De la rencontre entre James et Brian Eno naissait, l'an dernier, le remarquable "Laid", album qui réconciliait le groupe avec ses nombreux fans. Au cours des séances d'enregistrements, une partie des compositions avaient été cependant mises au frigo pour subir ultérieurement le traitement avant-gardiste de Brian. "Wah Wah" constitue le résultat de ces expérimentations. Avouons-le, nous craignions très fort que le maître manipulateur ne réserve à ce disque le même sort que celui qu'il avait destiné à "Zooropa" de U2. Heureusement, il n'en est rien. Bien sûr, l'opus porte la griffe du célèbre producteur. Mais il recèle d'excellents morceaux. Pas seulement dans la lignée de "Laid" comme "Pressure's On" et "Tomorrow". Mais aussi nés de la rencontre entre la pop douce, froide, séduisante, fastidieuse, semi-acoustique et les oscillations synthétiques, alternatives, tentaculaires de l'ambient. Une osmose qui trouve sa quintessence sur le ‘terryrileysque’ "Gospel Oak" ou les obsessionnels, hypnotiques "Bottom of The Well" et "Honest Joe"...
Acronyme de Jennifer, Alyson, Laura et Eve, Jale est un quartet féminin qui nous vient du Canada. D'Halifax en Nouvelle Ecosse, pour être plus précis. Un groupe dont les vertus popcore nous rappellent tantôt les Breeders, Throwing Muses, le Juliana Hatfield Three ou même Lush. "Dream Cake" constitue son premier opus. Et il est facile d'imaginer les ingrédients de base qui entrent dans sa préparation. Des pop songs fouettées de cordes de guitare effilées, bourdonnantes, parfumées d'harmonies vocales vivifiantes, onctueuses, qui s'agitent puis se glacent au contact de la mélodie fruitée et rafraîchissante...
Leader du défunt et mythique Swell Maps, puis partenaire privilégié de Dave Kusworth, tantôt au sein d'un duo de trash folk particulièrement vivace, tantôt au sein des Jacobites, Nikki Sudden s'est toujours illustré par un style mélancolique, rafraîchissant, mature ; style qu'il se plait à peindre sur une toile semi acoustique, à l'aide de couleurs émotionnelles délicates, fugitives, un peu à la manière d'un impressionniste. Cet opus célèbre le retour des Jacobites. Un album sans grande surprise. Mais bigrement bien ficelé. Alimenté par cet inaltérable romantisme mélodique, spectral, typiquement britannique, et meurtri par la voix rauque, ‘cockney’ de Nikki. "Howling good times", quoi!
Produit dans les célèbres studios de Bruce Fairbairn à Vancouver, et par Bruce en personne, ce morceau de plastique est taillé aux onze douzième dans les clichés les plus banals du hard rock post AC/DC. Un seul fragment échappe à la tare, "Dixieland". Une composition au groove grunge irrésistible, qui ne déparerait certainement pas dans le répertoire d'un Pearl Jam, d'un Soundgarden ou même du défunt Nirvana...
Chouette, Flying Nun est à nouveau distribué chez nous. Flying Nun, c'est ce label néo-zélandais qui nous avait permis de découvrir toute une série de formations intéressantes, parmi lesquelles les Chills et les Verlaines font aujourd'hui figure de références. JPS Experience nous vient d'Auckland. Mais au fait que signifie JPS? Jean-Paul Sartre, ni plus ni moins. Nous avons cependant beau chercher un iota d'existentialisme chez ce quartet antipodal, il ne nous a pas été possible d'établir le moindre parallèle avec le philosophe/écrivain français. Les lyrics traitent d'ailleurs plutôt de rêves, de fantasmes, d'évasion ou de mélancolie, des textes qui collent parfaitement à une noisy pop mélodique, excitante, élégante, fouettée de guitares scintillantes, écorchées, vibrantes et caressée d'harmonies vocales limpides, opiacées. Le titre maître réalisant même la fusion parfaite entre l'expression ténébreuse de Jesus & The Mary Chain et celle plus fluide, plus tendre de House Of Love. Epatant !
Bruce Joyner s'est très rarement plié aux temps et aux modes. Même que son garage prodigué en solitaire depuis 1989 fait un peu tâche d'huile dans le néo Paisley Underground. En fait, Bruce a surtout été marqué par Buddy Holly, Roy Orbison et Jerry Lee Lewis. Des influences qu'il a cultivées entre 78 et 86 au sein du Stroke Band et des Unknowns. Pour produire "Preludes And Nocturnes", Bruce a fait appel à Pete Buck. Ce qui n'est pas nouveau, mais semble plus naturel lorsqu'on sait que l'artiste vient d'élire domicile à Athens en Georgie. L'originalité de ce disque procède d'abord de l'utilisation très particulière des cuivres. Un peu à la manière du Laughing Clowns d'Ed Kuepper, mais à la sauce hispanique plutôt que jazzyfiante. Et puis de la voix ample, fiévreuse de Bruce qui alimente un romantisme mélodique aussi riche que contagieux...
Agé de cinquante-quatre piges, cet artiste brésilien compte, à son actif, trente albums de musique d'ambiance sud-américaine, en autant d'années de carrière. Jorge a même inspiré bon nombre d'artistes de variétés, parmi lesquels figurent Rod Stewart et Nicoletta. Son style? Un cocktail de bossa nova, de funk, de samba, de rock, d'afro pop et de rhythm’n’blues qui sert de prétexte à la danse et au music hall…
Violoniste talentueux et inventif, Ed s'est révélé au sein de New Model Army. Il y est resté quatre ans, période au cours de laquelle il s'est attaché à se forger un style et à perfectionner les spécificités de son violon électrique. Un instrument qu'il a confectionné lui-même et qui lui permet, à l'aide de la technologie moderne, d'atteindre une palette de nuances particulièrement ample. A un tel point que très souvent les sonorités flirtent avec celles des cordes d'une guitare électrique. Et pourtant, nonobstant le recours à l'électricité et la sophistication des arrangements, depuis qu'il a embrassé une carrière individuelle, Ed semble vouloir épouser une forme musicale plus classique. Pensez au single diffusé régulièrement, au début de cette année, sur les ondes radiophoniques. Une composition instrumentale, toute en pastel, aux vertus minimalistes proche d'un Durutti Column; un morceau remarquable qui ne parvient malheureusement pas à irradier les neuf autres fragments de cet "Ultraviolet"... en demi-teinte. Contentez vous du single !
En général, l'éclosion d'un artiste rock apparaît lors de la sortie de son troisième album. Curieusement, ce chanteur compositeur issu du Kansas semble avoir atteint son apogée dès 1989, c'est-à-dire lors de la sortie de son tout premier elpee, "Time For a Change". Pas que les deux suivants soient de mauvaise facture, mais ils semblent avoir perdu ce qui faisait la force de ses débuts : la créativité et l'énergie. Freedy se contente aujourd'hui de seriner des ballades délicatement tressées dans la mélodie pop, des ballades qui redessinent de fatales histoires d'amour sur la mémoire de la mélancolie, des ballades qu'il chante d'une voix rauque et nasale. Mais à l'image du single "Bad Reputation", elles ne parviennent jamais à nous transporter dans ce soi-disant "Perfect World"...
Jethro Tull a rencontré une énorme popularité au cours des seventies. Drivé par Ian Anderson, personnage excentrique et saisissant qui insistait sur l'aspect satirique des choses en jouant de la flûte d'une manière peu conventionnelle, cet ensemble insulaire est aujourd'hui à la tête de près de vingt albums, sans compter les compilations, devenus pour la plupart des best-sellers. Difficile dans ces conditions de concocter un " Very best of " sans faire des mécontents. Car si la période concernée, choisie entre 68 et 82, nous semble la plus judicieuse, avec notamment "Bourée", "Aqualung", "Locomotive breath", "Living in the past", "Minstrel in the gallery", "Songs from the wood" et autre "Bungle in the jungle", nous ne pouvons que regretter l'absence de classiques comme "The witch's promise", "Sweet dream" et "Nothing is easy"… Qui a dit rien n'est facile ?
Bien que responsable de quatre elpees à ce jour, Jesus Lizard n'est sorti de la zone crépusculaire du rock indie qu'en 1993 ; et par la grâce d'un single partagé avec Nirvana. ("Puss/ On the Guilt"). Depuis, la popularité du combo n'a fait que croître. Et ses tournées se multiplier. Groupe de scène par excellence, Jesus Lizard semble cependant moins efficace en studio. Produit par Steve Albini, ce disque en est probablement une juste démonstration. Toute l'intensité délinquante, orgiaque, farouche, malveillante semble contenue dans une poubelle métallique. Et comme David Jowes ne parvient pas à en faire sauter le couvercle, cette intensité demeure "Down". A l'intérieur si vous préférez…
Vu son patronyme, vous imaginez aisément que ce groupe yankee avoue des références chicanos. Pourtant les Iguanas sont originaires de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, et pas de le Californie ni du Texas. Ce qui explique sans doute pourquoi ses spécificités latines sont chargées à la fois de tex mex (Los Lobos), de rhythm’n’blues (Neville Brothers), de swamp (Willy Deville), de boogie (Creedence Clearwater Revival) et de musique ethnique antillaise. Produit par le vétéran Justin Niebank (Blues Travellers, Freddy Jones, Ian Moore), "Nuevo Boogaloo" palpite au rythme des sonorités colorées, sensuelles, exotiques, reptiliennes, épicées d'accès de cuivres et fugitivement traversées d'un accordéon bohème...
Tout comme chez American Music Club et Red House Painters, la musique d’Idaho parcourt des climats sombres, tragiques, tourmentés. John Barry et Jeff Martin en sont pourtant les seuls et uniques concepteurs. Un duo qui se partage équitablement les instruments; le rôle de chanteur étant cependant dévolu à Jeff (pas celui de Brel, bien sûr!). Malgré sept années d'existence, ces Californiens (Los Angeles) n'en sont qu'à leur premier album. Un opus composé de douze fragments vibrants, douloureux, chargés de passion. Les cordes puissantes, distordues de guitare s'écrasent inexorablement sur la mélodie, la basse funéraire (Joy Division, Sisters Of Mercy) cloue littéralement le tempo, alors que la voix de Martin, à l'image de celle d'un Kozelek ou d'un Eitzel, dérive, vacille, puis soudain se relève en hurlant d'intensité. Pourtant, s'il y a de la douleur dans la musique d'Idaho, il y a également de l'espoir. De l'espoir qui renaît, un peu comme après un violent orage ; lorsqu’après avoir subi les foudres du ciel, la nature forme un arc en ciel de mélancolie...
Itch (à vos souhaits!) est profondément chagriné par les abus perpétrés au sein de la recherche génétique. Vivisection, industrialisation, manipulation, commercialisation, sont des thèmes qu'il développe dans ses chansons. Et les justifie dans une glose plus que fastidieuse, à l'intérieur de la pochette. Ce qui explique sans doute pourquoi la musique, tantôt punkysante, tantôt filmique de cet ensemble, n'a d'autre fonction que servir de support à son engagement éthique.
Après sept ans, une quinzaine de singles et trois albums, Inspiral Carpets a décidé de replonger dans son passé. Pas celui qui l'a amené à fréquenter Happy Mondays et Stone Roses au sein du mouvement house mancunien. Non. Celui qui, en 1990, lui a permis de négocier avec beaucoup de talent son premier elpee "Life". "Devil Hopping" renoue ainsi avec la tradition garage mid sixties réminiscente des Searchers et de Question Mark & The Mysterians ; et en extrapolant avec le psyché pop de Julian Cope. Claviers omniprésents, tourbillonnants, guitares trébuchantes, crépitantes, tempo enlevé et voix aigre de Tom procurent à l'expression mélodique une coloration à la fois rafraîchissante et redoutable. L'œuvre s'ouvre ainsi sur un titre impitoyable, colérique, né de la plume du bassiste Martyn Walsh. Une chanson qui vient d'hériter d'une nouvelle version sur Ep. Une version plus percutante, plus féroce, plus punk pour laquelle Mark E.Smith (Fall) partage le chant avec Tom. Mais une version qui ne figure malheureusement pas sur le CD. C'est d'ailleurs la seule réserve que nous émettons à l'égard de ce morceau de plastique, tout bonnement épatant!
Dans le domaine du trash funk metal, Infectious Grooves fait aujourd'hui un véritable tabac aux States. Et en marchant sur les traces de Rage Against The Machine et de Red Hot Chili Peppers, il ne fait aucun doute que la formation californienne (Los Angeles) risque fort, d'ici peu, d'embraser le Vieux Continent. Il faut même se demander si son expression n'est pas plus pure et plus efficace, car tout au long de ce "Groove Family Cyco", elle ne tolère aucune concession à la ballade ou à la pop. La tension y est permanente, stimulée par les accords de basse convulsifs, infernaux, mais techniquement impeccables, de Robert Trujillo et entretenue par la voix aride, courroucée de Mike Muir... personnages célèbres pour avoir sévi chez Suicidal Tendencies, pour ne rien vous cacher...
Traduction littérale de canular, Hoax s'efforce de nous faire ingurgiter un trash-death-metal-hardcore hautement indigeste. Bien essayé! Mais même en se pinçant le nez (ou plus exactement en se bouchant les oreilles) la mixture exerce une telle "Presssure" sur votre estomac, qu'elle provoque hexagonalement, pardon instantanément, la nausée (Merci Jean-Paul!) A d'autres, mais pas à nous!
Six titres sur l'Ep de ce quartet yankee (Detroit) qui dispose de tous les atouts nécessaires et indispensables pour devenir un supergroupe. Suffit peut-être de les abattre (les atouts!) au bon moment. Un peu comme lors d'une partie de cartes. Ou d'avoir un peu de bol. Encore, que souvent, les deux vont de pair. Pensez donc, Higher se réclame de Cream, d'Iron Butterfly, de Spirit et de Led Zeppelin. Traite un metal avec une intensité digne de Stone Temple Pilots et une sophistication Extreme, sans tomber dans les clichés du hard rock. Il est vrai que son groove libère une énergie post grunge plutôt étonnante. Ligne de basse menaçante. Voix ample, sonore de Mike Alexander, qui sans tomber dans le piège de la vocifération gratuite, embrase chaque mélodie avec puissance et conviction. Un maxi qui laisse en tous cas une bonne impression. Maintenant, il faudra voir la suite des événements!
En attendant la sortie du futur album de Throwing Muses, dont la production a été confiée à Brian Eno, Kristin Hersh vient de commettre son premier album solo. Exclusivement acoustique, il a bénéficié de la production de Lenny Kaye, ex-guitariste de Patti Smith, ainsi que de la participation de Michaël Stipe (REM) commis aux backing vocaux sur le single "Your Ghost". Tout au long de "Hips And Makers", Kristin épanche ses états d'âme angoissés, courroucés, amers sur les difficultés qu'elle vient de traverser dans le domaine de sa vie affective. Un album douloureux, qui évite néanmoins le piège du désespoir et des lamentations, en laissant entrouvrir les portes de l'espoir et de la délivrance. La voix de Kristin y est plus que jamais vulnérable, poignante, mystérieuse, exorcisant des mélodies écorchées par les cordes de guitares menaçantes, tentaculaires, spasmodiques, et parcourues épisodiquement d'un violoncelle spectral ou d'un piano emprunté... Bouleversant!
Bien que disparu depuis près d'un quart de siècle, cet artiste mythique continue d'alimenter régulièrement les chroniques de disques. Faut croire que les fonds de tiroirs sont inépuisables. Et, en cette période propice au revivalisme, Polydor a eu le nez creux en exhumant quelques bandes inédites. Mais uniquement réservées à des titres de blues; vous vous en seriez doutés. Cette œuvre inclut ainsi onze fragments, parmi lesquels figurent deux covers ("Born under a bad sign" de Booker T et "Mannish Boy" de Muddy Waters), deux adaptations d'hymnes traditionnels, une version acoustique et une autre électrique de "Hear my train comin' " ainsi que les standards "Red house", "Voodoo Chile", "Once I had a woman", "Jelly" et "Electric church bell house"...
Sur les quatorze titres de son troisième opus, Helmet ne concède qu'un fragment au hard-blues-folk zeppelinien ("Overrated"), une composition purulente ("Pariah") et une intro jazz inspirée par John Coltrane. Le reste macère dans un metal-hardcore-grunge impitoyable. Une solution angoissée, oppressive, aride dont l'implacable mécanique produit un groove laminant, capable de couper les riffs de guitares avec une précision diabolique et une violence hypnotique. Et au sein de ce magma dantesque, le vocal âpre, geignard, parfois vitreux, souvent au bord de l'asphyxie de Page Hamilton cherche une bouffée d’oxygène entre le timbre de Kurt Cobain et celui d'Henry Rollins. Dévastateur !
Nous ignorons si ce quartet gantois est frustré de n'avoir pu accompagner les diables rouges aux States en juin dernier. Mais une chose est sure, "The Detroit Incubators" lui permet d'explorer, par la musique, les quatre coins du pays de l'Oncle Sam. En d'autres termes, les Headstarts sont capables de pasticher n'importe quel groupe américain. Et ils le démontrent sur cet opus. Depuis Creedence Clearwater Revival à ZZ Top, en passant par Bruce Springsteen, John Lee Hooker, le Crazy Horse, Giant Sand et bien d'autres. Depuis le blues à la country en passant par la roots, le tex mex, le rhythm’n’blues et le hardcore juvénile. Et pour ne rien vous cacher, dans ces différents exercices de style, les Headstarts ne se débrouillent pas trop mal...
Tout comme le défunt Happy Mondays, Hazel se produit sur scène avec un danseur. Ni le ballet classique, ni la house mancunienne ne poussent pourtant dans le jardin musical de ce groupe yankee (Portland, Oregon) qui, tout au long de "Lucky dog", fait fructifier un savoureux hardcore mâtiné de pop, de garage et de grunge, récoltant quatorze petites noisettes sonores, quatorze bouchées à engloutir goulûment, tant elles s'avèrent irrésistibles, communicatives (drums épileptiques, riffs de guitare étranges, bourdonnants, croustillants, basse mélodique et pulsante, vocal aigrelet, sensuel de Jody Bleyle et diaphane, délicat de Peter Krebs, variations de tempo). Un album que nous pourrions peut-être planter à la croisée des chemins des Breeders, d'Hüsker Dü et de Nirvana... Tu me passes un casse-noisettes!
Du line up initial, établi en 1970, il ne reste plus chez Hawkwind que le seul Dave Brock. Et pourtant, la formation londonienne a toujours observé une même ligne de conduite, profilée sur le space métal rock. Ce qui explique sans doute pourquoi elle est toujours aussi populaire en 1994. Pas seulement auprès des vieux babas cool qui s'arrachent leurs vinyles à prix d'or (NDR : "Space ritual" se négocie, par exemple, aux environs de quinze mille balles, soit 375 €), mais parce que sa musique s'est adaptée à la technologie moderne. Des groupes comme Ozric Tentacles et The Orb ont d'ailleurs bien compris qu'il existait un public potentiel à séduire… Déclaré ‘live’, " The business trip " accuse cependant des applaudissements un peu trop soignés pour être honnêtes. Ce qui n'empêchera pas les aficionados d'Hawkwind, et pourquoi pas les autres, de prendre leur pied…
Avant de fonder son propre trio, Juliana Hatfield a sévi au sein des Blake Babies en compagnie desquels elle a commis trois elpees de pop minimaliste, tout en volutes. Pour enregistrer "Become What You Are", le J.H.T. a reçu le concours de Mike Watt, John Wesley Harding et du leader de Lemonheads, Evan Dando. Non content de se consacrer à la basse, Juliana s'acquitte du chant et assure la composition. Des lyrics qui reflètent la sensibilité introvertie, coincée entre l'isolement né de la fin de l'adolescence et l'angoisse de la féminité naissante, des chansons qui traitent de solitude, de frustration, de dépression, du suicide, de désir, de sexisme, de vengeance et de viol, qu'elle chante d'une voix fluette, candide sur une structure instrumentale capable d'osciller entre la tendresse et le fanatisme. Certaines chansons atteignant même l'intensité cinglante des guitares de Dinosaur Jr voire de Hole. Produit par Gary Smith (Throwing Muses, Chills), "Become What You Are" développe ainsi une pop aiguë, mélodieuse, excitante, propice aux climats les plus visionnaires. Tout à fait rafraîchissant !
Si l'œuvre d'un artiste rock se révèle au fil du temps et de ses albums plus abordable et plus léchée, il faut admettre que pour PJ Harvey, c'est le phénomène inverse qui se produit. Vulnérable et fruité à l'origine ("Dry"), venimeux et torride par la suite ("Rid Of Me"), son expression s'est traduite sur "4 Track Demos" en termes de virulence et de sécheresse. Pas de batterie. Juste la voix déchirante de Polly Harvey et des cordes de guitares tendues, lancinantes, sournoises. Dix compositions ultimes, farouches qui luttent sans merci contre la mythologie romantique de la musique pop. En Grande-Bretagne, cet opus a déclenché l'enthousiasme communicatif des médias, un enthousiasme que nous ne parvenons pourtant pas à partager, parce que l'écoute exhaustive du CD a fini par nous excéder...
Malgré son look rasta, Ben Harper n'est pas un musicien de reggae. Si Bob Marley symbolise pour lui un mythe, c'est davantage pour son engagement politique que pour sa musique. D'ailleurs Ben est né en Californie, à une cinquantaine de miles de Los Angeles. Tous les membres de sa famille étaient musiciens. Pas étonnant qu'à l'âge de six ans il grattait déjà de la guitare et qu'à douze, il se produisait en public. La guitare est d'ailleurs demeurée sa confidente. Classique, dobro ou slide elle évolue constamment sur un mode acoustique. Ce qui n'empêche pas Ben d'être un grand admirateur de Jimi Hendrix. Mais également de bluesmen célèbres comme Robert Johnson, Ry Cooder ou Taj Mahal, avec lesquels il a déjà joué. Ben Harper est donc un virtuose de la guitare. Mais plutôt que d'étaler sa technique, il met ce talent au service de l'émotion, tirant parti de chaque silence, de chaque espace et de chaque note pour sculpter la mélodie. Et puis au service de ses lyrics, véritable gage de la conscience sociale et politique, qu'il chante d'une voix tendre et versatile. Enfin pour ne pas s'asphyxier dans un carcan folk traditionnel, Ben bénéficie tout au long de ce "Welcome To The Cruel World" d'un accompagnement fondamentalement rock. Guitare électrique exceptée...
1993 a donc marqué le retour de Peter Hammill aux valeurs fondamentalement du rock. Sur son album, et puis lors de sa dernière tournée, il a ainsi colporté sa propre version de la noisy. On se souvient même du concert époustouflant accordé en mai dernier au Botanique. Faut croire qu'en d'autres circonstances, il s'est montré encore plus brillant, puisque de ce périple à travers l'Europe, c'est finalement le concert dispensé au ‘Grand’ de Londres, le 29 avril dernier qui a été retenu pour alimenter ce ‘live’. Un set qui s'ouvre par "Sci Finance (revisited)" sur un tempo ‘reedien’ avant de revenir à un style plus sismique, voire même progressif dans la lignée de "Sitting Targets" ou de "Margin". Une constante cependant, les guitares acérées, lapidaires, les remous de basse, les éclairs de violon jazzyfiants et puis cette voix écorchée, unique, capable de déchirer votre âme. Peter a encore tapé dans l'Hammill !...
Il nous avait pourtant déclaré, l'an dernier, avoir mis un terme aux aventures de Vander Graaf Generator, et vouloir conjuguer sa musique à tous les temps du présent et même du futur. Son album "The Noise" constituait d'ailleurs un formidable acte de foi (NDR: de foi ou d'espérance?). Sur la forme, il a tenu parole. Mais sur le fond, il vient purement et simplement de la renier. Ce n'est pas un reproche, mais une constatation. Car ce "Roaring Forties" nous replonge dans le climat conceptuel de "Pawn Hearts" ou de "The Future Now". On y retrouve par exemple une composition de près de vingt minutes découpée en sept mouvements, "A headlong stretch", et deux autres qui oscillent autour des neuf minutes. L'ex-saxophoniste du VDGG, David Jackson et l'ex-violoniste du VDG (cherchez la nuance!) jouent ici un rôle beaucoup plus conséquent, par rapport au statut d'invité, auquel ils étaient confinés depuis plusieurs années. Ce qui confère à cette œuvre une richesse sonore fascinante, complexe, pour ne pas dire progressive (!). Et lorsque la solution de "The gift on fire" est aspirée dans un tourbillon d'orgue hammond sauvage (G: ce n'est pas Hugh? B: Non, Simon Clarke!), le spectre de "H to he who am the only one" nous traverse l'esprit. Deux fragments font paradoxalement référence aux Beatles et aux Stones. Aux Fab Four, d'abord. Bien qu'adapté à un format symphonique "Sharply Unclear" échafaude une structure de cordes de guitare par paliers, réminiscente d'"I want you". Tandis que "You can't want what you always get" est une allusion à peine voilée au tube de la bande à Jagger/Richards...
En parfait polyglotte, Peter Hammill s'est donc laissé tenter par la traduction d'une de ses œuvres. Nous pensions sincèrement qu'il aurait opté pour la langue de Voltaire. Parce qu'il séjourne régulièrement outre-Quiévrain. Et puis parce qu'il s'exprime très bien dans cette langue. Contre toute attente, Peter a opté pour celle de Goethe. Un choix qui s'explique probablement par la situation géographique de son relais de distribution qui, si vous l'ignorez encore, est établi en Allemagne. Sans quoi, cet "Offensichtlich Goldfisch" reproduit intégralement le contenu musical de son dernier album "The Noise". Mais l'interprétation paraît encore plus âpre, plus impénétrable. A notre humble avis, au vu de la richesse et du caractère contemporain des textes, cette version pourrait facilement servir de base à un travail scolaire...
Tout comme Robert Fripp et Brian Eno, Peter Hammill a mené fin des seventies, début des eighties des expérimentations sur les collages et les boucles à l'aide d'enregistreurs à bandes. Des travaux qui ont en quelque sorte préfiguré la technique du sampling. "Loops & Reels" réunit sept de ces applications effectuées entre 79 et 83, sept fragments qui avaient fait, à l'époque, l'objet d'une cassette devenue aujourd'hui quasi introuvable. Deux titres avaient cependant servi de support musical à une chorégraphie de Nikolas Dixon, ("My Pulse" et "In Slow Time"), alors que le titre maître avait figuré sur la compilation "Music & Rhythm" enregistrée au profit du WOMAD.
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