Et encore un double CD qui ne prend pas trop de risques, pimenté qu'il est d'incontournables de la jungle. Goldie, Roni Size, Krust, LTJ Bukem et Omni Trio ouvrent chacun des deux albums sur lesquels figurent des classiques comme le "Helicopter Tune" de Deep Blue. "Drum'n'bass Legends" est une excellent intro au genre, destinée aux... retardataires curieux puisque ça fait quand même tout de suite trois ou quatre ans que nombre d'artistes présents ici se sont acquis une certaine réputation.
Autrement plus éclectique et conséquente que "Skank You Too", cette compile-ci s'adresse pourtant également aux glisseurs de tous poils. Voilà pour le plan marketing, d'autant qu'elle est sponsorisée par une marque de pompes. Passant allègrement de la drum'n'bass la plus hystérique (le "Temper Temper" de Goldie remixé par Grooverider et Optical) au skank le plus juteux (Fatboy Slim encore, avec le fédérateur "Love Island"). "Freestyle" va cependant un peu plus loin, en piochant aussi dans d'autres répertoires. On y croise ainsi Primal Scream ("Kowalski"), Urban Species, les Fun Lovin' Criminals et autres Stone Roses. Et même pas tous remixés pour les faire entrer dans un format artificiel, soulignons-le.
Mélange de house, de disco, de funk, de groove et de soul, cette galette ira sans doute rejoindre les tonnes d'autres du même genre déjà sorties par le passé. Non qu'elle soit foncièrement inintéressante, on y retrouve même le tube que fut "Now That We've Found Love" (SBH Project feat. Gerideau), mais bon, un peu de variété de temps en temps, dans les rythmes comme dans les idées, c'est pas plus mal...
Manifestement, le label Artisan profite au maximum de Peter Green tant qu'il peut rester dans le parcours. "Destiny road" est un opus flambant neuf. Pour la 1ère fois depuis le retour en 1996, les musiciens ont eu le temps de prendre du recul et d'écrire de nouvelles compositions en compagnie du célèbre Pete Brown.
Cet elpee vous propose donc 10 compos personnelles, incluant "Indians", déjà gravé sur le "Soho sessions", et deux reprises, "Madison blues" d'Elmore James et "There's a river" de Stevie Winwood. Disons-le tout de suite, la production de Pete Brown est excellente. Le son est bien clair. Une atmosphère se dégage manifestement de cet album. Peter Green a peut-être trouvé sa nouvelle voie. En produisant un nouveau son qui colle plus à la peau de l'homme qu'il est aujourd'hui ; enfin décidé à ne plus contempler, en vain, les flammes d'un passé révolu. Si on l'écoute d’une nouvelle oreille, ça passe. Le Splinter Group se meut dans un style très laidback. Une ambiance assez feutrée plus hospitalière pour Peter qui ne hausse plus le ton de la voix. Tout au long de la première partie de l’œuvre, elle fonctionne d’ailleurs bien dans ce style. La guitare est discrète mais efficace. L’orgue colore le son et les chœurs féminins donnent la réplique. "Big change is gonna come", "Say that you want to" et "Heart of stone" forment une unité très cohérente. La tendresse, la beauté, la clarté de "You'll be sorry someday" n'est pas sans nous rappeler de très heureux moments comme "Need your love so bad". J'accuse aussi un faible pour "Burglar", une plage bâtie sur un riff exotique, une guitare appuyée, un break d'harmonica et surtout une mélodie qui accroche. C'est le Peter Green sound de la fin de millénaire. "Turn your love away" qui suit est assez complexe et met bien en évidence les qualités du Splinter Group. La version de "Madison blues" soutenue par un piano et un sax est percutante. J'aime moins les derniers titres, tous chantés par Watson, bon chanteur mais sans étincelle. L'album est terminé depuis près d'une minute que resurgit la mélodie de "Man of the world". Une beauté à couper le souffle. Nouvel espoir du côté de chez Green ?
Scott Holt vient du Tennessee. Agé de 33 ans, il apparaît régulièrement et depuis une dizaine d'années, dans le backing band du célèbre Buddy Guy. Il a aussi été fortement marqué par le style de Jimi Hendrix. Pour ce 2ème album, ECM, un label de Nashville, a mis les petits plats dans les grands. Et c'est Eddie Kramer (Led Zeppelin, Stones, Dylan,…) qui se charge de la production!
Scott apparaît au sein de trois formations différentes. Sur trois titres, il est rejoint par d'anciens musiciens de Hendrix. En l’occurrence Mitch Mtchell d'Experience et Billy Cox du Band of Gypsies. Ce qui nous vaut l'accrocheuse plage d'ouverture "Five women" (de Prince), au cours de laquelle la guitare rappelle celle de Carlos Santana, "You gotta serve somebody" de Dylan, et surtout, encore plus proche de Jimi Hendrix, un "Breakin' up somebody's home" qui a reçu le renfort de Buddy Guy.
Sur quatre fragments, il est accompagné de Double Trouble, l'ancien groupe de Stevie Ray Vaughan. Un autre adepte de Hendrix. Le feeling est tout de suite plus blues, chaleureux, et le groove de la section rythmique à son maximum. L’environnement sonore est coloré par l'orgue Hammond de Reese Wynans. "Stand by me" lui colle à la peau. Sa voix, bien modulée, épouse les contours rythmiques. Excellent!
La même équipe nous emporte avec la même réussite dans des thèmes connus, "I believe to my soul" (Ray Charles), "Dimples" (John Lee Hooker) et "Right place, wrong time" (Otis Rush). Enfin, cinq titres ont été enregistrés en compagnie de son groupe, le Scott Holt Band. Le blues rock y est parfois un tantinet hard. A l'exception du blues très sensible, écrit par Guitar Slim, "It hurts to love somebody". C’est d’ailleurs ici que la guitare de Holt, retenant parcimonieusement ses notes, se fait la plus délicate et aussi la plus performante. Scott Holt vaut tous les Kenny Wayne Shepherd, Mike Welsh et Joni Lang de la Terre.
Toujours très colorée la tenue d’Eddie Il trône en pochette tout enturbanné d’or et cerné de rouge. Peut-être un reliquat de la Jamaïque qui l’avait vu naître voici 71 ans. Pourtant, sa jeunesse, il la passe dans les champs de coton de l’Alabama! Il émigre à Detroit à la fin des 40s, au bon moment pour se joindre à un John Lee Hooker en pleine ascension dans sa carrière. Depuis, il mène sa carrière en dehors de toute influence majeure. Il compose, comme nul autre. Son jeu de guitare est unique. Un style qui peut parfois paraître fragile, aux confins de la dissonance, mais en même temps clair, amplifié, épousant de près son chant.
Et c’est vrai dès le titre d’ouverture, "Love me". Il aime jouer sur les sons, mais en les dominant. La mélodie peut être au rendez-vous. Comme sur "Rainbow", au cours duquel la voix de ténor est bien posée. C’est du tout bon Kirkland. Sur "Honey bee" (pas celui de Muddy), il accélère le rythme et sort son harmonica avec plein de fougue et d’enthousiasme. Il a été, dans les 60s, le guitariste d’Otis Redding. Il peut nous le rappeler par le son Stax de "Movin’ on", grâce aux Nutmeg Horns et l’orgue de Bruce Feiner. Eddie chante avec beaucoup de passion, de vécu, de feeling dans la voix, de persuasion aussi, à l’instar du remarquable "Got to find me another woman". Cet elpee nous réserve quelques sommets.
‘Un des secrets les mieux gardés de Chicago’, précise les notes de pochette! Je n’en sais rien, mais une chose est sûre, Johnny Laws est doté d'une voix remarquable, faite de douceur et de sensualité, proche du blue soul.
Manifestement, il affirme sa classe dès l'ouverture, "Driving wheel", de Roosevelt Sykes. L'harmonica de Chris Whiteley et le piano de Tyler Tarema font ici preuve d’un maximum de retenue et de discrétion. Aussi proche, la reprise de "Sweet sixteen", est toujours cajolée par une voix réservée et mielleuse. Comme son style ne le trahit pas, Johnny est bien un vrai bluesman de Chicago, né dans le South Side, il y a 56 ans. Et le blues, il peut le chanter sans discussion, injectant la sensibilité naturelle qui est la sienne. A l’instar du "Part time love" de John Hammond, " I’ll take care of you " de Brook Benton et surtout le "Steal away" de Jimmy Hughes". Ces plages baignent au sein d’une douceur infinie et une beauté extrême. De très grands moments! Dans sa jeunesse, Laws a été encouragé par Jimmy Reed. Il reprend ici 2 de ses meilleures compositions, "Ain't that lovin' you baby" et le très beau "Honest I do". Laws est un fin guitariste, mais son tempérament discret, économe, prend le plus souvent le dessus. Peu d'exercices de style en solitaire à se mettre sous la dent ; sauf le célèbre et rondement mené "Little by little". Cette œuvre délicate se termine par une reprise veloutée de "Sadie" de Hound Dog Taylor. A découvrir!
Le bluesman du soleil, au cœur de la Floride. Pour enregistrer son second album, Lomax a eu le nez creux. En recevant le concours de grosses pointures. Et notamment d’excellents vocalistes. En l’occurrence, Frank Frost et Shawn Brown. Il doit être friqué le Lomax car pour son 1er il avait déjà du beau monde. Bon, c'est peut-être aussi son talent et sa personnalité qui veulent cela. Mais si Willie est un guitariste talentueux, il n’est que piètre chanteur. Ce qui explique ses appels à l'aide.
Et c'est vrai qu'il a eu le nez creux, car "Back rub" nous transporte rapidement dans le monde des juke joints du Sud… Sam Carr à la batterie, Frank Frost au chant et à l’harmonica, ça vous dit quelque chose? Frost chante aussi un "Eddie Mae's cafe" bien carré, shuffle torride un peu pompé sur "Sweet home Chicago". Mais comme chanteur principal, il a trouvé l'oiseau rare en la personne de Shawn Brown. Il partage le chant et l'orgue comme s'il était dans le chœur de l'église baptiste du quartier. Nul doute qu'il ait forgé sa voix dans les chants de gospel, sa voix, talonnée par les envolées de la Strato à Willie. "Don't know what I did" et "For better or worse" sont de ces blues! Shawn chante comme un ange blessé le modérément rythmé "Take away your loneliness". Parfois comparé à Steve Earl, Lomax est un guitariste qui sait placer les notes qu'il faut, pas une de trop, au bon moment. Excellent musicien, il aborde tout naturellement l'exercice instrumental, humble et sacré sur le "People get ready" de Curtis Mayfield. Avec Sam Carr et Frank Frost au bord de la rupture sur "Ribs are ready" et "Hip joint". Il y a aussi le paternel à Lucky Peterson, James, qui se joint aux festivités. Il chante "She's so sweet" et "Don't fight the feeling". Un bon album de ce musicien soucieux de ses invités.
Deuxième album pour la craquante Janiva, toujours accompagnée de l’homme de sa vie, Jeff Turmes, qui joue principalement de la basse. Le jeune prodige italien, Enrico Crivellaro, tient le manche et le vieil Ed Mann (ex-Mighty Flyers) percute ! L’ambiance est toujours très West Coast et le swing discret emprunté à T-Bone Walker et Pee Wee Crayton. Janiva a un petit bijou de voix, très cabaret. On l’imagine volontiers aguicheuse, accrochant d’un regard les premiers rangs de l'auditoire.
Elle démarre ainsi par "My bad luck soul" avec la charmante Karen Hammack au piano ! Enrico se libère sur "Tears of Joy", de Leiber et Stoller. Karen impose un style très jazzy, cool, à l’arrière. Kid Ramos fait son entrée pour un délicatement rythmé "What’s the matter with the mill". Climat fin de soirée pour le lent "Empty bed blues". Quelle tristesse ce blues du lit vide ! Jeff chante son "Take a number" sur un rythme rockant, avec un Crivellaro en verve et "She never gets a minute of sleep", soulignant ses phrases vocales, de petits riffs au sax baryton. Jeff possède une manière originale de traiter les cordes lorsqu’il empoigne une guitare et qu’il la joue comme sa basse. Avec en prime, une slide au son pas possible sur "She’s a little bit much"! Mais les meilleurs moments de ce disque appartiennent au "Mojo boogie" de J.B Lenoir ; ou encore lorsque Enrico s’emballe sur le connu "It’s love baby (24 hours a day)". Janiva Magness possède une voix puissante, qu’elle met toujours au service de la chanson qu’elle interprète. Une attitude faite de respect, de feeling et… de talent. Respirez-la sur "Billie’s blues" en hommage à Billie Holiday. Elle laisse pourtant parfois le talent de ses musiciens s’exprimer. Comme sur le swing "Baby, baby, every night", tiré du répertoire d’Etta James.
" Winning hand " célèbre le retour du géant de Sacramento flanqué de ses fidèles musiciens. A ce jour, les Blues Rockers comptent une bonne dizaine d’albums à leur actif ; et il faut reconnaître que ces musiciens talentueux se sont toujours montrés à la hauteur de leur réputation.
L’opus s’ébroue sur un " I bought it for you " dont le tempo est discrètement emprunté à Bo Diddley, et sur lequel Tim Barnes se manifeste par une 1ère intervention de choix à la slide. Le même Tim à la voix rauque échange les vocaux avec Mick pour un "Everybody gets the blues", très rocker et accrocheur, soutenu par le piano de Mike Caselli. Mi-parcours, le rythme change et Caselli passe à l'orgue avant que Mick ne s'envole à l'harmonica. Vraiment super! Comme toujours, la composition reste le point fort du groupe. "Don't panic" et "Life on the road" se révèlent assez irrésistibles, assistés, il est vrai, par Rick Metz, venu prendre des soli de ténor sax. La manette des gaz est à fond. Jerry Banks aux percussions et Steve Schofer à la basse impriment le rythme pour un offensif et chouette "In the dark of night", ponctué d’un solo (trop court) d'orgue, qui nous rappelle de bien belles époques. Ambiance assurée ! Et la présence de cet orgue est bien la nouveauté de cet album. Cependant, le blues reste présent, avec de sérieuses tripes si vous me permettez l’expression. Barnes chante d'une manière très sale "Burn the house down". Mick y souffle un solo dégoulinant, avant de passer le témoin à la guitare déchaînée. "Shining star" est un petit joyau de blues. Le piano libéré de Caselli combine avec la redoutable section rythmique derrière qui emballe ; alors que les cordes de Barnes attaquent en fin de parcours. Trop!!! " Notch on my gun " est un autre brûlot de fin de parcours. Et ce n'est pas fini, puisqu'en "bonus tracks", l’album recèle une reprise de "Mustang sally" et une autre de "House of the Rising Sun". Personnellement, j'apprécie le band de Mick Martin et ce n'est pas cet album qui me fera changer d’avis.
Formation danoise, largement amplifiée, Mojo Hands entame cet album live –oh surprise– par "Sneakin' suspicion". Un brûlot de Dr Feelgood 1ère époque écrit par Wilko Johnson. Et ça continue de manière heureuse, grâce au très rock’n’roll, assez Rockpile, mais toujours très british, "We got a good thing going". Un moment choisi par Esben Just, en renfort au piano, pour y pratiquer le boogie furieusement. Climat plus ténébreux, mais assez original procuré par le phrasé de guitare de Michael Nadolny, pour le célèbre "Tainted love" (revitalisé ces dernières années par Soft Cell). Une adaptation live fort réussie ! Suit un "Let's buzz", bien gras et autrement plus lourd que la version des Paladins. "Livin' in a cabin" déménage impeccablement. L'harmoniciste Henrik Hensen se réveille. La boogie music continue de déménager tout au long d’"I love to boogie" et un superbe "Hard on Gumbo", sur un riff cher à Bo Diddley. Les Mojo Hands jouent admirablement ce type de répertoire. Leur "Evil ways" est un R&B à larges coups de riffs, épaissi par les vocaux éructés de Henrik. Une formation qui achève son concert, en rock et en roll, par un sémillant "Ballad of Big Sally. Les Mojo Hands ne sont pas un groupe révolutionnaire, mais ils s'amusent beaucoup en faisant ce qu'ils aiment!
Eric Moore est en forme conséquente, prêt à décoller vers New Orleans dès "Pork Shops", souvenir d'un sandwiche (?!?!) Un artiste de valeur. A la fois chanteur à la voix puissante, aisée, et pianiste très versatile. Il s'emballe sur "Twelve inches". La guitare de l'Italien Leonardo Boni et le sax de Gordon Beadle sont aussi bien placés sur la rampe de lancement. "Sam old girl" est un blues bien rythmé, soutenu par l'ami Jimmy Gordon à l'harmonica. Le même duo ralentit cependant le tempo, avec ravissement, sur "True blues". Tom Hambridge frappe le solide tempo de rigueur pour "Rockin' Doc rocker", chanté à la manière d'un rapper. Tom a naguère joué pour Roy Buchanan. Il produit cet album. "The place of love" est une ballade pop majestueuse et lente faite pour se serrer. "Let's get hammered", rythmé en diable, style New Orleans fait ici, à nouveau, honneur au rythme forcené de Tom et au solo de sax ténor de Beadle. Cette fête du rythme se poursuit par "Towards Josephine". Peut-être pour rappeler une autre Joséphine célébrée par Fats Domino, dont le fantôme n'est pas vraiment absent. Très bon album marqué par l'étincelle qui scelle la rencontre du piano et du sax. Et notamment lors du blues "Stop shopping Mama!", le boogie "Pill takin' woman" ou sur le chemin de fer "Here tomorrow, gone today". Seules les guitares ne sont pas au même niveau!
Un chapitre de plus à la déjà longue collection des enregistrements de Mike Morgan pour Black Top. Le 8ème si on compte "Let the dogs run!", qu’il avait commis en compagnie de Jim Shuler. Et comme Lee McBee reste bien en place cette fois, la paire redoutable nous livre une brillante collection de blues texan! Redoutable, c'est bien le mot.
Nous sommes directement au cœur de la scène dès ce "Somebody help me" qui crache le feu! Et c'est ce diable de Riley Osborne qui tient les ivoires; présence de bonne augure, pour permettre à Mike d’aligner un 1er solo majestueux! Quant à Mc Bee il est facilement et indiscutablement l'un des meilleurs vocalistes du circuit actuel. Il possède une pêche, une puissance de tous les instants! Mike introduit de quelques notes simples l'harmonica de Lee pour sonner le 1er shuffle de l'album. "One of a kind". Qui rocke et rolle avec une désinvolture qui en dit long sur le talent que renferme le Crawl. Car question de groove, Willie J. Campbell et Richard Ennis en connaissent un sacré bout. Quant au solo de Mike, il nous prouve ses racines puisées dans la poussière texane, avec son zeste de country! Le rythme ne se désunit en aucune façon pour amorcer la plage titulaire. Les vocaux sortent directement des tripes de McBee. Quelles ressources! Riley Osborne passe à l'orgue pour l'exercice du funk "What do that mean?", et du blues rythmé "The hammer", alimenté par une nouvelle partie de gratte, résumé brillant des possibilités de Morgan. Et pourtant Mike ne redoute pas d'inviter un autre guitariste, en l'occurrence le jeune Shawn Pittman, responsable d'un excellent album sur Cannonball. Le duo s'engage dans la musique roots, pour "Face down in the dirt", au cœur du Delta, les vibrations électriques en plus! Et sur l’instrumental country swing, "Chasin' Casey". Le titre lent "I wanna know" nous plonge au cœur du westside de Chicago. Un album brillant qui se termine par "Martinis for two", une plage aux accents de jazz fin de soirée…
En 35 ans, depuis ses timides débuts discographiques à Chicago jusqu’aujourd’hui, Charlie a acquis une expérience inégalable. Et depuis pas mal de lunes, ce vétéran arrive encore à dérider le blues, l'ami! Pour lui, toute musique forgée dans la sensibilité, le feeling des musiciens, c'est du blues. A l'occasion de ses incessantes tournées, il a rencontré des tas de musiciens. Surtout cubains et brésiliens. Il a donc assimilé des éléments de leur culture musicale. Si "Continental drifter" présente le blues habituel, électrique et acoustique de Charlie, il propose une très intéressante fusion avec la musique cubaine.
Trois séquences. La première classique, en compagnie du band actuel de Musselwhite. John Wedemeyer y tient la guitare. J'aime particulièrement "Can't stay away from you". Charlie part dans un solo à l’ambiance orientale, très réussie, assez envoûtante. La lente (et longue) reprise de "Voodoo garden" de Tom Mc Farland permet à Wedemeyer de s’évader dans un solo excitant. Seconde séquence exotique avec les musiciens cubains, Eliades Ochoa et le groupe Cuarteto Patria. Il est tout à fait réjouissant, rafraîchissant d'entendre le divertissement de l'harmonica au milieu des rythmes latins. Manifestement très plaisante et réussie, cette direction mériterait d’être approfondie. La fusion des percussions latines, des chœurs joyeux et des cordes de guitare hispanisantes qui rencontrent la voix bluesy de Charlie et son harmonica, est assez irrésistible. La joie de "Que te parese, Cholita" et des trois plages suivantes vous apporteront la bonne humeur. Le temps d'un bon shuffle sur "My time someday" et Charlie aborde la troisième et dernière finale. Très roots, seule en immersion dans le Delta de "Blues up the river" et de "Please remember me". Excitant ce nouveau Musselwhite!
Malgré plus de 25 années passées sur les routes du blues et du rock’n roll, les Nighthawks de Washington D.C ont toujours bon pied bon œil. Super tatoo Mark Wenner n’a pas changé.
Il démarre en rocker en se servant de sa voix si ravagée pour le "Tiger in your tank" de Willie Dixon. Pete Kanaras donne à sa guitare des accents surf pour introduire "The wild one", titre pour la route aux réverbérations métalliques. Les Nighthawks possèdent plusieurs faire-valoir, lorsque l’ambiance se fait soul. La voix riche et suave du batteur Pete Ragusa fait son apparition, un chant taillé pour les ballades et le R&B. A souligner les excellents "Jump into my fire" et "That’s the way love is" (proche du "Heard it through the grapevine" de Marvin Gaye). Mais si la voix de Pete possède manifestement plus de relief, celle de Mark est bien la plus sale, un mauvais genre qui plane en permanence ; et Mark, même usé, parvient encore à faire baver instinctivement son harmonica hargneux, teigneux même, sur "Read way back" (de Muddy Waters) et "I don’t play" (de Dixon). Toujours dans son style mauvais garçon, il reprend deux titres qui remontent à son 1er album solo, "Guard my heart" et le traditionnel "Washed my hands". Wenner adore souffler dans les aigus, à la manière de Jimmy Reed. Il le démontre ici sur "Illustrated man", composé par l’homme de Nashville, Fred James. Ne pas oublier le bassiste, un grand blond vêtu de noir : Jan Zukowski. Ce n’est sans doute pas leur meilleur album, mais les Nighthawks restent un groupe pour la route.
Deuxième album pour les Nightporters, formation aussi populaire chez eux en Angleterre, que chez nous, en Belgique. Si leur premier opus, "Feelin’ good", nous avait ravis, leur second n’est certes pas pour nous déplaire. A cause de ce son puisé au cœur des années 50, dans l’âge d’or du rockabilly et du R&B. Chris Robbins-Davey et Kevin Crowe propulsent les guitares de Martin Vowles et de Ian Roberts. Ce dernier se réserve, bien sûr, l’harmonica et l’essentiel des parties vocales.
Ils ont gardé toute leur fraîcheur pour s’attaquer au "Just keep loving her" de Little Walter. Une composition qui leur colle parfaitement à la peau et qui bénéficie de la présence du redoutable Ben Waters au piano. Sur cet album, les Nightporters présentent deux visages. Comment dire ? Face noire/blanche, sale/propre, méchante/gentille, Stones/Beatles. Si vous me suivez, je leur préfère à chaque fois le 1er choix. Et fort heureusement, il l’emporte largement. Ce ne sont pas des maître-techniciens, mais plutôt des musiciens qui aiment communiquer avec leur public. Vibrer et transmettre ce qu’ils ressentent au plus profond d’eux-mêmes pour le plaisir de leur audience. Nul doute que si un album des Nightporters est bon, restitué live, ce sera meilleur encore. De leurs compositions, j’épinglerai donc d’abord le long "I’m going to change my whole direction" ; en quelque sorte la plage qui donne le nom à l’album : "Rollercoaster". "Everybody's in the mood" est un boogie qui bénéficie à nouveau du piano virevoltant de Ben Waters. J’ai aussi apprécié les reprises de "Wang dang doodle" et surtout "Catfish blues". Et puis également la lente ballade de Mike Sanchez (des Big Town Playboys), "Baby please". Ce que j’ai moins goûté, c’est leur côté plus gentil, comme "That's what you do to me" et "I want you".
A l'âge d'or des Fabulous Thunderbirds, la place blues au Texas, c'était Austin. Aujourd'hui, c'est bien la grande ville, Dallas-Forth Worth qui est devenue le centre de gravité du Texas Blues. Shawn Pittman, jeune chanteur guitariste compositeur, signe ici son 2ème album (après "Burnin' up"). Un chapitre musical bien plus personnel que le premier ; et qui demandera, sans doute, plus d'écoute pour l'assimiler.
Nous sommes au Texas, le shuffle est donc bien présent, comme sur "Just a game". Shawn n'est pas un guitariste extraverti mais quand il le veut, il sort des soli sans faille. A l’instar de "Make it through", caractérisé par une intervention inspirée d'Albert King! On trouve aussi 3 instrumentaux dont le galopant rocker "Cruisin'", au cours duquel Riley Osborne au piano tente de suivre les cordes. Pittman referme par "That first drink", un trip dans le Delta! Très bon album qui démontre une forte maturité pour son jeune âge. Il délivre ici un album très varié, découpé en 11 fragments dont une seule reprise, réussie il est vrai, du "Something to remember you by" de Guitar Slim. La plage d'ouverture, "Something's gotta give", est une présentation qui indique bien le style de ce nouvel album. Le rythme est dansant. La section rythmique porte les autres musiciens. La guitare de Shawn, le plus souvent en mode rythmique, et l'orgue de Riley Osborne se mêlent dans ce décor très riche. Le célèbre concitoyen Mike Morgan apporte son appui sur "Payin' the price".
Tom est un guitariste internationalement connu pour tous les albums concoctés au sein de son band Powerhouse. Virginien, proche des Nighthawks, il est l'un des principaux acteurs de la scène de Washington. Il a fait d'ailleurs équipe en compagnie de Jimmy Thackery chez les Assassins dans les 70s. Cet opus, comme son nom l’indique, nous entraîne à la découverte de son passé. Une sélection opérée parmi ses 4 premiers albums personnels, enregistrés entre 1985 et 92. Intéressant quand on pense que les 3 premiers n'ont jamais été édités en CD.
En 85, pour "Smokin", il s’était entouré de Steve Wolf à la basse et de Robbie Magrader, à la batterie. 3 titres ont été choisis sur cet elpee. Dont la reprise de Steve Earle, "My baby she worships me", relevée par la présence de Kim Wilson à l'harmonica.
En 87, il commettait "I know what you're thinkin". Dave Palamar remplace alors Robbie Magrader. La plage titulaire est magique. Le rythme de "Try to reach you" entraînant, est traversé par le piano sautillant de Kevin McKendree et appuyé le support de Big Joe Maher. La reprise du "Congo square" de Sonny Landreth est également incluse sur cet album.
D’"In orbit", sorti en 90, on n’y retrouve qu’un seul titre, "Deep in the heart of Texas" de l'anglais Geraint Watkins, dont l’atmosphère colorée fait incontestablement très tex mex. De l’excellent "Tip of the iceberg", paru en 1982, je retiendrai surtout le superbe instrumental "Sweet little thing", coloré par l'orgue très Booker T de McKendree ; et "It all went down the drain", caractérisé par cette grande guitare qui fait face à l'orgue de Chuck Leavell et aux percussions de Gali Sanchez (Santana).
Principato a sorti début 99 un album live (" Live and kickin "), dont une partie a été pise à Gorica pour la radio nationale slovène. Suivez l'homme !
Kid Ramos s'est taillé au fil des ans une bien solide réputation. Il affiche toujours un look bad boy, tatoué et un rien teigneux ; mais le musicien présente déjà un fameux pedigree. Notamment à cause de ses participations au James Harman Band, aux Fabulous Thunderbirds et ses évasions d'artiste libre, souvent en compagnie de son pote harmoniciste Lynwood Slim. Ce qui lui a valu, au passage, de tisser de solides amitiés dont il profite largement ici. Kid n'est pas vraiment un chanteur, il a donc eu recours à des renforts de premier choix. Et notamment ses ex-patrons, Kim Wilson, James Harman, Lynwood Slim déjà cité, mais aussi Cesar Rosas de Los Lobos, Willie Chambers (souvenez-vous des Chamber Brothers) et la suave Janiva Magness.
Et l'album me direz-vous? Impeccable! Il s’ouvre par le "Dead love" de Little Milton, soutenu par Kim Wilson au chant, et enchaîne avec "No more alcohol", très fifties. Rob Rio se réserve les ivoires et Lynwood Slim le chant. Willie Chambers a gardé la voix brûlante qu'il avait quand il chantait "Time has come today" dans les 60s. Pour "Leave me alone", un R&B écrit par Ray Agee, l'effet est remarquable. Cesar Rosas mène de sa voix de chicano le célèbre "300 pounds of joy", alors que Gene Taylor a pris la place au piano. Un album sans faille, sur lequel les cuivres sont omniprésents, épinglant au passage, un certain Jeff Turmes au sax baryton. Mais avant tout c'est un album de Kid Ramos. La guitare est donc en effervescence sur toutes les plages. Ramos est un gars qui a tout compris et assimilé le meilleur de ses maîtres. A l’instar de "Cold chicken and beer", un instrumental hanté par le fantôme d'Albert Collins. Ou encore le "Fiddle De Dee" de Pee Wee Crayton, balayé par la slide ! Un album remarquable qui nous permet de retrouver ensemble la majorité des musiciens qui formaient le James Harman Band des 80s.
Quelle bonne idée Iverson ‘Lousiana Red’ Minter a eue de revenir enregistrer à Chicago. Lui qui vit en Allemagne depuis si longtemps. Un disque très ‘rouge’ pour Red. A la pochette où le rouge voisine le noir. Le Red qui intervient aussi sur 3 titres dont l'ouverture très Muddy Waters, "Red's vision". Red y développe sa vision des événements qui font l'actualité. Il est entouré de musiciens de première main qui s'entendent à merveille. Et cela se remarque.
C'est la fête sur "Play on your harp": Willie "Big Eyes" Smith à l'harmonica (pas à la batterie) et Allen Batts au piano. Quant au rythme il est mené par la basse de Willie Kent. Et puis vient enfin la slide, roucoulant dans un blues lent qui ne peut venir que de Chicago. Tout est parfaitement en place, bien huilé. Une superbe parenthèse jazz dans l'instrumental qui suit "Red's jazz groove" avec un solo pas piqué des vers, commis par Brian Bisesi. Musicien habituel de Luther Johnson, il a été invité pour gratter sur quelques plages. Brian et Red s'échangent des soli juteux sur le lent "Too poor to die", à nouveau très Waters. Red a eu une enfance très difficile dans les orphelinats. Sa mère est décédée d’une pneumonie, alors qu’il ne comptait que 7 jours. Il avait 5 ans lorsque son père est lynché par des membres du Ku Klux Klan. Le thème de sa jeunesse revient souvent dans son œuvre. Comme sur "Red's childhood memories", témoignage parlé, et "Orphanage home blues", absolument poignant, où Red n’est accompagné que de sa guitare. Ce couple reste pour "Leechie gardens" et "Got a home in that rock". L'amplification revient pour les 4 derniers titres, dont "That Detroit thing". Un rappel d'années passées dans la Motor City, parfois aux côtés de John Lee Hooker. Cet excellent album se termine par le "Millenium blues".
J'attendais tellement de ce nouvel album, après avoir craqué sur le sublime "I want you to know", qu'autant l'avouer de suite, je suis déçu. Oh, la qualité n'est pas en cause, au contraire, mais le titre de l'album nous met immédiatement au parfum. Il est tourné vers le country blues. Ce qui, sans doute, n'est guère surprenant ; car Paul Rishell est avant tout un artiste de country blues.
"Kansas City blues" ouvre le bal et nous permet de découvrir une nouvelle facette du talent d'Annie Raines. Elle joue de la mandoline. La plage titulaire suit. Imprimée sur un tempo solide, marquée par les baguettes de Marty Richards du Duke Robillard Band. Annie chante "I got the blues" de Bo Carter manifestant infiniment de respect pour la tradition. Une tradition à laquelle Paul reste très attaché. Mais comme il est surdoué, ça passe sans problème. Sa reprise de "Keep your hands off her" de Leadbelly est admirable, très roots ; sa guitare amplifiée se conjugue à la mandoline d'Annie. L’éclair, la claque survient à mi-parcours. A travers le très nerveux instrumental "Sweet tooth". Un tour de force à l'harmonica. Annie chante alors « Good women have bad days », une de ses compositions au titre tellement évident, avec à la clé, un solo d'harmonica chromatique, très Little Walter. Elle chante aussi son "Turning corner", tout en pianotant un Fender Rhodes électrique. Paul y décoche son meilleur solo. Beauté et pureté pour l'instrumental "Tears" de Django Reinhardt et Stéphane Grapelli. Annie y joue la partie violon sur son instrument chromatique. Voilà, c'est tout, c'est un bon album mais je m'en vais remettre "I want you to know" dans ma platine.
Vous connaissez Los Lobos ? Vous aimez? Alors pas de problèmes pour vous. David Hidalgo est un personnage déjà bien connu. Mais Cesar Rosas, le guitariste est aussi un grand musicien. « Soul disguise » cosntitue est son 1er album solo. Il aime la rock music, le Cesar.
« Little heaven », qui débute l’opus, est un service gagnant. L'ambiance guitare/orgue n'est pas sans me rappeler Green on Red (NDR : formation issue du Los Angeles) ; et le solo de Cesar est d'une richesse mélodique insoupçonnée. "You've got to lose" est une autre plage rock sans concession (écrite par Ike Turner), dont l’impact est direct. Une nouvelle fois, la guitare s'envole vers des sommets. L'atmosphère est manifestement assez proche des débuts de Los Lobos. "Tough to handle" est un blues rock basé sur un riff dramatique. Néanmoins, Rosas reste très roots et il se retrouve bien vite de l'autre côté de la frontière mexicaine en attaquant "Angelito" et "Adios mi vida", joyau d'accordéon joué par Flaco Jimenez. La musique reste festive, très carnaval, pour "Struck", très New Orleans, avec l'accordéon d'Eddie Baytos. "Better way" est une bien jolie ballade folk très latine. La plage titulaire "Soul in disguise" est un autre blues rock, caractérisée par une guitare discrètement fuzz et un orgue bien présent. "Treat me right" est un blues rythmé proche du son West Side de Chicago. Un bon album qui contient quelques sommets. Mais la cime de cet opus est atteinte par "Racing the moon", un boogie blues, enrichi par les interventions de basse de Larry Taylor et l'harmo de Lynwood Slim. Boogie, man!
Etabli à la Nouvelle-Orléans depuis 10 ans, Sansone chante, joue de l'harmonica et de l'accordéon. De sa Louisiane hospitalière, il en extrait l'essence musicale faite de blues, de zydeco et de rock'n'roll! Il est loin le temps où il faisait partie des Broadcasters de Ronnie Earl. « Watermelon patch » constitue son 2è album pour Bullseye. Il fait suite à "Crescent city moon", gravé en 1997.
Il démarre plein zydeco par "Think of me" avant de partir dans le rock et le roll, et d'empoigner son harmonica sur la plage titulaire. Le piano de Jon Cleary y va à grands coups d'arpèges. Un ménage uni qui s'éclate sur "Upside of lowdown". Johnny a composé les 13 scènes qui constituent cet album. Il se montre excellent dans l'écriture. Ainsi "Look at us now", à la mélodie facile et dansante, nous ramène devant les juke boxes du début des 60s. Un grand moment! Les pièces instrumentales sont aussi de grande qualité. La guitare métallique et l'harmonica proche du Charlie Musselwhite cuvée 99 s’évadent dans un rythme aux parfums exotiques. Le blues est bien entendu présent. Très appuyé, avec Sansone à l'instrument chromatique, sur "Pig's feet & tailmeat". Un son dur, proche de celui de Steven De Bruyn d'El Fish sur "Blues for Bekie". "Stink" nous permet de mesurer la robustesse et l'efficacité de la section rythmique confiée à Dave Ranson et Kenneth Blevins. Retour dans les bayous, pour la musique cajun sur "Comin' for sure" et "The bridge", ainsi que zydeco pour "Mon Fleur". Sur l’excellent blues "Civilized city", la slide de Rick Olivarez s'offre son moment de gloire! Ce superbe album s'arrête sur une ballade swamp rock, "Neutral ground". Précipitez-vous, c'est un 5*!
L’album de Savoy Brown était très attendu. Leader incontesté, Kim Simmonds, a gardé le chanteur bassiste Nathaniel Peterson que l'on a pu voir lors de la dernière tournée européenne. Nouveau venu à la batterie, Tom Compton est un ancien musicien d'Alvin Lee. Des invités de prestige : Dave Maxwell au piano et Paul Oscher à l'harmonica.
L'album débute de la meilleure des manières, sous des accents de slide graisseuse, inspirés du Sud profond: "Going down to Mobile". Je persiste à penser que Nathnaniel a la voix idéale pour Savoy Brown, assez proche de Chris Youlden sur ce titre. "She's leaving" est le blues répétitif, sobrement rythmé qui était le faire-valoir du groupe dans sa période du début des 70s, avec Dave Walker au chant. Pour cette plage, le batteur d'origine Roger Earl est présent et Leo Lyons de Ten Years After tient la basse. C'est la même ambiance qui préside la plage titulaire. Pour "That's all I want baby", l'amplification est bloquée au minimum. Les deux guitares peuvent rivaliser. Celles de Kim et de… Duke Robillard. Le long et lent blues "Bad shape" m'avait enchanté lors d'un récent passage à Tourcoing. La version enregistrée est très dépouillée, mais nous laisse respirer à grandes bouffées le style Simmonds. Kim chante "Mississippi steamboat", une croisière fluviale vers New Orleans, soutenu par le piano de Maxwell pour donner du tonus. Il chante aussi "When you got a good friend", composé il y a bien longtemps par Robert Johnson. Atmosphère Delta unplugged pour "Ain't no need to worry". Kim se réserve le bottleneck. La reprise de "Little Red rooster" est également au menu. Il est vrai que ce titre a toujours figuré au répertoire live. La finale est très enlevée, avec cordes dans le mode jazzy, nouveau duel Simmonds/Robillard à la clé. Solide album mais pas leur meilleur!
Pas de nouveaux enregistrements pour l'harmoniciste de Chicago, mais une introspection sur des flashes de son passé! L’album est d’ailleurs sous-titré "1967-1982 : The best from Little Mack's Chicago blues and soul record labels". Malcolm Simmons, originaire de l’Arkansas, a aujourd’hui 66 ans. Il était donc bien plus jeune à cette époque.
Cette collection débute par "You’ve got to help me", un exercice sur le thème de " Help me". "You’re so fine" est une plage très rythmée au chant offensif et à l’harmonica bien en bouche. Trois plages sont tirées d'un album enregistré en 77, par l'obscure chanteuse Arelean Brown, dont un "I'm a streaker baby" conduit par la basse bien présente de Robert Covington, et "Impeach me", caractérisé par des échanges vocaux emmenés par Lee Shot Williams et bien entendu la musique à bouche de Mack. Le groupe de studio est excellent. Baptisé le Simmons Sound Studio Band, il intègre outre Davenport et Simmons, le guitariste Lonnie Brooks, le pianiste Detroit Junior et le sax baryton de Willie Henderson. Nous avons droit à quelques perles comme "The same one", une version de "Key to the highway" qui mixe les cuivres avec un harmonica plus Sonny Boy que jamais! J'ajouterai aussi un 45tours de Fenton Robinson, chanté par ce dernier, "Cryin' the blues". Néanmoins, tout n'est pas d'un intérêt bouleversant pour nos oreilles bimillénaires.
Henry Lee est né en Virginie, il y a 72 ans, d'un père mineur de fond. Il a également été mineur, et s'est établi depuis 1960 à Boston. Spencer n'est guère connu de ce côté de l'Atlantique. Il a joué pourtant avec J.B Hutto et Luther ‘Guitar Junior’ Johnson. Il souffle dans son harmonica dans un style qui lui est propre, assez rudimentaire. Il possède la voix grave d'un baryton et est ici accompagné du pianiste Eric ‘Two Scoops’ Moore. Henry Lee adore chanter ses chansons de sa voix d'outre-tombe, plus éraillée que celle de Howlin' Wolf.
Il chante le Seigneur sur "Precious lord", avec tendresse et beaucoup de passion. Il hausse le rythme mais pas le ton de sa voix pour le connu "Big fat Mama",bénéficiant du renfort de Moore à solides coups d'arpèges. On ressent un frisson lorsqu'il chante seul avec son harmonica, le très court "So long darling", un peu comme Sonny Boy Williamson pouvait le faire. C'est un Spencer meurtri de ne pas avoir de nouvelles de sa rouquine qui chante "The girl with the red hair". L’émotion est palpable. Chaleur brûlante pour "Henry Lee Boogie", lorsque Henry prend son pied à l’harmonica. Faut le faire! Emotion encore dans le jeu aux ivoires d'Eric Moore sur "Where 'd you get that golf from" chanté par un Spencer désabusé. C'est Moore qui vient alors chanter "Old whiskey… young women", compo au cours de laquelle, on a l’impression qu’Henry Lee est parfaitement imbibé pour dispenser ses réponses. Et très courtois, il ne termine pas cet album sans nous adresser son "Goodbye". Très roots!
Eric ‘Two scoops’ Moore est pianiste et chanteur. Il est canadien. Son Combo se résume à une section rythmique dirigée par Tom Hambridge et le sax de Gordon ‘Sax’ Beadle. "Big Buffet" constitue donc son dernier album. Ce qui ne l'empêche pas de garder son siège de pianiste dans les Magic Rockers, le groupe de Luther ‘Guitar Junior’ Johnson. Le point faible de "Cleanplate" était la guitare. Ici, pas de guitares, donc pas de point faible. Mais toujours cette harmonie parfaite entre piano, saxes et percussions. Les rythmes s'emballent à chaque détour de l'album. Et on pense tout particulièrement à "Hard headed mama" et à "Two scoops".
Eric est un pianiste complet et se débrouille plutôt bien, dans bien des registres. Mais ce non-Louisianais est particulièrement à l’aise dans le style des pianistes de la Nouvelle-Orléans, que le tempo soit élevé, ralenti comme "Me & my baby" ou entre les deux ; très Professor Longhair avec "Woman's liberator" ou encore la reprise de "Big fat mama". Il se montre du 1er au dernier titre, un vocaliste convaincant, toujours efficace et tout spécialement dans les climats bluesy de "DT baby", "Loading dock baby" ou le bouillant "Old blues jam". Un pianiste devant une meute de saxes, pensez-vous? En fait cette meute se résume à Gordon Beadle et à Tom Baker; mais qu'est-ce qu'ils remplissent l'espace sonore!! Un tout bon album pour les amateurs de piano blues et R&B.
Chanteur/guitariste texan, John Ussery bourlingue depuis bien longtemps sur les routes, puisqu'en 1969, il enregistrait déjà un album, avec le groupe Locomotive. Il a aussi milité au sein du band de Delanay Bramlett. Il s’est ici entouré de son Full Tilt Blues Band, une section rythmique et les claviers de James Simpson L'album a été enregistré à Austin.
Il débute par la plage titulaire, caractérisée par une guitare clairement texane. Ussery possède un style affirmé à la guitare, souvent proche de la trilogie des King, Albert, BB et Freddie. Cette guitare reste bien marquée tout au long de l'elpee. Le chant n'est pas inoubliable, mais en symbiose avec les cordes bien amplifiées ; elle fonctionne correctement, me rappelant même parfois l'Anglais Mick Clarke. Elle colle même très bien, lorsque musicale, à la tonalité plaisante, elle épouse les réponses données par la guitare, ne demandant qu’à s’échapper. En particulier sur "Somebody help me". Et en maîtrisant l’amplification du son, John évite que la dissonance ne s'installe. Les effets piqués à Albert King sont de la meilleure veine sur les derniers titres "Ain't gonna quit you", "Jump and get" et "Love that guitar". Le blues lent pratiqué sur "It's raining down in Texas" est tout bon. Du vécu! "Somebody help me" évoque un des titres majeurs de BB King, "The thrill is gone". Un regret, les arrangements de claviers et de synthés. Inutiles, ils auraient pu rester aux vestiaires. John vient d'enregistrer son second album, "Cryin' and screamin", en compagnie de l'harmoniciste californien Stan Ruffo!
Le label Telarc apprécie les hommages aux légendes du Chicago Blues. Après avoir révéré Howlin' Wolf sur « A tribute to… » et Muddy Waters sur "You're gonna miss me" –deux albums, il faut l’avouer, sans véritable étincelle– place à un hommage au plus grand compositeur de l'histoire du blues, Willie Dixon. L'artiste mérite assurément des œuvres de ce calibre. Fait assez rare chez les bluesmen, il est mort paisiblement dans son sommeil, en janvier 1992.
Le band de base de cet album réunit des gens bien connus tels que Jerry Portnoy, Dave Maxwell et les purs, Eddie Shaw, Calvin Jones et Willie Smith. Ils sont rejoints par un guitariste omniprésent mais largement inconnu, Doug Wainoris. Quoique Doug soit quand même compromis sur l'album "Legends" de Pinetop Perkins et d’Hubert Sumlin", paru sur le même label.
L’opus débute par le célèbre "Spoonful". Un instrumental qui s’appuie sur un dobro pour mener l'ensemble. Ensuite c'est l'arrivée des guests (invités de prestige). John Mooney porte "When the lights go our" de sa forte voix, très roots, appuyée du sax de Shaw et du piano de Maxwell. Eddie Kirkland, dans un style assez proche porte très bien son titre, "Do me right". Tab Benoit monte de sa Louisiane pour reprendre "Mellow down easy", surtout marqué par les breaks d'harmo de Portnoy. Kenny Neal chante, gratte et souffle sur "Bring it on home". Eddie Shaw affiche la voix de circonstance pour interpréter un titre que j'apprécie beaucoup, "I ain't superstitious". L'ambiance du Southside apparaît lorsque le batteur Willie Smith vient chanter "The same thing" ou quand Luther "Guitar Junior" Johnson, qui a emmené Ronnie Earl dans sa valise, nous délivre un très séduisant "My love will never die". Clarence Gatemouth Brown, invité surprise, reprend "I just want to make love to you". Enfin deux chanteuses participent également à cet hommage. Deborah Coleman qui double à la guitare. Et puis la roots singer Christine Ohlman. Membre de Rebel Montez, elle a joué avec Eddie Kirkland. Sur « Crazey for my baby », elle est suppléée par un Sonny Landreth, impérial à la slide.
Le meilleur des enregistrements studio de Muddy Waters date sans aucun doute des 50’s. Dans les années 60 et 70, Muddy était bien pus intéressant live qu'en studio. La redécouverte de bandes live de ce passé est toujours accueillie avec un plaisir non dissimulé par les blues freaks. Ces bandes oubliées ont été prises lors de 2 dates en 1971 aux universités de Washington et de l'Oregon. Muddy réapparaissait alors, après le décès de son pianiste Otis Spann en 1970, remplacé depuis, et comme vous le savez probablement, par Pinetop Perkins.
Mon grand plaisir ici est la présence de George Smith à l'harmonica. Le regretté Georges est devenu aujourd’hui une référence. A cause de l'influence majeure qu'il a exercé sur la génération actuelle de souffleurs californiens ; Rod Piazza et William Clarke principalement.
Deux guitares, celles de Pee Wee Madison et Sammy Lawhorn entourent bien entendu la slide du boss. La section rythmique est composée de Calvin ‘Fuzz’ Jones et de Willie ‘Big Eyes’ Smith. 10 titres, pratiquement tous les plus connus de Muddy.
Priorité au slow blues, le rythme n'étant réservé qu'à "Walking thru the park", "Trouble no more" et "Got my mojo working". Le concert s'ouvre sur un majestueux "Honey Bee". Le festival continue au fil de ces canons du blues que sont "Hoochie Coochie man", "Long distance call" et "Mannish boy". Le sommet est incontestablement "She's 19 years old" introduit par Muddy, compo qu’il partage avec tendresse et excitation auprès de son public. Le climat est dépouillé à l'extrême. Et c’est dans ce vide relatif que l'on goûte le mieux les notes produites par George Smith (à pleurer !), Pinetop et Muddy. L'album ne semble pas pour l’instant destiné à l'exportation; mais il est à espérer qu'il soit disponible à tous au plus tôt, car c'est bien 50 bonnes minutes intenses du meilleur des blues.
Le trio hirsute texan frappe à nouveau. Un tempo lourd s’installe d’entrée sur "Poke Chop sandwich". La voix est éraillée. La guitare plaquée en accords lourds. Les percussions sont hyper-trafiquées et les backing vocaux saisissants. Le ZZ Top n’a pas froid aux yeux. Le son est très moderne, flirtant parfois avec le hip hop. Ce n’est pas du bass’n drum, comme ils le revendiquent, mais du ‘drum, bass & fuzzy guitar’. Les trois éléments presque soudés forment une section rythmique de plomb. ZZT cultive le son, les phrases répétées par les deux voix. La guitare de Billy Gibbons vagabonde sur " Crucifix a faltt ". "Fearless boogie" emprunte un boogie à rythme modéré, sans peur ni reproche, mais dont le climat reste oppressant. "Beatbox" est ma plage favorite, un boogie plus hard, mais dont la conjugaison des 3 instruments est assez impressionnante. Gibbons est un guitariste créatif. Il découpe, décortique et puis recompose le tout. Il synthétise les soli du 21è siècle! Et puis il y a toujours cette invitation à la danse solitaire avec ces voix qui ne chantent pas vraiment et les rythmes qui s’enchaînent. Enfin surprise, les 4 derniers titres sont live. Les trois Texans ne sont pas des robots mais bien des humains, "Teddy bear" est un vrai blues lent, avec de la passion. Sur ""Hey Mr Millionaire", Jeff Beck donne la réplique vocale à Billy Gibbons. Et lors de la finale, "Belt buckle", Billy sort sa slide. Le son devient alors est épais, puissant, mais toujours maîtrisé. Beaucoup de fun Z.Z.
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