Black Sabbath, Led Zeppelin et les White Stripes. Que de belles références pour ce « Baby Darling Doll Face Honey ». C’est ce qui est proposé au menu sonore du premier elpee de cette formation insulaire (Southampton). Malheureusement, dans l’assiette, on ne peut pas dire qu’il s’agisse de fine gastronomie musicale. Et la digestion est plus que difficile. En fait, les plats de Band Of Skulls sont préparés industriellement. Dans un but purement commercial. Etonnant, lorsqu’on se rend compte que les musicos disposent d’un talent certain pour faire autre chose. Les riffs passent bien la rampe ; d’ailleurs, le guitariste est loin d’être un manchot. Les fûts fument dans l’allégresse. Les arrangements sont d’excellente facture. Mais le tout est dispensé tellement paresseusement, qu’un sentiment de lassitude nous envahit progressivement. De quoi se demander si le choix de leur patronyme était vraiment judicieux. Le trio aurait-il confondu satanique et statique ? Avant d’opter pour Band Of Skull, le band répondait au nom de Fleeing New York. C’est peut-être une explication. Des Britanniques qui pratiquent un hard FM américain. Pas de quoi être fiers. Ne reste plus à espérer que le combo décide de changer de fusil d’épaule. De démontrer son véritable potentiel. Lors de l’enregistrement de son prochain album, par exemple. S’il y en a un, évidemment…
Witchery est au thrash/black/death métal ce que Chickenfoot est au hard rock : le ‘super-groupe’ ultime. A l’instar du groupe de Sammy Hagar et Cie, tout le monde chez Witchery est titulaire d’un pédigrée impressionnant. Sharlee D’Angelo, par exemple, est le dernier bassiste connu de Mercyful Fate. Il pratique aussi son art de la quatre-cordes chez Arch Ennemy et Spiritual Beggars. Patrick Jensen, lui, est l’un des guitaristes du combo thrash The Haunted. Il a jadis milité chez Brujeria et Satanic Slaughter. Rille Rimfält, l’autre six-cordiste est également un ex-Satanic Slaughter. Il distille dorénavant ses riffs death métal au sein de Seance. Quant à Martin ‘Axe’ Axenrot, il manipule ses baguettes magiques chez Bloodbath et Opeth. Le dernier engagé de la bande, Erik Hagsted (alias Legion) a connu son heure de gloire quand il était le hurleur des black métalleux de Marduk. Il continue actuellement son discours morbide au sein de Devian.
Il est vrai qu’un collectif de musiciens célèbres ne suffit pas toujours pour accoucher d’un bon disque. Cependant, chez Witchery, la mayonnaise a pris instantanément. Intitulé « Witchkrieg » (NDR : déjà le sixième pour ce groupe dont le premier méfait discographique remonte à 1998), ce nouvel opus est tout bonnement excellent. Comme pour ses réalisations précédentes, Witchery invoque Destruction, Kreator, Celtic Frost, Sodom et tous les autres dieux du thrash européens des années quatre-vingt. La batterie d’Axenroth est dantesque. Quant aux riffs, ils sont furieux et acérés, souvent speedés et brutaux, mais aussi lourds et malsains. Ce métal sauvage et primaire est boosté d’une bonne dose de black et de death métal comme il fallait s’y attendre de la part de musiciens issus des scènes extrêmes scandinaves.
Quelques invités de marque viennent renforcer cette palette, déjà pourtant impressionnante, de V.I.P.s. En effet, pas moins de six guitaristes légendaires du métal classique et du thrash ont collaboré au projet : Kerry King (Slayer), Hank Shermann (Mercyful Fate), Andy LaRocque (King Diamond), Jim Durkin (Dark Angel), Gary Holt et Lee Altus (Exodus). Ils sont venus illuminer « Witchkrieg » de leurs soli cristallins.
A l’heure où le thrash métal semble vouloir revenir en force, « Witchkrieg » arrive à point nommé pour donner une bonne petite leçon de violence à tous les jeunes groupes qui voudraient se lancer dans l’aventure. Une bombe, ni plus, ni moins.
Trike est sans doute un adepte de l’humour au second degré. Un exercice de style périlleux mais jouissif, tant que son interlocuteur n’a pas l’impression qu’on se fout de sa fiole. Trike ne maîtrise pas parfaitement son sujet. Et il est à la limite de se casser la figure. A cause de cette recherche permanente –et pas toujours de bon goût– d’originalité. A l’instar de l’accoutrement débile des Canadiens, tout d’abord. De la pochette patchwork à finir soi-même. Et puis des références pas vraiment folichonnes. Qui oscillent de Pet Shop Boys à Lady Gaga, en passant par Flight of the Conchords. Dans ces conditions, faisons abstraction de l’emballage et ne retenons que l’essentiel : la musique.
L’expression sonore lorgne manifestement vers les 80’s et en particulier sa scène électro. De quoi craindre le pire. Mais Trike est parvenu à la transposer d’une manière intéressante. En y accentuant l’aspect naïf de cette époque. En se servant de la maladresse calculée et d’une bonne dose de dérision. Ici pas question de nous en mettre plein les tympans, dans le but de décoiffer la moindre moumoute qui se profile à l’horizon. Ici Trike s’amuse, se lance dans des farandoles new-wave et balance les pieds comme dans une kermesse. Evidemment, la saturation vient au fil de l’imperfection. Si la maladresse touche, elle finit vite par gaver. Un peu comme si La Bande à Basile reprenait « El Kahdafi » de Front 242 sur des accords de Hot Chip. Un peu comme si Gangster d’Amour chantait « O Sole Mio » sur des gimmicks sonores porno. Un peu comme si on se foutait de tout et de tout le monde, dans le fond… Saluons toutefois la prise de risque opérée par Trike. Et puis sa tentative de créer un univers chatoyant, mais complètement barré. Reconnaissons-lui un réel talent pour foutre le bordel. Une bonne raison pour ne pas négliger ce disque, car il est toujours utile d’enrichir sa compactothèque d’œuvres extravagantes…
« Sacrifice » constitue le premier elpee de Teenagersintokyo. Et à première écoute on a l’impression de se farcir une mixture toxique entre la pop électro des Belges de Soldout et celle aussi ignoble des Français de Superbus. Vous voyez ce que je veux dire ? Des compos dansantes, ForMatées et parcourues d’une voix féminine criarde. Rien de très original à se mettre dans le tuyau acoustique, il faut le reconnaître. Mais cette première mauvaise impression s’évapore au fil des écoutes. Et pour cause, les compos de ce « Sacrifice » sont bien plus complexes qu’elles n’y paraissent. Pas qu’elles soient géniales, mais pas aussi mal ficelées que mes préjugés avaient laissé supposer.
Essentiellement féminin, le line up de Teenagersintokyo réunit quatre filles (NDR : dont l’excellente bassiste Linda Marigliano, responsable d’interventions métronomiques et dansantes qui valent leur pesant de groove) et un garçon (le drummer). Un combo australien, pas plus teenager qu’originaire de Tokyo, qui s’est installé à Londres. Pour enregistrer « Sacrifice », le combo a reçu le concours du leader de Fautline et producteur de Bat For Lashes, David Kosten. Et sa mise en forme est particulièrement réussie.
Inégal, pas toujours très original, cet opus oscille entre brûlots post-punk soutenus par des synthés ‘dark’ très 80’s et des guitares lancinantes, glaciales, chirurgicales, et morceaux synthé-pop résolument optimistes et enjoués (les très moyens « New Day » et « Sacrifice »). Au sein de cette seconde catégorie, certains titres devraient faire des ravages chez les jeunes et tout particulièrement les fans de Beth Dildo (« Peter Pan ») ; alors que pour la première, ce sont plutôt les nostalgiques de Siouxsie & The Banshees, des Slits voire des B-52’s (NDR : c’est-à-dire les parents de la nouvelle génération) qui devraient apprécier (« Isabella »). A l’instar de petites perles ténébreuses et atmosphériques abordées dans l’esprit des Cure voire de The XX comme « Long Way Home » et « 3046 ». Mais si vous ne jurez que par des références contemporaines, sachez que la musique de ce combo baigne au sein d’un univers sonore, au cœur duquel gravitent Gossip, New Young Pony Club ou encore CSS… Un bémol, la voix racoleuse de Samantha Lim. On croirait presque entendre Cindy Lauper.
En concert le 19 septembre au Leffingeleuren de Middelkerke.
L’album de So So Modern était dans ma pile de disques à chroniquer, depuis un bon moment. Faut dire que repoussant, l’artwork de la pochette n’était vraiment pas de nature à me lancer dans l’écoute de son contenu. Pourtant, je dois reconnaître que cette appréhension n’était pas fondée. Et pour cause, le premier elpee de ces Néo-Zélandais (NDR : issu de Wellington, très exactement) mérite franchement qu’on s’y intéresse…
S’il s’agit de leur premier opus, la formation compte quand même la bagatelle de sept Ep au compteur. Tout au long de cette œuvre, le quatuor ne souffre d’aucun complexe pour mélanger harmonieusement une multitude de styles : indie, punk, new wave, krautock, électro (NDR : les bidouillages, surtout) et j’en passe. Pour éclairer davantage votre lanterne, on pourrait évoquer, parmi les références, Foals, Errors, Born Ruffians et Blood Brothers ; mais la liste est loin d’être exhaustive. Et puis le mix est tellement homogène, qu’il est difficile de retrouver les sources. Car finalement, le résultat brille par son originalité, sa créativité et sa fraîcheur. Et c’est ce qui compte. Le groove est soutenu. Le chant tour à tour mélodieux ou vociféré. L’intensité constante. De « Life In The Undergrowth » (NDR : réminiscent du « New Noise » de Refused) à « Give Everything », ce n’est que du bonheur !
Bref, une excellente surprise. Et un groupe qui pourrait devenir énorme. C’est toute le mal qu’on lui souhaite…
Pulled Apart By Horses est un combo affilié à la scène punk/hardcore/post hardcore britannique. Issu du milieu underground de la ville de Leeds, ce quatuor de déjantés jouit, en Angleterre, d’une solide réputation scénique. Ses concerts sont, semble-t-il, si intenses et violents que les musiciens ne s’en sortent que très rarement sans la moindre égratignure. Les mots ‘blessures’, ‘contusions’ et ‘os brisés’ sont associés, plus souvent qu’à leur tour, aux comptes-rendus des prestations du groupe.
Les onze titres de « Pulled Apart By Horses » ne s’adressent pas vraiment aux adolescents pré-pubères. Le pop-punk, c’est bon pour les Américains. La musique des Anglais, elle, se veut beaucoup plus consistante. Violente et hargneuse. Punk, oui, mais à la limite du hardcore. Si l’influence post-hardcore d’At The Drive In est souvent palpable, Pulled Apart By Horses peut se targuer d’apporter un souffle nouveau en s’inspirant de sources plutôt inattendues. Comble de l’hérésie pour un combo se réclamant du punk, PABH avoue une certaine admiration pour la musique des prog-rockers de King Crimson. C’est probablement la raison pour laquelle la structure de leurs compos est aussi alambiquée. Ce qui en fait d’ailleurs leur originalité.
Symbiose parfaite entre l’énergie brute et les arrangements subtils, ce premier elpee de Pulled Apart By Horses est une réussite éclatante. A découvrir.
Serions-nous en présence d’une version féminine de Notwist ? A l’instar des parrains de l’électro-rock teuton, les membres d’I Might Be Wrong sont de nationalité allemande. Et à première écoute, leurs compos devraient séduire les fans des auteurs de « Neon Golden ». Langoureux et détaché, le chant féminin de Lisa von Billerbeck irrigue des plages mi-rock mi-électro, sises aux frontières d’un monde imaginaire. Particulièrement réussies, « A Propos » et « Chekov » baignent même au sein d’un océan de douceur. A cet instant, on a l’impression que Cat Power rencontre The Album Leaf… Malheureusement, le reste du tracklisting n’est pas de la même trempe. Trop vaporeuses, les compos sacrifient la mélodie et négligent l’émotion. Un peu à la manière d’Angela Merkel, lorsqu’elle décide d’instaurer ses fameuses mesures d’austérité.
Fondé en 2004, I Might Be Wrong s’est inspiré d’un titre de l'album « Amnesiac » de Radiohead, pour choisir son patronyme. Un quintet berlinois responsable de deux elpees à ce jour. Et « Circle The Yes » en constitue le second. Pas de quoi pavoiser cependant à l’écoute de ce dernier opus, car hormis les deux morceaux dont question dans le premier paragraphe, leur musique –quoique agréable à l’oreille– a trop souvent tendance à laisser le mélomane sur la touche…
Hormis quelques souvenirs humides, laissés à quelques milliers de métalleux belges, lors de son passage à Forest National –c’était en 2009, lors d’une première partie précédant Nightwish– on ne peut pas dire qu’Indica ait vraiment marqué les esprits, dans notre beau pays. Et pour cause, le groupe féminin n’avait enregistré jusqu’ici que des albums entièrement chantés en finnois et destinés uniquement au marché scandinave. « A Way Away », le nouvel opus, entièrement interprété en anglais, devrait probablement aider les cinq jeunes filles à franchir un nouveau palier.
Fondé en 2001 par cinq copines de classe, le combo a connu un succès fulgurant dans son pays natal, dès 2003. Et pour cause, son premier album, « Ikuinen Virta », a squatté les charts finlandais pendant plus de 30 semaines. « A Way Away » constitue le cinquième elpee de ces très jolies demoiselles qui, pour la seconde fois de leur carrière, se paient le luxe d’une production signée Tuomas Holopainen (le leader/claviériste de Nightwish).
Les fans de Nightwish qui, à la lecture de ces premiers paragraphes, se seront rués sur le web pour commander leur copie d’« A Way Away » en espérant y retrouver la patte ‘métal symphonique à chanteuse’ chère au combo de Tuomas Holopainen auraient probablement mieux fait de lire la suite de cette chronique, puisque, de métal symphonique, chez Indica, il n’en est pas vraiment question.
Jonsu (chant, violon, guitare, claviers), Heini (basse), Sirkku (claviers, clarinette, piano), Jenny (guitare) et Laura (batterie, percussions) ont gagné, chez elles, leur lettres de noblesse en créant un mélange harmonieux de pop et de rock aux lyrics inspirés par la nature et la légendaire mélancolie finlandaise. Leur style, plutôt original, a même été décrit, par la presse de leur pays, comme de la pop mystique romantique.
L’atout principal d’Indica, procède probablement du style vocal surprenant de Jonsi. Une voix nasillarde et légèrement enfantine dont le timbre pourrait camper un hybride entre ceux de Kate Bush et d’Olivia Ruiz. La musique du groupe ne recèle pas grand-chose de métal. Il y a bien quelques riffs de guitare éparpillés parcimonieusement, et puis l’influence de Tuomas Holopainen au niveau des orchestrations et des parties de claviers est très palpable. Certains passages pourraient d’ailleurs carrément avoir été tirés des sessions d’enregistrement de « Dark Passion Play ». Mais abstraction faite de ces détails, la musique d’Indica est vraiment personnelle. Pop, mais pas trop commerciale. Rock, mais en incorporant des influences classiques et folk. Mélancolique, mais certainement pas triste. Les chansons, aux refrains mémorisables, sont envoûtantes et pourraient charmer une palette assez large de mélomanes. Une bonne surprise.
Texan d’adoption mais natif de Memphis, Micah P. Hinson s’est entouré d’un quatuor à cordes pour concocter son nouvel opus, en l’occurrence The Pioneer Saboteurs. Un disque dont le climat âpre, grave et angoissant communique des sentiments à la fois bouleversants et dérangeants. Micah y explore des thèmes extrêmement réalistes comme la mort ou les relations amoureuses. En fait, il dépeint la situation sociale de son pays, comme un citoyen décrirait : ‘I tried to make sense of everything that’s happening over there… the death of the American dream on the coat-tails of the modern US of America. A citizen cannot be unaffected by the things that are happening around him. If he does not, he’s not citizen’. Faut dire que l’artiste a vécu lui-même une dégradation sociale ; donc, il sait de quoi il parle. Et pour cause, il a transité par toutes les étapes du parfait reclus : drogue, prison, alcool et déceptions amoureuses… Alors qu’il n’avait pas encore 30 ans.
Consacré à des reprises, « All Dressed Up And Smelling Of Strangers », son dernier elpee, ne date que de quelques mois. Et son génie est intact ! L’opus s’ouvre par un titre instrumental de forme plutôt classique. Une compo au cours de laquelle Micah et ses Pioneer Saboteurs révèlent immédiatement que les cordes vont occuper une place de choix tout au long de l’opus. « Take Off That Dress For me » est parcouru par la voix très caractéristique du songwriter, un timbre réminiscent à la fois de Johny Cash et Nick Cave. De quoi nous rappeler pourquoi, on avait eu le coup de foudre pour le personnage, en 2003. Lors de cette œuvre, Micah P. Hinson alterne morceaux orchestrés, minimalistes et expérimentaux. Des chansons empreintes d’émotion et de sincérité. Au sein du tracklisting, j’épinglerai quand même un « The Striking Before The Storm », hanté par les esprits des Indiens défunts, ou encore le bouleversant « Seven Horses Seen or Through The Hours, Still Comes Another ».
Micah P.Hinson démontre tout au long de cet elpee, qu’il est un des songwriters les plus doués et les plus fidèles de sa génération. Et son évolution devrait combler tous les mélomanes.
Après l’éclosion de la formation écossaise Franz Ferdinand, puis new-yorkaise Vampire Weekend, serions-nous en présence d’un nouveau phénomène ? Une chose est sûre, cette formation issue d’Irlande du Nord vient d’enregistrer un superbe premier opus. Mais quel est l’origine de leur patronyme, Two Door Cinema Club. En fait, il est né suite à une erreur de prononciation d’un membre du groupe de ‘Tudor Cinema’, un cinéma local. Le trio réunit trois jeunes musicos. Ils ont été rapidement repérés par la très hype maison parisienne Kitsuné, une boîte gérée par les créateurs de mode Gildas et Massaya.
« Tourist History » réunit une collection de pépites pop hyper mélodiques, hymniques, limpides, et, avouons-le, tout bonnement irrésistibles! On imagine qu’Alex Trimble, Sam Halliday et Kevin Bairdont ont dû bosser dur pour pondre d’emblée pareille brochette de tubes !
« Cigarettes in The Theater » et le très léger « Come Back Home » séduisent d’entrée. Mais au fil de l’elpee, les compos deviennent de plus en plus brillantes. A l’instar d’« I Can Talk », caractérisé par son refrain qui mériterait de figurer au panthéon de la pop et de « What You Know », boosté par une ligne de guitare imparable! Un duo gagnant ! Les raisons de ce tour de force ? Une rythmique disco soutenue par des riffs géniaux, une voix claire et mélodique réminiscente de Ben Gibbard (Death Cab for Cutie) et une énergie synthétique digne de Phoenix… Que demander de plus ? Produit par Philippe Zdar (Cassius), « Tourist History » est vraiment proche de la perfection pop ; et en extrapolant, on pourrait imaginer être en présence d’une version light des Foals. Bref, 32 minutes de ‘vacances pour les oreilles’, comme le dirait si bien Jarvis Cocker…
A découvrir au Pukkelpop ce 21 août prochain, avant que le trio ne prenne une dimension planétaire…
Tape Tum est le projet des frangins Dousselaere, originaires de Gand. Gage de qualité ? La ville qui a engendré quelques unes des meilleures formations issues de notre plat pays remet le couvert. Cette fois, tout en douceur. Il y a quatre ans, le duo entrait à tâtons sur la scène armé d’un « EP 2006 » qui les avait portés sur les planches du festival Domino ou même en première partie de Tortoise. Déjà à l’époque, Benjamin et Lieven délivraient de ravissantes mélopées pop, à l’instar d’un « Heart Of Gold » dont la mélodie vous colle aux basques comme un chewing-gum fraîchement mâché. Tape Tum réitère l’expérience tout au long de ce « The Night We Called It A Day », découpé en neuf morceaux. Neuf irrésistibles pépites pop aux (légers) accents électroniques et jazz. Un vent de fraîcheur que les fans de Grizzly Bear (« Wheelchair ») ou Pinback (« Crabp ») accueilleront la fenêtre grand ouverte.
Sans détour, « The Night We Called It A Day » est peut-être bien l’un des disques belges de l’année. Des ténébreux « Marlene » et « Spiders » aux sept fascinantes minutes de « Cassis », Tape Tum ne laisse rien au hasard. Chacune des compositions est judicieusement construite, sans la moindre emphase superflue. Responsable d’œuvre immanquable telle que ce « The Night We Called It A Day », Tape Tum devrait se retrouver, très vite, en haut de l’affiche. Et le contraire serait une véritable injustice.
Ces ‘Strange Boys’ sont manifestement étranges. Et pour cause, non seulement se sextet issu d’Austin (Texas) pratique une sorte de lo-fi surannée, poussiéreuse, née d’un mélange entre garage/rock 60’s et country marécageuse, hantée par un vocaliste dont le timbre est aussi écorché que gémissant. Mais la production de leur musique est complètement ‘vintage’. Pas vraiment des arguments pour accrocher l’oreille des mélomanes…
« Be Brave » constitue leur second elpee. Il fait suite à « The Strange Boys and Girls Club », publié en 2007. Et à l’écoute de leur expression sonore, il faut reconnaître que le « Wall of Crap » cher à Minus Story n’est jamais loin. L’opus souffle cependant le chaud et le froid. Les meilleures compos sont cependant celles qui sont imprimées sur un tempo plus lent. Et notamment « Dare I say », une ballade crépusculaire, caractérisée par les vocaux je-m’en-foutistes de Ryan Sambols, qui semble les dispenser les dents serrées. Ou alors lorsque les chœurs et le saxo malsain de Mika Miko se conjuguent pour faire le fête. A l’instar du titre maître. A cet instant, on imagine les Walkmen participant à une virée de Quentin Tarantino dans les scènes déjantées de son célèbre ‘Pulp Fiction’… Cools et flegmatiques, les Strange Boys sont d’authentiques branleurs rock n’ roll à l’ancienne. Dommage que leurs mélodies soient parfois un peu faiblardes (« Da Da » ou « Might Might ») et leur esprit un peu trop revivaliste. Une carence en originalité qui peut se révéler un peu pénible, au fil de l’écoute. Dommage aussi, car la formation jouit d’une classe naturelle et dispose d’un énorme potentiel susceptible de la rendre plus populaire. Maintenant, le combo n’a peut-être pas envie. Curieux quand même de vouloir rester scotché au passé. En déclamant, au tout début de l’elpee (NDR : c’est sur « I see ») ‘Tonight’s dinner will be tomorrow’s shit!’, Ryan Sambol fournit sans doute une explication. Et finalement, c’est très juste, quand on y pense…
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