A la suite d’un accident, Wallis Bird a perdu partiellement l’usage de la main gauche. Née gauchère, elle a néanmoins continué à jouer de la guitare. Par la force des choses, la jeune Irlandaise exilée à Londres est donc contrainte d’utiliser une gratte de droitier dont les cordes sont naturellement inversées. Singularité coupable d’un jeu peu conventionnel. 

La rage de vaincre, particulièrement palpable en concert, n’échappe pas à la presse nationale. Les critiques dithyrambiques pleuvent (The Guardian, Daily Express, The Sun…) et qualifient rapidement la jeune britannique, âgée de 26 ans, de ‘future star nationale’. Illustration du sentiment de bravoure suscité par l’artiste ou opinion axée exclusivement sur la qualité intrinsèque de sa musique ? Seul le charme cosy du Witloof bar pouvait nous apporter la réponse.

Véritable phénomène anglo-saxon, Wallis Bird décide d’exporter ses mélodies vers le Continent. Quelques bulles sonores soufflées d’une voix chaude et puissante. Un son rock et un groove énergique qui explorent généreusement la musique folklorique, le blues et le funk. Très dynamique, l’auteur-compositeur-interprète foule inlassablement les planches avec l’énergie et l’enthousiasme de l’enfance. Un monde rose alternant ballades douces, acoustiques (« Travelling Bird ») et rock plus excité (« To My Bones »). Bref, une musique adolescente qui ne craint pas la naïveté et frise l’insignifiance.

Un set frais, léger, rythmé mais cruellement anodin. Sans la moindre aspérité. Un moment agréable qui se déguste Guinness chaude à la main. Sans réfléchir. La musique n’a-t-elle pas la prétention unique de divertir ? Wallis Bird  l’a bien compris et nous offre un moment d’insouciance. Un rafraîchissement sans gueule de bois. Une bande-son idéale pour la  campagne publicitaire d’un tour-operator irlandais. Un vol musical ‘low cost’ offrant un city trip imaginaire qui inviterait l’auditeur à pousser toutes les portes des pubs d’Irlande.

Tableau d’une adolescence qui peine à entrer dans le monde adulte et préfère se réfugier dans l’univers invariablement innocent de « LaLa Land ». Un titre funky aux paroles ingénues: ‘The world will love you // Elephants of memory // An alphabet of chemistry // All of these things have made me // Roscoe and Beenie, laughter and no TV// I've got punch lines and feisty cars // And tons and tons of love…’ Wallis Bird le crie d’ailleurs haut et fort : ‘Just because I’m wearin’ a dress doesn’t mean I’m a lady now’. Quant à « All For You », il se farde d’un poignant sentimentalisme digne des plus mauvais épisodes de ‘Plus Belle La Vie’.   

Trêve de paraphrases ! Les ambiances Wallis Bird, on les aime ou pas. Tout simplement. Pas de défaut particulier. Ni qualité particulière. Aucun sujet à critique. Seulement une soirée sous le signe de la sincérité et de la compassion réservée à un public cible.

La vraie sensation de la soirée viendra du support act brillamment assuré par les Bruxellois d’I’m Big In Japan. Un homme : Didier Van Wambeke (chant-guitare). Une femme : Ingrid Van Wambeke (claviers). Pourtant, la musique n’a pas été écrite par Francis Lai (NDLR : souvenez-vous du film de Claude Lelouch, projeté sur les écrans en 1966), mais bien par un duo frère-sœur qui nous régale d’une expression sonore ingénieusement minimaliste. Une peinture syncrétique teintée de pop, de post-rock et surtout de néo folk dont les traits délicatement esquissés relèvent manifestement de la culture européenne. Une voix et une guitare surfant aisément sur de nouvelles vagues du style, incarnées par des groupes comme Musée Mécanique ou encore Junip. Un clavier Nord Stage et un micro Korg tissent des textures de musique électronique minimale et ambient (The Album Leaf, Perfume Genius…) Une atmosphère délicate maîtrisée par une claviériste de formation classique qui donne de l’âme aux compos. L’ensemble reste néanmoins sous la haute surveillance de Tom Waits qui sommeille en filigrane.

Ce binôme surprenant dispense donc ce folk-pop moderne subtil et élégant. Une harmonie fraternelle qui se lie de mélodies intimes aux arrangements luxuriants. Sous cette nouvelle configuration, deux concerts ont donc suffi. Une formation belge en perpétuelle mutation à suivre de près, de très près.  

Testez rapidement l’expérience I’m Big In Japan : le duo bruxellois se produira sur les planches du Belvédère à Namur ce 29 janvier 2011 (http://www.belvedere-namur.be/event/25-carte-blanche-olivier-bourgi.php ).

Le groupe entrera en studio cet été pour la réalisation d’un deuxième Ep. Un disque qui sortira sur leur propre label : ‘Club House Records’.  

A la suite d’un accident, « Wallis Bird » a perdu partiellement l’usage de la main gauche. Née gauchère, elle a néanmoins continué à jouer de la guitare. Par la force des choses, la jeune Irlandaise exilée à Londres est donc contrainte d’utiliser une gratte de droitier dont les cordes sont naturellement inversées. Singularité coupable d’un jeu peu conventionnel. 

La rage de vaincre, particulièrement palpable en concert, n’échappe pas à la presse nationale. Les critiques dithyrambiques pleuvent (The Guardian, Daily Express, The Sun…) et gratifient rapidement la jeune britannique de 26 ans de ‘future star nationale’. Illustration du sentiment de bravoure suscité par l’artiste ou opinion axée exclusivement sur la qualité intrinsèque de sa musique ? Seul le charme cosy du Witloof bar pouvait nous apporter la réponse.

Véritable phénomène anglo-saxon, Wallis Bird décide d’exporter ses mélodies folk vers le Continent. Quelques bulles sonores soufflées d’une voix chaude et puissante. Un son rock et un groove énergique qui explorent généreusement la musique folklorique, le blues et le funk. Très dynamique, l’auteur-compositeur-interprète foule inlassablement les planches avec l’énergie et l’enthousiasme de l’enfance. Un monde rose alternant ballades soft-folk (« Travelling Bird ») et rock plus excité (« To My Bones »). Bref, une musique adolescente qui ne craint pas la naïveté et frise l’insignifiance.

Un set frais, léger, rythmé mais cruellement anodin. Sans la moindre aspérité. Un moment agréable qui se déguste Guinness chaude à la main. Sans réfléchir. La musique n’a-t-elle pas la prétention unique de divertir ? Wallis Bird  l’a bien compris et nous offre un moment d’insouciance. Un rafraîchissement sans gueule de bois. Une bande-son idéale pour la  campagne publicitaire d’un tour-operator irlandais. Un vol musical ‘low cost’ offrant un city trip imaginaire qui inviterait l’auditeur à pousser toutes les portes des pubs d’Irlande.

Tableau d’une adolescence qui peine à entrer dans le monde adulte et préfère se réfugier dans l’univers invariablement innocent de « LaLa Land ». Un titre funky aux paroles ingénues: ‘The world will love you // Elephants of memory // An alphabet of chemistry // All of these things have made me // Roscoe and Beenie, laughter and no TV// I've got punch lines and feisty cars // And tons and tons of love…’ Wallis Bird le crie d’ailleurs haut et fort : ‘Just because I’m wearin’ a dress doesn’t mean I’m a lady now’. Quant à « All For You », il se farde d’un poignant sentimentalisme digne des plus mauvais épisodes de ‘Plus Belle La Vie’.   

Trêve de paraphrases ! Les ambiances Wallis Bird, on les aime ou pas. Tout simplement. Pas de défaut particulier. Ni qualité particulière. Aucun sujet à critique. Seulement une soirée sous le signe de la sincérité et de la compassion réservée à un public cible.

La vraie sensation de la soirée viendra du support act brillamment assuré par les Bruxellois d’I’m Big In Japan. Un homme : Didier Van Wambeke (chant-guitare). Une femme : Ingrid Van Wambeke (claviers). Pourtant, la musique n’a pas été écrite par Francis Lai (NDLR : souvenez-vous du film de Claude Lelouch, projeté sur les écrans en 1966), mais bien par un duo frère-sœur qui nous régale d’une expression sonore ingénieusement minimaliste. Une peinture syncrétique teintée de pop, de post-rock et surtout de néo folk dont les traits délicatement esquissés relèvent manifestement de la culture européenne. Une voix et une guitare surfant aisément sur de nouvelles vagues du style, incarnées par des groupes comme Musée Mécanique ou encore Junip. Un clavier Nord Stage et un micro Korg tissent des textures de musique électronique minimale et ambient (The Album Leaf, Perfume Genius…) Une atmosphère délicate maîtrisée par une claviériste de formation classique qui donne de l’âme aux compos. L’ensemble reste néanmoins sous la haute surveillance de Tom Waits qui sommeille en filigrane.

Un binôme surprenant qui distille un folk-pop moderne subtil et élégant. Une harmonie fraternelle qui se lie de mélodies intimes aux arrangements luxuriants. Sous cette nouvelle configuration, deux concerts auront suffi. Une formation belge en perpétuelle mutation à suivre de près, de très près. 

(Organisation Botanique)

De son véritable nom Junior Wells, Amos Wells Blackmore était un des plus grands harmonicistes du Chicago blues. Il était né à Memphis en 1934 et est décédé à Chicago, en 1998. Il était le cousin de Junior Parker et avait émigré vers Chicago en 1948. Il n'a que 19 ans quand il remplace Little Walter, au sein du Muddy Waters Band. Au cours des années 60, il se joint au guitariste Buddy Guy, pour partager une longue aventure musicale. Une collaboration ponctuée par le superbe album "Hoodoo man blues", sorti en 1965, puis l'année suivante, par "It's my life baby", tous deux édités chez Delmark.

Ce "Live in Boston 1966" nous replonge donc au beau milieu de cette époque. Et c’est le même label qui se charge de publier ce disque. Buddy Guy n'a pas participé à ce set. Junior est soutenu par les Aces, une formation qu'il avait montée au tout début des années 50. Junior, préposé au chant et à l’harmonica, est donc accompagné par le guitariste Louis Myers, le bassiste Dave Myers et le drummer Fred Below. Réunissant douze plages, cet opus est entrecoupé de commentaires dispensés par Wells. Il n'avait alors que 32 ans.

"Feelin' good" ouvre la plaque. Un boogie au cours duquel Junior allume son public. Faut dire que cet artiste est un véritable showman! Il empoigne son harmonica et attaque "Man downstairs", sur un rythme très soutenu, pendant que les frères Myers assurent à l'arrière. Un peu de calme envahit l’atmosphère. Place au slow blues, "Worried life blues", une compo signée par Big Macceo Merrywheather. Sobre, Louis Myers montre néanmoins son savoir-faire, avant de céder le relais au leader qui souffle en puissance, alternant les basses et les aigus. Junior a de l’humour. Et le démontre lorsqu’il présente ses chansons. Plutôt long, "Junior's whoop" est bien ficelé. Il emprunte au style de ses titres les plus notoires, comme "Messing with the kid" ou "Mellow down easy". La qualité du son n’est pas extraordinaire, mais l'instant est magique. Myers nous prend à la gorge tandis que Fred Below dirige la manœuvre rythmique derrière ses caisses. Les classiques se succèdent : le "That's allright" de Jimmy Rogers, le "Look on yonder's wall" d'Elmore James et l’inévitable "Got my mojo working". "Messing with the kid" est un titre issu de la plume de Mel London. C’est aussi le plus grand succès de Wells. Il l’exécute dans une ambiance torride. Il présente ensuite ses musiciens, avant de laisser le champ libre aux frères Myers tout au long d’une version du très populaire "Hideaway" de Freddy King. La courte finale est également instrumentale et baigne dans le jazz. Elle est interprétée par les Aces, sans leur leader. Cet opus rend justice au talent de Wells, une véritable bête de scène. Assister à un de ses concerts était d’ailleurs un véritable régal…

Les artistes hip-hop belges sont souvent trop sous-estimés. Motif ? Un préjugé défavorable guidé par un réflexe. Celui de se tourner vers l’Hexagone, jouissant d’une plus grande légitimité. Qu’illustre l’univers des cités immortalisé par ‘La Haine’. Pourtant, notre royaume possède en son sein quelques plumes bien aiguisées dont le discours tient la route. Né au Congo, mais Bruxellois, 13HOR en est un bel exemple. Soutenu, entre autres, par DJ Daddy K aux platines, lors de ses prestations ‘live’, il nous propose son troisième opus. « Cris du Cœur » fait suite à « Des Comptes à Régler », publié en 2003 et « Proses d’Assassin », en 2008. D’après la bio, le rappeur aurait acquis une certaine maturité et dépasserait aujourd’hui ses trips ‘gangsta’ précédents en s’ouvrant au monde. Son adaptation du célèbre « Empire State of Mind » de Jay-Z, rebaptisée « Empire State of Brussels », fait d’ailleurs des ravages sur YouTube ! L’engagement de 13HOR se traduit par des textes féroces. Tout au long de cet elpee, il aborde une multitude de thèmes liés, très souvent au colonialisme. Belge, évidemment. A l’instar du très réussi « 1960 Gravé dans vos Cœurs », au cours duquel il rappe le discours très puissant de Lumumba, prononcé le 30 juin 1960. Plus radical, « La Même Vie » analyse la condition des ‘blacks’ en Belgique. S’il n’évite pas toujours les clichés inhérents au genre (« Couilles Sta »), le rappeur belge n’a rien à envier à ses mentors, qui sont de toute évidence Booba (pour le flow) et I Am (pour les lyrics). A noter que pour concocter ce disque, 13HOR a bénéficié du concours de beatmakers ; et en particulier de One Shot (Booba) et Soulplayer (Scylla). Dommage néanmoins que l’artiste ne se soit montré un peu plus sélectif dans le choix de son tracklisting. 10 morceaux auraient été largement suffisants. Car avant d’atteindre la dernière et dix-neuvième plage, la lassitude a déjà commencé à vous envahir. Et c’est un ‘Cri(s) du Cœur’…

Certains groupes vieillissent mal. Ce n’est certainement pas le cas d’Adorned Brood. Au contraire, le temps semble exercer sur cette formation folk/pagan métal allemande, un effet extrêmement bénéfique. « Hammerfeste » constitue le septième opus de cette épopée guerrière entamée à l’aube des années 90. A l’époque, ces chevaliers teutoniques sont parmi les premiers à insérer des interventions de flûte à leur black métal. Au fil des sorties, ce style rageur se mue peu à peu en folk/heavy métal où les vocaux black tiennent toujours une place importante. Depuis la sortie de « Noor » en 2008, le line-up du groupe à subi quelques modifications importantes. Ingeborg Anna, flûtiste depuis 1996, s’en est allée fonder une famille. Elle a été remplacée par la très talentueuse Anne Jespen. Changement aussi du côté des six-cordes, puisque l’ex-Agathodaimon Jan Jansohn a désormais pris la place de Mirko ‘Pagan’ Klier.

Le moins que l’on puisse dire, c’est que ces changements ont été salutaires. Tout en restant fidèle à sa ligne de conduite heavy/pagan/folk, Adorned Brood semble vouloir prendre un tournant beaucoup plus épique. La flûte est bien plus présente et bien mieux intégrée qu’elle ne l’a jamais été. Le style d’Anne Jespen, plus mélodique que celui d’Ingeborg Anna, élève l’expression sonore des guerriers-ménestrels à un stade largement supérieur. Le niveau technique des guitares est, lui aussi, monté d’un cran (ou deux). Les riffs heavy métal tranchants sont à présent entrecoupés de parties solo plus que bien torchées. Les orchestrations sont très réussies (NDR : l’intro aurait carrément pu servir de bande son au film ‘Lord Of The Rings’). Le chant, jadis exclusivement black métal, de Markus Frost, est désormais beaucoup plus nuancé. Si certaines parties extrêmes subsistent, c’est principalement à cause du chant métal classique qui accompagne le heavy épique d’« Hammerfeste ». Frost dispose d’ailleurs d’un organe parfait, puisqu’il campe un hybride parfait entre celle d’Hansi Kürsch (Blind Guardian), de Peavy Wagner (Rage) et de Chris Boltendahl (Grave Digger). Des chœurs guerriers et entraînants renforcent le côté épique des compositions.

Adorned Brood signe son travail le plus abouti à ce jour. « Hammerfeste » devrait plaire autant aux amateurs de folk métal qu’aux férus de heavy métal classique. Les collectionneurs pourront acquérir l’édition limitée, emballée dans un packaging en cuir contenant des patches et des photos dédicacées.

Go Down Records vient de nous offrir deux albums superbes. L’opus éponyme des Shoes qui revisite d’une manière admirable les glorieuses seventies et le « Volcano » d’OJM dont la combinaison du stoner, classic et garage rock est superbe. Le label italien aurait dû en rester à ce stade, afin de nous laisser sur une bonne impression. Malheureusement, il nous a aussi envoyé « Gran Rodeo », l’inutile premier essai de Bodyntime.

Nous avons beau l’écouter et le réécouter, il n’y a vraiment rien à tirer de cette plaque. Sur son site web, Bodyntime se revendique combo rock’n’roll expérimental mélangeant le stoner, le punk et le noise. L’écoute de « Grand Rodeo » ne révèle, dans ses meilleurs moments, qu’un rock indie plat et ennuyeux et dans le pire des cas, un très mauvais pop/rock.

La production faiblarde et les compositions simplistes, dignes d’une démo de groupe débutant (NDR : Bodyntime existe pourtant depuis 2005), ne sont pas, non plus, de nature à faire remonter l’opus dans notre estime. A oublier.

Au cours des derniers mois, on ne compte plus le nombre d’artistes pop lo-fi qui émergent aux States. Les derniers en date, Wavves et Best Coast, Californiens pour être plus précis, nous avaient proposé des œuvres de toute bonne facture. Dylan Baldi ne nous vient pas de la côte Ouest des Etats-Unis, mais de Cleveland, dans l’Ohio. Particulièrement doué, il propose tout au long de cet opus, de petites vignettes, systématiquement sous-produites. Un peu à la manière de Nathan Williams. Une collection de chansons mélodieuses, pas très lisses, sculptées dans l’esprit punk DIY. Maintenant, on se demande quand même si cette méthode ne relève pas d’une certaine forme d’intégrisme musical ou tout simplement, si elle n’est pas tout simplement due à un manque de moyens. Néanmoins, les 13 titres de « Turning On », puisés au sein de divers Eps, dépassent, en qualité intrinsèque, les premiers morceaux composés par son comparse californien. A ses débuts, Wavves n’avait, en effet, pas vraiment soulevé l’enthousiasme. Et certainement pas signé, à ses débuts, une composition pop aussi furieuse et envoûtante qu’« Old Street », une chanson par ailleurs caractérisée par ses harmonies subtiles, la très cool « Hey Cool Kid » ou l’efficace « Turning On », parcourue par une ligne de basse aussi irrésistible que caoutchouteuse. Ajoutez-y une guitare fuzz, un synthé foutraque, une voix d’ange déchu et vous obtiendrez une formule magique, déjà entendue chez les Texans d’Harlem, cette année. Pourtant, à l’écoute de ces morceaux, on a le droit d’être frustré. Et pour cause, il suffit d’imaginer la forme séduisante qu’ils pourraient revêtir, s’ils étaient passés entre les mains d’un excellent producteur. 

Dylan est à peine âgé de 18 ans. Et au vu de son talent, on et en droit d’attendre monts et merveilles de son Cloud Nothings ! Suffira peut-être qu’il suive la voie récemment tracée par Wavves. La sortie de son premier véritable opus studio est prévue pour 2011. Il a déjà été enregistré sous la houlette de Chester Gwazda (Dan Deacon et Future Islands). Vu la qualité des maquettes de « Turning On », il ne peut que confirmer…

Venus tout droit de Barcelone, Delorean (à ne pas confondre avec les folkeux de Dolorean) s’est donné pour mission de faire bouger les foules à coup d’indie-electro ensoleillée. C’est lors du festival Primavera en Espagne que le label et dénicheur de talent visionnaire True Panther Sounds (Girls, Magic Kids, Glasser, Ty Segall, …) est tombé sous le charme des rythmes saccadés et irrésistibles du quatuor. S’ensuit en 2009 un premier Ep concocté sous la houlette de TPS, intitulé « Ayrton Senna », accueilli les deux bras ouverts par la planète blog. Delorean publie quelques mois tard « Subiza », un troisième ouvrage comparé par la presse spécialisée au « Screamdelica » de Primal Scream ou au « Technique » de New Order. Pas forcément pour le style, mais plutôt au niveau de sa portée. Ce qui n’est pas rien.

Il faut dire que les petits Espagnols sont également bien aidés par le revival des nineties. Et des sons circa 90’s, on en prend plein les oreilles avec « Subiza ». Résultat, neuf petites perles aux limites de la Dance, qui rappelleront certainement de bons souvenirs aux clubbers ayant écumé les plages d’Ibiza à l’époque. « Infinite Desert », « Warmer Place », « Real Love », « Come Wander » ou « Endless Sunset » n’auraient d’ailleurs certainement pas dépareillé, à plein volume, sous le ciel bleu de l’île. Et dieu sait qu’on pourrait encore citer le titre des quatre autres morceaux extraits de « Subiza » tant son contenu regorge de luminescence. A l’heure des premières neiges, Delorean est le remède idéal contre la morosité des longues nuits d’hiver.

En live ce 14 décembre à la Rotonde du Botanique.

En cette année 2010, Disturbed, l’enfant ‘dérangé’ de la ville de Chicago fête son dixième anniversaire. Une décennie que le groupe balance, avec un certain talent il faut bien l’avouer, son Nu/Neo/New Métal dans nos oreilles irritées. Dix ans que nous, les anciens/croulants/vrais fans de métal, affirmons que le Nu/Neo/New Métal, ce n’est pas du métal. Alors OK ! Après dix ans, il y a prescription. Et puis, après tout, ne vaut-t-il pas mieux être convaincu jouer du métal (même si ce n’est pas tout à fait le cas) que d’affirmer –comme l’ont prétendu les groupes grunge– que le métal était mort ? (NDR : qui est mort, maintenant, hein Kurt?) Alors accordons une chance à « Asylum », le nouvel album de Disturbed, en soupesant objectivement le pour et les contre.

Le ‘contre’ pour commencer, parce malgré la prescription, les croulants ont la rancune tenace.

Après dix ans, le ‘Nu’ Métal de Disturbed n’a plus grand-chose de ‘New’. Le gang de Chicago avait déjà trouvé sa formule rémunératrice sur « The Sickness », son premier opus sorti en 2000, il n’en a pas changé depuis. Une recette, même très savoureuse, peut se révéler indigeste si elle est servie à tous les repas. Ajoutons encore que Disturbed apporte de l’eau au moulin des anciens/croulants/vrais fans de métal en prouvant une fois de plus que ses héros ne sont pas forcément des légendes du métal. Après avoir repris le « Shout » de Tears For Fears sur l'album « The Sickness », c’est à une cover du « I Still Haven't Found What I'm Looking for » de U2 que nous avons droit. Pas très ‘métal’ tout cela.

Le ‘pour’ maintenant :

David Draiman a une très belle voix. Et, contrairement à la plupart des pleurnicheurs égocentriques qui ont toujours pollué la scène nu-métal, le vocaliste ne se contente pas de nous balancer du ‘Je suis malheureux’, ‘Je veux en finir avec ce monde cruel’. Au contraire, ses lyrics sont engagés. Il dénonce par exemple le négationnisme sur « Never Again » ou communique ses inquiétudes écologiques sur « Another Way To Die ». Autre point positif, pour Dan Donegan, le guitariste, la technique ne nuit pas à l’efficacité. Il distille d’ailleurs quelques superbes soli, et notamment sur « Remnants », le titre instrumental qui ouvre la plaque. Le son d’« Asylum », produit par Donegan lui-même, est plutôt percutant. Quant aux compositions, elles sont franchement agréables à écouter et vraiment insidieuses, puisqu’elles s’impriment dans la mémoire dès la première écoute.

En résumé, « Asylum », dans son genre, est plutôt réussi. Il s’adresse aux amateurs de néo métal et aux fans inconditionnels de Disturbed… pour autant que l’idée d’écouter un disque qui soit une copie presque conforme des quatre précédents ne les rebute pas. 

« Don’t Give a Dawn About Bad Reputation » constitue le deuxième album de Driving Dead Girl. Fondé en 2003, le groupe belge a connu des débuts plutôt heureux, puisqu’il a été invité à participer à l’édition 2004 du festival de Dour, et assuré les premières parties de groupes bien dans l’air du temps comme The Rakes, Radio 4, Tokyo Sex Destruction ou encore The Black Angels. Un début de parcours sur les chapeaux de roues, ponctué par la sortie d’un premier opus, intitulé « 50,000 Dead Girls Can’t be Wrong ». Manifestement, à ce moment-là, tout allait pour le mieux dans le meilleur des mondes. La suite coulera un peu moins de source. A cause d’une multitude de changements de line up. Une situation qui va presque déboucher sur un split. Finalement, le combo parvient à se stabiliser. En 2008. Il peut alors reprendre du service…

Malheureusement, sur ce second elpee, on ne peut pas dire que le rock’n roll/garage de « Don’t Give a Dawn About Bad Reputation » casse vraiment la baraque. On a l’impression qu’il a même pris un coup de vieux. Ses influences ont beau être puisées chez Black Rebel Motorcycle Club, Jon Spencer Explosion ou encore Johnny Cash, DDG ne parvient pas à les transcender. L’énergie est bien présente (NDR : un héritage de leurs prestations ‘live’), la maîtrise instrumentale irréprochable, mais on cherche vainement ce petit trait de génie, ce petit truc, cet infime détail qui pourrait faire pencher la balance. Et surtout décoller l’expression sonore. Une exception qui confirme la règle : « The Way Your Heart Ain’t Easy To Ride », une compo low tempo à vous flanquer des frissons partout. 

Avant de pondre un tel second opus, Driving Dead Girl aurait peut-être dû se remettre en question. Attendre 7 longues années pour balancer un disque pareil, ce n’était pas vraiment une bonne idée.