Si vous avez ingurgité de saines lectures au cours de votre jeunesse, vous le savez déjà, ce n’est pas la première fois que des Romains tentent d’envahir la Gaule. Mais autant vous prévenir tout de suite, cette nouvelle intrusion transalpine risque d’être un peu plus douloureuse pour les tympans que les précédentes. En effet, c’est armée de guitares bien plus lourdes que les poings d’Obélix et gavée d’une potion magique à haute teneur en champignons hallucinogènes, qu’une légion baptisée ‘Arc-en-ciel noir’ s’apprête à traverser nos frontières.
Black Rainbows est un trio aussi lourd qu’enfumé, formé en 2005 dans la capitale italienne. Son second opus, « Carmina Diablo » devrait, en toute logique, squatter les platines lasers de tous les accros au stoner, au désert rock et autre heavy psychédélique de la planète. En mêlant habilement les riffs ancestraux écrasants de Black Sabbath ainsi que les délires spatiaux et hallucinés d’Hawkwind aux ambiances arides des déserts californiens chères à Kyuss, Queens Of The Stone Age et Nebula, Black Rainbows s’impose comme la ‘crème de la crème’ du heavy rock plombé interplanétaire.
Dirigé par Gabriele Fiori, un chanteur guitariste dont l’organe vocal présente parfois des similitudes surprenantes avec celui de Pepper Keenan (Corrosion Of Conformity), Black Rainbows explore l’espace interstellaire au moyen de dix compositions flamboyantes, où la lourdeur des guitares se noie dans un océan d’effets psychédéliques hallucinants.
Ils sont fous ces Romains !
Elvin Bishop est aujourd’hui considéré comme un vétéran du blues blanc. Il est né à Tulsa, dans l'Oklahoma, en 1942. Au cours des 50’s il accomplit ses études à Chicago. En 1963, il y rencontre l'harmoniciste Paul Butterfield. Ensemble, ils fondent le Butterfield Blues Band, un blues band qui entrera dans l’histoire ; cette formation sera bientôt rejointe, par un autre gratteur mythique : Mike Bloomfield. Elvin côtoiera neuf années Paul ; mais dès 1968, il monte son Elvin Bishop Group et entame une aventure personnelle qui est toujours bien d’actualité. Sa première œuvre est publiée en 1969 : "The Elvin Bishop Group". Elle paraît sur le label Fillmore. Depuis, il a aligné une multitude d’albums, sans oublier les collections, compilations et autres ‘best of’. Dans sa carrière, son plus gros hit demeure le single "Fooled around and fell in love". Il remonte à 1976. Une compo qui figure également sur l’elpee "Struttin' my stuff". Il a enregistré pour Fillmore, Epic et Capricorn, avant de signer chez le célèbre label blues, Alligator. En 1988. Il y gravera 5 long playings. Fin 2008, il avait déjà édité un premier cd pour Delta Groove, "The blues rolls on". Et l'année dernière, il avait concocté un elpee, en compagnie du légendaire chanteur/guitariste Little Smokey Smothers, "Chicago blues buddies" (NDR : de couleur noire, ce musicien chicagolais avait côtoyé Muddy Waters, Magic Sam et Earl Hooker).
Son line up habituel implique le tromboniste/percussionniste Ed Earley (NDR : il a milité au sein des backing bands d’Albert King et de Joe Louis Walker) le guitariste/pianiste Bob Welsh, le bassiste Steve Evans, le claviériste/accordéoniste S.E Willis (il a accompagné Chuck Berry, Bo Diddley et Albert King) ainsi que le drummer Bobby Cochran. Evans et Willis n’ont pas participé aux sessions d’enregistrement, mais les invités se bousculent.
Elvin se sert, depuis une éternité, d’une Gibson ES 345 de couleur rouge. Il l’a baptisée ‘Red Dog’. Ce qui explique le titre de l’opus qui ouvre les hostilités. Elvin chante et nous raconte l'histoire de cette compagne avant de la faire vibrer à l’aide de son bottleneck. Un bien bel hommage! La voix d’Elvin Bishop n’est pas exceptionnelle. Ce qui explique pourquoi, il ne se charge pas de l’intégralité des vocaux. Il se réserve néanmoins le nerveux et amusant "Fat and sassy", soutenu à la rythmique par le passionnant gratteur norvégien, Kid Andersen et son ami Earley au trombone, qui lui donne, par ailleurs, la réplique vocale. Seul, il chante ou plus exactement récite "Clean livin'", un blues au cours duquel sa fidèle Red Dog est alimentée par un son pas possible, sale et primaire. Il se réserve encore les vocaux lors de la finale, "Midnight hour blues", un blues lent signé Leroy Carr. Bob Welsh siège derrière l’orgue lors de ce morceau au cours duquel sa voix ravagée s'adapte parfaitement à ce style. Bishop cède les vocaux, pour trois titres, à son ami californien John Nemeth (NDR : son dernier opus, "Name the day", est paru chez Blind Pig). Il est vrai que celui-ci jouit d’un organe aérien, assez extraordinaire, taillé pour chanter le blues et la soul. Tout d’abord le notoire "Neighbor neighbor" de Huey P. Meaux. Elvin est impérial à la slide. Fin gratteur, Mighty Mike Schermer assure la rythmique. Le "Many rivers to cross" de Jimmy Cliff, ensuite. Nemeth se révèle bouleversant tout au long de cette splendide ballade. Et enfin, une version enlevée du "Got your hand out of my pocket" d'Otis Spann. Une plage au cours de laquelle, son intervention à l’harmo est judicieuse. Dans le rôle de Spann, Welsh (NDR : il milite également dans le backing group de Nemeth !) se réserve le piano. Trois instrumentaux sur ce long playing. Et ils sont de très bonne facture. Soit "Barbecue boogie", un boogie au cours duquel Welsh est omniprésent sur ses ivoires, le bouleversant "Doo wop medley", lorsque la slide rouge est épaulée par les cordes rythmiques de Schermer et de Kid Andersen ; et enfin le charmant "His eye is on the sparrow", une plage bourrée de charme, raffinée par le trombone d'Earley et le sax ténor du Californien Terry Hanck. L’opus recèle encore un titre immortalisé ‘live’. En l’occurrence "Blues cruise", une jam zydeco accomplie lors de la Legendary Rhythm & Blues Cruise, en 2009, au large du Mexique. Elvin est derrière le micro ; mais pour présenter les différents invités. Pas des illustres inconnus, puisqu’on y retrouve Ronnie Baker Brooks (le fils aîné de Lonnie) à la guitare, Tommy Castro et Roy Gaines à l'harmonica, John Nemeth à l'accordéon ainsi que Buckwheat Zydeco et Sir Reginald Master Dural au frottoir. Un excellent album !
De son véritable nom Virginia Westbrook, Teeny est née en 1958. C’est fille de Tommy Tucker, le compositeur du célèbre "High heel sneakers", publié en 1964! Elle est originaire de Dayton, dans l'Ohio. Dès son plus jeune âge, elle chante dans la chorale de son église de quartier. Elle a embrassé une carrière de musicienne professionnelle, en 1996. Et a été deux fois finaliste de l'International Blues Challenge, organisé annuellement à Memphis. Elle s'est déjà produite à plusieurs reprises en Europe.
Son premier elpee, "Tommy's girl" (enregistré en compagnie de Sean Carney) date de 2001. Le second, "First class woman", de 2003. Le troisième, "Two big M's" est paru en 2008. Il rendait un hommage à deux chanteuses légendaires : Big Mama Thornton et Big Maybelle. Teeny a souvent partagé la scène auprès du guitariste Sean Carney (NDR : très populaire en Europe, il est également né dans l’Ohio, mais à Colombus) ; en outre, elle avait collaboré à la confection de son excellent album "Life of ease", paru en 2006. Au cours des dernières années, Teeny s’est produit au célèbre Festival blues de Monterey. Le 29 mai dernier, elle s’était rendue en Belgique, à Puurs très exactement, pour accorder un set dans le cadre du Duvel Blues Festival. Excellente vocaliste, elle confesse pour influences majeures, son père Tommy, disparu il y a déjà près de 30 ans, Etta James, Big Maybelle et Koko Taylor. Teeny signe huit des onze plages de ce nouvel opus ; un disque pour lequel elle a reçu le concours de son partenaire musical Robert Hughes (NDR : c’est également son guitariste). Au sein du line up figurent également le bassiste Scott Keeler, le drummer Darrell Jumper et l’harmoniciste David Gastel.
"Ain't that the blues" ouvre l’elpee. Il raconte la sombre histoire d'une jeune aveugle, âgé de 12 ans, qui vient de perdre sa mère, victime du SIDA. La voix de Teeny est remarquable et autoritaire. Elle s'étend sur plusieurs octaves. Hughes lui donne une excellente réplique sur ses cordes, en empruntant un phrasé institué par Carlos Santana! Imprimé sur un tempo enlevé, "Make room for Teeny" est hanté par un piano qui me fait penser… à un chant gospel. Soutenue par l’harmo et la slide, elle nous hurle son amour paternel tout au long de "Daughter to the blues", des sanglots dans la voix, un blues lent empreint de nostalgie… Shouteuse sur "Old man magnet", elle charme, envoûte même, sur l’indolent "I wish we could go back", une plage caractérisée par les répliques vocales féminines. Le titre maître trempe dans un gospel d’une grande pureté, une compo bercée par le flux et le reflux des voix puissantes. Gastel son souffleur, se signale sur "I live alone". Mais manifestement, il manque de punch. Morceau acoustique, "John Cephas" rend hommage à cet adepte du Piemont blues tout en témoignant son admiration aux maîtres du préwar blues. Et son timbre s’y révèle cristallin. Deux reprises. Tout d’abord, "Heartbreak", un titre enrichi par les remarquables interventions à l’orgue Hammond de Linda Dachtyl. Ensuite le notoire "Got my mojo working" de Muddy Waters. Féminine, la version est bien différente de l’originale. L'album s’achève par "Respect me and the blues", une composition au cours de laquelle Teeny échange un duo en compagnie de son gratteur émérite, Robert Hughes…
Les Triffids ont donc décidé de remonter sur les planches. C’était en 2006. Sans leur leader et chanteur/compositeur, David McComb, décédé le 2 février 1999. Depuis, il leur arrive encore de se produire en ‘live’, rejoints par d’autres musiciens ou tout simplement des amis, qui vouent un culte à ce poète australien. A l’instar de Steve Kilbey (The Church) ou de Mick Harvey (Nick Cave & The Bad Seeds). Mais même si l’intention est louable, de rendre hommage à cet artiste mésestimé et trop tôt disparu, ce type de réunion passe mal la rampe, chez votre serviteur. The Triffids sans McComb, c’est un peu les Doors sans Jim Morrison, T.Rex sans Marc Bolan ou Joy Division sans Ian Curtis. Sans leur âme, si vous préférez, même si elle peut continuer à hanter les autres musiciens. Ce dernier groupe avait d’ailleurs préféré opter pour un autre patronyme, en l’occurrence New Order.
Depuis 2006, les rééditions des œuvres des Triffids se sont donc succédées, toutes enrichies de bonus, raretés et d’inédits. En guise de conclusion, le label Domino a donc décidé de publier une compile réunissant les meilleurs compos du combo aussie. Enfin, vu la richesse du répertoire de la formation, fatalement, le choix est subjectif. Surtout qu’il se limite à 18 plages. Néanmoins, cette sélection est une bonne introduction à quiconque voudrait entrer dans leur univers lyrique, tourmenté et visionnaire. Je vous renvoie d’ailleurs aux chroniques consacrées aux elpees du groupe, pour vous en faire une meilleure idée…
Si les chances de connaître la douceur d’un été indien s’estompent jour après jour, réjouissons nous de connaître notre premier summertime goth. En effet, autoproclamée sous cette forme, la musique de ce duo issu de Brooklyn débarque en cette rentrée de septembre et promet de laisser traces de son passage.
Si l’on peut faire fi des clichés du genre, ambiances sépulcrales et voix d’outre-tombe en tête, il reste néanmoins un certain romantisme new wave mis en lumière ici par une palette sonore riche et pléthore d’influences allant du disco au funk blanc. Fragile équilibre entre spleen et hédonisme, ce premier album, signé chez Warp, distille subtilement, voire insidieusement son potentiel pop au creux de nos oreilles. Sorte d’hybride à deux têtes pensantes et quatre jambes pour danser (nonchalamment et non frénétiquement, tout de même !), The Hundred In The Hands est une combinaison de charme, réunissant Jason Friedman, ex Boggs et Eleanore Everdell, dont la voix céleste s’était déjà illustrée chez TV On The Radio. Osmose parfaite créant un juste équilibre d’ombre et de lumière, ce qu’ils présentent, à défaut d’être foncièrement révolutionnaire, a du moins l’intelligence de renouveler les genres dans un mix généreux et fort agréable. Jamais vulgaires, souvent entraînants, les mélodies, les riffs de guitares et les touches d’électro apportent judicieusement leur contribution à l’élaboration d’un son propre, desservant le propos avec justesse.
Leurs prestations live devraient quand à elles leur assurer prochainement une notoriété, peut-être relative, mais tout à fait justifiée. Et si comme votre serviteur, une première écoute ne vous relève pas la richesse de leur travail, n’hésitez pas à gratter la fine pellicule de vernis pour découvrir les pépites dont cet album regorge. Dans le fond, le concept est le même que chez certains malins qui tirent leur épingle du jeu le temps d’un succès. Certes, le talent en plus ici. Mais le succès, il faut l’assumer. Car tomber dans un hype devient un danger… Alors on danse…
On ne peut pas dire que Sahg fasse preuve de beaucoup d’imagination pour baptiser ses albums. Après « Sagh I » (2006) et « Sagh II » (2008), « Sahg III » pointe son nez poudré chez votre disquaire préféré. Pour celles et ceux qui ont loupé les deux premiers épisodes, Sahg est un ‘all-star’ band norvégien réunissant Thomas Tofthagen (Audrey Horne) à la guitare, Tom Cato Visnes (Gorgoroth, Audrey Horne, Jotunspor, I, God Seed, Ov Hell) à la basse, Olav Iversen (Manngard) au chant et à la guitare ainsi que Thomas Lønnheim (ce petit nouveau militait, jadis, au sein du groupe electro-rock Ralph Myerz and the Jack Herren Band) à la batterie.
Dès la sortie de son premier opus, Sahg s’est imposé comme l’une des meilleures surprises de l’année en matière de doom métal scandinave. En 2010, « III » ne fait que confirmer tout le bien que nous pensions de ces bouillants Norvégiens. Si, sur le fond, Sahg est bel et bien un groupe ‘doom métal’, il commet cependant quelques infidélités bienvenues à ce style caractérisé principalement par ses guitares pachydermiques. En accélérant le tempo, Sagh se rapproche parfois plus souvent des standards du heavy métal classique que de ceux du doom pur et dur. Que les puristes se rassurent cependant ; si des titres comme « Baptism Of Fire » ou « Mortify » auraient très bien pu avoir été composés à la grande époque de la N.W.O.B.H.M., « III » recèle encore quelques petites perles heavy rock inspirées par le Sabbath des seventies. Sur les lourdingues « Hollow Mountain » et « Mother’s Revenge », par exemple, la voix d’Olav est terriblement proche de celle d’Ozzy (NDR : à s’y méprendre !) Quant aux compos, elles auraient pu figurer sur un elpee de Count Raven, Candlemass voire Trouble. A l’instar de ses collègues suédois de Spiritual Beggars, Sahg ajoute quelques touches très ‘classic rock’dans son metal lourd, à l’aide de sonorités tirées d’un orgue Hammond.
Fidèle à sa ligne de conduite, mais en mélangeant les genres, Sahg propose la quintessence du heavy rock des seventies et du début des eighties. Une petite bombe heavy-doom-métal-rock à consommer sans modération.
Petite info exclusive ‘Musiczine.net’ pour terminer : le prochain opus du groupe s’intitulera probablement « Sahg IV » !
En janvier de cette année, nous vous avions présenté, dans notre rubrique ‘découvertes’, l’Ep « Covered In Darkness », offert en téléchargement gratuit par le combo black métal suédois Netherbird. Si nous avions été convaincus par ce mini-album constitué de reprises cuisinées à la sauce black métal symphonique de Paradise Lost, Annihilator, Sentenced et Soundtrack of Our Lives, nous vous avions confié vouloir attendre la sortie d’un album réunissant des compositions plus personnelles, avant de nous faire une opinion définitive sur le groupe.
C’est chose faite grâce au terrifiant « Monument Black Colossal ». N’y allons pas par quatre chemins, notre impression initiale était la bonne. Netherbird tue ! Passons rapidement sur l’absence d’originalité, puisque chacun le sait, en matière de Black Métal Symphonique, tout (ou presque) a déjà été fait par Dimmu Borgir, Cradle Of Filth et les milliers de groupes qui ont suivi leurs traces gluantes sur le sentier menant au côté obscur de la force. OK, Netherbird n’invente rien. Mais bon sang, qu’est-ce qu’il le fait bien.
« Monument Black Colossal » regorge de tout ce qui glace le sang des majorités bien-pensantes et fait dresser les poils des membres supérieurs des amateurs de black symphonique : les claviers ‘ambiance cimetière transylvanien’, les riffs de guitares brutaux et incisifs, les interludes grandiloquents au piano, une alternance de vocaux râpeux black et de cris gutturaux death, des chœurs féminins parcimonieux, et une batterie volcanique tenue par la poigne d’acier de l’excellent Adrian Erlandsson (Paradise Lost, Nemhain, ex-At The Gates, The Haunted et Cradle Of Filth). Chez Netherbird, la violence côtoie l’émotion et l’angélique commerce avec l’obscur (NDR : et l’image de la pochette, signée par Kristian ‘Necrolord’ Wahlin, célèbre pour son travail chez Tiamat, Bathory, Emperor et At The Gates, corrobore ce point de vue)
En attendant « Abrahadabra », le nouvel elpee de Dimmu Borgir que l’on nous promet pour fin septembre, les amateurs de mélodies sépulcrales et de riffs infernaux peuvent se ruer, les yeux fermés et les oreilles grandes ouvertes sur « Monument Black Colossal ».
Loin de constituer un pôle d'attraction touristique majeur, la ville de Birmingham regorge pourtant d'attraits artistiques qu'il serait dommage d'ignorer. Non contente de défrayer la chronique culturelle, en accueillant des expositions avant-gardistes dans son Ikon Gallery, elle demeure un terreau fertile en termes d'émergences musicales.
Si par le passé, les portes de la cité ne s'ouvraient pas à l’aide d’une clé de Sol, des groupes tels que Black Sabbath, Electric Light Orchestra ou The Charlatans sont parvenus à les enfoncer pour justement sortir des murs de son enceinte et faire entendre leurs voix au monde. La scène locale a bien entendu ses propres ramifications, dont l'une d'elle, baptisée 'Rétro Futurist Electronic' nous conduit au cœur des souterrains de la ville, là où la lumière de vieux projecteurs aux halos psychédéliques se substituent à la lumière du jour. Et où les synthés vintage s'accoquinent sans scrupule avec la crème de l'electronica. De ce vivier en sous-sol, nous parviennent les sons tout à la fois délicieusement passéistes et étonnamment précurseurs de groupes tels que Broadcast ou Plone. Transfuges de ces deux groupes, Timothy Felton et Billy Bainbridge, ont formé, fin 2004, Seeland, creusant le sillon d'un vinyle maintes fois écouté mais toujours placé à portée de platine.
Oscillant quelque part entre un ‘easy listening’ de toute bonne facture, le travail pointu du BBC Radiophonic Workshop et le KrautRock cher à Neu! (NDLR : leur patronyme est inspiré d’une compo du combo teuton), leur musique ne manquait pas de références datées, mais en recelait ô combien d’excitantes. Après avoir scellé une filiation auprès de Stereolab, en signant un single et un Ep sur le label Duophonic, le band a finalement trouvé refuge au sein du label Loaf qui a publié son premier album en mars 2009.
Ce second opus poursuit le travail de défrichage entamé, mettant l'accent sur un son plus organique et des mélodies pétillantes. Spectral et psychédélique, oui, mais en y ajoutant des bulles. Un verre de limonade dans une capsule temporelle. Comme en témoignent les titres « Awake in a dream », « Circles » et « Recall » ou encore les sonorités analogiques qui parsèment l'album. « How to live » est une invitation à accomplir un voyage au cœur du passé à l’aide d’une machine qui va de l'avant.
Soulignons le travail d'orfèvre opéré par Brian Duffy à la production, dont les seuls faits d'armes, jusqu’il y a peu, étaient ces performances étonnantes au sein du Modified Toy Orchestra, dont le nom vous aiguillera sur la texture musicale dudit projet.
A cheval sur son histoire et sa résurrection postindustrielle, Birmingham peut compter sur Seeland pour faire écho à cette dualité dans un futur conjugué au passé simple.
Le mont Saint Helens est entré en éruption le 18 mai 1980, causant la mort de 57 personnes, et détruisant forêts, maisons et infrastructures, à 25 km à la ronde. Ce stratovolcan se situe dans le comté de Skamania, dans l'Etat de Washington, au Nord-Ouest des États-Unis. Il se situe à 154 kilomètres au sud de la ville de Seattle et à 85 kilomètres au nord-est de la ville de Portland. Ce nom a donc été emprunté par une formation issue du même état. De Seattle, très exactement. Auquel elle a collé Vietnam Band. Le combo n’en est pas à son premier essai, puisqu’en 2008, il avait publié un Ep intitulé « Weepy », et l’année suivante, un elpee éponyme. Ce qui lui avait permis de signer sur le prestigieux label indépendant Dead Oceans (The Tallest Man On Earth, Phosphorescent, Akron/Family, Nurses, Citay, …) Et une nouvelle fois, le label texan ne s’est pas trompé. Car le groupe a du potentiel.
« At Night » ouvre l’elpee. Une compo dont les drums et la guitare, sculptés dans le rock, rappellent les White Stripes. Mais cet aspect minimaliste n’est que fugace, l’expression sonore empruntant, ensuite une forme bien plus riche. Plus intense, aussi. A cause de la présence d’une seconde gratte, et puis de claviers. Caractérisé par des vocaux reverb, « The Roof » lorgne davantage vers les Strokes. L’opus recèle quelques titres plus paisibles. De superbes ballades folk/rock, entretenues par le timbre vocal éraillé, chaleureux de Benjamin Verdoes. « You Were/ I Was » est même parcouru d’interventions au violon. Ce qui n’empêche pas au Mont d’entrer encore, de temps à autre, en éruption. A l’instar de l’excellent « Hurrah ». Mais le plus frappant, c’est ce climat chamanique, tribal, qui baigne l’opus. Un peu comme si les âmes défuntes des Sioux ou des Iroquois hantaient encore la région. A moins que ce ne soient celles des victimes de l’éruption du St Helens. Un bémol ? Oui, la longueur de l’elpee. Mais ce n’est qu’un avis personnel, car ce « Where The Messengers Meet » se révèle, finalement, de toute bonne facture…
Miss Zola Moon n’est guère notoire sur le Vieux Continent. Pourtant, cette chanteuse de couleur blanche affiche déjà 25 ans de planches, au compteur. Originaire de San José, en Californie, elle a entamé sa carrière, en 1983, du côté de San Francisco. Elle avoue pour premières influences BB King, Muddy Waters, Jim Morrison et Led Zeppelin. Dans ces conditions, vous imaginez facilement que son blues est largement teinté de rock! Elle s’est établie à Los Angeles. Responsable de l’essentiel de son répertoire, elle n'hésite pas, suivant les circonstances, à souffler dans un harmonica. Elle compte déjà, à son actif, une poignée d’albums. Son tout premier, "Dangerous love" remonte à 1990. Il est suivi par "Lost in the blues", en 1995 et "Almost crazy", en 1998. Déjà, on compare sa démarche à celle de Janis Joplin. Et les médias évoquent des influences puisées –très curieux– chez Jim Morrison. "Earthquakes, thunder, and smiling lightning" est publié en 2000, "Down to my bones" en 2002, "Tales of love and desperation", en 2003, et "Wildcats under my skin", en 2007. Zola a des kilomètres au compteur. Très maquillée, la poitrine opulente, le regard provocateur, elle arbore une chevelure abondante et bouclée.
Pas de compos personnelles sur "Undercover", mais des reprises. Lors des sessions d’enregistrement, elle a reçu la collaboration de ses musicos. En l’occurrence le guitariste Michael ‘Monster’ Carter, le bassiste Eric Williams et le drummer Jerry Olson. Le quartet ouvre l’elpee par la cover du "I'm tore down" de Freddie King. On ne peut pas dire qu’elle fasse dans la dentelle, car cette plage campe un solide hard rockin' blues. Zola a de la voix, c’est une certitude ; par contre, son gratteur n'a pas le feeling du blues. Il est très offensif. Il libère des sonorités bien grasses et largement amplifiées, pendant que le drummer cogne dur, à l'arrière. Elle inocule une intensité dramatique au "Love in vain" des Stones. La six cordes est très présente à l'avant-plan. Traditionnel, "Walkin' blues" passe également à la moulinette, suivant le livre de recettes institué par la mère Moon. Mais elle prend des couleurs vives, lorsqu’elle s’attaque au répertoire de Janis Joplin. Et tout particulièrement sur "Piece of my heart". Sa voix se montre très convaincante, avant qu’elle ne sorte une musique à bouche, on ne sait de quelle poche. Et elle réitère ce processus sur "Ball and chain", un autre hymne signé Janis. Certaines reprises sont moins probantes. A l’instar du "Runaway" de Del Shannon, ont les ‘wawawa’ plutôt embarrassants ne collent guère aux accords de gratte un peu trop hard à mon goût. A contrario, la puissance naturelle de son timbre est susceptible de se mettre au service d’adaptations comme le "Secret agent man" de Johnny Rivers, le "Tell mama" d'Etta James ou encore des versions très personnelles de "Rock me baby" et d’"I can't stand the rain". Néanmoins, c’est lorsqu’elle adopte le tempo lent qu’elle accroche le mieux. A cet instant, elle peut communiquer toute sa passion de ses remarquables cordes vocales. Et "I'd rather go blind", au cours duquel elle hurle toute sa douleur ainsi que "Nightlife" en sont les plus beaux témoignages. Et c’est hantée par le spectre de Jim Morrison, qu’elle clôt cette œuvre en interprétant la cover de "The serpent king" des Doors, d’une voix atmosphérique. A mon humble avis, cette lady singer doit faire un malheur sur les planches…
Laurie Morvan est née dans l'Illinois, à une heure de voiture de Chicago. Elle a suivi et réussi de brillantes études. Ce qui lui a permis de décrocher un job dans l’aéronautique. A Los Angeles. Où elle s’est alors établie. Elle avait cependant une seconde passion : la guitare. Elle se paie une Fender Stratocaster. Puis sur un coup de tête, abandonne son job et tente l’aventure en compagnie d’un rock'n'roll band, comme guitariste soliste. Et se réserve même déjà le chant. C’est en découvrant Stevie Ray Vaughan qu’elle décide de s’orienter vers le blues rock. Son premier elpee sort en 1997 : "Out of the woods". Un disque enregistré en compagnie du groupe Backroad Shack. Les dix plages sont déjà issues de sa plume. En 2004, elle publie "Find my way home". Son combo, elle le baptise alors le Laurie Morvan Band. En 2007, paraît "Cures what ails ya". Le disque rencontre le succès et l’artiste commence à faire la ‘une’ des magazines spécialisés, dont Guitar Player et Vintage Guitar.
"Fire it up" constitue déjà son dernier opus. Laurie signe les douze compos. Elle est soutenue par le bassiste Pat Morvan, le drummer Kevin Murillo ainsi que Sammy Avila (Walter Trout Band) ou David Matthews (Etta James Band) aux claviers. Elle peut aussi compter sur une choriste, en l’occurrence Lisa Grubbs. Laurie et Steve Savage (NDR : il a bossé pour Elvin Bishop et Robert Cray) coproduisent le long playing.
Le single, "Nothin’ but the blues », ouvre la plaque. Soutenu par le piano sautillant de Matthews, le tempo est vif. La voix de Laurie est correcte. Sans plus. Elle manque néanmoins de profondeur. A l’instar d’une Ana Popovic, par exemple. Mais elle est capable de faire décoller ses cordes, dans un registre blues rock. "Come on over to my bbq" nous invite à partager son barbecue. Une compo plus roots et plus captivante évoluant sur un tempo plus lent mais aussi hypnotique, que soutient l’orgue. Laurie arrache de sa Stratocaster, des notes qui forcent le respect lors de ce blues rock sans prétention, mais bien ficelé et homogène. Progressivement, nous sommes aspirés dans le monde sonore de notre blonde Laurie ; et les compositions maison peuvent défiler : "Good girls bad girls", le tonique "I speak the blues", "You don't know about me", caractérisé par une belle envolée à l’orgue et le percutant "Testify". La ligne mélodique de "Lay your hands" est impeccable. L’instrumentation tout autant, permettant à la Fender de Laurie de libérer de petites grappes de notes, dont l’impact est direct. La voix de Laurie est presque constamment soutenue par celle de Lisa Grubbs ; et le résultat est loin d’être désagréable à l’oreille ! Un riff implacable fouette le long blues lent "Living in a man's world". Laurie décrit ce qu’elle ressent, dans ce monde machiste. Appuyant son discours de ses plus belles notes, auxquelles elle injecte énormément de feeling. Ballade acoustique, "Let me carry your troubles" est une compo bouleversante dédiée à une amie qui lutte contre le cancer. Elle approche vaguement le Texas blues & swing sur "Skinny chicks" et achève son parcours lors d’un offensif "Cafe Boogaloo" (NDR : c’est un club bien connu d'Hermosa Beach, à Los Angeles!)
Sharon Jones et ses Dap-Kings nous viennent de Brooklyn. Sharon est une chanteuse de couleur noire. Son backing band réunit huit musiciens. Leur style ? Un mélange de gospel, de soul et de funk. Le combo comptait déjà trois elpees à son actif. Parus chez Daptone. "Dap dippin'" en 2002, "Naturally" en 2005 et "100 days, 100 nights" en 2007. Il adore recréer les atmosphères des grandes époques du R&B et de la soul, depuis la Stax à la Tamla Motown. Les Dap-Kings jouissent d’une grande notoriété sur les planches. Ils se produisent régulièrement à l'Apollo de New York et au Summer Stage de Central Park. Sharon est née en 1956. A Augusta, en Georgie (NDR : comme James Brown). Avant de devenir chanteuse professionnelle, elle a exercé des tas de métiers. Et en particulier surveillante de pénitencier et convoyeuse de fonds. La voix de Sharon évoque les grandes divas du R&B : Tina Turner, Mavis Staples ou encore Aretha Franklin ; mais gros bémol, ses inflexions souffrent d’une carence en intensité.
Cuivres et cordes amorcent "The game gets old", au sein d’un climat bien Tamla Motown. La voix de Sharon ne manque pas de charme. Elle est soutenue par des chœurs féminins. Une compo qui rappelle Martha and the Vandellas ou encore Gladys Knight & the Pips. Le titre maître trempe dans la soul pop. Il aurait pu sortir en 45 tours. Mais à une autre époque. Celle au cours de laquelle, les chansons étaient surtout destinées à procurer du bon temps et inviter à la danse. Exotique, "Better things to do" évolue au rythme d'un calypso. Les musicos sont bien mis en évidence ; mais le chant est rejeté en toile de fond. La belle revient pourtant très vite affronter "Give it back". Elle manifeste enfin une certaine agressivité, face à des cordes pourtant bien délicates. Le classique "Money" bénéficie d’arrangements plus modernes. La voix est percutante. Et au sein de cette expression sonore plus tonique, les cuivres opèrent flux et reflux. Après "The reason", un bref interlude instrumental, Sharon replonge dans la soul sirupeuse ("Window shopping"). Avant d’en revenir à une forme bien plus intéressante. Et en particulier pour "She ain't a child no more", "Without a heart" et "Mama don't like my man", des morceaux imprégnés de gospel, au cours desquels son attaque vocale est bien plus marquée. Et manifestement ce type de répertoire colle mieux à notre soul sister. D’ailleurs, sur son précédent album, elle s’était révélée, bien plus vocaliste de R&B…
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