Il y a quelques semaines, un album de Maggid échouait par hasard dans mon lecteur de disques. A l’issue de son écoute, j’en griffonnai ces quelques lignes : ‘Il y a du potentiel chez ce jeune groupe klezmer made in Belgium! Maggid, composé pour ce disque d’un accordéoniste et d’un violoniste, mais dont le line up est actuellement élargi à un contrebassiste et un percussionniste, reprend des musiques juives traditionnelles du début du XXème siècle et les arrange à sa sauce. Si le disque commence de manière assez sage, le deuxième morceau, « Uskudar terkish », et ceux qui suivent, provoquent une ondulation corporelle sinusoïdale, de bas en haut et de gauche à droite. Cette musique instrumentale raconte, comme une fable musicale, et on se représente aisément la rencontre entre deux personnages, leur dialogue puis leur itinérance (c’est un peu ce que raconte la BD « Klezmer », de Joann Sfar). Tour à tour allègre, tendu, lyrique, l’air entonné est à chaque fois interprété avec intensité. Ce charmant petit album promet de belles suites à Maggid, des concerts émouvants, et des compositions personnelles plus fortes encore ? On l’espère!’
Dans le doute, je vérifie qu’il s’agit bien de reprises. Exact. Sauf que depuis, la bande a sorti deux autres disques, dont le dernier (toujours sans titre malheureusement, appelons-le « Le disque bleu ») vaut le détour ; il est même émaillé d’une compo originale!
Etoffés de la contrebasse et des percussions, plus riches rythmiquement et d’une gamme d’intensités plus variée, ces morceaux sont une joyeuse surprise. Un bond de géant a été franchi par le groupe, qui peut maintenant jouer dans la cour des grands.
Avec cet album, l’horizon s’élargit vers d’autres influences, du Maghreb dans le jeu du percussionniste, et par moment, d’Amérique du Sud. On songe à Richard Galliano pour l’élégance et la profondeur, aux plus discrets El Kerfi Marcel et Amsterdam Klezmer Band pour les ambiances festives. « Enveloppen », écrit par Jonas De Rave, l’accordéoniste, dégage un mystérieux climat de tango. Sur « Meron Nign », il arrive si délicatement qu’on croirait une flûte. Etrangement, le dernier morceau « Hershfeld’s Bulgar », m’évoque le collectif Think of One, des Flamands ayant sillonné le monde pour nourrir leur répertoire.
Un regret, c’est la maigre durée des disques, qui n’excèdent pas les six pistes, et l’injuste discrétion du groupe, dont la création est introuvable chez les disquaires. Mais l’oiseau Maggid est rare et il mérite qu’on se donne la peine de l’attraper.
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Enfant prodige des manettes, Ross Birchard alias Hudson Mohawke composait déjà à l’âge de 7 ans(!) et publiait ses premières mixtapes trois ans plus tard (!!). A 14 ans, il montait sur la première marche du podium du prestigieux DMC World DJ Championship. A 23 ans, l’Ecossais prend d’assaut la scène Dubstep armé d’un premier ouvrage solide. A la frontière de l’IDM, « Butter » ferait pâlir de jalousie Prince, avec ou sans son New Power Generation. La particularité du travail de l’Ecossais réside en un son résolument Funk et R’n’B circa fin 80s voire début 90s, comme il le souligne sur les introductifs « Shower Melody » et « Gluetooth ». L’œuvre est parcourue de pépites du genre, telles que des « Just Decided » ou « Joy Fantastic », évoquant une collaboration entre OutKast et Prince sous électrochocs.
Mais Hudson Mohawke, Hud Mo pour les intimes, a beau être un petit génie, il n’échappe pas à quelques dérapages. A égale mesure, il parvient à provoquer des frémissements de plaisir (« Rising 5 », « FUSE », « Gluetooth », « Allhot »…) ou à contrario, engendrer un profond ennui (« Velvet Peel », « Fruit Touch », « Tell Me What You Want From Me », « Star Crackout »…) En cause, une recherche qui tend parfois vers la surproduction. Un débordement d’idées qui gagnerait à être un peu plus contenu. Nul doute que s’il parvient à canaliser son énergie, Hudson Mohawke risque de nous réserver bien des surprises. En attendant, il faudra se contenter d’écouter « Butter », l’index prêt à solliciter la touche FastForward.
La scène française contemporaine est particulièrement dynamique. Elle vient de s’enrichir d’une belle plume à son chapeau : Paco Volume. Des plumes arborées par un paon juché sur l’épaule de Paco, illustrant la pochette. La trajectoire de ce drôle d’oiseau est même plutôt singulière, puisqu’avant de revenir à la musique (NDR : il a décidé de consacrer les 30 –pas moins !– prochaines années de son existence à la composition), cet ancien œnologue (NDR : couronné 5ème jeune dégustateur de France, en 2001) s’était exilé en Nouvelle-Zélande pour exercer un job de barman.
Pour enregistrer ce « Manhattan Baby », Monsieur Volume a bénéficié de la collaboration de François Chevalier (Emilie Simon, Coldplay, Arcade Fire), à la coproduction. Enfin sur plusieurs morceaux. Un album qui n’accroche pas d’emblée, mais dont la pop fraîche, subtile, légère, ensoleillée et empreinte de charme finit par susciter un certain enthousiasme. A cause des refrains particulièrement contagieux. Parfois même un peu trop. A un tel point que la force des compos se mue parfois en faiblesse. Le mélomane se focalisant alors uniquement sur ce pouvoir de séduction. Parmi les 12 plages de cet elpee, on épinglera cependant « Cookie Machine », « Stand By Me (Belfast 69) » et surtout « Wolves », des titres susceptibles de vous communiquer une bonne dose d’énergie positive. A contrario, caractérisé par ses effets ‘indianisants’, le très dispensable « Discontinued Things » devient rapidement agaçant. Particulièrement éclectique, l’opus tire parti aussi bien de claquements de mains, d’accès de guitare sèche, de pointes d’électro que d’interventions au xylophone. Une amplitude qui se justifie aisément, puisque l’artiste est multi-instrumentiste. Les arrangements sont impeccables. Sophistiqués même. Parfois un peu trop lisses pour être honnêtes. Un peu comme si Paco se posait comme élève appliqué de Jarvis Cocker voire de David Bowie. Cependant, nonobstant la banalité de son timbre vocal, le Français affiche une maîtrise certaine de la langue de Shakespeare ; et puis son style colle parfaitement à la pop typiquement britannique.
Pendant que David Sitek se forge une solide réputation dans l’univers de la production (Yeah Yeah Yeahs, Scarlett Johansson, etc.), Tunder Adebimpe enchaîne les différents projets musicaux (NDR : notamment en compagnie de Massive Attack) lorsqu’il ne tâte pas du cinéma (NDR : il a en effet tenu un rôle dans l’excellent film de Jonatha Demme, « Rachel Getting Married »). Kyp Malone, le barbu de TV On The Radio (NDR : soit dit en passant, l’un des groupes les plus intéressant de cette décennie), a donc également décidé de se lancer dans une aventure parallèle. Et il a choisi pour patronyme Rain Machine. Eponyme, le premier elpee de son projet est donc paru chez Anti (DeVotchKa, Jason Lytle, …)
Tout au long de ce premier opus, le chanteur/guitariste assure à lui seul toute l’instrumentation et bien sûr le chant. Mais franchement, difficile de faire la distinction entre la musique du groupe de Brooklyn et celle de Rain Machine. Et pour cause, la voix très caractéristique de Malone est difficile à dissocier du contexte TV On The Radio. Elle est tellement ancrée dans notre subconscient ! Et puis les premiers morceaux de cette plaque, à l’instar du single « Give Blood », trempent dans un même univers sonore. On y retrouve, outre sa voix, cette trame soul-rock enrichie par les chœurs gospel et dynamisée par ces rythmes tribaux. Petit bémol quand même, les morceaux sont parfois un peu tirés en longueur. Il faut attendre le milieu de parcours pour entendre enfin des compos emprunter une autre direction. Sur « Desperate Bitch » et « Love Won’t Save You », par exemple. Kyp adopte alors un profil davantage blues. Uniquement flanqué d’une guitare ou d’une mandoline, il pose ses textes sur des chansons minimalistes. Et le résultat est plutôt sympa !
Vu le potentiel affiché par les musiciens de TV On The Radio, on devient naturellement très exigeant à leur égard. Oui, j’admets, je m’attendais à un résultat exceptionnel. A une œuvre grandiose. Dans l’esprit de ce que les New-Yorkais nous avaient légués, jusqu’à ce jour. Sans leur mettre la pression, bien sûr. Parce que finalement ce long playing est plus que d’honnête facture. Simplement, il aurait pu (dû) être signé par le band, pas par un seul de ses membres. M’enfin, de nombreux artistes seraient ravis de faire l’objet d’une semblable comparaison.
Franck Rothkamm est de nationalité allemande. Compositeur, philosophe et artiste conceptuel, il est le responsable de multiples projets postindustriels susceptibles de mêler indifféremment échantillonnages, collages, musique de chambre, arrangements pop et autres expérimentations même mathématiques. « Alt » aborde sa vision très personnelle du minimalisme. Et ma chronique sera tout aussi minimaliste. Car si l’art visuel de ce type peut être intéressant, acoustiquement, il devient carrément chiant. Sur cet opus, Rothkamm trace des lignes sonores trempées dans l’ambient. Mais sevré de nuances, ce périple destiné à nous conduire vers l’infini, tombe à plat et s’égare dans l’univers du soporifique…
Dans la famille des ‘supergroupes’, difficile d’ignorer Them Crooked Vultures. Un projet qui a bourgeonné en 2005 avant d’éclore été 2009, à l’initiative de trois figures emblématique du rock : Josh Homme, Dave Grohl et John Paul Jones. A ceux-ci s’est greffé Alain Johannes, derrière les manettes. Et lorsque l’on croise Queens Of the Stone Age, Foo Fighters et Led Zeppelin, on peut se douter que le résultat sera explosif. Rock’n’roll, tel est le mot d’ordre. On balance tout le jus et on réfléchit après. A défaut d’originalité, les trois gaillards misent essentiellement sur les gros riffs ravageurs et des mélodies inexorablement addictives. Les irrésistibles « Gunman » et « Scumbag Blues », notamment, illustrent parfaitement cette perspective.
« Them Crooked Vultures » renvoie très souvent aux travaux des Queens Of the Stone Age. Ce qui fait sa force et sa faiblesse, à égale mesure. Seule une légère dose de psychédélisme répandue sur les monstrueux « Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up », « Caligulove » et « Bandoliers » permet de véritablement distinguer ce recueil éponyme de l’œuvre des reines de l’âge de pierre. Parfois, l’ombre de Led Zeppelin pointe son nez (« Elephants ») mais sans jamais s’éterniser. L’alchimie entre les trois musiciens y est exemplaire, conférant à l’ensemble une cohérence à l’épreuve des balles. « Them Crooked Vultures » est un disque qui sent bon la testostérone. Ces vautours peuvent continuer à planer au-dessus de nos têtes aussi longtemps qu’ils le désirent.
De son véritable nom Emmanuel Cabut, Mano Solo, est décédé ce 10 janvier 2010. Hospitalisé à l’issue de son dernier concert accordé à l’Olympia de Paris, le 12 novembre dernier, il avait depuis été victime de plusieurs anévrismes. Né à Châlons-sur-Marne, il avait entamé une carrière personnelle début des années 90, après avoir milité au sein du groupe punk, les Chihuahuas. Responsable d’une dizaine d’albums, il était aussi bien engagé dans l’univers artistique, social que politique. Atteint du SIDA, il était depuis de nombreuses années sous trithérapie. Il avait enfin décroché trois disques d’or. Son dernier elpee « Rentrer au port » était paru ce 28 septembre.
Le site de MTV US propose quelques morceaux live tirée de son émission « Unplugged » avec, en guest, Vampire Weekend. La formation y interprète « A-Punk », « M79 », « Oxford Comma », les nouveaux morceaux « Run », « White Sky » et, évidemment, « Cousins ». Pour visionner cette performance rendez vous sur :
http://www.mtv.com/music/unplugged/
(cliquez sur ‘continue to MTV US’ à l’annonce du choix de site)
Le phénomène des reformations est loin de se tasser en 2010. Chris Cornell n’a pas perdu de temps et l’a annoncé dès le 1er janvier : après 12 ans de silence, Soundgarden is back. La formation a par ailleurs d’ores et déjà rouvert les portes de son site officiel. (Voir également l'interview accordée en 1994, et archive du mois pour ce mois de janvier 2010)
http://www.soundgardenworld.com/
Le label allemand earMUSIC/Edel (qui tient sous sa coupe des pointures telles que Deep Purple, Chickenfoot et Europe) vient d’annoncer son intention de rééditer l’intégrale de la discographie du légendaire combo heavy métal américain Savatage, en versions étendues et remastérisées.
Formé en 1979 sous le nom d’Avatar, le groupe des frères Jon (chant) et Criss (guitares) Oliva change de patronyme en Savatage, juste avant la sortie de son premier album : le classique « Sirens » en 1983. Pure formation heavy métal à ses débuts, Savatage intègre peu à peu des influences symphoniques et progressives. En 1993, peu après la sortie de leur septième album, Criss Oliva décède, renversé par une voiture conduite par un ivrogne. Bien que souffrant de problèmes vocaux, Jon continue à mener la barque. Il compose la musique et les lyrics des opus suivants. Il joue aussi les parties de claviers. Il laisse cependant la place de vocaliste à Zak Stevens (Circle II Circle). Pour remplacer Criss, les six-cordistes, tous plus talentueux les un que les autres se succèdent : Jack Frost (Seven Witches, Bronx Casket Co, Metalium), Alex Skolnick (Testament) et Al Pitrelli (Megadeth, Widowmaker, Dee Snider Band). En 2007, trop absorbé par ses autres projets (Trans Siberian Orchestra, Jon Oliva’s Pain), Jon Oliva annonce le split de Savatage.
La première sortie de l’association earMusic/Savatage consistera en une anthologie sur double CD intitulée « Still The Orchestra Plays Vol. 1 & 2 ». En plus des classiques du groupe remastérisés (voir liste ci-dessous), la compilation contiendra 3 inédits acoustiques jamais publiés jusque-là. En outre, l’édition limitée comprendra, en bonus, la vidéo de 1994 intitulée « Japan Live » (sur laquelle on peut revoir Criss Oliva) éditée pour la première fois en Dvd.
Tracklisting :
Vol 1:
1. Power Of The Night
2. Hall Of The Mountain King
3. 24 Hours Ago 4. Legions
5. Gutter Ballet
6. Summers Rain
7. When The Crowds Are Gone
8. Ghost In The Ruins
9. If I Go Away
10. NYC Don't Mean Nothing
11. Edge Of Thorns
12. All That I Bleed
Vol 2:
1. Handful Of Rain
2. Chance
3. One Child
4. I Am
5. Anymore
6. Hourglass
7. The Wake Of Magellan
8. Morphine Child
9. Anymore [New Acoustic Version]
10. Not What You See [New Acoustic Version]
11. Out On The Streets [New Acoustic Version]
La tournée 2010 de Pavement annonce le grand retour de la bande à Malkmus. Mais leur concert programmé à l’AB ce 18 mai est déjà sold out. En outre, le 3 mars prochain, une compile réunissant 23 de leurs morceaux et intitulée « Quarantine the past » sera disponible sur le marché. Elle sera, bien sûr remasterisée. Ce recueil survolera la carrière du groupe, soit de 1989 à 1999. Et inévitablement épinglera la quintessence de leur œuvre. Parce qu’on ne peut pas parler de ‘hits’ chez Pavement. Matador organise également un concours destiné à gagner des places de concerts et des vinyles de ce « Quarantine The Past ». Si vous souhaitez tenter votre chance, il suffit de vous rendre sur le site du label et de cocher les 23 morceaux qui, à votre avis, devraient figurer sur le disque. Dépêchez-vous, le concours se termine le 19 janvier !
Le 4ème album d’Admiral Freebee paraîtra ce 22 février prochain. Destiné à donner une nouvelle impulsion à la carrière de notre loup de mer préféré, « The Honey & The Knife » a bénéficié du concours de Jo Francken, le producteur du 1er album, à la mise en forme. Des sessions d’enregistrement qui se sont déroulées au sein du studio personnel de ce dernier. En espérant qu’il parvienne à retrouver la fraîcheur manifestée par les premières œuvres de la bande à Tom Van Laere. Vous pouvez en tout cas d'ores et déjà réserver la date du dimanche 4 avril, puisqu’Admiral Freebee se produira à l'AB.
Pias et Pure FM ont lancé la compétition “Laurent Garnier mixe chez moi”, depuis quelques semaines. Le gagnant aura le privilège d’accueillir chez lui le DJ français pour un set privé, le 19 février 2010. Les participants sont invités à proposer leur idée originale sur le site consacré à cette opération mais aussi à solliciter leurs amis pour soutenir leur projet en votant pour celui-ci via les réseaux sociaux. Les inscriptions sont ouvertes jusqu’au 15 janvier 2010. Les votes seront clôturés le 1er février. Laurent Garnier sélectionnera ensuite son concept favori parmi les 20 meilleurs candidats !
Voir la réaction de Laurent Garnier sur Dailymotion : http://www.dailymotion.com/video/xboa21_laurent-garnier-mixe-chez-moi-la-re_music
http://www.laurentgarniermixechezmoi.com
Owen Pallett (NDR: ex-Final Fantasy et collaborateur régulier chez Arcade Fire) éditera son troisième elpee solo ce 11 janvier 2010 ; mais sous son propre nom. Parmi les collaborateurs figure le drummer d’Arcade Fire, Jérémy Gara, mais également Matt Smith (Nifty), Reg Vermue (Gentleman Reg) et Nico Muhly. C’est le résultat de 9 mois de travail accompli au sein de quatre pays différents, soit l’Islande (NDR : au Greenhouse de Reykjavik sous la houlette de l’ingénieur du son Mio Þórrison), la Tchéquie (NDR : à Prague, très précisément, pour les parties orchestrales, en compagnie du ‘Czech Symphony’), les States (New-York) et le Canada (Toronto). C’est cet été qu’Owen ainsi que Rusty Santos (Animal Collective, Panda Bear) ont mis la touche définitive à cette œuvre baptisée « Heartland », qui manifestement a reçu un soin particulier pour sa confection.
Pour plus d’infos : http://www.owenpalletteternal.com
Le deuxième opus de Lightspeed Champion paraîtra ce 1er février. Intiutlé « Life is sweet ! Nice to meet you », il fait suite à « Falling Off The Lavender Bridge », dont la sortie remonte à 2008. Le nouvel opus a été produit et mixé par Ben Allen (Animal Collective, Gnarls Barkley). Tout les morceaux ont été écrits et arranges par Dev Hynes.
Tracklisting
1. Dead Head Blues
2. Marlene
3. There's Nothing Underwater
4. Intermission
5. Faculty Of Fears
6. Big Guns Of Highsmith, The
7. Romart
8. I Don't Want To Wake Up Alone
9. Madame Van Damme
10. Smooth Day (At The Library)
11. Intermission 2
12. Sweetheart
13. Etude Op.3 Goodnight Michalek
14. Middle Of The Dark
15. Bridge And A Goodbye, A
http://www.myspace.com/lightspeedchampion
http://www.lightspeedchampion.com
Après avoir raflé la mise en 2008 lors de la sortie de leur premier album éponyme, puis épaté la galerie tout au long de leurs différentes tournées (NDR : souvenez-vous de leur set –pour celles et ceux qui y étaient– accordé lors du dernier Pukkelpop), les musiciens surdoués de Vampire Weekend nous reviennent le 11 janvier pour un nouveau « Contra », à paraître chez XL Recordings. La vidéo de leur premier single « Cousins » est disponible sur leur site. L’ombre des Talking Heads devraient continuer à planer, pour notre plus grand bonheur…
Le concert des Américains est prévu pour le 22 février à l’AB ; mais c’est déjà soldout…
Le nouvel album du troubadour à l’âme tourmentée sera disponible dans les bacs dès le 22 février prochain ! « The Alphabet of Hurricanes » constituera son 5ème opus en 10 ans ; et comme le veut la formule, c’est le plus ambitieux de l’artiste à ce jour… Vu la popularité de l’artiste, je conseillerai vivement aux fans de réserver dès maintenant leurs places pour le concert qu’il accordera au Cirque Royal, le 24 mars prochain…
En me replongeant dans l’écoute de ce « Diary », œuvre originelle des flamboyants Sunny Day Real Estate, j’ai l’impression d’opérer un voyage dans le temps. Quinze bonnes années plus tôt. En pleine période post-Cobain. C’est-à-dire lors des dernières années de mes études accomplies en secondaire. Dès les premières notes, difficile de ne pas succomber au charme de la voix du chanteur, Jeremy Enigk, assurément l’une des plus marquantes et emblématiques de son époque. Il était alors à peine âgé de 20 ans. Au milieu des années 90, le groupe américain jouissait d’une grande estime aux Etats-Unis, tout en restant relativement inconnu en Europe. Fondé à Seattle, en 1992, le combo édite ce premier elpee chez Sub Pop. Déjà une belle preuve de confiance… Mais d’où vient leur étrange patronyme ? Les versions diffèrent. Probablement des paroles d’une chanson de Talking Heads. A moins que ce ne soit d’un texte rédigé par le poète T.S. Elliot. Ou peut-être la solution procède-t-elle de la double signification. Bref, le mystère reste entier. D’autant plus que les musiciens n’ont accordé que très peu d’interviews et les photos de la formation sont plutôt denrée rare. Faut dire que les crises de mysticisme traversées par leur leader ne facilitaient pas les choses. Faisons donc abstraction de cet aspect plutôt étrange de leur profil pour nous pencher davantage sur l’aspect le plus intéressant du band : leur musique. Et pour cause, Sunny Day était parvenu à transcender les influences hardcore pour créer un style empreint d’une charge émotionnelle phénoménale, style qui allait toucher une multitude de kids américains.
Réécouter ce « Diary », plus de 15 ans après sa sortie, m’a donc procuré une satisfaction certaine. A contrario de la déception qui m’envahit lorsque je dois me farcir un disque totalement daté et irrémédiablement lié à son époque ! J’ai même parfois l’impression que leur musique n’a jamais été aussi contemporaine. Dès la première écoute, on est littéralement envoûté par ces longues compos à la fois puissantes et bouleversantes. La voix androgyne de Jeremy Enigk est unique en son genre. Et l’émotion atteint son paroxysme sur « Songs For An Angel » un véritable miracle post-grunge ou encore le single « Seven », beau à en pleurer. Cerise sur le gâteau, l’opus est enrichi de deux bonus tracks, sobrement intitulés « 8 » et « 9 ».
En mêlant grunge et indie classique, SDRE est devenu un précurseur de ce qu’on va appeler l’émocore. Et des charters entiers de groupes vont se mettre à puiser leur inspiration chez Enigk et ses comparses. Pas toujours à bon escient, il faut le reconnaître. Ce qui explique encore aujourd’hui pourquoi des clichés réducteurs continuent à coller aux basques de ce style, depuis baptisé Emo. Alors que des combos comme Jimmy Eat World, Texas Is The Reason ou The Get Up Kids en sont devenus de dignes et respectueux héritiers. « Diary » est cependant devenu un classique du genre. Un album culte pour un groupe référence issu d’une époque pas tout à fait révolue…
Quelques notes s’égrènent en épousant la monotonie du tic-tac pendulaire. La voix dense de Tiny Vipers, dont le timbre navigue quelque part entre Brian Molko et Nico, déroule une lente mélopée. Le temps disloqué étale le chant et les airs de guitare, jouée comme d’une harpe. Minuit sonne, la belle chétive erre, désœuvrée et insomniaque, dans des lieux autrefois plus vivants. Un souvenir, un fantôme, la gravité des mots et le solennel de la voix nous pénètrent jusqu’à la moelle. Parfois une sorte de cri échappe de ce chant retenu, et elle saute vers des zones inconnues, plus hautes, rappelant celles d’Alanis Morissette ou The Cramberies quand elles s’évadent des rails. Une ambiance de Far-West règne aussi tout au long de cet elpee, le troisième et le plus ombrageux de Tiny Vipers. Pas pour le suspense des westerns ; non, mais pour l’air suffocant et les paysages arides. Pour les sons folks et la longueur d’un plan sur des yeux fatigués.
La petite vipère s’insinue dans nos têtes et sifflote sa mélancolique litanie. Vicieuse, elle s’installe dans le cerveau et rejoue en boucle des souvenirs acides. La folie n’est pas loin, la tête résonne, et cette incantation obsessionnelle s’offre comme unique moyen d’apaisement.
Ce disque est arrivé dans ma boîte aux lettres personnelle. Bien que cette réception me soit agréable, je dois souligner qu’en pratique, si l’on désire être chroniqué chez Musiczine, il est d’usage de transmettre son travail à l’adresse officielle du magazine. Un principe qui permet à notre rédac-chef vénéré de distribuer les albums reçus en fonction des goûts et des connaissances musicales de chacun des chroniqueurs. Dans le cas contraire, nos amis artistes pourraient avoir la mauvaise surprise, comme c’est un peu le cas ici, de voir le fruit des leurs efforts chroniqué par quelqu’un qui n’apprécie pas vraiment leur style.
iLiS a pris la peine de m’envoyer son Cd. Il me faut donc prendre sur moi, oublier mon côté ‘métalleux primaire’ et réunir le peu d’éclectisme dont je suis capable quand je ne suis pas confronté aux standards personnels pour chroniquer ce « Sex, Love & Rock’n’roll ».
Si j’étais une fille, âgée entre douze et dix-sept ans et que je me sentais incomprise et rebelle, j’aurais probablement craqué pour la pop/rock énervée du premier album d’iLiS. J’aurais appris par cœur les paroles du « Bonheur » (‘Le bonheur, c’est de l’arnaque, c’est toujours décevant, une caresse puis des claques, le bonheur c’est méchant…’) Oui mais voilà, j’ai quarante ans bien sonnés, mes rébellions sont bien plus terre-à-terre que la critique de ce ‘méchant, méchant bonheur’ et ce qui révolte les ados ne me touche plus vraiment.
Cependant, pour rester honnête, je suis bien obligé d’avouer que ce disque est plutôt bien foutu. L’artwork du digipack, en noir et blanc, met en avant la jolie Virginie, chanteuse et guitariste du quatuor. Mais, non contente d’être jolie, Virginie chante bien. Ses textes, après lecture attentive, sont bien moins naïfs que ne le laisse supposer la phrase citée plus haut. La musique est inspirée par le rock de Muse (dont Virginie est une fanatique de la première heure), l’alternatif francophone de Noir Désir et le grunge de Nirvana. Cette facette plutôt crue de sa musique, iLiS l’adoucit à coups compos nourries à la chanson française et matinées de pop glamour et dansante. Tout le monde peut facilement trouver son bonheur sur cet opus où les très bons moments de rock’n’roll (« Je Marcherai », « Ca ne suffit pas », « Le bonheur ») alternent avec délice aux passages d’émotion intenses (« Attendez moi je me noie », « On se bat tous les jours »).
« Sex, Love & Rock’n’Roll » est un disque pop/rock de qualité susceptible de plaire aussi bien aux amateurs de rock alternatif qu’aux fans de De Palmas voire même de Zazie. Un album dont le grand mérite est de démontrer qu’on n’est pas obligé d’écouter de la daube, quand on est jeune et rebelle…
Originaire de Dublin, Eamonn est irlandais de pure souche. Dès son plus jeune âge, il est envoûté par les démons de la guitare. Il écoute beaucoup Rory Gallagher, Hendrix, Clapton ainsi que ses compatriotes de Thin Lizzy. Il séjourne plusieurs années aux USA pour y parfaire sa technique. De retour en Europe, il embrasse une carrière personnelle sous le nom de Samuel Eddy. Nous sommes encore dans les 80s. Il commet alors trois albums qui se vendent plutôt bien!
Au cours des 90’s, ce jeune chanteur/guitariste de plus en plus prometteur tourne beaucoup. Notamment en première partie de ses maîtres : Rory Gallagher, Jan Akkerman, Johnny Winter ou encore Nils Lofgren. Il se produit sous la formule du trio, s’appuyant sur solide section rythmique composée du bassiste Par Cannon et du drummer Grant Nicholas. Au début des années 2000, il poursuit inlassablement ses périples ; et notamment comme supporting act pour Walter Trout, Popa Chubby et ZZ Top. Après un solide break musical, il fonde son label True Talent ; une écurie ouverte aux espoirs irlandais. C’est à cette époque qu’il enregistre les morceaux de cet elpee, restés inédits à ce jour.
Mc Cormack signe 12 des 14 plages. Il ouvre l’opus par le célèbre "Rock me baby" de BB King. Une version de bonne facture, speedée, largement amplifiée, de ce rockin' blues. Dans le même esprit, "Barclay Club blues" rappelle le Rory Gallagher des grands jours. "Strange on the run" est sculpté dans un rock aussi âpre. La guitare brille de mille feux, pendant que le saxophone de Keith Donald (ex-Moving Hearts) vient apporter sa petite touche bien irlandaise. Une certaine émotion filtre à travers "Falsely accused". Et pour cause, Eemonn y est épaulé par Rory Gallagher dont c'était –paraît-il– la dernière apparition en studio. Un solide blues rock aux riffs bien tranchants, mais aux entrelacements de cordes quelque peu filandreux. N’empêche, l'instant était historique. Soutenu par Herman Brood (NDR : ex-Cuby & Blizzards, ex-Wild Romance, ce talentueux musicien hollandais nous a quittés en 2001) au piano, "The grove" adopte un profil rock'n'roll. Eamonn ébauche "Mystica" à la sèche, mais sur un ton flamenco, avant de glisser vers une forme instrumentale amplifiée à laquelle participe activement Jan Akkerman (Focus) aux cordes. Slow blues électrique par excellence, "Down and out" libère une intensité dramatique conséquente. Simplicité et efficacité sont les maîtres mots de cette compo ficelée une nouvelle fois dans l’esprit du grand Gallagher. On épinglera encore la cover du "Next time you see me" de Junior Parker ainsi que "All I want to do is rock'n'roll", une plage particulièrement électrique, acide ; survoltée dans le bons sens du terme, si vous préférez. Et l’elpee d’honnête facture de s’achever par un long blues lent intitulé "Shed one me wrong"…
Quelques notes s’égrènent en épousant la monotonie du tic-tac pendulaire. La voix dense de Tiny Vipers, dont le timbre navigue quelque part entre Brian Molko et Nico, déroule une lente mélopée. Le temps disloqué étale le chant et les airs de guitare, jouée comme d’une harpe. Minuit sonne, la belle chétive erre, désœuvrée et insomniaque, dans des lieux autrefois plus vivants. Un souvenir, un fantôme, la gravité des mots et le solennel de la voix nous pénètrent jusqu’à la moelle. Parfois une sorte de cri échappe de ce chant retenu, et elle saute vers des zones inconnues, plus hautes, rappelant celles d’Alanis Morissette ou The Cramberies quand elles s’évadent des rails. Une ambiance de Far-West règne aussi tout au long de cet elpee, le troisième et le plus ombrageux de Tiny Vipers. Pas pour le suspense des westerns ; non, mais pour l’air suffocant et les paysages arides. Pour les sons folks et la longueur d’un plan sur des yeux fatigués.
La petite vipère s’insinue dans nos têtes et sifflote sa mélancolique litanie. Vicieuse, elle s’installe dans le cerveau et rejoue en boucle des souvenirs acides. La folie n’est pas loin, la tête résonne, et cette incantation obsessionnelle s’offre comme unique moyen d’apaisement.
Sur la carte du blues, ce chanteur/harmoniciste de couleur noire est un véritable globe-trotter. Il est né en Californie, a passé sa jeunesse au Texas, s'est plongé dans l’univers du Chicago blues urbain avant de se fixer à Detroit, où il vit d’ailleurs toujours. "If all you have is a hammer, everything looks like a nail" constitue déjà son cinquième elpee, commis rien que pour ce XXIème siècle. Il fait suite à "Motor City mojo", paru en 2000 chez Blue Suit, "Deep Detroit", sur Southside en 2001, "Tell it to your landlord" en 2003 ainsi que "Listen at me good" en 2006. Ces ceux derniers ainsi que le nouvel opus, relèvent du label canadien Electro-Fi.
Shah est secondé ici par d'excellents musiciens canadiens. En l’occurrence le guitariste Jack DeKeyzer (NDR : il a sévi chez Ronnie Hawkins & the Hawks et au sein du band de Robert Gordon), le bassiste Alec Fraser (NDR : ex-Jeff Healey Band) ainsi que le batteur Al Gross. Sans oublier les invités, dont l'excellent pianiste Julian Fauth (NDR : il est responsable de plusieurs albums solos, concoctés en compagnie d’harmonicistes aussi redoutables que Paul Reddick et David Rotundo).
"Out on the highway" ouvre la route sur un tempo entraînant. La voix de Shah a du vécu. Les musiciens n’ont pas besoin de tour de chauffe ; ce qui permet à Jack s’autoriser un premier envol décisif sur ses cordes, pendant que le leader se vide les poumons sur son harmonica incendiaire. "I wonder why?" emprunte un rythme moins enlevé. Le canadien DeKeyzer se révèle un redoutable gratteur. Il dose parcimonieusement chacune de ses notes. Son intervention monte progressivement en puissance et son solo se révèle tout à fait personnel. Bien en verve, la section rythmique sert de rampe de lancement à l'harmo du maître de cérémonie sur le très funky "Bumble bee man". Jack est passé à la slide pour attaquer "Nasty brown rat", une compo imprimée sur un rythme hypnotique digne du grand Howlin' Wolf! Très roots, exclusivement acoustique, "I've got a woman black as Midnight gold" baigne dans le Chicago southside. Une tranche de blues très intense caractérisée par cette touche magnétique, presque tragique, réminiscente de Muddy Waters. Le Shah a refait le plein de carburant pour accomplir le trajet Chicago - Motor City lors d’un "Stranded in Detroit" bien huilé, et balisé impeccablement par Julian Fauth aux ivoires. "Every goodbye ain't gone" est le slow blues de circonstance. Un profond respect et une sensibilité à fleur de peau émanent de cette plage au cours de laquelle Jack et Julian se relaient sur le devant de scène. "Blues for Ford, Chrysler and G.M" nous précipité au cœur de Detroit. Le réquisitoire de Shah est sans équivoque : il pleure la grandeur révolue de sa cité d'adoption, en imprimant un tempo emprunté à un certain Jimmy Reed. La voix d’Harmonica Shah est empreinte de détresse, lorsqu’il échange un duo avec Fauth, sur "Don't you feel like a dog covered in fleas?". Un morceau qui rappelle les grands moments du blues de Chicago ; et en particulier ceux de Sonny Boy Williamson, Sunnyland Slim voire encore Memphis Slim… Une seule reprise, mais célèbre : le "Boom boom" de John Lee Hooker, bluesman mythique qui a forgé une bonne partie de sa notoriété à Detroit. "Duke and Queen blues" semble calqué sur le "I'm a king bee" de Willie Dixon ; mais on lui pardonnera cet écart, tant le morceau excelle. Cette fort bonne tranche de blues s’achève par "Cryin ' won't help me now", un slow blues attachant, bien balancé et véhiculant une dose d’émotion constante…
Le chanteur/guitariste américain Vic Chesnutt s’est éteint ce 25 décembre. Né le 12 novembre 1964, à Jacksonville (NDR : c’est en Floride !), il est donc décédé à l’âge de 45 ans. Il était devenu paraplégique depuis ses 18 printemps. La cause ? Les suites d’un accident de la route, après une soirée un peu trop arrosée. Au cours des dernières semaines, il aurait ingurgité une surdose de décontractants musculaires. Et était tombé dans le coma. Il avait trouvé un exutoire à travers la musique et la peinture. Et son plus grand admirateur n’était autre que Michael Stipe, le chanteur de REM. Ce dernier lui avait même permis d’enregistrer ses deux premiers elpees, « Little », puis « West of Rome ». Responsable d’une quinzaine d’albums, son dernier « Skitter On Take-Off », venait juste de sortir.
En 1996, de nombreux groupes ou artistes, dont Cracker, Garbage, Smashing Pumpkins, Madonna, Mary Margaret O'Hara, R.E.M., Sparklehorse et Live, lui avaient consacré un opus de reprises, une compilation intitulée « Sweet Relief II : Gravity of the Situation », enregistrée au profit des musiciens malades sans couverture sociale (NDR : le Sweet Relief Fund). Faut dire que les frais médicaux supportés par Vic, notamment pour subir une kyrielle d’opérations, avaient pris des proportions excessives. Devenu culte, mais considéré comme alternatif, Vic avait pourtant collaboré avec une multitude d’artistes, dont Lambchop, Elf Power, le guitariste de jazz Bill Frisell ou encore The Silver Mt. Zion. Il était aussi à l’aise dans l’univers acoustique qu’électrique. Et se produisait sur scène, en voiturette. Le plus souvent accompagné de la crème des musiciens underground. Caractéristique constante : son timbre de voix gémissant, bouleversant, épanchant des lyrics empreints de douleur, de mélancolie et d’humour noir…
Allez Renaud, une p’tite tournée ?
- Renaud a sorti un disque.
- Hein, quoi ? Renaud ? Quel Renaud ?
- Ben celui de « Marche à l’ombre », « Miss Maggie », « Morgane de toi » et tout l’ reste.
- Ah ! Il vit encore lui ? L’est pas mort du cancer du poumon ou d’une cirrhose ?
- Faut croire que non. Paraît qu’y s’est même remarié.
- Pu… avec une aveugle, sourde et sans un rond ? Ou une réfugiée ?
- Non, non, avec Romane Serda, une chanteuse.
- Connais pas !
- Il lui écrit des chansons et il s’y est remis aussi.
- Tout arrive ! Va faire comme Johnny ! Finir sur un fauteuil roulant ! Puis y portera plainte comme l’autre, contre les fabricants de cigarettes et de Ricard sans doute.
- Attends, j’ai écouté son dernier Cd et c’est pas si mal que ça.
- Ouais mais y’arrive encore à chanter ou y parle ?
- Il essaie de chanter, c’est vrai que point de vue voix, c’est plus du tout ce que c’était.
- Tu m’étonnes. Avec toutes les clopes et le pastis qu’il s’est enfilés, il a de la chance d’être encore vivant.
- Hé de quoi vous parlez vous deux ?
- Du dernier album de Renaud, p’pa. T’as entendu ?
- Evidemment. Je suis fan depuis que j’ai 14 ans ; donc, forcément, je l’ai acheté.
- Ok mais franchement c’est bon ou c’est de la merde ?
- C’est bon, même très bon. Vous savez qu’il a toujours aimé le folklore irlandais. Il le chantait déjà sur son album « Marchand de cailloux ».
- Oui t’as le disque ? Un vieux hein ! Y a plus de15 ans ! Il date de 1991.
- Oui je sais. Mais cette fois, il a repris des airs traditionnels, les a arrangés, s’est entouré de musiciens du coin et il nous sort sa « Balade irlandaise ». Avec un ‘L’ comme pour la promenade. Son disque réunit treize chansons. Toutes des adaptations du répertoire de la musique celtique irlandaise. Les textes sont magnifiques et les musiques sonnent ‘vraies’. Ca sent bon l’Irlande. La voix est enfumée. Bon oui, mais alors ? Ça donne tout le charme justement.
- Tu pousses pas un peu, non ?
- Un tout petit peu alors. Mais c’est vrai que si sa voix a du mal à suivre, ça reste du Renaud de bonne facture. Mais je n’irai plus le voir en concert. J’ai déjà donné lors de sa tournée précédente. Ecoutez-le plutôt que de vous amuser à le critiquer sans savoir.
- Ouais t’as raison, je vais te le piquer et l’écouter dans ma chambre.
- Demande à ton frère, mon Cd a déjà disparu. C’est sûrement lui qui l’a.
- Ok c’est bon, j’te l’rends p’pa.
La musique dispensée par certains artistes ou groupes contemporains sonne résolument passéiste. Ce goût de la nostalgie ne constitue pas un défaut en soi, lorsque les interprètes y apportent un rien de fantaisie ou de folie. The Wave Pictures se situe assurément dans la catégorie des récupérateurs. Rien de bien neuf n’émane de la solution sonore produite cette bande de jeunes Anglais. Mais ces lads se contentent-ils de marcher sur les traces de leurs aînés ou parviennent-ils à provoquer les étincelles requises afin d’éviter le pur ennui revivaliste ? Tentative de réponse…
« If You Leave It Alone » constitue déjà le 8ème essai (NDR : sans les Eps) de ce combo prolifique, fondé en 1998, quelque part dans un village perdu au fond du Leicestershire. Et cette discographie déjà impressionnante ne prend pas en compte les collaborations opérées par leur chanteur, Dave Tattersall, notamment auprès d’Herman Düne. A l’origine, le trio répondait au patronyme de Blind Summit. Mais après avoir changé de line up et déménagé à Londres, ils ont opté pour The Wave Pictures.
« Instant Coffee Baby », leur elpee précédent avait reçu un accueil favorable de la part de la presse spécialisée insulaire. « If You Leave It Alone » ne bénéficie manifestement plus d’un écho aussi avantageux, outre-Manche. Et pourtant leur nouvel opus reste agréable à écouter. The Wave Picutres pratique une forme de lo-fi flemmarde. Très précise, la basse sèche est bien mise en avant. Flemmarde, la trompette ne manque cependant pas de charme. La voix nasillarde de Dave Tattersall rappelle parfois celle de Gordon Gano (Violent Femmes). Et puis, pourtant imparfaitement maîtrisés, les chœurs collent parfaitement à l’ensemble qui semble se complaire dans le dilettantisme. Bref, The Wave Pictures nous propose tout au long de “If You Leave It Alone” des chansons taillées grossièrement dans un folk rock un peu foutraque. Fragiles, à peine mises en forme, elles sont même susceptibles de perdre à tout instant leur fil mélodique. Un peu dans l’esprit d’Hefner, Jeffrey Lewis ou encore The Mountain Goats ; sans parvenir néanmoins à se poser en concurrent potentiel.
Cette nonchalance souffle cependant le chaud et le froid. « My Kiss » passe ainsi parfaitement la rampe. « Come On Daniel » (NDR : le meilleur morceau de l’opus) véhicule une émotion à fleur de peau. Par contre, un titre comme « If You Leave It Alone » (NDR : il ouvre la plaque !) est tout bonnement soporifique. Les compos prennent d’ailleurs une autre dimension, lorsqu’ils pressent quelque peu le pas. Et je pense tout particulièrement à « Tiny Craters In The Sand », « Too Many Questions » ou encore au très réussi « Bumble Bee », dont la rythmique semble avoir été empruntée à Johnny Cash. Mais le point fort de The Wave Pictures, procède de leurs lyrics. Des textes signés Tattersall, dont l’espièglerie évoque un certain Jonathan Richman voire Jarvis Cocker…
The Wave Pictures vient de commettre un disque d’honnête facture. Trop inégal pour convaincre totalement, son crédit aurait augmenté, s’il avait réduit son tracklisting. Un Ep aurait suffit. En outre, dans le genre ‘chorale pastorale’, je leur préfère les plus doués et enthousiasmants Noah & The Whale…
Les Moldy Peaches nous manquent beaucoup. Le côté foutraque ainsi que l’urgence adolescence si caractéristiques de leur musique les avaient rendus culte et incontournable aux yeux (NDR : et aux oreilles) des vieux enfants attardés que nous sommes… Depuis leur séparation, pas grand monde pour les remplacer si ce n’est le très intello (mais néanmoins très doué) Jeffrey Lewis. Mais surprise, à l’écoute de « Ghost Train Tragedy », c’est du côté d’Annecy que proviennent leurs –peut-être– plus dignes successeurs ! La comparaison avec le duo légendaire emmené par Adam Green est peut-être un peu facile. D’autant plus que le combo a apporté son concours à la confection de la bande originale de ‘Juno’, en compagnie d’une certaine… Kimya Dawson, sous le pseudonyme Antsy Pants ! Décidemment, le centre de gravité du rock-indie se déplace dangereusement vers l’est. La France s’y colle après la Suède !
Coming Soon (NDR : un nom parfait pour un groupe de Rock n’Roll !) a été formé en 2005 par un trio composé de Leo Bear Creek, Ben Lupus et Billy Jet Pilot. Ils sont ensuite rejoints par Howard Hugues, Alex Banjo, Mary Salomé et Caroline Van Pelt (qui a entretemps quitté le groupe). Cette très jeune bande a, dès ses débuts, fait souffler un vent de fraîcheur sur les platines hexagonales, en dispensant une musique folk-rock, pourtant banale à premier abord. Le plus jeune musicien n’est à peine âgé que de 15 ans alors que le leader, Howard Hugues, compte 26 bougies. « Ghost Train Tragedy » constitue leur 3ème elpee. Le groupe avait rencontré un relatif succès en 2007, lors de la sortie du single « Big Boy », issu de leur effort initial (« New Grids »).
Une certitude à l’écoute des 15 titres de « GTT » : ces Français sont des orfèvres de la musique américaine. Leur musique est influencée tant par la scène anti-folk new-yorkaise (« Manner & Education » et surtout « Pillow Talk ») que par Pavement ou même par le rock 70’s (le très rock « Walking » inaugural). Ces jeunes gens décidemment bien sous tous les rapports se passent le micro tour à tour. Mais c’est la magnifique voix d’Howard Hugues qui domine. Elle rappelle fortement celle de Lou Reed même si l’esprit potache et sans prise de tête de l’album lorgne plus du côté de Jonathan Richman. Ecoutez Howard murmurer ‘You never taught me the violon’ sur « Manner & Education », pour vous en convaincre…
Bien qu’habituellement quelque peu intégriste en ce qui concerne la longueur d’un album, je suis cette fois disposé à fermer les yeux sur leurs 15 morceaux, tellement Coming Soon m’a procuré de bons moments musicaux… A cause des voix doublées par Mary-Salomée, de leur air faussement nonchalant, de leurs mélodies imparables, des multiples instruments utilisés (trompette, flûte ou ukulélé) ; et de leur art à ne jamais tomber dans le piège de la redite. Les titres sont variés, à l’instar du caribéen « Weather Changes ». Tout au long de l’elpee, les 6 membres du groupe apportent chacun leur participation et cela s’entend. L’opus recèle également un des tubes les plus immédiats de 2009 : l’exceptionnel « Moonchild ».
Bravo ! L’Amérique n’a plus qu’à vous ouvrir ses bras. A défaut, la Belgique le fera avec grand plaisir quoiqu’il en soit ! Hébergé sur le jeune et prometteur label Kitchen Music, Coming Soon se produira bientôt près de chez vous. Ne les ratez pas à l’AB le 9 février, où ils ouvriront la soirée pour… Adam Green ! Le groupe risque de rapidement connaître le succès. Ils ont d’ailleurs collaboré au dernier effort de l’ex-pensionnaire de la Star Academy, Olivia Ruiz. Les Coming Soon sont juste cool et ont l’avenir devant eux. Je demande expressément à mon rédacteur en chef d’intégrer sur le champ les Français dans mon Top5 de fin d’année 2009, entre The XX, Dinosaur Jr. et Phoenix. (NDLR: c'est fait!)
Sean Costello était l'un des plus solides espoirs du blues de ce début du XXIème. Hélas, à la veille de son 29è anniversaire, il nous a quittés. C’était en 2008. Il venait de concocter son meilleur album : "We can get together". Sur le label Delta Groove. Une œuvre qui lui avait permis d’être reconnu par ses pairs. Au cours des premières années de sa carrière, il avait commis trois elpees : "Call the cops" en 1996, sur Blue Wave ; puis "Cuttin' in" en 2000 et "Moanin' for molasses" l'année suivante, tous deux chez Landslide. Ce dernier label lui rend aujourd'hui hommage et justice en publiant cette rétrospective. Pas moins de vingt titres sont réunis sur cette plaque, dont douze inédits.
Trois plages de la plaque sont extraites de "Call the cops". Sean n'avait alors que 16 ans. Et c’est Cub Koda en personne qui produisait le disque. Son excellent "Take me back" ouvre donc les festivités. Le timbre vocal de Sean est encore juvénile, pas très assuré ; par contre, il s’affirme déjà à la six cordes. Efficaces, ses attaques sont redoutables. Il embraie par une version acoustique mais très respectueuse du "Sail on" de Sonny Boy Williamson I. Son ami Paul Linden démontre soute sa rigueur sur son harmonica! Ce dernier est passé au piano pour affronter "Call the cops", une plage de brève durée, mais très offensive.
Plusieurs sessions inédites avaient été immortalisées en studio. Elles remontent à 1998. "Lovin' machine" adopte un style jump, chargé de swing, en empruntant au passage des phrasés de T-Bone Walker. Instrumentaux, "The plumber" et "Big beaver", mettent en exergue les prouesses de Linden à l’harmo. Traditionnel, "Tell me baby" est interprété en Chicago shuffle classique. Plus notoire, le "Walkin' blues" de Robert Johnson est exécuté en Mississippi blues. Largement amplifié, il est enrichi par la voix féminine de la séduisante Susan Tedeschi.
Trois titres figuraient sur "Cuttin' in". "Mellow chick swing" est une autre reprise signée Williamson I. Costello est au sommet de son art. Sa voix a pris sensiblement de la consistance. Il est soutenu par Linden et Matt Wauchope au piano. Il opère également une très bonne lecture d'un des meilleurs titres lents du blues, "Double Trouble" ; un morceau popularisé par Otis Rush. Durant plus de sept minutes, il étonne par sa parfaite maîtrise du style et en manifestant une maturité incontestable. "Who's been cheatin' who" adopte le rythme du chemin de fer. Et la machine s’emballe ; mais nonobstant la vitesse vertigineuse du tempo, l’exécution est sans faille.
Parmi les extraits de concerts, deux ont été accordés à Marquette, dans le Michigan. Soit les classiques "All your love" d'Otis Rush" et "Mojo boogie" de J.B Lenoir. L'artiste y démontre tout son talent sur les planches. Autoritaire, il maîtrise parfaitement son sujet. Sa voix est désormais puissante et rugueuse. Sa version fiévreuse et délicate du "Motor head baby" de Johnny Guitar Watson a été enregistrée à Chicago. Sean y adopte le rythme nonchalant du swamp blues.
Deux plages sont issues de l'album "Moanin' for molasses". Tout d’abord "Don't be reckless with my heart", un solide et classique shuffle texan. Et puis "It takes time", une autre cover d'Otis Rush (NDR : qui décidément l'inspire beaucoup). Elle recèle de superbes sorties de cordes devant le piano de Linden et l'orgue de Wauchope.
Quatre titres inédits émanent d’une session studio accordée à Atlanta. C’était en 2002. Le "Your love is amazing" de Robert Ward macère dans une ambiance curieusement orientale. Une plage très soul blues, au cours de laquelle Sean épanche toute sa passion, d’un timbre vocal devenu plutôt graveleux. Signé Fenton Robinson, "You don't know what love is" est parcouru d’arrangements délicatement funky. Et pour terminer on a droit à deux titres coécrits en compagnie de Paul Linden. Soit le remuant et récréatif "Feel like I ain't got a home", dont la bonne humeur communicative est entretenue par le piano roadhouse. Ainsi que le très R&B "She changed my mind", au cours duquel la voix de Sean se prête idéalement à ce style!
Cette collection rend manifestement justice à un des artistes les plus doués de la génération montante, trop rapidement disparu. A l’instar de "WRFG Memorial", recelant seize plages rares ou inédites, les bénéfices récoltés pour la vente de « Sean's blues – A Memorial Retrospective » seront versés à une association luttant contre le ‘Bi-polar disorder’, une maladie souvent liée à la dépression…
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