Butch Walker est une véritable bête de somme ; car bien que menant une carrière solo, il est surtout connu pour ses nombreux travaux de production opérés auprès du gratin hollywoodien. Avant de faire son trou à Los Angeles, le natif de Géorgie officiait de plus au sein du groupe de métal SouthGang. Il a ensuit sévi comme guitariste chez les mythiques Marvelous 3, mais aussi The Floyds. Si ces patronymes ne vous disent rien, prenez néanmoins le temps de jeter un œil sur la liste des artistes pour le compte desquels il a ensuite signé des hits à la pelle : Avril Lavigne, Sevendust, Hot Hot Heat, Pete Yorn, Fall Out Boy, Weezer, The Donnas, Lindsay Lohan, Katy Perry, Plastiscines et Pink ! Certains l’auront d’ailleurs vu aux côtés de cette dernière lors de son invraisemblable show, accordé au Main Square Festival d’Arras, début juillet. Véritable star de la production en Californie, il est donc impliqué dans une multitude de projets et possède ses entrées dans le tout Hollywood ; il loue d’ailleurs la maison de Flea des Red Hot Chili Peppers, à Malibu !
Et en dehors de ces considérations hollywoodiennes me direz-vous ? Butch Walker a entamé son aventure individuelle en 2002 et « I Liked You Better When You Had No Heart » constitue son 5ème album. Si ses trois premiers elpees puisaient tantôt dans l’emo 90’s, le glam ou la pop, son quatrième, paru en 2007, « Sycamore Meadows, rendait un hommage à Tom Petty. Un disque sculpté dans le folk introspectif. Loin de Katy Perry et consorts, Butch Walker propose, sur ce nouvel opus, des morceaux entraînants et inspirés. Au menu : country rock, pop (« She Likes Hair Bands » et « House of Cards ») et ballades folk (« Trash Day » et « Stripped Down Version »). Des compos parfaitement arrangées, bien entendu (cordes, chœurs, wah-wah, échos, cloches ou sifflements), qu’il interprète d’une voix claire et maîtrisée. Bouleversant, « Don’t You Think Someone Should Take You Home » est même susceptible de vous arracher une larme… Un disque varié, agréable à écouter, qui devrait servir de référence au rock mainstream et fun. Comme quoi le succès ne pourrit pas nécessairement tout ce qu’il touche, et n’implique pas forcément la compromission…
Issu de la scène gantoise, Too Tangled se forme déjà dans les années 80s et continue de créer sa musique en parallèle aux aléas de la relation particulière que le duo entretient. Roeland Vandemoortele et sa ‘partenaire de crime’ Eva Buytaert se racontent, se confrontent dans une confession musicale dont les paroles figurent dans les lettres qu’ils se seraient écrites. Leurs deux voix entremêlées se diapasonnent entre chuchotements, mélodies et chœurs, toujours empreintes de sentiments vécus. Le duo fille-garçon et leur son rock garage énervé nous fera retomber sur The Kills et, une demi-génération en moins, les Blood Red Shoes, également pour leurs dialogues vocaux astucieusement ficelés.
Certaines plages de leur premier elpee offrent certainement un potentiel radiographique, telles que « On the Edge of a Scene » et « F.R.A.N.T.I.C », qui ouvrent l’album, ainsi que « Get On The Rush » et « Give It Back ». A cause de leurs couplets aux riffs accrocheurs et leurs refrains plus harmoniques. D’autres pistes présentent une dimension dramatique (« Meet Me On The Corner »), plus d’insouciance aussi (« Heaven Is Hell ») ou encore des touches bluesy à la Dandy Warhols (« Big Band »). La plage titulaire qui clôture l’album suggère une fin amère et désabusée sur fond acoustique plus lent que le reste.
Entre amour et haine, scènes de ménage et provocation sexuelle, « The Magic Got Killed » présente un son acéré et gentiment déjanté teinté d’une certaine noirceur analogique aux méandres de la relation compliquée des protagonistes, incarnations des deux pôles négatifs et positifs qui s’attirent et se repoussent pour produire un son galvanisant.
Stornoway est un nom bien écossais pour un groupe bien anglais (NDR : le premier affront est fait). Le quatuor nous vient d’Oxford (non, pas Radiohead, n’y pensez même pas) et a signé en mars dernier chez 4AD pour un premier opus qui promet de raviver la scène rock/pop britannique réellement indie.
« Beachcomber’s Windowsill » incarne l’hétéroclisme : en quelques mesures seulement, on se trompe trois fois en croyant cerner le genre –encore une petite bulle pop à la Vampire Weekend ?– ah non, voilà des chœurs substantiels qui apparaissent furtivement pour nous laisser coi, puis une trompette (les cuivres sont remis au –bon– goût du jour depuis peu, même dans le monde de la légèreté !) et oh, une harmonie jazzy esseulée mais manifeste, modulations surprises ci et là qui cassent ainsi la rigidité structurelle. L’album continue en ballades plus folk que rock, en un air quasi pastoral (l’orgue électrique sur « Fuel up »). Ensuite, l’apogée du disque, déjà, le magnifique « The Coldharbour Road », qui, avec son début brumeux ‘triolique’ violon-piano-voix railleuse dont la douceur rappellera Gomez, entre en rythme après un couplet pour s’élancer dans des rêves vaporeux plus consistants. On se dit que Brian Briggs, Jon Ouin, Oliver et Robert Steadman en sont à leur comble compositionnel… mais l’on se méprend à nouveau : dans un autre registre « Boats and Trains » offre aussi une émulation absorbante, tout en progression comme chaque piste de ce 11 titres. Etrangement, aucun de ces deux morceaux n’est l’un des trois singles déjà publiés. L’elpee passe ensuite à du country minimaliste aux arrangements scintillants comparables aux Dodos (« We Are the Battery Human », « On The Rocks ») et semble malheureusement s’évanouir sans nous rassasier entièrement.
Que l’on pense aux instruments légèrement cahoteux de Brendon Benson à ses débuts ou aux battements chaotiques de Blur (« Watching Birds »), Stornoway offre un mélange agréablement bringuebalant mais pas mal ficelé, où chaque piste évolue de manière complètement inattendue et où chaque ornement jazzy ne tombe jamais dans le funk lourd. De la légèreté, il y en a, mais l’excès nuit à tout… Néanmoins, l’album –qui a atteint la 14ème place des charts britanniques dès sa sortie– attisera la curiosité et ses jeunes membres méritent qu’on attende leur prochaine publication.
Choisir un patronyme qui claque comme celui de Ratatat suggère davantage des beats saturés façon Boys Noize que de l’électro dansante influencée tant par le rock, les musiques du monde ou le hip-hop. Ratatat, c’est d’un duo new-yorkais, réunissant le guitariste Mike Stroud et le mixeur et producteur Evan Mast. Au fil des albums, le tandem élargit sa base de fans. Et ce nouvel elpee ne devrait pas déroger à la règle. « LP4 » clôture un cycle entamé en 2008, lors de la session d’enregistrement de « LP3 », accomplie dans les studios Old Soul à New-York. Ce qui n’a pas empêché la paire de consacrer son temps libre au très lucratif hobby du remix. Une opération couronnée de succès qui leur a permis de revisiter des morceaux des stars du hip-hop US comme ceux de Kid Cudi (dont l’imparable single « Pursuit of Happiness »), Jay-Z ou Kanye West.
Sur le très réussi « LP4 » l’évolution est très subtile. Les compos sont cependant plus étranges et aventureuses que sur les précédents long playings. Mike et Evan osent, par exemple, enrichir le magnifique « Drugs », de cordes. Une compo pourtant taillée dans le rock. Mais surtout un hit potentiel, toutes guitares dehors. « Bob Gandhi » et « Mahalo » baignent dans une certaine forme d’exotisme. Le premier morceau varie constamment les atmosphères et permet à ces sorciers de l’électro de laisser libre cours à leur imagination. Le second trempe au cœur d’une certaine quiétude. Hip-hop shoegaze pour « Billar », beats bossa nova chez « Party With Children » et guitares stellaires tout au long de « Sunblocks » complètent ce tableau particulièrement riche. Les interludes spoken word ne sont pas superflus. Et pour cause, ils sont soit samplés du film ‘Stoszek’ de Werner Herzog –lorsque le personnage principal évoque ses claviers– et d’une interview de l’ancienne star de cinéma Linda Manz, réalisée par Evan Mast himself (elle a entre autres joué dans le très beau film ‘Days of Heaven’ de Terrence Mallick).
Mike et Evan sont sans doute de doux rêveurs. Qu’importe ! D’abord ils sont nés bien avant Justice, Digistalism et consorts. Et puis, dans la jungle de l’électro, Ratatat est devenu une valeur incontournable. Une chose est sure « LP4 » est digne digne du Daft Punk de la grande époque. Idéal pour les festivals !
Bien que fondé en 1995, Radio Dept ne compte à ce jour que 4 albums à son actif. Et « Clinging to a sheme » constitue le quatrième de ce trio suédois. Mêlant habilement indie pop et électro, leur musique vaporeuse est susceptible d’évoquer, tour à tour, Pale Fountains, Stereolab, Pet Shop Boys, Lightning Seeds ou encore Scritti Politti. Sur ce nouvel opus, on y décèle même des traces de dub (« Never follow suit »), de jazz (« Heaven’s on fire ») de shoegaze (le superbe « The video dept », réminiscent des Pale Saints) et même de lo-fi (« Memory loss »). Les orchestrations peuvent aussi se révéler somptueuses, luxuriantes (« David ») et, à contrario, les arrangements minimalistes (« A token of gratitude »). Légèrement ‘reverb’ la voix de Johan Duncanson chuchote des lyrics trempés dans l’angoisse existentielle ou dans la mélancolie adolescente. Un chouette album qui ne révolutionnera pas l’histoire de la musique, mais dont l’écoute agréable est très susceptible de vous rendre de bonne humeur…
Rafter Roberts est un drôle d’animal, dont le parcours est plutôt contradictoire. Impossible, en effet, de déceler une direction claire dans sa nouvelle collection de morceaux aussi hétéroclite que réussie. Succédant au très moyen « Music for Total Chickens », sorti en 2007, « Animal Feelings » constitue le 5ème album de Rafter Roberts. Un artiste friand d’expérimentations. Issu de San Francisco, il est également producteur. Il a signé chez Asthmatic Kitty, la maison de disques de Sufjan Stevens (pour le compte duquel il est également ingénieur du son). Ne se refusant aucune folie, son cœur balance constamment entre Cody Chesnutt, Justin Timberlake, les Jackson 5 et Phoenix, sans avoir peur de faire le grand écart ou de déraper dans le mauvais goût. Auto-tune R&B sur « No Fucking Around » ou basse funk sur « Feels Good », il mélange les genres comme le Beck de la grande époque (flagrant sur des titres comme « Fruit » ou « Feels Good »). Si le mélomane pourrait, dans un premier temps, se perdre dans les dédales de son inspiration, il reviendra rapidement sur terre à l’écoute de l’imparable single « Timeless Form, Formless Time ». Une pépite pop à faire danser les filles dans l’esprit ‘nerd’ de Hot Chip: ‘I’ve never heard this before / ‘Cept for the part where I say / Get your ass out on the floor’. Bercé par ses rythmes africains chaloupés, le très dansant « Paper » s’en tire également haut la main.
Difficile d’accès à première écoute, « Animal Feelings » est une œuvre étrange, inégale et kitsch ; mais captivante et agréable de bout en bout.
Chaque pays possède son trésor musical caché. Si je suis bien incapable de vous dénicher ceux du Cambodge ou du Paraguay, je viens par contre de me rappeler du secret qui est probablement le mieux gardé en France : Julien Pras. Après avoir participé activement aux aventures de Calc, comme leader, Julien Pras nous propose un premier elpee en solitaire. Calc, c’était une formation bordelaise, responsable de comptines pop hyper mélodiques et d’une sensibilité mélodique à fleur de peau. Injustement méconnu, ce combo a aligné toute une série d’albums, avec une régularité de métronome.
Les compos du premier opus solo de Pras ne s’écartent guère de celles de son band. Le spectre d’Elliott Smith est toujours aussi présent. A cause de son timbre vocal, et puis du raffinement de ses arrangements. A l’instar d’« Engine Smoke » ou « Allien Town », chansons dignes de son illustre mentor texan. Les mauvaises langues lui reprocheront sans doute, de pomper trop généreusement son inspiration chez son maître spirituel. Pourtant, sa pop est tellement soignée, qu’on finit par succomber à ses charmes. Et puis ses références, il les puise également chez Nick Drake, Fairport Convention ou encore les Beach Boys. Des choix nobles, il faut le reconnaître. Les accords cristallins de sa six cordes, les jolies envolées de violons, les accords délicats du piano, les interventions de vibraphone aussi subtiles que judicieuses ainsi que les chœurs angéliques. Tout un arsenal qui contribue à ciseler finement sa pop. Un véritable régal !
Lors des sessions d’enregistrement, Julien a reçu le concours de la Californienne Emily Jane White. En compagnie de laquelle il partage un savoureux duo sur « Son Of the Stars ». Probablement conscient du poids de son héritage, l’orfèvre girondin est parvenu une nouvelle fois à relever le défi de se mesurer à la référence absolue du songwriting de la dernière décennie ! Et à ce titre, Julien Pras mériterait de sortir de son relatif anonymat ! Si vous êtes mélomane, ne passez pas à côté de cette œuvre. Allo ? Gus Van Sant? Possible de filer un coup de pouce à un ami?
Joel Plaskett est une figure emblématique de la scène indie canadienne. Inconnu en Europe, il était le leader, chanteur et guitariste des mythique Thrush Hermit. Depuis une dizaine d’années, il mène une carrière solo. Une carrière couronnée de succès, puisqu’il a remporté de nombreux prix dans son Canada natal (Juno Awards, Polaris Music Prize et East Coast Music Awards). « Three To One » est une sorte de synthèse de son triple elpee, « Three », publié en 2009. Treize titres, sur les 27, en ont été extraits pour figurer sur cette compile. Les morceaux figurant sur ces trois disques étaient baptisés, pour la plupart, sous la forme de la triple répétition d’un mot (« Deny, Deny, Deny », « Run, Run, Run » ou « Precious, Precious, Precious », par exemple)… Ce programme dogmatique était-il un peu vain ?
Les compositions de Joel Plaskett naviguent entre l’americana classique (« Deny Deny Deny ») et la country introspective (le superbe « New Scotland Blues »). Majoritairement acoustiques, ses morceaux échappent toutefois à un trop grand classicisme grâce à de petites touches personnelles : les chœurs féminins omniprésents, le violon country sur « Deny, Deny, Deny », la trompette Motown sur le magnifique « Through, Through, Through » ou l’ambiance celtique de « Sailors Eyes ». Dans l’esprit des Hold Steady ou de Whiskeytown, Joel Plaskett s’inscrit dans la lignée des artistes évoquant les grands espaces nord-américains. Malgré sa tendance à tracer sa route musicale sur des chemins déjà arpentés, il n’oublie pas d’insuffler des mélodies de qualité évitant à l’ensemble de sombrer dans la facilité. Le songwriter canadien mélange habilement les morceaux rock et les ballades acoustiques, en y injectant une réelle sincérité. Les fans de Bruce Springsteen, Neil Young et Wilco devraient apprécier cet artiste particulièrement talentueux…
Neu! est considéré comme un des ensembles les plus radicaux de la scène krautrock. Si Michael Rother et Klaus Dinger ont brièvement transité par Kraftwerk, le duo s’est rapidement orienté vers un style minimaliste, réputé pour son groove hypnotique et mécanique. Urbaine, expérimentale et répétitive, la musique de ce duo allemand se voulait le reflet de l’aliénation moderne, à contrario de l’évasion et du rêve proposé par nombre de ses contemporains, insulaires tout particulièrement. Elle a ainsi influencé le mouvement punk, mais également industriel. Fondé en 1971, Neu ! s’est séparé, puis reformé à plusieurs reprises. Il avait même enregistré un opus au cours des 80’s qui n’est sorti qu’une dizaine d’années plus tard. De nombreux artistes et groupes se sont réclamés et se réclament toujours de ce combo ; et pas des moindres. Jugez plutôt : David Bowie, Brian Eno, PIL, LCD Soundsystem, Radiohead, Julian Cope, Sonic Youth, Stereolab, et la liste est loin d’être exhaustive.
Un coffret réunissant cinq vinyles vient de paraître en édition illimitée. C’est Michael Rother en personne qui a pris l’initiative de sortir ce box. Il contient « Neu ! », « Neu 2 », « Neu 75’ », « Neu ! ‘86 » (remixé par Michael) et « Neu !72 », un enregistrement ‘live’ inédit de 20 minutes. Le tout est enrichi d’un livret de 36 pages signé Illife. T-shirt et codes d’accès pour téléchargement numérique complétant le packaging.
Le sixième album de Nada Surf est exclusivement constitué de reprises. Un projet qui n’est cependant pas destiné à mettre en exergue de leurs références. En fait, les musicos ont tout simplement décidé de mettre à leur sauce, des chansons qu’ils avaient appréciées, au cours des derniers mois. Des sessions qui n’ont duré que 3 semaines. Elles se sont déroulées en septembre 2009, aux studios texans ‘Resonate’ d’Austin (Texas) ; des sessions au cours desquelles, le trio a notamment reçu le concours du pianiste Louie Lino. Douze covers parfois méconnaissables (et en particulier le « Love and anger » de Kate Bush) mais souvent remarquablement réappropriées (le décalé « Enjoy the Silence » de Depeche Mode, le pétillant « You were so warm » de Dwight Twilley, le ‘byrdsien’ –ces superbes harmonies vocales et cette électricité crépitante !– « Electrocution » de Bill Fox et « Bye Bye Beauté » de Coralie Clément ; chanté dans la langue de Molière par Caws, il est bercé par de subtiles cordes de guitare bringuebalantes). Plus fidèle à l’original, le « Love goes on » des Go-Betweens communique parfaitement son feeling mélodique. Tout comme le vivifiant « The agony of Laffitte » de Spoon. Ballade mid tempo, « Evolution » est signée par un obscur combo espagnol répondant au patronyme de Mercromina. Imprimée sur un mid tempo, elle est enrichie d’orchestrations de cordes. Des orchestrations que l’on retrouve sur la version du « Question » des Moody Blues. Etoffée de cuivres, pour la circonstance. Superbe, elle est presque parfaite. Presque, à cause de la voix de Matthew qui ne parvient pas à moduler son timbre, comme David Justin Hayward, lors du couplet central. Reste le trop bref et intimiste « Janine » d’Arthur Russell, et puis le pêchu et nerveux « Bright side » de The Soft Pack. Une adaptation qui baigne dans la power pop réminiscente des Buzzcocks. Pas l’album de l’année, mais un opus aussi agréable que rafraîchissant…
Si vous ne connaissez pas encore les Ramoneurs de Menhirs choisissez l’option 1. Dans le cas contraire, passez directement à l’option 2.
Option 1 : en quelques mots, Les Ramoneurs de Menhirs est un groupe français. Enfin plus exactement breton. Il pratique un rock alternatif mâtiné de folklore traditionnel. Loran en est le guitariste. C’était un des membres de la formation mythique Bérurier Noir. Il s’est établi dans la Bretagne profonde. Chez LRDM on retrouve les riffs de gratte tranchants très caractéristiques des Bérus. Mais aussi la boîte à rythmes minimaliste. Et le tout se marie allègrement avec l’instrumentation bretonne, comme le biniou ou la bombarde.
Option 2 : fondé en 2006, Les Ramoneurs de Menhirs n’en est pas à son premier essai discographique. Une chose est sûre, sur ses disques précédents, il avait déjà prouvé qu’il excellait dans les reprises de chants traditionnels ; à l’instar de « BellArb », qui figurait sur l’elpee « Dañs an Diaoul », publié en 2007. Pour la circonstance, le combo nous propose 11 titres sorti de derrière les fagots (NDR : ou d’un vieux meuble châtaignier, si vous préférez), réarrangés à la sauce bretonne.
Les textes sont résolument engagés. Des lyrics qui sont également le fil conducteur. Suffit de consulter le booklet pour s’en convaincre. D’ailleurs, "Amzer an dispac'h" se traduit par "Le temps de la révolte". Résistance, liberté, solidarité ainsi que défense de l’environnement et des minorités sont autant de thèmes développés sur les chansons de cet elpee.
L’opus s’ouvre par deux plages dispensables. Et en particulier « Oy oy oy », dont le punk extrême et violent lorgne un peu trop vers les Cockney Rejects. La suite est bien plus intéressante. « La blanche hermine » évoque les Bérus. Un peu normal, puisque Gilles Servat y fait une apparition. Autre invitée : Louise Ebrel. Malgré son âge respectable (NDR : elle est née en 1932 !), elle est venue booster les refrains de « Menez unan ». Le long playing recèle également une reprise du « If the Kids ar United » de Sham 69. Une cover qui correspond parfaitement à l’esprit des Ramoneurs, et de l’ambiance qui règne lors de leurs concerts. Imaginez une horde de punks levant le poing en reprenant en chœur, ‘If the kids are united, then we’ll be never divided’ !
Si vous avez choisi l’option 1, je vous conseillerai d’abord d’assister à un de leurs sets. Celui, particulièrement animé et sold out, accordé à la Zone (Liège) en février dernier, pourrait d’ailleurs servir de référence. Ou de vous procurer « Dañs an Diaoul », un somptueux opus qui vous permettrait de mieux vous familiariser avec leur style musical. Car « Amzer an Dispac’h », bien que rafraîchissant comme un hydromel ‘suchenn’, nécessite plusieurs écoutes et surtout une bonne connaissance de leur parcours, avant d’être apprécié à sa juste valeur…
Les écrivains éprouvent souvent le syndrome de la page blanche. Cette fameuse angoisse de ne pas trouver l'inspiration au moment d'entamer son œuvre. Et les chroniqueurs n’échappent malheureusement pas à cette règle. La volonté de rester à la fois objectif et exhaustif sur ce site, m’oblige toutefois à réécouter plusieurs fois de suite cet album. D’autant plus que le groupe est constitué d’excellents musiciens. En outre leurs lyrics tiennent la route. Pas comme chez Tryo, dont les textes font parfois un peu pitié…
Tout au long de leur nouvel opus, les Blérots de Ravel explorent différents univers sonores : ska, folk, rock, jazz, chanson française de rue, sans oublier d’emprunter à la culture yiddish et slave (l’intro de « Radio tribale », en est certainement la plus belle illustration). Mais pas des univers sonores différents. Nuance !
Ce qui explique pourquoi, le 6ème album des comparses du Renouveau Artistique Volontairement Elaboré par des Losers (R.A.V.E.L.) ne déçoit pas. Mais ne m’emballe pas non plus. On y recèle bien l’un ou l’autre refrain contagieux. A l’instar de ceux dispensés sur « File d’attente » ou « Fleur bleue ». Et puis de subtiles et efficaces envolées de cuivres qui parviennent à tenir en haleine. Ouf, la page ne sera pas blanche ; par contre je crains fort que cet album des Blérots de Ravel ne fasse chou blanc…
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