Initiée en septembre 2011, la tournée de Camille compte déjà plus de 90 dates au compteur ; et son dernier album, s’est vendu à plus de 85.000 exemplaires
Pour la première fois de sa carrière, Camille a choisi l'Olympia, à l'occasion de deux soirées exceptionnelles en octobre dernier, afin d’immortaliser son spectacle.
« Ilo Lympia » adresse un clin d'œil à cette salle mythique, si vous souhaitez voir et revoir Camille sur scène. Il sortira ce 4 février 2013.
Tracklisting
Cd
1 --- Aujourd'hui
2 --- Le berger
3 --- L'étourderie
4 --- Ilo Veyou
5 --- She Was
6 --- Mars Is No Fun
7 --- Bubble Lady
8 --- Shower
9 --- Message
10 --- La France
11 --- Allez allez allez
12 --- Ta douleur
13 --- Janine
14 --- Paris
15 --- Cats and Dogs
16 --- Pâle septembre
17 --- Au port
18 --- My Man Is Married But Not To Me
19 --- Wet Boy
20 --- Le banquet
21 --- Tout dit
22 --- Mon premier Olympia
Dvd/Blu-Ray
1 --- Aujourd'hui
2 --- Le berger
3 --- L'étourderie
4 --- Ilo Veyou
5 --- She Was
6 --- Mars Is No Fun
7 --- Bubble Lady
8 --- Shower
9 --- Message
10 --- La France
11 --- Allez allez allez
12 --- Ta douleur
13 --- Janine
14 --- Paris
15 --- Cats and Dogs
16 --- Pâle septembre
17 --- Au port
18 --- My Man Is Married But Not To Me
19 --- Wet Boy
20 --- Le banquet
21 --- Tout dit
22 --- Que je t'aime
23 --- Mon premier Olympia
www.camille-music.com
www.facebook.com/camilleofficial
Le Berlinois Pantha Du Prince a enregistré son nouvel elpee. Il s’intitule « Elements of Light », et à bénéficié de la collaboration de The Bell Laboratory. L’opus a été conçu comme une symphonie, mêlant électro et percus, dont une cloche de 3 tonnes !
"Spectral Split": http://www.youtube.com/watch?v=8eZfaNDmpTU
"Photon": http://www.youtube.com/watch?v=87rx_1xFgvg
La vidéo de « Need Your Love » a été réalisée par Anton Coene. Il s’agit du premier single de Trixie Whitley, issu de son premier album solo, « Fourth Corner », qui sera disponible dès ce 11 février.
Pour sa sixième (et oui déjà) édition, le pendant hivernal et électro des ‘Ardentes’ avait mis les petits plats dans les grands et nous avait concocté une affiche plutôt alléchante, du moins sur papier. Pour celles et ceux qui l’ignorent, le festival se déroule dans quatre salles, synonymes de quatre styles et ambiances divergeant fortement. La plus grande fait la part belle à la ‘drum’n’bass / dubstep’ (Pyramid), une autre se veut ‘house’ (Sphere), la troisième fait honneur à la techno (Cube) et la petite dernière peut être vue comme un terrain de jeu pour jeunes talents, belges de préférence (Redbull Elektropedia). Au niveau des artistes présents, on notera l’effort conséquent des organisateurs de faire revivre (un peu) le mouvement techno, quasiment absent lors de l’édition précédente, effet de mode dubstep oblige.
Premiers pas sur le site sur le coup de 22 heures et premier constat, c’est grand, c’est jeune et ça sue déjà à pleines gouttes. Sans réelles attentes avant d’assister au set de Stephan Bodzin, j’oscille inlassablement entre les différents espaces scéniques deux heures durant, le temps de tendre l’oreille aux sonorités frénétiques de Kölsch, aux hymnes dubstep des Dirtyphonics et, enfin, aux derniers morceaux choisis par la ‘révélation’ Wankelmut. Ce dernier, (trop) sûr de lui, n’hésite pas à balancer un… Sean Paul pour conclure sa prestation au grand étonnement du public…
Drôle de manière d’annoncer Bodzin. Ce dernier embarque directement son audience dans un voyage envoûtant et déconcertant, jouant constamment avec nos sentiments. Visiblement dans une excellente forme, le Teuton passe aisément du coq à l’âne tout en gardant une totale maîtrise de son sujet, sujet d’une cohérence exemplaire.
Le temps défilant à une vitesse impressionnante, il est déjà trop tard pour assister au live de Disclosure (pourtant dantesque, selon les spectateurs qui avaient opéré un crochet via la Sphere Room) et je dois me dépêcher pour rejoindre la talentueuse Maya Jane Coles. A l’image de sa carrière, le set de la jeune anglaise monte en puissance, une deep house qui vous prend aux tripes et force vos membres fatigués à danser, sourire béat flanqués sur les lèvres et paupières mi-closes. Nul doute que cette demoiselle reviendra hanter vos nuits de clubbing durant les prochains mois, il ne peut en être autrement.
Chemin inverse pour la dernière escapade de la nuit, une heure trente en compagnie du fondateur du label Systemic, j’ai nommé Marc Romboy. Il va délivrer une prestation à la hauteur de sa réputation : carrée, cohérente et agrémentée de turbines étonnamment harmonieuse ; un beau pied de nez à tous ceux résumant la techno à un ‘boom boom’ répétitif et chaotique.
Au final, ces Transardentes sont à placer sous le signe de la réussite tant au niveau de la programmation que de l’engouement du public qui, à nouveau, avait répondu présent à hauteur de 12 000 personnes.
On pourrait néanmoins regretter une signalisation approximative, un vestiaire chaotique et le manque de respect généralisé du festivalier lambda, passé une certaine dose d’alcool dans le sang ; mais ce serait alors bouder son plaisir et chicaner sur des détails.
(Organisation Ardentes)
Dix ans ! Il aura fallu dix ans pour avoir des nouvelles de The Postal Service. Forts d’un seul et unique album sorti en 2013 (« Give Up »), Benjamin Gibbard et Jimmy Tamborello nous flinguent d’un retour en 2013 sur leur site officiel. Et le duo de Seattle ne se fout pas de notre gueule, il balance du lourd ! Soit une réédition DELUXE de « Give Up » (le seul et l’unique !) sertie de deux inédits (« Turn Around » et « A Tattered Line Of String ») et habillée de toutes les simagrées habituelles (faces B, remixes, reprises, live). Une réédition façon double LP qui avait déjà été annoncée par Sub Pop en 2007. Cette fois-ci, elle devrait vraisemblablement voir le jour le 8 avril prochain.
Seule vraie réjouissance pour les fans, le groupe électro-indie américain devrait retrouver le chemin des planches prochainement. Deux dates sont d’ores et déjà programmées : le Primavera Sound Festival (Barcelone) et le Coachella (Indio, Californie). Concerts sous réserve d’annulation !
Give Up Deluxe 10th Anniversary Edition
Disque 1
01. The District Sleeps Alone Tonight
02. Such Great Heights
03. Sleeping In
04. Nothing Better
05. Recycled Air
06. Clark Gable
07. We Will Become Silhouettes
08.This Place Is a Prison
09. Brand New Colony
10. Natural Anthem
Disque 2
01. Turn Around
02. A Tattered Line Of String
03. Be Still My Heart
04. There’s Never Enough Time
05. Suddenly Everything Has Changed
06. Against All Odds (Take A Look At Me Now)
07. Grow Old With Me
08. Such Great Heights (John Tejada Remix)
09. The District Sleeps Alone Tonight (DJ Downfall Persistent Beat Mix)
10. Be Still My Heart (Nobody Remix)
11. We Will Become Silhouettes (Matthew Dear Remix)
12. Nothing Better (Styrofoam Remix)
13. Recycled Air (Live On KEXP)
14. We Will Become Silhouettes (Performed By The Shins)
15. Such Great Heights (Performed by Iron And Wine)
L’initiative du duo canadien est suffisamment originale pour être soulignée. Heureux de l’accueil reçu, auprès de son public, pour son premier album (« The Slideshow Effect », sorti en 2012 sur Sub Pop) et le succès rencontré lors de sa tournée internationale, Memoryhouse tenait à remercier personnellement ses fans par le plus beau des cadeaux : un nouveau titre et une nouvelle vidéo.
Sous la plume d’Evan Abeele et Denise Nouvion, les compliments pleuvent : ‘Nous voulions partager cette vidéo avec vous tous pour vous remercier de nous avoir accompagnés toute cette année. Vous nous avez entraînés à travers le monde et nous avons eu la chance de vous rencontrer. Nous pensons sincèrement, du fond du cœur, vous étreindre, bizarrement familièrement, sous la forme d’un morceau. Nous considérons donc ce clip comme un modeste remerciement aux merveilleuses personnes que vous êtes. Vous nous avez donné un cadeau d’une taille incommensurable. Merci d’être nos amis’.
Humilité ou marketing ? Voici votre cadeau de fidélité : http://vimeo.com/57957774
Mice Parade –anagramme d’Adam Pierce, percussionniste et leader du groupe– est devenu au fil de ses dix albums une sorte de globe-trotter indie-pop qui, au fil du temps, s’est mis à aimer jongler avec les genres. Une indie-pop émotive sur laquelle il tisse une palette musicale éclectique qu’il puise aux sources de ses nombreux voyages (à l’étranger). Un passeport musical traversant les frontières du shoegaze, du laptronica, du post-rock, du flamenco, de la musique afro-cubaine… Une musique sans frontières qui voyage entre passé et modernité. Tout un programme !
C’est sur le site de Soundcheck (WNYC Radio) que le baroudeur newyorkais nous invite à écouter l’intégralité de son dixième et dernier album. La sortie de « Candela » est prévue pour le 29 janvier prochain sur le label Fat Cat.
En écoute, ici et maintenant...
Il aura fallu seulement un an pour que Palma Violets (formé en 2011) contamine le public et la presse de son virus rock garage aux touches psychédéliques. Inconnu il y encore six mois, invisible et inaudible sur Internet, le quatuor londonien explose radicalement et devient très vite la révélation britannique 2013. Une presse dithyrambique qui le compare déjà à des groupes tels que les Clash, les Libertines ou encore WU LYF.
Signés chez Rough Trade sur base de concerts aussi balbutiants que tonitruants, lieu où les Londoniens excellent particulièrement, ils nous offriront le privilège de les découvrir, date unique pour la Belgique, le 6 avril au Charlatan (Gent).
La sortie de leur premier album, « 180 », est actuellement prévue pour le 25 février 2013. Enfin, pour vous mettre l’eau à la bouche, le label Rough Trade Records vous invite à découvrir une toute nouvelle vidéo du groupe. Vidéo tournée à Lambeth, Londres, et dirigée par Douglas Hart de Jesus & Mary Chain. C’est en écoute ici
Les sessions d’enregistrement de cet album avaient commencé en 2008 ; mais le processus a été interrompu, suite au décès accidentel de Jerry Fuchs, l’année suivante. Jerry Fuchs, c’était également et surtout le drummer de !!! Impliqué dans de multiples projets, il apportait également son concours à The Juan Mclean, Maserati et Massive Attack. Notamment !
« What is the meaning of what » devait donc être leur troisième elpee et faire suite à « Zwei », publié en 2004. Finalement, les deux autres musiciens ont décidé d’achever le disque, en faisant appel à plusieurs membres de LCD Soundsystem ainsi que du label DFA. Un concours qui a inévitablement influé sur les morceaux de ce disque. Un seul titre recèle quelques vocaux, « If it’s gone (It’s on) ». Ils sont apportés par le vocaliste de Disappears, Brian Case. Un morceau de techno hypnotique et énergique de 8 bonnes minutes. Hormis « Sex ghost », un interlude synthétique à la limite du drone, le reste de l’album oscille entre le krautrock et le disco. L’ombre de Can plane sur l’intense « Yeah, C’mon » et sur le final « Bovina », même si ce dernier lorgne également vers le space rock d’Hawkwind. C’est aussi la compo au cours de laquelle Fuchs étale toute sa dextérité aux drums. Si « Lazy afternoon of the jaguar » libère un groove disco imparable, le titre maître affiche un côté dancefloor réminiscent d’un certain Cerrone. Enfin, imprimé sur un tempo robotique, « Slave to the algorithm » est parcouru de riffs de guitare curieusement empruntés à Johnny Marr (The Smiths). Pas ma tasse de thé, mais cet elpee est bigrement bien fichu.
Si découvrir des nouveaux horizons sonores appartient à vos bonnes résolutions pour 2013, une oreille attentive à « Féten », la nouvelle compilation estampillée Vampisoul, s’impose. Un ‘must’, si vous souhaitez commencer l’année dans de bonnes conditions ! Alors que le jazz faisait fureur à travers l’Europe, dans les années 60 et 70, la production espagnole était à l’époque famélique et ne jouissait d’un succès populaire que très limité. Une très bonne raison pour les antiquaires barcelonais de ressortir au grand jour des œuvres injustement négligées. « Féten » collige des enregistrements de jazz (avant-garde, modal ou hard bop) immortalisés entre 1961 et 1974 par des musiciens du cru tels que Mantequilla, Juan Carlos Calderon, Ricardo Roda mais aussi des artistes internationaux comme Tony Bennett ou Tino Contreras. Des années de recherches à s’en user les doigts dans les plus obscurs marchés ou sur les sites les plus improbables ont permis à Javi Bayo de compiler cette improbable collection et ainsi remettre sous les feux des projecteurs des morceaux tombés dans l’oubli. Un disque destiné aux amateurs de jazz, bien entendu, mais aussi aux mélomanes ouverts à tous types de musique…
Archers of Loaf est une formation étasunienne (Chapell Hill) qui a sévi de 1991 à 1998. Après 4 albums, une poignée de singles et d’Eps, elle a décidé de se séparer, pour se reformer en 2011. Sous le même line up ! Et première conséquence à ce come-back, le label Merge a décidé de ressortir leurs quatre elpees. Dont cet « All the nations aiports », publié à l’origine en 1996, chez Elektra. Après leur split, Eric Bachmann avait participé à différents projets. Tout d’abord au sein de Barry Black, et puis surtout Crooked Fingers.
Archers of Loaf appartient à la scène lo-fi, tout comme Guided By Voices, Build To Spill et Pavement. Mais il n’a jamais eu la reconnaissance escomptée. La voix de Bachmann est aussi écorchée que celle Stephen Malkmus ; et manifestement il existe quelques corrélations entre les deux groupes, notamment dans cette recherche constante de la dissonance mélodique, le plus souvent alimentée par les guitares duales. Chez AoL, elles sont dispensées par les cordes des deux Eric, Bachmann et Johnson.
Le disque est enrichi d’un bonus disc, sur lequel figure 19 pistes, dont 17 démos qui ont servi de base de travail à l’album. Deux d’entre-elles avaient été éliminées à l’époque, et la première mouture du titre maître est imprimée sur une boîte à rythmes. L’intérêt de ce cd permet surtout de constater l’évolution entre le brouillon et le produit fini. Enregistrés à l’aide d’un 4 pistes, ces essais souffrent, vous vous en doutez, d’une qualité de son médiocre. Reste deux titres qui tiennent mieux la route, soit la version 7inches de « Density » et un morceau qui aurait dû figurer sur la flip side d’un single (« Little jets »).
Découpé en 14 plages, « All the nations airports » propose néanmoins quelques compos balisées par le piano. Dont la finale « Bombs away », qui aurait pu servir de B.O. à un film muet romantique. Un instrumental. Le long playing recèle d’ailleurs plusieurs instrumentaux.
Dont le cinématique « Bumps », caractérisé par sa guitare surf. Puis le remarquable « Acromegaly », titre post rock qui aurait pu naître de la rencontre entre Durutti Column et Mogwai ; et enfin l’excellent « Attack of the killer bees », typique de cette discordance mélodique que l’on retrouve sur les autres morceaux de l’elpee. Venons-en maintenant aux pistes chantées. Elles impliquent parfois des changements impromptus voire capricieux de rythmes. Des compos sauvages ou paisibles. Plus ou moins pop. Enlevées, contagieuses ou mimimalistes. Saupoudrées épisodiquement d’un synthé singulier. Mais toujours abrasées par la voix de Bachmann, aussi rauque que celle de Will Johnson (Centro-Matic) voire de Kevin Weatherill (Immaculate Fools).
Excellent lyriciste, mais personnage paranoïaque, Bachmann aborde le thème du complot, de la menace, et même du terrorisme (NDR : ce qui explique aussi le titre de l’album), cinq années avant les événements du 11 septembre 2001. Vous avait dit (mauvais) prophète ?
C’est peu dire que le premier album de Baden Baden était attendu depuis la sortie de leur Ep « 78 », paru en 2010… « Coline » ne devrait pas décevoir les espoirs portés en eux, à l’époque ! Les 12 morceaux proposés par ces délicats orfèvres français dévoilent en effet des mélodies alliant douceur, romantisme et respectent surtout une qualité constante. Leurs comptines pop-rock rappellent les Girls in Hawaï lorsqu’elles sont interprétées dans la langue de Shakespeare et Florent Marchet quand elles le sont dans celle de Voltaire. La ressemblance vocale avec le talentueux moustachu est parfois même troublante à travers les intonations de voix d’Eric Javelle (« Evidemment »). Les harmonies du quintet sont soignées et pas un seul morceau n’est à jeter ! Les textes sont soignés (« La Descente ») et l’ambiance est cotonneuse et mélancolique… « Coline » a le bon goût d’enfiler les perles folk avec une aisance déstabilisante. Trop sage pour être honnête ?
On connaît surtout Chris Brokaw pour ses aventures menées chez Come et Codéine. Et pourtant l’artiste américain est responsable d’une multitude de projets. Quand il ne vient pas apporter son concours aux sessions d’enregistrement de ses potes. On ne va pas tous les citer, vous seriez noyés par l’énumération. Steve Wynn, Chris Eckman, Thurston Moore et Hugo Race en font partie. Ou décide de réaliser un elpee en solo. Enfin, pas tout à fait sur celui-ci, puisque pour concocter ce disque, il a reçu le concours du bassiste Doug Maccombs et du drummer John Herndon. Sept longues années que l’Américain n’avait plus posé sa voix sur des chansons. C’était pour « Incredible love », en 2005. Un disque intégralement acoustique. « Gambler’s Ecstasy » célèbre également le retour à la fée électricité. Pas sur toutes les compos, mais en majorité. Il nous propose même de nouvelles versions électrifiées (et chantées) de compos originellement ‘unplugged’.
Apparemment Chris aime proposer des adaptations différentes, car l’elpee s’ouvre par « Criminals », une plage shoegaze puissante, pulsante, abrasée par sa ‘six cordes’ distordue, et caractérisée par ses interventions vocales monocordes, presque sinistres. Il s’achève par une autre version de ce titre, instrumentale, intitulée « Richard And Vanessa in the box », morceau qui sous cette forme, avait servi de bande sonore à la compagnie de danse Daghda Dance. On a aussi droit à une cover plus acoustique du « Crooked » de Wussy, band issu de Cincinnati. Et puis à un compo minimaliste, jouée sur deux cordes (« California). On épinglera également un titre de power pop entraînant et croustillant (« Danny Borracho »), une ballade visionnaire agréable (« Anacordia »), et puis deux pistes plus élaborées. Tout d’abord une de 9 minutes (« The appetites »), fruit d’une rencontre hypothétique entre Slint, Aerial M et Mogwai et puis « Exemption », probablement la meilleure compo du long playing, digne de la quintessence de Sebadoh. Et le reste ne manque pas d’allure. Le seul reproche que l’on puisse adresser à Brokaw, c’est sa voix, ténébreuse sans doute, mais un peu trop limite et uniforme à mon goût.
Patriiiiiick est de retour !
L’homme aux multiples casquettes, chanteur, acteur, champion du monde de poker, membre des restos du cœur et j’en passe et des meilleures revient à la chanson. Passant d’une activité à l’autre avec un égal bonheur (surtout le sien), ce ‘gendre idéal’ nous a concocté son sixième album studio depuis l’entame de sa carrière. Gentils, nous passerons sous silence son premier disque « De face », passé quasi inaperçu en 1987. Par contre, « Alors regarde », publié en 1989, marque ses véritables grands débuts ; sans aucun doute ce qu’il a fait de mieux.
« Lequel de nous » débarque 23 ans plus tard. Statistiquement, il grave donc un nouvel opus tous les quatre ans et demi, à peu de chose près. Entre deux films, trois concerts et quatre parties de ‘cartes’, faut malgré tout le faire. Oui, mais faire quoi ? Il ne suffit pas d’être sympa, d’avoir une belle gueule, de mettre les médias dans sa poche, de passer pour le grand défenseur du peuple juif (n’est-ce pas Dieudonné) pour se voir décerner un prix. Encore faut-il qu’il y ait du contenu, des mélodies qui marquent.
Hélas, trois fois hélas, on est loin du compte. A 53 ans, Bruel nous ressasse son histoire, son passé. Tout n’est quasi que nostalgie dans ses nouvelles chansons. Une fois ça peut encore passer ; mais un album entier, ça sent le réchauffé…
Là où « Place des grands hommes », tout en foutant (déjà) le blues, amusait quand-même par une mélodie et un refrain de qualité, rien parmi les 14 nouveaux titres ne donne l’envie d’écouter une seconde fois ce disque une fois arrivé en fin de piste.
Triste constat que de s’apercevoir que Maurice Benguigui, de sa véritable identité, n’est plus que l’ombre de ce qu’il a été. Trop vite, trop haut, trop beau, trop… un peu de tout ! Dur, dur de se maintenir. Vivre sur ses acquis ne dure qu’un temps. Et à force de tirer sur la corde, elle finit par péter.
Put*** que c’est dur de vieillir. On se répète, on ennuie, on fatigue. Bref, on radote…
Allez, retourne jouer aux cartes, Vieux. Là au moins, personne ne parle !
Mais, aucun doute, « Lequel de nous » va cartonner dans l’Hexagone car, évidemment, on ne touche pas à une icône comme Bruel. Et puis Drucker et compagnie vont à nouveau dérouler le tapis rouge pour l’homme qui sait parler ‘avec son cœur’ aux français.
Pfff, c’est d’une tristesse affligeante !
Die ! Die ! Die ! est une formation néo-zélandaise, issue de Dunedin, très exactement, qui a transité par le fameux label Flying Nun. Leur précédent opus, « Form », y était d’ailleurs publié. Flying Nun, avait été acquis par une filiale de Warner en 2006. Mais en 2011, son fondateur, Roger Shepherd, a racheté les parts. Bonne nouvelle, car on ne voyait vraiment pas l’intérêt de groupes aussi indépendants ou d’une major partager les même objectifs. Pour rappel, chez Flying Nun ont milité des groupes ou artistes aussi créatifs que Able Tasmans, Bailter Space, The Bats, The Chills, The Clean, Jean-Paul Sartre Experience, David Kilgour, Chris Knox, Tall Dwarfs, 3Ds ou The Verlaines. Et il y a trop longtemps que cette scène ne donne plus signe de vie. On attend donc de bonnes nouvelles, des Antipodes…
Mais venons-en à Die ! Die ! Die !, un trio qui puise ses principales influences dans le post punk (Alex Sex Fiend, Slits et même le plus contemporain Yeah Yeah Yeahs), le funk blanc (Gang of Four) et le noisy rock (My Bloody Valentine). Paradoxalement, la voix androgyne du chanteur, Andrew Wilson, me fait tantôt penser à Karen O, lorsqu’il chante et à Ann Clark, lorsqu’il scande ou déclame. Mais il est aussi susceptible de hurler toute son arrogance, quand il en ressent l’envie. Quoique d’excellente facture, « Harmony » n’est pas un elpee facile à assimiler. Il y a bien quelques plages moins sauvages, à l’instar de « Seasons revenge », une compo imprimée sur un tempo new wave, caractérisée par une jolie mélodie. Mais en général, les riffs de guitare sont noueux, déchiquetés, tentaculaires ou discordants et déferlent même comme chez Fugazi sur « Changeman ». Les drums féroces, martiaux, très 80’s, évidemment. La ligne de basse est groovy, tranchante. Bref, la musique de Die ! Die ! Die est un condensé d’énergie, de noise et de mélodie à la fois excitant et vivifiant…
« Harmony » constitue le quatrième LP du trio. Il a été produit par Chris Townsend (Portishead, Violent Femmes) au sein des studios Black Box, en France. Et il est excellent !
Nate Hall est le chanteur/guitariste/lyriciste de U.S. Christmas, une formation psyché/rock signée chez Neurot Recordings. Pas étonnant que son premier album sorte dès lors sur le label de la bande à Steve Von Till. Nate reconnaît pour influences majeures Bob Dylan, Neil Young, Bruce Springsteen et Townes Van Zandt. Sur son premier elpee solo, il reprend d’ailleurs son « Kathleen ». Hormis le titre maître et le dylanesque « Chains », au cours desquels il a reçu le concours d’un claviériste, Hall se réserve toute l’instrumentation. Pas de drums, cependant, mais une boîte à rythmes. Et puis des tas de guitares (acoustiques, électriques, slide, à 12 cordes), du banjo et même du theremin (« Electric night theme »). Une des quatre pistes les plus électriques. Les cordes y sont même filandreuses. Dans le même esprit, « Raw chords » est parcouru d’accords de slide gémissants, presque floydiens. Une compo sur laquelle sa voix est chargée de reverb. Tout comme sur les deux premières plages de l’elpee. Il la trafique encore sur « To wake and clean ». On dirait presque qu’elle émane d’un 78tours, un morceau au cours duquel son solo en fingerpicking se révèle à la fois précis, indolent et clair. A contrario, le traditionnel « When the stars begin to fall » est interprété a cappella, sous la forme d’un hymne. Et il nous réserve un instrumental, « Night time ». Sèche et banjo se conjuguent pour nous entraîner sur le chemin des Appalaches. Lorsqu’il n’est pas trituré, le timbre de Nate est graveleux, flemmard, rappelant même un certain Nikki Sudden. Sans quoi, baignant au sein d’une mélancolie douce, parfois angoissée, souvent profonde, ce « Great river » ne manque pas d’allure…
Chez House of Dolls, le chanteur est également bassiste. Pas courant dans l’univers du pop/rock (McCartney, Sting sont certainement les exceptions les plus notoires). En fait, suivant le formule, la voix doit passer à travers. C’est ce que parvient à faire Stephen White au sein de la formation dublinoise. Un quartet dont le line up implique également deux guitaristes (dont un double aux claviers) et un drummer. Leur style ? Psychédélique. La presse spécialisée leur attribue pour références Chameleons, The Icarus Line, Echo & The Bunnymen, Spiritualized, Can, Neu !, The Verve, Jesus & Marychain, Black Rebel Motocycle Club et Spacemen 3. Les deux derniers cités, plus que probablement. Mais aussi et plutôt les Warlocks et sur quelques titres en fin de parcours, The Electric Prunes (sortez vos encyclopédies).
L’album s’ouvre cependant par une plage au refrain contagieux, digne de la quintessence des Dandy Warhols (« I thought you were my friend »). Hormis l’interlude instrumental ambient, « Nuclear meds », l’intensité électrique domine le sujet. Mais le combo a le bon goût de soigner le sens mélodique. Les guitares sont tour à tour, stridulentes, malsaines, staccato, effilées, chargées feedback, mais leur conjugaison est toujours savoureuse. La basse est motrice et n’hésite pas à cogner. Les drums oscillent entre le tribal et l’hypnotique. Les compos évoluent tantôt sur un mid tempo, tantôt épousent un rythme alerte, sans jamais pour autant écraser le champignon. Le climat peut virer du ténébreux (« Prostitutes ») à l’hymnique (« All I need »). Pas un seul titre faible sur cet opus. Mieux encore, deux pistes remarquables : le stellaire « Into the void » et le très accrocheur « American dream ». L’elpee s’achève par « Lovers & clowns », un morceau plus pop, abordé dans l’esprit d’Ash (NDR : encore que parfois les riffs de guitares semblent lorgner vers les Skids). Bref, pour avoir pris du bon temps à l’écoute de ce « Welcome to the department of nuclear medicine », je lui accorderai cinq baleines… Pas pour rien qu’il figure dans mon Top 20 de l’année 2012 !
Hans Peter Lindstrøm est un artiste norvégien qui s’illustre essentiellement dans l’univers de la techno. En 2008, il a publié l’album "Where you go I go too". Trois années plus tard, il nous propose une suite intitulée "Six Cups Of Rebel".
Force est de constater que le musicien n'a pas chômé puisque paraît déjà, à peine un an plus tard, son dernier né : "Smalhans", un 6 pistes. Le style du Scandinave y reste fort reconnaissable et résolument orienté nineties.
En effet, sa techno est empreinte de rythmes ‘dance’ et les morceaux sont systématiquement conçus sur le même schéma, à savoir la présence d'une mélodie puissante au premier plan, dynamisée ensuite par de nombreux artifices au second, principalement alimentés par le synthé. Cet opus n'échappe pas à la règle.
Le disque est agréable à l’écoute et se révèle beaucoup moins expérimental que son elpee gravé en 2011. Un reproche quand même : sa carence en relief, consécutive à sa méthode de création. Conséquence, son expression sonore est susceptible de provoquer une certaine lassitude. Et ce n’est pas la quatrième piste, dont les interventions au synthé dérapent dans la cacophonie, qui risque d’accrocher le mélomane.
Lindstrøm a du talent. C’est indéniable. Néanmoins, cet Ep ne m’a pas vraiment convaincu. Tout au long du disque on attend vainement l’étincelle. Elle ne se produira jamais. A mon humble avis, l’artiste est revenu un peu trop vite dans le parcours. Il aurait été préférable qu’il bosse encore en studio et sorte un long playing abouti. Et pour y parvenir, il devra prendre son temps. Conscient de ses compétences, s’il réunit toutes ces conditions, son prochain essai devrait être transformé. C’est tout le mal qu’on lui souhaite…
Los Piranhas sont de véritables carnivores de styles musicaux tropicaux : vallenato, chicha péruvienne, raspa, champeta, cumbia mais aussi musiques africaines… tout y passe ! Elbis Alvarez, Mario Galeano et Pedro Ojeda sont également membres de Frente Cumbiero, Ondatropica et des Meridian Brothers ; et ils ne se refusent rien tout au long de « Toma Tu Jabon Kapax ». Ils nous permettent surtout de découvrir une scène colombienne qui ose mélanger les sonorités les plus stridentes aux beats les plus dansants. Mais également intégrer les rythmes latinos, afros, dub au psyché et au noisy rock ainsi qu’à l’électro la plus sauvage.
Enregistré live à Bogota en 2010 cet elpee est à déconseiller aux épileptiques ! La sortie mondiale offerte par Vampisoul à ce style complètement barré et unique en son genre est un véritable bol d’air frais (ou pas). Escobar n’est plus de ce monde ; mais après avoir écouté ce « Toma Tu Jabón Kapax », on se demande quand même si les opiacés ont totalement disparu des rues colombiennes. Ce tropical noise est plus que rafraîchissant !
Comme la tache qui se dessine au verso de cet elpee, d’allure symétrique et pourtant nuancée, la musique de Luna Gritt se décline en auréoles subtiles. Comme pour paraphraser Magritte et souligner que les apparences sont trompeuses.
Tel un vernis sombre qui protégerait la tendre mélancolie tramée là-dessous, cette tache uniforme se découpe le long d’un méridien imaginaire.
Des contours nets et précis mais qui masquent difficilement le tremblement de l’imprévu, de l’inattendu.
Des repères évidents jalonnent ces quatre titres. La précision mécanique d’un enregistrement soigné qui laisse transparaître la liberté d’un travail ancré dans la tradition DIY, non pas dans la version sale et Punk de ses premiers jours, mais au sein du confort d’un présent décliné proprement au travers de quelques erreurs binaires.
Un soin particulier, presque scolaire, mais qui n’ensevelit pas pour autant la passion ici protégée, comme dans un écrin.
Les mélodies opèrent un travail remarquable, précis, encerclant les chansons de broderies enjoliveuses. Tout paraît évident. Mais en suspens, la valse des illusions continue à s’imprimer sournoisement.
Et puis, il y a cette voix. Qui serpente et s’installe en hôte de ces lieux.
Elle aussi, trompeuse.
Comme la maîtresse du rêveur égaré, elle promet de se donner mais s’esquive comme la marée. Jamais rattrapée, toujours une longueur d’avance. Juste assez que pour être frôlée.
Pas assez que pour se laisser posséder.
Caresse d’un éphémère confort, d’une brûlure cuisante et pourtant désirée.
Luna Gritt est une dualité maîtrisée, qui joue de ses atours comme une catin dissimulant ses chagrins tout en pudeur et jouant avec talent d’une beauté évidente, tellement qu’elle en devient provocante.
Un masque de perfection qui dissimule une faille, une faille qui invite secrètement à la chute.
Derrière le pseudonyme de Magic Trick se cache Tim Cohen. Peu connu sur le Vieux Continent, le San Franciscain est devenu au fil des années une figure importante de la scène indie-rock américaine. En effet, outre ce projet solo, il est également le leader de The Fresh & Onlys, un groupe qui vient par ailleurs de sortir également un nouvel opus : « Long Slow Dance ». Tim Cohen est donc plutôt prolifique.
« Ruler of the night » constitue le second album de Magic Trick. Et il sort à peine quelques mois après le très réussi « The Glad Birth of Love ». Un opus dont les compos sont sculptées dans un pop/rock atmosphérique, éthéré, gracile, à premier abord classique. A cause des chœurs languides, des guitares aériennes et des accords de piano solennels. Pourtant, l’opus est bien plus fouillé qu’il n’y paraît. En écoutant attentivement, on se rend compte que l’instrumentation est recherchée voire complexe.
Caractérisé par ses chants de sirènes, le morceau maître ouvre la plaque. Sous reverb, la voix de Tim Cohen colle parfaitement à la musique. Perso, je le préfère cependant lorsqu’il se met à crooner, comme sur « Melodies » et « Ruby ». Malheureusement, si l’album baigne dans un climat plutôt cool, il faut reconnaître que sur la distance, une certaine lassitude commence à nous envahir. Vu le style proposé, 40 minutes me semblent un peu trop longues.
Excellent songwriter, Tim Cohen vient donc de publier un album d’honnête facture. Il devra cependant apprendre à doser ses efforts…
Hugo Race a donc monté un nouveau projet, en 2010. En engageant Antonio Gramentieri et Diego Sapignoli. Soit le duo instrumental italien, Sacri Cuori, qu’il a rebaptisé The Fatalists. « We never had control » fait suite à un premier elpee éponyme paru deux ans plus tôt. Lors des sessions d’enregistrement de ce nouvel opus, Hugo a également reçu le concours circonstanciel de Vicki Brown et de Catherine Graindorge au violon, ainsi que du contrebassiste Francesco Giampaoli. Sans oublier Franco Naddei aux synthés. La présence de tous ces musiciens italiens s’explique tout simplement, parce que l’Australien s’est établi à Catane, en Sicile, où il a monté son propre studio, Helixed.
Hugo Race a sévi au sein de Birthday Party et des Bad Seeds de Nick Cave. Chez ces derniers, uniquement de 83 à 84. Ce qui ne l’a pas empêché de participer à l’enregistrement de cinq albums. Depuis, il multiplie les projets, dont le plus notoire reste encore à ce jour True Spirit.
Découpé en 8 plages, « We never had control » baigne au sein d’un climat sombre, ténébreux, très susceptible de rappeler Tom Waits. Notamment sur les titres les plus blues. A l’instar du malsain « Meaning gone » et puis du remarquable « No sterotype », une compo épurée, presque psychobilly et surtout percutante, imprimée sur un tempo tribal, digne des Cramps. Le disque s’ouvre par « Dopefiends », une compo alerte, aride, presque country & western, attaquée par de subtils accords de sèche et close par des gémissements de guitare atmosphériques. Et embraie par le morceau le plus singulier de l’œuvre, « Ghostwriter », une piste hypnotique, dansante, presque house. L’elpee recèle évidemment des titres plus spectraux, dont « No angel fear to tread », hanté par un violon fugitif ; et surtout le titre maître, une compo indolente, au cours de laquelle, Hugo se met dans la peau d’un crooner. Crooner, c’est d’ailleurs souvent l’attitude qu’il adopte sur cet elpee. Empruntant même parfois les inflexions de Cave voire de Leonard Cohen, surtout lorsque sa voix est soutenue par des chœurs féminins. Sans être fataliste, il faut reconnaître que si cet album et de toute bonne facture, il ne risque pas d’ouvrir les portes du succès à Hugo Race…
Youth Lagoon livre un extrait exclusif de « Wondrous Bughouse ». Un dix-titre signé sur Fat Possum qui plongera dans les bacs le 05 mars prochain.
L’univers hypnotique et la dreampop minimaliste du deuxième album de Trevor Powers, c’est par ici
Tracklisting
1. Through mind and back
2. Mute
3. Attic doctor
4. The bath
5. Pelican man
6. Dropla
7. Sleep paralysis
8. Third dystopia
9. Raspberry cane
10. Daisyphobia
Plus d’infos sur http://www.fatpossum.com/artists/youth-lagoon
C’est via son site internet que le groupe newyorkais balance la date de sortie de sa troisième réalisation. Vampire Weekend entretient le suspense et ne livre aucune autre information. Fidèle au label britannique XL Recordings, le très attendu successeur de « Contra » (2010) prendra la direction des bacs le 6 mai 2013. Un album qui ne porte actuellement aucun titre.
MVOTC ou MVOFC, seul indice visible dans le coin inférieur gauche du site officiel, épaissit encore le mystère sur la campagne promotionnelle. Serait-ce un indice sur le titre ? Nul commentaire ne filtre pour l’instant. Les fans du groupe étasuniens devront suivre la suite des événements sur www.vampireweekend.com
Après une période de creux consécutif aux fêtes, le Botanique reprenait le collier cette semaine et proposait à l’affiche un des concerts les plus attendus du mois de janvier ; en l’occurrence, celui de Get Well Soon. Emmené par le multi-instrumentiste allemand Konstantin Grooper, le désormais groupe (depuis la tournée de son premier album « Rest Now, Weary Head ! You Will Get Well Soon ») était donc de retour à l’Orangerie pour présenter son troisième opus, sorti l’année dernière, « The Scarlet Beast O’Seven Heads ».
La première partie est assurée par Denis Jones. L’artiste insulaire vient présenter son dernier long playing « Clap Hands ». Il monte sur les planches vers 20 heures. Seul. Il chante en s’accompagnant à la guitare et en se servant judicieusement de ses pédales. Il superpose ainsi des lignes de gratte pour élaborer une forme d’électronica acoustique du plus bel effet. Un set d’une demi-heure qui va séduire l’auditoire. Un événement plutôt rare chez un supporting act, pour ne pas le souligner. Un artiste à suivre, donc…
A 21 heures pile, les lumières s’éteignent. Les haut-parleurs diffusent une bande sonore annonçant la fin du monde. Une introduction parfaite pour la suite des événements. Bienvenue au sein de l’univers apocalyptique de Get Well Soon ! Konstantin Grooper monte sur l’estrade suivi de cinq musicos. Pendant une bonne heure, les Allemands vont dispenser un rock lyrique dans la pure tradition romantique. Afin de célébrer cette Apocalypse en version germanique. Lors d’un set précis et rigoureux ; bref, bien allemand. Les morceaux du dernier opus s’enchaînent (« We Are Free », « Roland I Feel You »). Le groupe veille cependant à alterner morceaux paisibles et titres caractérisés par des crescendos à l’instrumentation riche. Si le climat entretenu tout au long du spectacle ne respire pas la joie de vivre, le public en redemande. Une jeune demoiselle assure magistralement les chœurs. En outre, tout au long du concert elle va apporter sa collaboration tantôt à la mandoline, tantôt au violon. Un concours qui va même conférer à ce spectacle un format classieux et grandiose. Faut dire aussi que le son, ce soir, est impeccable. Les derniers spectacles auxquels j’avais pu assister à l’Orangerie, m’avaient quelque peu déçu. Mais ce soir, l’équipe technique derrière la console est irréprochable.
Après une heure de prestation, la formation quitte le podium, pour y revenir quelques instants plus tard. Afin de dispenser deux compos dont une au cours de laquelle Denis Jones va se réserver le xylophone. On aura même droit à un second rappel. Bref, c’est à une bonne heure et demie de concert que le public a eu droit ce soir. Et il ne s’en plaindra pas, même si les frissons dans le dos ressentis ce soir étaient le fruit de ce climat apocalyptique et pas du froid polaire que nous connaissons aujourd’hui en Belgique…
(Organisation Botanique)
Peu de groupes peuvent se targuer d'offrir un spectacle complet à leurs fans, en conjuguant son, vidéo, lumières et surtout performances. ROSA†CRVX appartient à cette catégorie. Une légende du XIIIème siècle raconte qu’un ermite s’est affublé du pseudonyme de Rosenkreicht et a consacré sa vie à la recherche du corps et de ses limites… C'est en s’inspirant de cette légende qu'Olivier Tarabo, alors élève à l'école des beaux-arts de Rouen, en 1984, a choisi le patronyme de son nouveau projet : ROSA†CRVX. La rose représente la beauté, la vie, l’éphémère, symbole d’amour et de pureté ; la croix, le sacrifice, la mort exposée (en spectacle), la cruauté et l’intolérance...
Nous avons pu rencontrer Olivier à l’issue de l'impressionnant concert, accordé par sa formation, dans le cadre du Methuselah's Ball au sein du Théâtre des Deux Gares, à Bruxelles. Il nous raconte la genèse de son projet. "L'école des beaux-arts à Rouen est un ancien ossuaire", raconte-t-il. "Un des derniers de France, voire d'Europe. C'est une cour carrée remplie de sculptures qui représentent la peste et la mort. Comme c'était une fosse commune, on racontait qu'en fouillant dans le sol, on pouvait y ramasser des dents. Un lieu qui marque quand on y passe 5 ans. Donc, j'ai eu envie de créer un concept de groupe tout à fait nouveau, très sombre. L'idée n’était plus d’écrire de textes mais d'aller fouiner dans les bibliothèques ; et je me suis mis à chanter en latin. J'ai effectué un an de recherches pour fabriquer des faux parchemins et aujourd'hui, ce sont des copies exactes de ces manuscrits que nous vendons dans la Box de ROSA†CRVX."
On le comprend : c'est en véritables artisans que ces musiciens conçoivent leur art. C’est ainsi qu’ils façonnent les instruments et machineries utilisés sur scène : carillons d'église, batterie de tambours automate et autres machines qui semblent venir tout droit de l'atelier de Léonard de Vinci. "J'ai suivi une formation de beaux-arts, surtout dans le domaine de la construction, la sculpture et le modelage. Donc, j'ai le réflexe naturel, quand je pense à quelque chose, de me demander comment je vais le fabriquer. Avec l'expérience, on parvient à créer un peu ce qu'on veut. Comme nous formons une équipe, on est assez nombreux et j'ai tendance à tenter des projets impossibles à réaliser seul. C'est un vrai petit corps d'armée. Une vraie petite escouade."
Cette petite troupe milite eu sein d'une coopérative d'artistes installée dans un ancien grand moulin, à Rouen. "On a créé cette structure pour disposer d’ateliers en commun. L'idée vient des Quais de la Gare à Paris et de l'Usine, à Genève. Ce sont de grands bâtiments squattés, organisés, où les artistes restent longtemps. Il y a un disquaire, des salles de concert et de théâtre, des boites de nuit..."
En compagnie de Claude Fenny, son fidèle acolyte, Olivier Tarabo a mis en place un style musical unique pour habiller les textes anciens, un croisement entre la musique médiévale, le rock gothique et les chants tribaux. A côté des instruments traditionnels, la troupe exploite les possibilités des technologies modernes. Un côté 'rétro-futuriste'... "Oui, on fouille dans l'ancien alors que, côté technique, c'est très hi-tech… J'ai une grande passion pour la technologie. Evidemment, il ne faut pas qu’elle nous mange. On a, par exemple, créé une BAM (Batterie Automate Midi), qui a demandé 4 ans d'élaboration."
S'inspirant des écrits d'Antonin Artaud, les concerts de ROSA†CRVX sont enrichis de performances exécutées sur scène ou au milieu du public sur le thème du corps en souffrance (Dance de la Terre, Homme dans la Cage) créant dans la salle des situations proches de celles d'un rituel sacré. La première performance a été réalisée sous les voûtes de l'abbatiale de St-Ouen en 1986. Tarabo avait obtenu un double des clés et est entré dans la nuit accompagné d'une équipe de tournage. Un homme a été enfermé dans une cage de fer suspendue au plafond. Elle a été précipitée 22 fois contre la plaque d'acier qui faisait office de gong. Un rituel que le public a pu revivre à Rouen en 2011 lors du festival Dark Ritual. "Tout ce qui est installations et performances a été un boulot énorme", raconte Olivier. "J'ai passé 15 ans de ma vie pour réaliser cet objectif, complètement isolé." Il y a aussi le carillon, dont la confrérie a fabriqué elle-même les huit cloches, la batterie BAM, mais aussi l'octabasse, une contrebasse géante en fer dont on joue grâce à un énorme système de pédales. "J'ai 12 ou 15 machines semblables à Rouen. Il y a aussi un rail de 18 m avec 2 personnes qui se poussent dans un ciseau géant qui se replie et se déplie à 3 m de hauteur."
Et Tarabo de fustiger les pouvoirs publics, qui pratiquent un ostracisme systématique envers les spectacles comme le sien qui ont un côté sulfureux, dérangeant. "Ils ont peur de nous", ironise-t-il. "Ils ont même mené une enquête pour vérifier si on n'était pas des néo-nazis ou des gens d'extrême-droite. Il existe des a priori très lourds. Mais quelque part, ça me plaît. C'est génial qu'après 30 ans, ce mouvement continue encore à faire chier autant les autres ; c'est très bien (rires)..."
Aujourd'hui, ROSA†CRVX prépare un nouvel album. Il sera produit par le groupe et diffusé par le label allemand Trisol. La croisade sacrée de la confrérie continue, contre vents et marées, avec une authenticité et une sympathie qui forcent l'admiration.
Pour écouter l'interview dans son intégralité: http://www.youtube.com/watch?v=Ex-CVkFpY5o
Lisez la chronique complète du concert ici
(Photo : Xavier Marquis)
Créé dans les années 80 à Rouen par Olivier Tarabo et son acolyte de toujours, Claude Fenny, ROSA†CRVX est devenu au fil du temps un groupe 'culte', responsable d’une musique unique en son genre, médiévale et tribale, mystérieuse et hermétique. Le 19 janvier dernier, la formation a accordé un concert exceptionnel dans le cadre du Methuselah's Ball au sein du Théâtre des Deux Gares, à Bruxelles.
Après avoir vu ROSA†CRVX à plusieurs reprises, et notamment lors d’un concert mémorable accordé au cœur de l'Eglise Sainte Croix des Pelletiers à Rouen, il était intéressant de découvrir la formation dans un cadre plus intimiste. Malgré la relative exiguïté de la scène, tout l'imposant équipement est bel et bien présent : le carillon de huit cloches, l'orgue et la batterie automate MIDI (BAM). Mieux encore : on découvre des éléments du décor de la crypte où le groupe organise ses soirées à Rouen.
Dès les premières notes de "Vielles", l'instrumental qui ouvre le concert, une atmosphère unique, comme seul ROSA†CRVX peut en créer, envahit le théâtre. Les roulements de tambour répondent aux interventions incisives de la guitare, qui sonne comme une cornemuse. On est plongé dans un cérémonial obscur, mené à la lueur de dizaines de bougies. Dès "Invocation", les voix, l'orgue de Claude Fenny et la contrebasse électrique à 5 cordes d'Antoine Boyer entrent dans la danse, tandis que Vincent Kreyder soutient la rythmique de la BAM par des percussions retentissantes. Suivant le même rite, c'est pendant ce titre que les deux choristes principales, Marianne Wood et Juliette Bates (la troisième, Caroline Delavault, ne participant pas cette chorégraphie) viennent au devant du podium pour dessiner des arabesques à l’aide de leurs grands drapeaux, gestuelle qui force d'ailleurs les spectateurs du premier rang à reculer.
L'intensité reste palpable pendant "Adorasti", une composition qui met particulièrement en valeur l'exceptionnelle voix d'Olivier Tarabo. Toujours puissante, à la limite du déchirement, elle évoque Gavin Friday (Virgin Prunes), mais en empruntant une tonalité diabolique bien spécifique. Parfois, on croirait entendre des incantations formulées par des Indiens d'Amérique. Place ensuite à "In Tenebris", caractérisé par son très beau riff au piano et surtout "Terribilis", qui réverbère au son des cloches du magnifique carillon. Rappelons que c'est le groupe lui-même qui a fondu ces cloches et construit le carillon, dans une démarche artisanale fondée sur l'authenticité.
Le spectacle est total. Très sombres, les vidéos montrent des catacombes, des croix, des démons ou des parchemins. En grand inquisiteur, Olivier Tarabo règle minutieusement tous les détails du spectacle, déambulant entre le micro et l'installation à l'arrière de la scène. Après le menaçant "Hel-Hel", ROSA†CRVX nous propose trois nouveaux titres, "Tonitrvi", "Venite" et "Ante-A". Ils sont très impressionnants! Les anciennes compos, comme "Aglon", "Moritvri" et "Svrsvm Corda", bénéficient des recherches continuelles que mène la formation pour améliorer les sons de leurs instruments et de la production en général.
Après "Miséricorde", "Noctes Insomnes" et "Proficere", vient le moment tant attendu par les fans : La Danse de la Terre, la performance la plus impressionnante de ROSA†CRVX. Accompagnées de rythmes lourds et des sonorités tribales d'"Eli-Elo", les deux danseuses, Marianne Wood et Juliette Bates, dénudées et enduites de boue, entament leur mystérieuse chorégraphie. Agenouillées sur un petit podium au milieu du public, elles saisissent la poussière contenue dans un bac devant elles et la projettent sur leurs corps en adoptant des mouvements coordonnés et répétitifs. L'argile et la terre virevoltent. Elle se répand tout autour dans un nuage opaque. Ce rituel sacrificiel représente la souffrance humaine du corps qui se bat en vain contre la poussière et la cendre, qu'il ne tardera pas à rejoindre tôt ou tard. Une performance d'une rare intensité, qui laisse les spectateurs pétrifiés et admiratifs. Regardez ce moment unique dans la vidéo : https://www.youtube.com/watch?v=xzZllm_OgGY
Après avoir vécu un tel spectacle paroxystique, nous regardons, fascinés, la dernière partie du concert. Il se clôture par le majestueux "Omnes Qvi Descendvnt" et l'étrange "Vil". En rappel, ROSA†CRVX nous réserve "Ab Irato", "Incendere" et un quatrième nouveau titre: "Nescit Nox".
On l'a compris : on ne sort pas indemne d'un concert de ROSA†CRVX. La puissance évocatrice de la musique et du spectacle est telle que le public semble hypnotisé, crucifié sur place par la profondeur mystique du set. On croit assister à une messe diabolique, célébrée aux heures sombres du Moyen-âge. Un rituel liturgique époustouflant !
Après le concert, Olivier Tarabo nous a accordé une interview. Voir ici
Bravo à Alter Onyros (http://www.alteronyros.eu) pour l'organisation!
(Photo Xavier Marquis)
Le label allemand Morr, sans cesse à la recherche de nouveaux talents pop, folk et electronica, signe le deuxième album des jumelles de Reykjavík, mieux connues sous le nom de Pascal Pinon (NDR : pour l’anecdote, l’authentique Pascal Pinon était un phénomène de foire à deux têtes à la fin du XIXème siècle).
Plutôt inconnu sur nos terres, ce monstre bicéphale islandais a pourtant déjà su convaincre une bonne partie de la planète (Etats-Unis, Japon, Chine…) avec des performances honnêtes et authentiques.
Malgré leur jeune âge, à peine 18 ans, les deux jeunes femmes présentent un deuxième album (« Twosomeness ») parfait d’une grande maturité vocale et instrumentale. Hormis quelques chansons en anglais, celles-ci demeurent cependant fidèles aux langues scandinaves anciennes dont elles usent avec aisance en allégeant la grammaire.
Il suffit d’écouter ce set acoustique de présentation, enregistré lors de la dernière édition de l’ ‘Icelandic Airwaves Music Festival’ dans leur maison de Reykjavík, pour vous plonger dans l’univers bicéphale de Pascal Pinon : http://vimeo.com/52651580
Twosomeness tombe dans les bacs dès aujourd’hui !
En 2010, The Morning Benders émergeait des projecteurs, en publiant « Big Echo », un second album acclamé par la presse et les bloggeurs, notamment grâce au single « Promises ». Deux ans et une permutation de guitariste plus tard, le trio originaire de San Fransisco décide de changer également de nom pour une raison relativement ridicule : le terme ‘bender’, qui serait insultant à l’égard de la communauté homosexuelle en Grande-Bretagne (‘bender’ y signifie ‘travelo’). Les trois musiciens décident alors d’opter pour un patronyme autrement plus ridicule, Pop Etc.
Le premier Pop Etc, éponyme, est exactement ce que la dénomination de la formation laisse sous-entendre. De la Pop. Et peut-être un peu d’et cetera : un soupçon de synthpop par-ci, une pincée de RnB par-là. Mais tout autour, le vide. L’indie ‘sympatoche’ de The Morning Benders a laissé la place à une série de compositions naïves et sans étincelles. Pas convaincants pour un sou, les onze morceaux de la plaque sont d’une platitude à se pendre.
Heureux que la corde ne soit pas fournie…
Adulé par les uns, détesté par les autres, le dandy de la chanson française est de retour ! Ce qui réclamait bien « Vengeance » ;-)
Passons ces considérations d’amour/haine pour aller chercher ce qui nous intéresse : la musique, les chansons. Et là, il fait fort, à nouveau très fort… Benjamin a vraiment la taille extra large, c’est du costaud.
« Vengeance » qui succède au magique « La superbe » ne l’est pas moins. Ce ne sont pas moins de quatorze nouveaux titres que le grand ténébreux nous présente et qu’il chante ‘à moitié’ seul ou (très) bien accompagné. En effet, par sept fois, une seconde voix lui donne le change ; ce qui apporte une plus value à ces chansons, c’est un dommage collatéral bien appréciable, indéniablement. Là où Vanessa Paradis, Julia Stone ou Carl Barât ne prêtent que leur bel organe, les Gesa Hansen, Sol Sanchez, Orlesan et autre Oxmo Puccino mettent également leur plume à disposition du bellâtre. De son côté, Biolay, qui n’est pas un ingrat, leur tendra le micro pour partager l’interprétation du titre. Hommage pour service rendu...
Quant on connaît la qualité du double album paru il a un peu moins de trois ans, on se demandait si BB allait pouvoir assurer une suite qui tienne la route. Et on n’est pas déçu, loin de là. On navigue toujours au top, musicalement parlant. Dès leur intro, les mélodies font mouche. Synthé, guitares et section rythmique font bon ménage et (em)portent magnifiquement la voix ténébreuse et envoûtante du beau brun. La production et les arrangements sont à la hauteur de l’écriture et des partitions ; bref, on (je) nage à nouveau en pleine ‘béatitude’. Rien à dire, tout est bon, c’est comme dans le cochon ! Quelques morceaux (toujours comme dans le cochon) procurent quand même une saveur un peu plus délicate que d’autres. A l’écoute des premières notes d’« Aime mon amour », on a compris, le vainqueur des Victoires de la musique 2009 nous capture dans ses filets et ne nous lâchera plus. Une heure durant quasiment, le plaisir est intense et l’accessibilité parfois ‘limite’ lors des parutions précédentes est améliorée d’une façon géniale. Les puristes prétendront sans aucun doute que l’univers de Biolay se dilue quelque peu dans ce nouvel opus qui fait la part belle à la ‘variété’ ; mais n’est-ce pas le signe d’un grand, de rassembler autour de son art ? Néanmoins, Biolay ne déroge pas à ses principes et perpétue une qualité d’écriture et aux "Trésor Trésor", "Aime mon amour" succèdent les "Ne regrette rien", "Personne dans mon lit" ou "Le lac gelé" tristement somptueux qui conservent une certaine marque de fabrique typique à la vie dissolue de cet écorché vif.
« Vengeance », un album fabuleux à acheter d’urgence !
Il y a quelques années, ce duo originaire du Texas s’était déjà illustré sous le patronyme de Yellow Fever. A l’époque, les mélodies bien senties imaginées par Jennifer Moore (guitare/voix/synthé) et Adam Jones (batterie/basse/guitare), avaient enthousiasmé la presse.
Aujourd’hui, les Texans sont de retour. Pas de changement de formule, mais bien de nom : Deep Time. En publiant cet opus, le tandem prouve qu’il n’est pas nécessaire de couvrir sa musique d’artifices, pour la rendre efficace. Deep Time a même opté pour une structure inverse : une ligne de guitare ou de basse, une batterie en retrait et circonstanciellement du synthé. Rien de bien compliqué ! Même la voix de Jennifer Moore est loin d’être exceptionnelle. Et pourtant… Et pourtant, les compos exercent leur charme dès les premiers accords de cet opus éponyme. A cause du sens mélodique. Particulièrement soigné et contagieux. Du songwriting, aussi. Propice à l’enchantement. Moore pose sa voix sur les chansons d’une manière très personnelle, compensant des qualités vocales dont elle ne dispose pas. Enfin, une énergie positive émane des neuf morceaux réunis sur ce disque. Le single « Clouds » en est certainement l’exemple le plus édifiant.
Un rayon de soleil au cœur de l’hiver...
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