A ne plus rien y comprendre! Auteur d'un album live commis en compagnie de son nouveau groupe Shadow Project, Rozz Williams a décidé de remonter en même temps le mythe californien, en compagnie d'Eva O. Et d'enregistrer sous cette formule un nouvel opus : "Rage of Angels". Un disque qui baigne inévitablement dans l'univers gothique sombre, distordu, austère et nauséeux des "Only theatre of pain", "Death wish", "Catastrophe Ballet" et autre "Ashes"... Ponctué d'une cover de "Panic in Detroit" de Bowie, il manque cependant de relief. La guitare est beaucoup trop tendre, étouffée, timide, et ne parvient jamais à élever le sens mélodique à son niveau le plus cruel, le plus douloureux, le plus intense. Sans la râpe de Valor (NDR : qui a mis un terme à son existence, voici quatre ou cinq ans), ce Christian Death est cliniquement mort!
Les Walkabouts jouissent d'une réputation d'enfer sur la scène de Seattle. Parce que leur folk rock post moderne, chargé de poésie visionnaire et de passion mélancolique, s'inspire surtout de Neil Young, de Violent Femmes et de Clean. Chris Eckman et Carla Torgunsen, guitaristes et vocalistes du groupe ont accompli une tournée en Allemagne au début de cette année. "Shelter for an evening" épingle douze fragments enregistrés lors de leur passage à Hambourg et à Cologne. Malheureusement, nonobstant la virtuosité des musiciens, capables d'extraire des émotions fortes de leurs cordes de guitares minimalistes, malgré la conjugaison parfaite des timbres vocaux, l'œuvre suscite au fil du sillon une profonde lassitude. Sans la participation des trois autres musiciens, ce duo de folk song ne ressemble qu'à un autre groupe de folk song...
Avant d'enregistrer son premier album solo en 1988, disque pour lequel elle avait décroché le ‘grammy’ de la meilleure nouvelle artiste et de la meilleure performance vocale féminine ("Union"), Toni Childs a vécu un véritable parcours de combattant. Fugueuse à 15 ans, elle s'est rendue à Los Angeles pour chanter dans les petits clubs de blues locaux. Progressivement, elle a investi l'un ou l'autre combo ; pour finalement atterrir chez Toni and the Movers. Un ensemble au sein duquel elle séjournera deux ans en compagnie du futur Bangles, Micki Steele, et du futur Red Hot, Jack Sherman. En 1981, elle met le cap sur Londres et fonde Nadia Kapichi en compagnie de David Rhodes (Peter Gabriel), Mike Cotzi (Shriekback), Martin Swaine (Waterboys, World Party) et Steve Creese (World Party également). C'est au cours de cet épisode, qu'elle va prendre goût à la ‘World music’, et en particulier à la musique indienne. On comprend mieux pourquoi sur son second opus elle a fait appel à une telle équipe de musiciens hindous. Qui se partagent tamboura, sarangi, mridangam, tavil, nyatti, moorsing, tabla et didgeridoo. Africains également. Notamment le trio a cappella Zap Mama. Et puis des illustres personnages comme Peter Gabriel, Robert Fripp et Kurt Wallinger (World Party). Si Toni a également recours aux samples et à la boîte à rythmes, c'est surtout son talent vocal qui est mis en exergue sur cette œuvre. Une voix ample, poignante, remarquable, qui rappelle parfois celle de Tracy Chapman, mais en plus voluptueux ; une voix qui s'épanche en thèmes universels, comme celui de l'inévitable cycle naissance, mort et renaissance...
Victime d'un grave accident de voiture à l'âge de 23 ans, Vic Chesnutt s'est retrouvé hémiplégique et partiellement paralysé d'un bras. Il a donc réappris à jouer de la guitare. Et à force de volonté s'est remis à composer. Pourtant, il a fallu que Michael Stipe (REM) le pousse à entrer en studio. Ce qui explique pourquoi Vic n'en est qu'à son deuxième album. Il reconnaît pour principal défaut, son penchant pour la divine bouteille. Mais c'est en état d'ébriété qu'il parvient à sortir le meilleur de lui même tout en exorcisant, à travers ses lyrics, sa déprime, son amertume. Comme sur ce "Drunk" où il alterne compositions country folk sirotées dans la plus pure tradition américaine et morceaux plus intenses, plus rock, plus électriques, imbibés de la conscience de Billy Bragg ou de Randy Newman...
Bien que fondé en 1990, Channel Zero en est à son troisième opus. Un disque qui a été enregistré à New York sous la houlette de Michaël Barbiero (Metallica, Soundgarden, L7, Slash), alors que le précédent avait été produit à Nashville par Vinnie Paul, drummer de Pantera. De solides références pour cet ensemble belge dont le trash metal sauvage, redoutable, impitoyable est de la même veine que celui d'Helmet. Un seul reproche, la présence de clichés trop souvent empruntés à Alice In Chains. Sans quoi, dans l'univers du hardcore, cet "Unsafe" est loin de faire pâle figure...
Un bassiste impliqué successivement chez les Barking Spiders Acrophobic, puis les Agrobatics Troups, un guitariste qui a joué chez les Beer Nuts et un drummer qui a transité par une foule de combos, parmi lesquels les moins anonymes répondent au nom de Pygmy Love Circus et de Murder I Exile, ne constituent pas des informations suffisantes susceptibles de provoquer dans votre esprit une réaction de prise rapide. Par contre, si vous ajoutez comme hydrofuge la présence de l'ex-chanteur de Faith No More, Chuck Mostley, vous améliorerez le processus de durcissement. Parce que Cement manœuvre sur un chantier sonore contigu. Avec ce petit côté grunge qui colle à l'air du temps, un sens du pastiche particulièrement aiguisé et quelques incursions dans le folk alangui, ouaté, question de mettre en évidence, le talent de guitariste acoustique de Chuck...
Pour le commun des mortels, Blur est le responsable du hit single "Girls And Boys", une chanson dont la version electro disco, revue et corrigée par les Pet Shop Boys, fait aujourd'hui un véritable tabac dans les charts internationaux. Et pourtant, le quintet insulaire (Colchester) compte déjà trois albums à son actif! Produit par Stephen Street (Morrissey), "Parklife" se révèle, dans l'ensemble, palpitant. Dans l'ensemble, puisque son ventre mou (!) s'abandonne un peu trop facilement dans la romance mielleuse, un peu comme si Style Council s'était vu priver de ses propriétés jazzyfiantes. Un intermède qui par bonheur n'excède pas quatre fragments. Pour le reste, l'opus recèle quelques morceaux post mod, post adolescents de la meilleure veine. Le hit en puissance "London Love", par exemple. Et puis une composition monochrome, déchirante, à laquelle Laetitia Sadier (Stereolab) et l'acteur Phil Daniels sont venus apporter leur concours aux backing vocaux ("To The End").
Encore un groupe qui nous vient de la Nouvelle Orléans. Un quintet qui pratique le punk zydeco. Pas besoin de vous expliquer la nature du punk. Mais qu'est-ce que le ‘zydeco’? Une forme de ‘roots’ coincée quelque part entre le country et le cajun. Un mélange subtil entre cultures américaines, françaises et africaines. Le punk lui donne donc davantage d'énergie et d'efficacité. Et puis surtout un groove basique, sauvage qui fouette vigoureusement et savoureusement l'instrumentation traditionnelle (accordéon, violon) voire insolite (washboard, djembe). Chouette et rafraîchissant !
Les New York Dolls et Blue Öyster Cult ont ouvert, début des seventies, la voie à un rock métallique et décadent, style parodique, excessif, outrageant qui correspondait à l'évolution des mœurs chez les Dolls et à l'agression mécanique, sinistre, précise, calculée, programmée chez B.O.C.. Le culte de l'huître bleue va malheureusement évoluer trop rapidement vers une sophistication nocive, avant de revenir dès 79 à un heavy métal suranné et agonisant. Alors que nous pensions que le mythe avait trépassé au beau milieu des eighties, il refait surface d'une manière peu orthodoxe. Comment ? En reciselant, dans le plus grand désordre, toute une série de covers, considérées comme des classiques. Depuis "Cities on flame with rock and roll" à "ME 262" en passant par "Don't fear the reaper", "Godzilla", "This ain't the summer of love" et quelques autres. On reste quand même perplexe pour la suite des événements…
En 1992, ce quartet batave commettait un superbe album. Une œuvre qui, d'une manière incompréhensible, est totalement passée inaperçue. Pour enregistrer "Waterwings", la bande aux frères Dijkman a de nouveau fait appel au vétéran du punk alternatif Moyo Thompson (Chills, Raincoats, Primal Scream, Fall, Pere Ubu) à la production. Malheureusement, si on retrouve ce cocktail subtil, volatil de country, de folk, de roots et de psychédélisme qui nous avait tant captivés sur "Silverfish", la préparation manque singulièrement d'excitation et surtout de pêche. Un peu comme si leur garage rock avait été volontairement émoussé (Long Ryders? Rain Parade?), pour permettre aux mélodies de se traduire plus facilement dans le langage pop d'Elvis Costello...
Du line up initial, il ne reste plus que le chanteur compositeur Gerard Langley, le guitariste Rodney Allen et le danseur Wotjek Dmokchouski, personnage qui accompagne le groupe lors des concerts. C'est vrai qu'Angelo Bruschini, le second guitariste prend une part de plus en plus active dans la gestion du groupe, comme par exemple procéder à l'engagement de nouveaux musiciens, mais il n'est pas un membre fondateur. En fait, chez Blue Aeroplanes, hormis ce quatuor de base, c'est la véritable bouteille à encre. Figurez-vous que pour concocter "Life Model", une véritable pléiade de musiciens a collaboré à son enregistrement. Et parmi ceux-ci, la plupart ont déjà transité par le groupe. On a ainsi droit à un total de sept guitaristes! Encore heureux qu'ils ne jouent pas tous en même temps. Il est vrai que depuis 1990, soit depuis la confection de "Swagger", la musique de Blue Aeroplanes est moins hostile, moins expérimentale. Ce qui ne l'empêche pas d'être aussi intéressante. "Life Model" alterne ainsi compositions intimistes, énigmatiques sur lesquelles la voix profonde, laconique de Gerard épanche ses poésies et compositions sauvages, intenses qui palpitent suivant le flux de l'électricité fastueuse et même perverse... Superbe!
Alors que pour enregistrer "Acoustic Motorbike", Luka Bloom s'était entouré d'une pléiade de musiciens issus de son Eire natale, et en particulier des Hothouse Flowers, "Turf" a été concocté presque exclusivement en solitaire. Hormis le concours de Mairead Ni Mhaonaigh, du groupe irlandais Altan, invité pour chanter en duo "Sunny Sailor Boy" –meilleure chanson de l'album paradoxalement écrite par Mike Scott– Luka limite son accompagnement musical à sa seule et unique guitare acoustique. Parfois électrifiée, il est vrai. Et puis utilisée dans un contexte propice aux arrangements, c'est-à-dire dans le célèbre studio de Windmill Lane à Dublin. "Turf" souffre quand même d'une certaine uniformité dans le ton, et si les textes, qui traitent essentiellement des problèmes propres aux Irlandais, possèdent un intérêt certain, le climat général baigne dans une certaine morosité...
Entre 70 et 80, cette formation américaine a récolté un succès considérable, succès qui a atteint son apogée en 1979, lors de la sortie d’"Heart Of Glass". Plusieurs compilations ont déjà retracé l'histoire de ce phénomène new wave, mais jusqu'à présent aucune d'entre elles n'était parvenue à nous faire revivre cette belle histoire. Et c'est chose faite avec ce double CD. Un box qui propose en quarante-sept titres la quintessence de Blondie. Et en particulier ceux qui investissent la première rondelle. C'est-à-dire lorsque leurs chansons parvenaient à capturer l'essence d'un punk pop réminiscent des sixties. Et puis il y avait Debbie Harry, femme enfant à la bouche et au regard sensuels, aux mini robes ou ensembles provocants, mais surtout à la voix sans modulation mais tellement limpide. Pensez à "X Offender", à "Denis", à "In The Fleh" ou à "Rip Her To Shreds". Mais il y en a encore bien d'autres, et en particulier le célèbre " Heart Of Glass". Le deuxième morceau de plastique s'intéresse à la phase la plus accessible du groupe. Et notamment "Sunday Girl", "Atomic", "Call Me", "The Tide Is High", "Rapture". Le tout ponctué de quatre inédits dont un "Once I Had A Love" qui ressemble étrangement à ce célèbre "Heart Of Glass". Et puis deux remixes. L'un d'"Atomic" et l'autre de "Rapture". Le volume est en outre enrichi d'un livret abondamment illustré de photographies, mais également valorisé de commentaires des musiciens du combo pour chaque chanson. Un document indispensable!
Bien que fondé en 1986, Blonde Amer vient seulement d'enregistrer son premier album. Dans le passé, le groupe avait bien gravé deux singles, mais dont le succès est demeuré plus que confidentiel. Son expérience ? Il l'a acquise au fil des nombreuses tournées conduites à travers tout l'Hexagone. Constitué des frères Jérôme et Bernard Santelli, qui assurent l'essentiel de la composition, et Vincent Jenny, Blonde Amer perpétue la tradition du rock bleu blanc rouge institué début des eighties par des groupes comme Lili Drop et Telephone. Telephone surtout, à cause du timbre vocal de Jérôme proche de celui de Jean-Louis Aubert. Et puis du spleen poétique des lyrics. Vous avez sans doute déjà pu entendre sur les ondes radiophoniques "Si jamais", chanson qui devrait probablement faire un hit. Les onze autres titres sont coulés dans le même moule. Et à notre humble avis, Blonde Amer n'est pas près de le casser...
Fondé en 1984, Black Sorrows jouit d'un énorme crédit en Australie ; multipliant, depuis sa formation, les disques de platine. Pourtant, malgré le succès récolté, on ne peut pas dire que son expression brille par son originalité. En fait, tout son héritage musical est redevable au delta yankee, au cajun, au tex mex et plus conventionnellement au rhythm’n’blues ainsi qu’au country ; mais il a tellement été grevé de droits FM, qu'il en a perdu toute sa valeur (saveur?). "The Closen Ones" n'est pas un nouvel opus du groupe kangourou, mais une succession de seize titres, ponctuée de l'inévitable "Sons Of The Sea", empruntés aux six albums enregistrés jusqu'à ce jour. Pauvre Poséidon!
Black Maria en est aujourd'hui à son troisième album. Et il faut avouer que les traces (!) laissées par son passé référentiel sont toujours bien vivaces. Insculpées par Dominic Sonic, d'abord. Qui avait produit le premier opus. Et puis par Noir Desir, avec lequel le groupe normand a toujours reconnu avoir des atomes crochus. Ce qui n'empêche pas ce disque, dont la plupart des fragments sont chantés dans la langue de Voltaire, de receler l'une ou l'autre composition d'excellente facture. "Fils de gitan", l'instrumental "Korgo" qui ouvre le morceau de plastique et puis bien sûr le titre maître. Mais également de concéder certaines faiblesses. Et en particulier la cover des Stones, "2000 light years from home" trop quelconque pour véritablement convaincre...
Deuxième album solo pour l'ex-leader des Pixies. Et première constatation, il est double. Enfin presque, puisque le second morceau de plastique se résume à trois versions différentes du single "Headache". Soit un total général qui s'élève à vingt-cinq fragments. Avec ou sans boulier compteur!... Si "Teenager Of The Year" affiche encore certaines spécifications propres au défunt et mythique groupe bostonien (ligne de basse menaçante, riffs de guitare vicieux, corrosifs, breaks vertigineux, changements de tempo, vocal écorché), il faut regretter que la plupart des compositions semblent avoir perdu une bonne dose de leur adrénaline. Au profit d'un popcore arrosé de claviers rognés ou allègres, enrobé d'arrangements de cuivres, voire épicés de twang hawaïen, de country, de reggae ou de romance. Attention, cet opus reste d'excellente facture, mais les inconditionnels des Pixies auront l'impression que la matière première a été passée à l'attendrisseur...
Le nouvel album de cet ensemble géorgien nous semble toujours aussi contaminé par le heavy rock de la fin des sixties et du début des seventies. En particulier par celui que pratiquait, à une certaine époque, les Allman Brothers, le Free, les Small Faces, Humble Pie et consorts. Et le quintette a beau clamer son innocence, pour la troisième fois, il vient d'être pris en flagrant délit de revivalisme. Pourtant, les musiciens sont de véritables virtuoses. Et le chanteur possède un timbre vocal savoureusement sauvage, abrasif et écorché. Mais au lieu de tirer parti au maximum de ce potentiel pour tramer une texture mélodique solide, les membres de Black Crowes se contentent de rivaliser dans la performance technique. Et pourtant, ils sont capables d'accorder leurs violons (!), comme sur le titre qui ouvre l'elpee, "Gone". Mais c'est tout ! Les onze compositions suivantes s'étiolent au fil du blues, du metal, du boogie, du country ou du gospel...
Groupe de metal funk par excellence, Biohazard vient d'enregistrer son troisième opus. Sous la houlette d'Ed Stasium, producteur des Ramones et de Living Colour. Le groupe a, par ailleurs, bénéficié du concours des rappeurs de Cypress Hill pour le meilleur titre de l'album, "How Is It". Bien dans l'air du temps avec son rythme contagieux, irrésistible et ses riffs de guitares irascibles, belliqueux, "State Of The World Address" manifeste inévitablement un engagement sociopolitique à travers des textes mordants, rageurs qui dénoncent les injustices raciales dont le peuple noir est encore et toujours victime aux Etats-Unis...
Billy Pilgrim n'est pas le nom d'un artiste solo, mais bien d'un sextet établi en Georgie (Atlanta) dont la musique s'inscrit dans la tradition country-folk américaine la plus pure. Un patronyme emprunté au personnage imaginaire d'un roman de Kurt Vonnegut. Ce qui explique sans doute pourquoi l'intérêt de ce disque, dont l'enregistrement a pourtant bénéficié de la collaboration de quelques requins de studio, et puis surtout de la production de Hugh Padghan (Police, XTC), repose essentiellement sur les lyrics. Des textes poétiques, profonds, relationnels nés des plumes conjuguées de Kristian Bush et d'Andrew Hyra. Une association indispensable à l'existence même du groupe, puisque ces deux musiciens se partagent également le chant et la guitare. Malheureusement, malgré la richesse littéraire incontournable, la solution ne parvient pas à s'extraire d'un format acoustique trop conventionnel...
Mini album (quatre titres et deux remixes) pour cet ensemble bostonien qui se réclame de Ministry et de Nine Inch Nails. Pas étonnant que le chanteur possède un timbre vocal aussi abrasif qu'Al Jourgensen. Côté ambiance, ce n'est pas beaucoup plus drôle. Rien que les illustrations de la pochette vous donnent un idée du climat qui règne tout au long de ce "Judgment". En médaillon figure le "Dernier Jugement" de Scroveni et à l'intérieur un extrait d'une peinture miniaturiste de Pol de Limbourg (Les Très Riches Heures). Des images plutôt négativistes qui transpirent également à travers des lyrics hostiles à toutes les formes de religion...
Pour enregistrer son deuxième album ("Hunalaria"), ce quintet bruxellois avait bénéficié du concours de Mike Rathke à la production. Mike, si vous l'ignorez encore, assure à la fois les fonctions de guitariste et de coproducteur pour Lou Reed. Et figurez- vous que lors des sessions de "Hand Some", réalisées au studio RPM de New York, Lou est venu donner un petit coup de guitare sur "It's been a long time". Ce qui semble avoir décidé Robert Wasserman d'apporter sa collaboration à la basse pour un autre titre. "Lies", pour ne rien vous cacher (!). Bref, comme vous pouvez le constater, l'élite rock'n’rollienne de New York porte un intérêt certain à la formation belge. Et à l'écoute de ce "Hand Some", vous comprendrez aisément pourquoi. Pas de grunge, de pop ou de hardcore, mais un disque de rock urbain bien saignant, juteux, stoogien, reedien, entrecoupé de ballades semi-acoustiques insidieuses, sombres, presque velvetiennes...
Bénéficiant du concours de quelques potes, parmi lesquels on retrouve Calvin Johnson de Beat Happening et Sect des Spinnanes, "One foot in the grave" s'intéresse surtout à la musique country traditionnelle. Celle de Woodie Guthrie et de Ramblin' Jack Elliott en particulier. Encore que cet opus soit incrusté de trois intermèdes acides, parfois dynamisés dans l'esprit de Syd Barrett, parfois oxydés par le blues. Des chansons essentiellement acoustiques qu'il négocie d'une voix nasillarde, proche d'un Ray Davies...
Nous vous avions expliqué, lors de la sortie de "Mellow Gold", que Beck prêchait un psychédélisme à multiples facettes, mais élaboré dans le sens le plus contemporain du terme. Sur cet opus, qui ne manquait pourtant ni d'imagination, ni de profondeur, il privilégiait le sens mélodique. Et ce "Pay no mind", qui en est extrait, épouse parfaitement cette perspective accessible. Mais ce single épingle également trois expérimentations avant-gardistes, prétextes à bruitages, distorsions en tous genres, collages, etc.
Tout comme les Chills, les Triffids et le défunt Go Betweens, ce quartet néo-zélandais cultive l'art du pop avec beaucoup de subtilité et de charme. Une pop redessinée par le ‘Postcard’ des Smiths voire d'Aztec Camera, dont le romantisme mélancolique et rêveur affiche une simplicité et une sérénité désarmantes. "Silverbeet" rassemble treize fragments savoureux. Treize chansons dont l'écriture imaginative semble héritée du mysticisme écossais. Treize mélodies acidulées, sculptées dans les cordes de guitares duales, scintillantes, cliquetantes de Kaye Woodward et de Robert Scott dont l'intensité contraste savoureusement avec la voix claire et suppliante dudit Robert...
Avant de devenir le chanteur-guitariste de Sebadoh, Lou Barlow a transité par Dinosaur Jr pour y tenir la basse. Un séjour qui ne lui laissera pas un souvenir impérissable, pour ne rien vous cacher. Lou multiplie également, depuis plusieurs années, des expériences individuelles. Des travaux qu'il mène dans sa salle de séjour, à l'aide d'un quatre pistes, et qu'il convertit exclusivement en seven inches sur différents labels, aussi bien canadiens, français que yankees. Cet opus collige dix-huit chansons issues de ce répertoire et cinq inédits. Soit un total de "23 songs". Sous un profil acoustique, les compositions manifestent une sensibilité sombre, douloureuse, proche d'un Mark Lanegan voire de Mark Eitzel. Mais sous un format électrique elles s'égarent, faute d'affinement, dans l'approximation filandreuse...
Mini CD cinq titres pour cet ensemble new-yorkais qui tire toute la richesse de son expression dans le chaos urbain, un peu à la manière de Sonic Youth. Encore que son leader, David Sardy, décrit sa musique comme un hybride entre celle de Lightnin' Hopkins et d'Einstürzende Neubauten. David possède un sens aigu du sarcasme et de la caricature, une faculté qu'il injecte dans ses lyrics hostiles à l'‘american way of life’, sur une musique torturée, aride et oppressive.
Bien qu'exilé à New York, ce trio néo-zélandais relève de Flying Nun. Un gage de qualité, lorsqu'on sait que ce label antipodal nous a permis de découvrir des groupes comme Clean, Chills, Verlaines, JPS Experience, Bats et autre Chris Knox. Pourtant, la musique de Bailter Space n'a guère d'affinités avec celle de ses compatriotes. Etrange, noisy, austère, elle trace des lignes mélodiques linéaires, vertigineuses, comme chez My Bloody Valentine. Sombre, implacable, répétitive, elle endure les tourments cold wave de Joy Division. "Vortura" baigne ainsi dans un univers mystérieux où le calme malveillant né de la palpitation technologique contraste savoureusement avec les stridulantes électriques des cordes de guitare agressives, crépitantes, languissantes. Un superbe album!
Bien qu'issu des Antipodes (Melbourne), The Badloves fait un peu tâche d'huile sur la scène rock australienne et néo-zélandaise. Pensez à Nick Cave, Died Pretty, Celibate Rifles, Chills, JPS Experience ou même Midnight Oil. En cherchant bien, on trouve cependant, chez ce quintet kangourou des traces de blues, de gospel, de soul, de country et même de rock. Mais en général "Get On Board" secrète un pop FM moelleux, abâtardi, sorte de salade préparée à base de Faith No More anémique, de Stevie Wonder édulcoré et de Black Crowes lymphatique. Bon appétit !
Fondé au tout début des eighties, cet ensemble californien est un peu considéré avec Hüsker Dü, comme un des piliers du hardcore juvénile yankee. Et pourtant, bien que responsable d'excellents morceaux de plastique, qui dénonçaient, entre autres, les inégalités sociales causées par le reaganisme et ses appendices, Bad Religion n'est jamais parvenu à s'extraire d'une certaine marginalité. "Suffer" en 88, "No control" en 89, "Against the grain" en 90 et "Generator" en 92 en sont probablement les plus beaux exemples. Et ce n'est pas "Strange than fiction" qui risque d'inverser la tendance. Pourtant, les compositions sont intenses, urgentes, moins filandreuses, moins épileptiques, moins crépitantes, plus punk que chez le défunt et mythique trio de Minneapolis, mais toutes aussi rafraîchissantes. Pas pour rien que ce quintet avance que le punk hardcore n'est qu'une nouvelle forme de musique folk...
Lorsque Tom Bailey et Alannah Currie sévissaient au sein de Thompson Twins, il n'y avait guère de monde pour s'intéresser à leurs expérimentations electro-tribales. Il aurait cependant suffi de gratter le vernis pop de leurs compositions pour en découvrir toute la richesse, tout le charme. En fait, l'attention du grand public a toujours été polarisée par la capacité du trio à aligner les tubes. Pensez à "Hold Me Now" et "Doctor Doctor", par exemple. Une sollicitude mal placée qui se révèlera au bout du compte fatale à l'existence du groupe. Rejoints par trois nouveaux musiciens, Tom et Alannah se sont alors penchés sur la musique orientale, hindoue en particulier. Ils ont même séjourné quelques temps en Inde, question de bien s'imprégner de l'esprit de cette culture. Inévitablement, "The Stone", premier album de Babble baigne dans un climat brahmanique, mais cet univers exotique est filtré successivement dans la pop puis la house atmosphérique (The Orb?), avant d'être hydraté par la conjugaison savoureuse des voix d'Alannah et de Tom...
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