Ecouter une seule fois « Ditherer » et donner son avis est impossible. Plusieurs auditions sont nécessaires afin de capter l’éclectisme de ce groupe issu de Minneapolis. L’étonnant Andrew Broder frappe par surprise à travers ce quatrième opus, confirmant le line up du trio qu’il s’est dorénavant constitué. Nos mémoires remplies se rappellent les précédents albums du trublion américain qui opérait alors en solo : « Ether Teeth » en 2003 et l’excellent « 10th Avenue Freakout » en 2002. Déjà, à cette époque, Broder -issu du label Ninja Tune- nous avait démontré son envie de dépecer les sons, pour les reconstituer version Frankenstein. Recousues de toutes parts, fortifiées par les éléments curieux qui hantent l’esprit du docteur Brider et rivetées par la basse de Mark Erikson ainsi que la batterie de Tim Glenn, les mélodies pop de « Ditherer » semblent surgir de l’au-delà. Un au-delà qui nous semble malgré tout familier. Les influences sixties d’un bon rock américain planent tels des vautours affamés, se nourrissant de parcelles discrètes mais sustentatrices. Fog excelle dans le désir de redécouvrir des endroits connus mais visités à la légère, tout en nous propulsant dans des allées étroites et sombres d’un malaise corrosif. L’avant-gardisme du groupe précède invariablement une remise en question du monde musical qui l’entoure. Les morceaux « What Gives », « The Last I Knew of You », « Your Beef Is Mine » sont la preuve gravée dans la pierre, qu’ils sont déjà passés par ce chemin pour y laisser une trace indélébile. Paru chez Lex Records (Danger Mouse, Shape Of Broads Mine, Subtle,…), ce véritable chahut jouissif mérite le respect et son écoute la patience. Vous n’en serez que plus satisfait !
Puscifer, « V is for Vagina ». C’est une blague ou quoi ? Qu’est-ce que c’est que ce titre ? Passés les premiers sursauts étonnés dus, entre autres, à la piètre qualité de la pochette, un élément plus perturbant encore apparaît à son revers, le petit logo « SonyBmg ». Il trône comme seul élément à prendre au sérieux au milieu de tout ce fouillis visuel. Composé tel un livre de bord où les règles élémentaires de sécurité ont été revues, le triptyque en carton nous présente le capitaine de la flotte Puscifer :Myanrad James Keenan. Ok, on commence à comprendre. Pour rappel, Harry Merkin est le fondateur des ‘très discrets’ Tool et A Perfect Circle, groupe légendaire du milieu métal post/grunge. Respect donc. En grattant plus loin les informations sur le nouveau groupe du ‘Padre’, on prend connaissance de l’équipage qui l’accompagne : Danny Lohner (Nine Inch Nails), Tim Commerford & Brad Wilk (Rage Against The Machine), Lisa Germano,... Pas possible qu’il n’y ait pas quelque chose de bon là-dessous. Assez futé le capitaine Merkin, mais ayant la réputation d’être complètement déjanté. Oserions-nous embarquer avec ce malade qui se fout complètement de tout, et nous hypnotise de son organe ? Si le titre « V is for Vagina » a un relent ado/pubère attardé, il n’en est rien quand le Captain Keenan ouvre la bouche. Un ton grave et juste, comme à son habitude, sort tout droit de ses entrailles, accompagné en retrait par des cordes sombres et légèrement frottées. Entre hymne et cri, il nous subjugue, et nous nous laissons embarquer en toute insouciance. Un voyage sombre et envoûtant de 10 plages, où ceinturés du début à la fin, il nous sera impossible de nous lever de notre siège. Le capitaine, seul maître à bord, n’a prévu ni escale, ni ravitaillement. Il ne reste qu’à boire ses paroles, et pour le petit coin, fallait prévoir avant… c’est tout.
MSN:
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=4&catno=OD2DI6229114
i-tunes:
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=266272879&s=143446
Poursuivant son entreprise de réédition du label historique de la salsa, ce deuxième tome d’« Our Latin Thing » a pour mission d’attirer l’attention de l’auditeur vers les prochaines sorties Fania. L’influent dj anglais Gilles Perterson va inaugurer la « Dj-series » consacré au label, où le connaisseur fera découvrir aux curieux quelques pépites récemment déterrées. Excepté le génial « Come and get it » de Ralph Robles, la sélection néglige le boogaloo pour s’aventurer du côté du latin jazz (Willie Colon, Willie Rosario, Monguito Santamaria) et quelques salsas destinées aux dancefloors (Eddie Palmieri & Cal Tjader, Johnny Pacheco). Une grosse partie est réservée aux chanteurs phares du label : Joe Bataan et une reprise baroque de « Shaft », le phrasé magique d’Hector Lavoe, l’énergique Celia Cruz et le crooner Ruben Blades. Le tout à prix réduit.
Du paysage musical italien, on connaît surtout Eros Ramazzotti, les chansons napolitaines, la tarentelle et bien sûr grand ténor Luciano Pavarotti, dont toute la botte pleure la disparition depuis le 6 septembre dernier. Mais au pays de la pizza, la variété n’est pas seule maître à bord. La face cachée ou si vous préférez underground est également très active. Et permet régulièrement à tel artiste ou tel groupe de remonter à la surface. A l’instar de Fuck Vegas. Un combo originaire de Lombardie responsable d’un stoner rock teinté de psychédélisme et de noise et dont les principales influences lorgnent vers Queen of the Stone Age et Fu manchu. Trois garçons et une fille qui semblent s’entendre à merveille. « Fuck Fuck Vegas » crève le mur du son pendant plus ou moins trente minutes. Six titres sanguinaires, bruyants et acides constamment susceptibles de déraper dans l’improvisation. D’abord encerclés par « Drop a line », puis emprisonnés par l’excellent « The real show » vous devrez affronter un jugement ultime tout au long de l’énergique ‘I didn’t mean it… it’s a crime’.
Gary Primich, un des plus talentueux harmonicistes de blues blanc est décédé le 23 septembre dernier. Probablement d’une overdose. Son dernier album était paru au début de l'été 2006. Il marquait un retour à ses racines. Les musiciens s'étaient enfermés dans un garage, au Sud d'Austin. Un garage aménagé en studio par Billy Horton : Fort Horton. Lors de l’enregistrement de cet opus, Horton s’est réservé la basse acoustique. Dave Wesselowski s’est chargé de la basse électrique et Jim Starboard de la batterie. Pour les solistes, il avait reçu le concours de ses vieux compagnons Mark Korpi et Dave Biller aux guitares ainsi que l'excellent Gene Taylor aux claviers.
"Daddy let me hitch a ride" emprunte un tempo vivace. Le climat est très texan. La guitare s’autorise les premières libertés, alors que les interventions à l’harmonica n’apparaissent qu’en seconde partie. La reprise de "Sugar bee" laisse immédiatement la part belle à l'harmo. Le chant de Gary est convainquant. La rythmique est solide. Elle soutient la slide aux sonorités poisseuses. Une situation qui incite le leader à sortir le grand jeu. Il gonfle ses poumons au maximum pour exprimer toute sa vivacité et sa volonté. Cap vers la cité des vents pour envoyer ce "Why don't you write me", imprimé sur un tempo proche de Howlin' Wolf, même si Gary déclame qu'en voyageur solitaire, il s'enfonce dans le cœur du Texas profond. De sa voix nasillarde, Primich chante paresseusement le blues. Il en saisit au passage toutes les spécificités. Il se montre persuasif sur "Pray for a cloudy day". Les cordes de Dave Biller résonnent au profit de la collectivité. Du blues 5 étoiles ! "Wig city" accroche instantanément. L’ensemble se montre très soudé tout au long de ce Texas blues. Le son légèrement réverbéré des cordes rencontre le bayou blues rock aux couleurs louisianaises. Le rythme s'accélère et se mue en rockabilly pour permettre à Gary de nous servir le récréatif "Hill billy blues". La section rythmique s'emballe sous la pression des percussions de Starboard. "Keep on talking" constitue un des grands moments de cet album. Le rythme est inspiré par Jimmy Reed. Gary souffle dans les aigus et chante d'une voix posée, assez grave, devant le piano virevoltant de Gene Taylor. Une plage au cours de laquelle Primich étale tout son talent. Il aborde avec le même bonheur le style west coast lors de la reprise de "She walks right in", une compo bourrée de swing. Son solo est très inspiré libérant au passage une guitare au jump provocateur. Il chante d’un timbre nasillard et en toute décontraction l'ambiance des swamps louisianais sur "Never know when a woman". Et ce climat lui plait, apparemment beaucoup. Les caisses de Jim Starboared vibrent et libèrent un son très New Orleans sur le "Don't tear my clothers" de Lightnin' Hopkins. La guitare de Biller incorpore sa dose d'écho pour évoquer les bayous tout proches. Cette ambiance de la Crescent City revient encore plus franchement tout au long de "Country boy". Starboard adopte le rythme du chemin de fer pour aborder la route de "Kansas City". Gary exécute le meilleur solo de l'album avant de reprendre le "You got me" de John Brim lors d’un shuffle mené à la texane. L'album s'achève par "Indiana", un instrumental qui baigne dans une atmosphère très jazzyfiante.
Ce musicien particulièrement talentueux et très inspiré nous a quittés depuis. La pochette est illustrée par Gary, cet éternel amoureux des animaux. Il avait été photographié en compagnie de son chien, une image fort semblable à celle qui illustrait son album "Dog house music", paru en 2002…
Après avoir fouillé toutes les armoires et chopé tout ce qui peut se brancher sur le courant –pourvu que ce soit susceptible de produire un son– Dan Deacon a modulé l’ensemble des machines en studio, y accrochant au passage sa (ses) voix, déformable(s) à souhait. L’opus est né, blindé d’énergie exclusivement electro multivitaminée. D’ailleurs, pour tenir le coup tout au long de l’opus, il faut croire qu’il a avalé 10 boîtes de Pharmaton. Chaque plage est une claque que l’on se prend en pleine gueule, tel le clou coincé dans le bois, esclave de son marteau. Pas le temps –ou si peu– de souffler un brin, les 9 plages s’enfilent en 45’ minutes chrono. Audacieux à souhait, il prend d’assaut la moindre parcelle vivante de son corps pour le transformer en électricité, en électrons libres, chargeant de 10.000 volts les atomes venus s’y associer. Essayer de se taper un petit roupillon en se déversant ce « Spiderman Of The Rings » entre les oreilles relève du défi. Et même complètement destroy, c’est impossible. La puissance émise par Dan et ses comparses équivaut à un bain froid dans lequel on plongerait en pensant s’y ébouillanter. Derrière la pochette, collage de bric et de broc, se cache une cathédrale de son, d’énergie et de puissance franchement sympathiques. L’album longe la zone expérimentale sans jamais tomber dans son travers… pfiouuu que d’énergie,… que d’énergie.
Echappée de Broken Social Scene et en vacances de Metric, Emily Haines oublie les joyeusetés de l’electro-pop au profit des doux plaisirs de la combinaison piano-voix, enveloppée d’un joli voile de cordes. Accompagnée d’une sélection d’amis réunis sous un sobriquet choisi par la jeune femme elle-même, The Soft Skeleton, Emily Haines nous entraîne sur une route à la fois rocailleuse et brumeuse, sur laquelle on s’aventure prudemment, par peur de réveiller quelques êtres malicieux, toujours prêts à jouer un mauvais tour à quiconque les aura dérangés dans leur profond sommeil. On s’y promène sur la pointe des pieds, suivant le chemin tracé par la Canadienne. Malheureusement, au bout de quelques mètres, la route paraît de plus en plus laborieuse et le paysage donne l’étrange impression de tourner en rond. Aussi vrai que “Knives Don’t Have Your Back” soit un premier essai assez bien fignolé, il souffre néanmoins d’un manque de variation qui porte préjudice à l’ensemble. Intéressant le temps d’une séance d’écoute rapide, l’essai semble limite soporifique dès la deuxième. Charmant mais loin d’être impressionnant.
Tremblez chers amis, le Nick Cave nouveau est arrivé. Et il en a plein les bottes. Flanqué de quelques-uns de ses acolytes, mauvaises graines notoires, le chef de meute ne supporte plus l'adversité et ratiboise irrémédiablement la concurrence. Vous l'aurez compris, pas de quartier. Dès l'entame, on sent le bougre prêt à régler tous ses comptes, affronter les plus malins de ses démons. ‘Flanquez-moi dehors tous ces suceurs de sang’ semble-t-il hurler à la lune, moustache hirsute et bave aux commissures. Les premières mesures de "Get it on" paraissent annoncer un imminent déluge. Et cela ne manque pas. Dès lors, le torrent déferle comme la lave rafle tout sur son passage. "No Pussy Blues", qui suit, suinte la férocité et le larsen qui la traverse, suinte la hargne du mec en manque de cul. Damn !!! Et l'électricité jaillit dans toute sa violence. Nouvelle identité pour un retour à la base, un pèlerinage à la source a-t-on perçu chuchoter dans les couloirs. Sans une once de compromis, comme au bon vieux temps de Birthday Party (les fans en défaillissent déjà). Aller-retour incessant entre plages plus apaisées mais toujours sous extrême tension et délires psychomaniaques en transe ("Depth Charge Ethel"), cette plaque fracasse en éclats une bonne dose de certitudes. Here comes the Grinderman...
Comme pour se faire pardonner de nous avoir empoisonné l’existence en exportant certains de ses plus mauvais artistes, le Canada tente de regagner notre estime en changeant la donne de la manière la plus efficace qu’il soit. A ce titre, Dog Day fait honneur à son pays d’origine. Sans être forcément exceptionnel, le quatuor originaire d’Halifax délivre un recueil efficace. Evoquant une grosse bouffe au soleil entre The Smith et The Weddding Present qui se clôturerait par un concert accordé en hommage à Belle & Sebastian, « Night Group » semblerait presque être sorti à la mauvaise décennie. Car là où certains réussissent à donner une saveur contemporaine à un son eighties ou nineties, Dog Day n’y parvient que difficilement. Un anachronisme qui lui coûtera certainement la reconnaissance d’un large public. Ce qui n’empêche aucunement des titres tels que « End Of The World » ou « Vow » d’être de véritables cartons potentiels. A consommer de préférence avant le…
Rainbow Quartz n’en finit plus de produire. Succédant au très remarqué « Complicated View » des Deleted Waveform Gatherings, “The Holy Ground” émane tout droit de leur antichambre. Un EP 4 titres tout frais et particulièrement savoureux. Après « Desiderata » (EP 2003), « A New Devotion » (LP 2003), « Fields In Glass » (EP 2004), “War of the Wakening Phantoms” (LP 2005), « The Holly Ground » constitue le cinquième essai de The High Dials, l’enfant protégé du label new-yorkais. Ce groupe canadien d’origine, peut se targuer d’évoluer calmement mais sûrement sur la scène pop américaine en déversant une solution sonore pop/rock/garage, méchamment souillée d’esprit 60’s. Profitant des premières parties de Brian Jonestown Massacre (leur set étant sans doute plus long que celui des Jonestown eux-mêmes), The Zombies ou Supergrass, ils colorent leurs mélodies entraînantes et chaleureuses de finesse et de malice. L’ouverture de l’EP s’opère par le titre maître. Propulsée par un accord de guitare sèche, cette plage est enrichie progressivement de distos flottantes et des drums soutenus. Deuxième plage, « Sing For Loveless Seasons » est une ballade. Elle se bistourne au fil de son cours pour laisser pénétrer à sa suite « Picture of a Fading Man ». Morceau que la formation doit sans soute jouer les pieds joints en balançant la tête, comme à la belle époque des Beatles, tant la mélodie, infiltrée par l’orgue Hammond de Rod Argent affiche des propriétés semblables. Tout comme la voix de Travor Anderson qui reproduit fidèlement le ton simple et entraînant. The High Dials n’est donc pas constitué d’une bande de débutants, même si les compostions proposées sont loin de manifester une qualité exceptionnelle. Malgré leur air de bricoleurs, ils ont peut-être trouvé le meilleur moyen de nous propulser 40 ans en arrière. Dommage que ce ne soit ici qu’un EP, on aurait aimé prolonger le voyage.
Notre Dr Boogie national voue un culte au boogie band par excellence : le Canned Heat! Ce n’est plus un secret pour personne. Bob Hite, fondateur, chanteur et harmoniciste de cette formation mythique était un énorme chasseur de disques. Tout particulièrement de 78 tours obscurs, enregistrés par les bluesmen d'avant et d'après-guerre. Une collection qu’il avait entamée dès son plus jeune âge et qui lui avait permis de réunir un véritable trésor de guerre. Malheureusement, à sa mort, ce pactole a été dispersé. Les reliques ont ainsi été vendues, volées ou même données. Par bonheur, une bonne partie a été récupérée par Adolpho ‘Fito’ de la Parra, lui-même discophile incorrigible. En tombant sur cette nouvelle source de plaisir, le bon Walter Boogie a eu bien de la peine à s'en relever ; mais généreux devant l'éternel, il a décidé de nous faire découvrir ces impérissables vestiges de la boogie music.
Dix-neuf plages remontent aux années 50. La première a été immortalisé en 1941 : "Death Ray Boogie". Du piano boogie woogie. Un homme : Pete Johnson. Deux mains et 88 touches. Un des génies du style. Le reste est partagé entre artistes notoires et méconnus. Pianiste tombé dans l’oubli, Googie Rene est le responsable de "Wiggle tail", un instrumental très boogie, balayé par un saxophone bien huilé. Saxophoniste californien, Chuck Higgins est un honker de la trempe des Joe Houston ou Big Jay McNeely. Mad Mel Sebastian est tout aussi irrévélé. Mais son "Pachuca Hop" est percutant. Empruntant le tempo répétitif de "Honky Tonk", mais caractérisé par l’intervention d’une très belle guitare, "The itch" se révèle plutôt détonant. Le personnage le plus célèbre ici est manifestement le producteur/musicien Johnny Otis. Il chante "You got me cryin", un blues fin de soirée au cours duquel, on imagine les couples enlacés. Bill Haley chante le remuant "Birth of the boogie". Nous sommes à l'époque de la naissance du rock'n'roll. Les musiciens brûlent littéralement les planches et le gratteur jumpe à mort. Texan, Clarence ‘Gatemouth’ Brown concède "Taking my chances". Encore un blues pour couples en sueur, alimenté par cette guitare à la T-Bone. Les enregistrements opérés par Otis Rush sur Cobra, constituent une révélation pour de nombreux musiciens. "Jump Sister Bessie" consacre sans doute un des meilleurs témoignages pour une des guitares les plus remarquables du blues! Eddie Hope dispense "Fool no more" et "Lost child", deux superbes shuffles à l’énergie bien texane, mais chantés nonchalamment dans l’esprit des swamps louisianais du blues. "Eating and sleeping" date de 1954. La guitare d’Earl King brille de mille feux. On en arrive au coup de cœur de ce recueil : les deux faces de trois singles d'Elmore James. Millésimés 1953, sur les labels Flair, Checker et Meteor. Né en 1918, le Roi de la slide guitare était alors à l'aube de sa carrière (NDR : il est décédé en 1963, alors qu'il n'avait que 45 ans). Il est épaulé par ses Broomdusters ; en l’occurrence le pianiste Little Johnny Jones, le drummer Odie Payne et le saxophoniste J.T Brown. Elmore avait tout compris. Son jeu sur "Some kinda feeling" est une leçon claire de boogie jump. "Please find my baby" est caractérisé par le riff célèbre qu'Elmore a usé et abusé, après avoir édité "Dust my broom", son premier succès récolté en 1952. Les échanges opérés entre JT Brown et Johnny Taylor sur "Country boogie" et "Baby what's wrong", sont d'une richesse inouïe. L'influence de James deviendra énorme pour les artistes des générations futures (Jérémy Spencer, Jimi Hendrix, Duane Allman, Stevie Ray Vaughan, George Thorogood, etc.). Il est suivi par d'autres spécialistes de la slide : J.B Hutto, Hound Dog Taylor, Homesick James, John Littlejohn, etc. Cette anthologie exceptionnelle porte le sceau de la Communauté Française Wallonie – Bruxelles. Dont acte! Ce testament constitue le premier volume d'une collection d'enregistrements datant des années 20 aux années 60, et dont on avait perdu la trace…
Ok ok ok… fallait pas les chercher, pas provoquer leur ire. Boostés après ‘leur’ festival de Dour, nos petits compatriotes Montois commettent ici un premier véritable album, suite attendue de leurs 2 premières démos prometteuses. Aux volants de leurs bolides, la course semble déjà commencée depuis longtemps. Dès les premières notes de « 50 000 Dead Girls Can’t Be Wrong », ça pète, ça râle, ça gueule. Les chromes se rapprochent pour se frotter, provoquant ça et là quelques gerbes d’étincelles. Frôlant les murs à toute allure, l’aspiration de l’air semble avaler la voix de Dimitri Rondeau qui peine à se frayer un passage dans la course. La queue de renard sur l’antenne flotte comme en apesanteur, s’amincissant sous la pression de l’air. Le duo de dés en poils (détail indispensable dans ce genre de course) s’entrechoque en silence sous le rétro. Tout va très vite, mais pour aller où ? Personnellement, je n’en ai aucune idée. Je me suis laissé transporter, accrochant à pleines mains fauteuils et poignées de porte. Voici un univers où la guitare, maître, balise la piste, voici un univers rockab’, où se poser des questions fait perdre du temps et de la distance. Alors comme moi, écoutez ce disque sans vous en poser et rendez-vous à l’arrivée !
Nederlands 
Français 
