Pinetop Perkins, Hubert Sumlin, Bryan Lee et Buddy Flett!
Screamin’ Cyn Cyn and the Pons est une formation issue de Madison, dans le Wisconsin. Un quatuor excentrique voire humoristique responsable d’un mélange de punk et de power pop. Une caractéristique originale : la présence d’un ‘keytar’ (NDLR : Le keytar est un synthétiseur, claviers midi dans la pluparts des cas, se portant comme une guitare). La voix du chanteur semble calquée sur celle de Serj Tankian (System of a Down), mais en moins lyrique. Dans cet état du nord des States, l’hiver est plutôt froid. Alors, quand on se les gèle, il est préférable de se remonter le moral en rigolant. Pour prendre du bon temps et surtout rigoler, nos quatre lascars savent s’y prendre. Et autant ne pas aborder la vie avec trop de sérieux. Même pour enregistrer un elpee. Les lyrics de « Screamin’ target heart rate » sont souvent ironiques et abordent des thèmes aussi divers que le sexe, la bière et les plats préparés à base de petits pois carottes. Bref, de quoi faire la fête.
Sceamin’ Cyn Cyn and the Pons relève du label Crustacean Records, une écurie qui fait la part belle aux ensembles punk/rock. L’énergie dispensée par les drums, la ‘keytar’ bien présente et remise au goût du jour ainsi que les cris stridents vociférés par Cynthia Burnson (elle se consacre également à la guitare) entretiennent la constance de ce dynamisme survitaminé. La gueule de bois au réveil ? Une bonne dose et vous devriez retrouver vos esprits ; à moins qu’elle ne soit un peu trop speed… Pas de sujet digne de réflexion, peu de structure ni de recherche sur cet opus, mais vingt titres de la même trempe, parcourus de breaks presque identiques. De quoi laisser parfois perplexe. Mais bon, quand on est bourré, l’insouciance est à son comble et on ne craint plus qu’une seule chose : renverser sa bière. Santé !
Alias White Rainbow, Adam Forkner est capable de manipuler un nombre incalculable d’instruments. Et ce talent a de quoi rendre malade de jalousie une foule de musiciens. Il avait donc bien le droit de rêver à une carrière solo. Originaire de Portland, cet artiste peut se targuer de posséder un fameux cv. Après avoir fondé Yume Bitsu, Surface of Eceon et World, puis opéré quelques collaborations auprès d’artistes tels que Dirty Projectors, Jackie-O Motherfucker ou encore le très excentrique Devendra Banhart, Adam Forkner a décidé de lancer un nouveau projet : White Rainbow. En 2003. Tout en se focalisant sur un style inspiré par l’ambiant et le krautrock. Il enregistre « Zome », en 2003, en compagnie de membres du groupe Land. Puis « White Rainbow ». En 2006. Un box réunissant cinq CD et un DVD.
Ce nouvel opus respire la quiétude et la sérénité. Flirtant avec la perfection du son, il nous entraîne surfer sur des vagues où se mêlent folk, électronique et rock. Pas étonnant qu’il soit influencé, entre autres, par La Monte Young ou encore Brian Eno. Adam y assure toute l’instrumentation, depuis les guitares, les tablas, les synthés, le groove box, et j’en passe. Il reste quand même une place pour les respirations et les voix fluettes tout au long de cet elpee idéal pour la méditation. Mais attention, rien à voir avec les albums zen de feng shui que l’on retrouve en vente dans les bacs des grandes surfaces. La longueur de l’œuvre, c’est le seul reproche que l’on puisse faire à l’ovni Forkner. Septante et une minutes en tout ! Ce qui risque peut-être d’exaspérer certaines mélomanes, à moins que la solution ne les apaise ou les plonge dans un profond sommeil. On connaît maintenant le véritable nom du marchand de sable. Il porte une casquette de l’Oregon, s’appelle White Rainbow et vient de signer sur le très bon label electonica de Chicago, Kranky, « Prism of Eternal Now »...
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