Particulièrement affecté par la séparation d'Hüsker Dü, Grant Hart a éprouvé, à contrario de Bob Mould, d'énormes difficultés pour se refaire une santé musicale. En six années, il a commis un album solo sans grande consistance, puis formé un nouveau groupe, Nova Mob, dont le premier opus ("The Last Days Of Pompeï") n'a malheureusement pas recueilli le succès escompté. Faut dire que jusqu'alors, ce chanteur-compositeur s'était contenté de nous ressasser des clichés empruntés au célèbre et défunt trio de Minneapolis. Pour son troisième essai, Nova Mob semble enfin avoir trouvé la bonne décoction. Ce qui au départ ne semblait pas évident, lorsqu'on sait que le groupe a dû remplacer son drummer début 93. Grant en a d'ailleurs profité pour élargir son line up, en engageant un second guitariste, Chris Hesler. Une formule qui donne davantage d'amplitude aux compositions. Et si les mélodies sont toujours recouvertes de miel popcore, l'électricité n'y est plus systématiquement débridée, autorisant de plus grandes variations dans le tempo, un peu comme chez Leather Nun. Mais surtout elle n'asphyxie plus la voix de Grant, dont le timbre rappelle, en filigrane, celui de Ian McNabb d'Icicle Works...
Née en 1969, cette Suédoise a été élevée dans un climat favorable à l'épanouissement musical, mais également selon des principes communistes. Au cours de son adolescence, Stina a d'ailleurs milité au sein d'un mouvement de jeunes relevant du parti, la ‘Young Communist League’. Elle aurait ainsi pu embrasser une carrière politique. Mais il faut croire que sa passion pour la musique était plus intense, puisqu'elle vient d'enregistrer son deuxième opus. Stina aime le jazz (Coltrane), le classique (Satie, Bartok) et le chant grégorien. Mais ses goûts, elle les a profilés sur un format contemporain, reflétant des mélodies intimistes, claustrophobes, douloureuses sur laquelle elle laisse glisser sa voix onctueuse, gémissante, glacée. Sur "And She Closed Her Eyes", elle a bénéficié du concours d'une flopée de musiciens scandinaves, mais aussi et surtout du célèbre trompettiste de jazz, John Hassell. De quoi vous donner une petite idée du talent de cette artiste que nous qualifierons volontiers de réponse féminine à Robert Wyatt...
Fondé au tout début des eighties, The Nomads continue son petit bonhomme de chemin sans se soucier des temps et des modes. Adeptes du garage-punk coloration sixties, ces Suédois ont concocté en treize années d'existence, six albums, une douzaine de singles et accompli d'interminables tournées à travers le monde. Pas pour rien qu'ils se sont appelés les Nomads! Pour enregistrer "Powerstrip", ils se sont rendus à Seattle. Pas qu'ils avaient envie de se convertir au grunge, mais ils souhaitaient bénéficier de la production du célèbre Conrad Uno fidèle à son tout aussi célèbre ‘Egg Studio’. Un disque qui tout en puisant dans le réservoir sixties continue à faire une fixation ‘stoogienne’ bercée de relents psychobilly à la Cramps, voire à la Fleshtones. Un morceau de plastique chargé d'adrénaline, d'électricité et de fun qui recèle une cover du premier single des Wipers, "Better Off Dead"...
Bien que tombé en désuétude, le hardcore post-industriel compte toujours de fervents adeptes. Noise Gate appartient à cette catégorie d'utopistes qui continuent de défendre une doctrine musicale périmée, contre vents et marées. Et malgré toute sa bonne volonté, il faut reconnaître que le quartet bruxellois ne parvient plus à nous impressionner. Hormis "Dear Innocence", titre plus acoustique sur lequel se promène le violon spectral de Bernard Plouvier, "Illusion Of Victory" macère au sein d'une atmosphère sulfureuse, encombrée de rythmes obsessionnels, de bruitages intempestifs, de riffs de guitares sursaturés, tourmentés, de vocaux irascibles, agonisants et de lyrics venimeux; une atmosphère irrespirable qui ne peut conduire qu'à l'asphyxie...
Jamais les qualificatifs radical, puissant, apocalyptique, dangereux, malsain et insidieux ne se sont révélés aussi pertinents pour évaluer ce double CD enregistré en public. Tels des flibustiers, ces Girondins se lancent à l'abordage d'un punk électrique sans concessions. Même les parties vocales sont au diapason de la prestation (ça rime). Enfin presque! Puisque celles écumées sur "I Want You", cover des Beatles, ont de nouveau la fâcheuse tendance à grincer comme sur le dernier album studio. Ce n'est heureusement pas le cas pour "Long Time Man", autre reprise mais de Nick Cave, ni de "Here It Comes Slowly" et surtout de "Totsaky" dont les versions ‘live’ constituent de véritables brûlots de générosité et d'authenticité, balancés au sein d'une œuvre qui risque fort de vous embraser...
Personne n'est innocent ! Rarement un nom n'a si bien collé à la personnalité d'un groupe. Un groupe français, parisien très exactement, constitué d'un ex-Shifters, d'un ex-David Vincent, d'un ex-Rimbaud et d'un ex-rien du tout. Qui chante tantôt dans la langue de Voltaire, tantôt dans la langue de Shakespeare. Parce que la formation veut faire passer un message. En fait de message, on assiste plutôt à une diatribe musclée à l'intention de la société contemporaine. Et en particulier à l’égard du système politique qui fait le lit du racisme, de l'égoïsme et de l'oisiveté. Et pour véhiculer toutes ces idées, le quartet hexagonal courtise un style musical au goût du jour. Point de rencontre entre le groove de Red Hot et les coups de gueule de Rage Against The Machine, il réalise un mélange d'énergie, de feeling et de passion au sein d'un climat tendu, radical et cinglant. Alors, si personne n'est innocent, sommes-nous tous coupables?
En 1992, les Nits s'étaient complètement plantés en nous infligeant un "Ting" emphatique, sophistiqué à l'extrême, à la limite du prétentieux. Aujourd'hui, l'ensemble batave semble vouloir faire marche arrière. D'abord, le trio de base Hofstede-Stips-Kloet est revenu à une forme instrumentale plus conventionnelle. Impliquant la guitare, par exemple. Et même si elle n'est pas encore suffisamment mise en évidence, elle a enfin de nouveau voix au chapitre. Le mellotron et l'harmonium également. Quant à la participation d'un bassiste et d'un violoniste-percussionniste, elle permet au groupe d'élargir son horizon sonore... Ensuite, la construction mélodique épouse les vertus les plus naturelles, les plus beatlenesques de la pop. Pas seulement à cause des harmonies vocales qui sont toujours aussi raffinées et savoureuses. Mais parce qu'elles réverbèrent certains accents mélodiques courtisés par John Lennon, tout en abritant l'un ou l'autre intermède savoureusement chaotique, réminiscent de "Good Moorning, Good Morning" voire de "A Day In The Life". Un seul regret, l'album se complaît un peu trop dans un style confidentiel, sentimentaliste. Pourtant avec davantage de fragments de la trempe de "Bilbaoboa", cet opus aurait véritablement pu décrocher la timbale... Ce n'est peut être que partie remise.
Enregistré en novembre de l'année dernière, au cours de la célèbre émission ‘Unplugged’ d'MTV, cet album constitue, en quelque sorte, le testament du combo de Seattle. Parce que, faut-il encore vous le rappeler, six mois plus tard, son leader se donnait la mort. Témoignage dramatique, vibrant, d'un passé encore tellement récent, "Unplugged in New York" implique quatorze adaptations acoustiques, parmi lesquelles figurent un extrait de "Bleach" ("About a girl"), quatre de "Nevermind" ("Come as you are", "Polly", "On a plain" et "Something in the way"), trois d'"In Utero" ("Pennyroyal tea" , "Dumb", "All apologies") et un éventail de reprises partagé entre celles de Meat Puppets ("Plateau", "Oh Me" et "Lake of fire"), de David Bowie ("The man who sold the world") et enfin de Leadbelly ("When did you sleep last night"?). Ce disque, qui établit la balance vibrante entre le formalisme délicat et l'émotion âpre, exerce cependant autre chose que la fascination morbide d'un album posthume. Nirvana se montrant sous un angle auquel, jusqu'alors, il nous avait peu habitués. Suivant les nombreuses déclarations recueillies dans l'entourage de Kurt Cobain, il appert que Nirvana avait projeté d'enregistrer un album studio entièrement acoustique. Son projet s'est quand même concrétisé. Mais il sera le dernier. En tous cas sous la férule du James Dean des nineties.
Seul maître à bord au sein de son Nine Inch Nails depuis 1991, Trent Reznor poursuit inlassablement ses expérimentations dans le domaine de la musique électronique. Plus seulement électronique, c'est vrai, puisque pour enregistrer "The Downward Spiral" il a fait appel à l'ex-guitariste de Peter Gabriel et de David Bowie, Adrian Belew; et puis au drummer de Porno For Pyros, Stephen Perkins. Hybride alors? Exact! Mais qui colle davantage à l'esprit des Young Gods plutôt qu'aux perspectives cybernétiques développées par Front 242 et Cassandra Complex. D'abord "The Downward Spiral" est un concept album qui véhicule un véritable réquisitoire contre toute forme de doctrine dogmatique. Mais en plus il baigne dans un climat ambigu, vindicatif, malsain, tantôt marqué par les stigmates de Ministry et de Revco, tantôt investi par une forme de synthétisme pop, post John Foxx. Revu et corrigé par la technologie moderne vous vous en doutez...
Les New Fast ont donc abandonné une partie de leur patrimoine. Exit donc Automatic et Daffodils pour faire place à un patronyme plus facilement mémorisable. Et par la même occasion, le groupe de Manchester s'est déniché un producteur capable de transformer son funk surréaliste en pop agressif et percutant. En l'occurrence Jeremy Allen, un des mixeurs du fameux "Blue lines" de Massive Attack. Les compositions insidieuses, implacables ont ici une meilleure élasticité, un meilleur feeling ; et leur groove épouse un profil davantage hypnotique. Vous avez sans doute déjà eu l'occasion d'écouter le single "Life is an accident" ; et bien ce "Love it all" est de la même veine. Avec leurs percussions épileptiques, les riffs de guitares acérés, pépiants, la ligne de basse caoutchoutée et le vocal ‘neurotique’, sardonique d'Andy, les New Fads peuvent aujourd'hui se poser en dignes successeurs du défunt Happy Mondays…
En 1992, ce trio limbourgeois (Houthalen) s'était distingué lors de la finale du Rockrally, tremplin qui lui avait permis de décrocher une signature sur Brinkman, sous label de PiaS. Auteur d'un premier maxi single encourageant ("Bicycle Called Love"), Nemo vient de passer au stade de l'album. Un disque autoproduit qui recèle pas moins de dix-huit titres abrasifs et sauvages de popcore (Pixies?). Dix-huit fragments imprimés sur un tempo tantôt fracturé, variable ou féroce, promenés au gré de guitares filandreuses, ébréchées ou courroucées, et revêtus d'un timbre vocal acéré, ténébreux proche du Lou Reed velvetien…
Si à l'origine, les Nyah Fearties étaient de véritables prospecteurs du son, n'hésitant pas à piocher dans le reggae, l'electro, le punk ou le rock pour transcender leurs racines celtiques, il faut admettre que depuis 1991, soit depuis l'engagement d'un violoniste, le groupe obéit à des conceptions folkloriques beaucoup plus conventionnelles. C'est d'ailleurs un peu le reproche que nous pourrions adresser à cette formation qui malgré un évident sens de l'humour, ne parvient que difficilement à nous embraser. D'autant plus que cette compilation a négligé d'inclure l'hymne fétiche de ces Ecossais, "Looking For Buble". Heureusement, sur les planches, les Nyah Fearties sont capables de réaliser des miracles…
Ceci n'est pas un nouvel album de Ramuntcho Matta, mais une de ses chansons remixée à treize reprises par neuf spécialistes en rap (Dee Nasty), ambiant (Solar Quest), world, new age, jungle, etc., différents. Le tout ponctué d'une version a capella. Dans tout homme, il y a un cochon qui sommeille (!)...
Considéré comme le plus parisien des artistes sud-américains, Ramuntcho Matta n'est autre que le fils du célèbre peintre chilien Roberto Matta. Avant de graver ce qui constitue son premier album solo, Roberto se consacrait essentiellement à l'écriture, à la production ainsi qu'à la réalisation de bandes sonores pour ballets et vidéos. Enregistré tantôt à Paris, tantôt à Bruxelles, "2 l'amour" a bénéficié de la collaboration d'une palette d'artistes issus de tous les horizons ethniques. Parmi les plus huppés figurent Sydney Thiam, percussionniste qui a notamment côtoyé les Talking Heads et les vocalistes de Zap Mama, Sylvie et Marie. Mais également un prestidigitateur, un peintre, un réalisateur de films, un psychiatre, mais pas de promoteur immobilier (!)... Une œuvre atmosphérique parfumée de pop, de jazz, de world music, de samba et de chanson française (Gainsbourg, Béart, Daho), soulignée de textes ésotériques, empreints d'amour et de séparation que chante Ramuntcho d'une voix alanguie, à la limite de l'impassionnel...
Battue par Mary sous les yeux impuissants de Cheetah, Jane n'a pu être secourue par notre Tarzan de service; panne de secteur! Mais le fils de la jungle n'a pas dit son dernier mot. Atomisé par un hardcore métallique couleur Red très Hot, il poussa un cri vindicatif, déchirant, dans la langue de Rollins; un cri qui parvint jusqu'au plus profond des fjords scandinaves, suédois pour être plus précis. Qu'importe le flocon, pourvu qu'on ait le stress... Aaaargh!
Mao Tse Toung Experience a sans doute la glose facile. Sur ce CD, il cherche à javelliser, par la techno, des clichés qui appartiennent tantôt à Sisters Of Mercy, Début de Soirée, Human League, New Order, Ultravox, Front 242, Shamen et quelques autres. Faut-il en rire jaune? Peut-être même voir rouge à l'écoute de toutes ces chinoiseries? Faites un peu le tour (de France?) de l'album. Et en fonction de la performance, vous lui attribuerez le Mao jaune ou la lanterne rouge...
Pour enregistrer son dernier album, cet ex-Go Betweens s'est rendu dans les célèbres studios de John Keane à Athens en Georgie. De cette rencontre est né un double album. Vingt-quatre chansons qui offrent sur le premier disque un profil effilé, délicat, ‘gobetweenesque’ comme sur ses deux précédents opus, "Fireboy" et "Watershed", et puis bien entendu sur le single qui inonde actuellement les ondes radiophoniques, "Don't you cry". Le second embrasse totalement la production ambiante. Des chansons pop colorées de country et de rock, électrifiées tantôt à la manière de R.E.M., de Television ou même des Byrds; Grant s'autorisant même une cover de Roger Mc Guinn, "The Ballad Of Easy Rider". Mais tout l'album exhale la même chaleur intimiste, la même passion délicate, un climat qu'irradie le timbre vocal si pur et attachant de McLennan. Superbe !
Depuis la séparation des Triffids, nous avions quelque peu perdu de vue son leader, chanteur, compositeur, David McComb. Pourtant, en 1979, cet Australien avait enregistré quelques EP's flanqué de son nouveau groupe, les Blackeyed Susans. Mais faute de succès, il décide de tenter l'aventure à Londres. Un exil qui durera jusque 1992. Le temps de commettre quelques prestations ‘live’, soutenu par les Red Ponies, afin de graver deux singles infectés de techno, puis de se rendre compte qu'il ne parviendrait pas à y décrocher le contrat escompté. Il revient donc à Melbourne, réunit les Blackeyed Susans pour concocter un EP, et finalement décide de revenir chez ‘Mushroom’. Avec à la clef ce premier opus solo, intitulé "Love Of Will". Treize ballades ciselées dans le rock, la pop, le blues ou le folk qui mettent surtout en valeur son timbre vocal profond, pathétique ; un album tendre, romantique, émouvant, à ranger aux côtés des œuvres solitaires de Grant McLennan et de Robert Forster...
Pour enregistrer son deuxième album, Machines of Loving Grace a bénéficié du concours de Roli Mosiman. Un ex-musicien de Swans reconverti en producteur, réputé pour avoir notamment exercé ses talents sur les œuvres de New Order, The The et Young Gods. Une précision nécessaire et indispensable pour bien comprendre l'expression de ce quatuor, issu de Tucson dans l'Arizona, qui sculpte sous un format pop la musique post industrielle. Un peu comme si l'agressivité d'un Ministry, voire d'un Nine Inch Nails avait été canalisée par le sens mélodique de Matt Johnson, puis concentrée (!) sur le groove languissant, énigmatique, insidieusement funky de Love & Rockets...
Pour un premier opus, ce trio louisianais (New Orleans), vient de réaliser un coup de maître. Douze compositions échevelées, hypnotiques, fiévreuses déferlent sur ce morceau de plastique. Douze fragments de psychobilly digne des Cramps, Fleshtones et autre Gun Club qui dévorent l'espace sonore en un peu moins de trente-deux minutes. Douze titres imprimés sur un tempo tribal, fouettés de cordes de guitares cinglantes, bourdonnantes, crépitantes qui renouent avec le fun et l'excitation du garage mid sixties des Sonics. Une fameuse bouffée d'air frais!...
Encore un trio de hardcore juvénile! Dans la lignée d'Hüsker Dü, de Dinosaur Jr et de Buffalo Tom. Moving Targets (Ipswich, Massachusetts) nous propose à travers les quatre titres de ce mini CD une musique chargée d'électricité tourmentée, angoissée, immédiate qui défile à plus de cent à l'heure. Quatre compositions, dont une cover de Led Zeppelin ("No quarter"), exsudant une noisy pop mélodique, sauvage, pétillante, écorchée par la voix de Kenny Chambers... dont le timbre épouse curieusement celui de Bob Mould...
Dédié à la mémoire de feu Steve Marriott, célèbre guitariste qui avait fréquenté successivement les Small Faces puis Humble Pie, "The People Tree" constitue le deuxième opus de ce quartet insulaire. Bien que relevant du label ‘Acid Jazz’, écurie responsable du virus ‘in crowd’ qui contamine les pistes de danse depuis le début des nineties, Mother Earth se distingue de ses condisciples par un goût très prononcé pour le rhythm’n’blues des seventies. Celui de Sly & The Family Stone, Brian Auger et du Steve Miller Band en particulier. Malheureusement, malgré le talent incontestable des différents instrumentistes, et la bénédiction de Paul Weller (qui participe aux backing vocaux pour un titre), ce mélange souffre d'anachronisme aigu…
Sepultura, Napalm Death et Morbid Angel souffrent d'une même affection incurable, le ‘death metal’. La violence est gratuite, la subtilité absente, la nausée inéluctable. Deux extraits de l'elpee "Covenant", paru l'an dernier et deux remixes de Laibach suffisent d'ailleurs pour vous infliger la plus cruelle des mortifications. Affligeant!
Moonshake vient de perdre la moitié de son potentiel créatif, puisque Margaret Fiedler est partie fonder Laika. Elle a même persuadé le bassiste John Frenett de la rejoindre pour tenter cette nouvelle aventure. Reste donc Dave Callahan qui s'est adjoint l'ex-Gallon Drunk, Ray Dickaty pour les cuivres. Et puis ses manipulations de bandes, ses collages, ses samplings, pour compléter le line up. Encore que sur plusieurs fragments de cet opus, il a reçu le concours de musiciens de studio et puis de Katharine Gifford de Stereolab ainsi que de PJ Harvey pour assurer les backing vocals. Il faut cependant croire que le Moonshake nouveau ne possédait pas suffisamment de matière première, puisque le disque inclut quelques titres issus de la plume de Margaret. Et les mauvaises langues diront, sans doute, que ce sont les meilleurs. Comme ce "Just a working girl", qui sauve un peu l'ensemble d'une certaine confusion née de la complexité des arrangements et des expérimentations arythmiques, jazzifiantes...
The MK Ultra n'est pas une nouvelle marque de poudre à lessiver, ni un mouvement politique ultra nationaliste, mais un concept (NDR: nous n'avons pas dit groupe!) de ‘dance music’ responsable de variations synthétiques proches de Shamen, variations voluptueusement enrobées de chœurs mystiques aux vertus Propaganda. Un ensemble visionnaire et schizophrène adepte de l'acid techno. Inefficace sans son support visuel hyper sophistiqué, vous vous en doutez. Maintenant, une question nous vient naturellement à l'esprit. Pourquoi ce "This is this" figure sur "Merciful Release", c'est à dire le label de Sisters Of Mercy, alors que son contenu navigue à des années lumière de la cold wave gothique?
Adepte du country folk classique, ce Texan nous donne, pour la troisième fois, un aperçu de ses talents de compositeur. Un album qui a reçu le concours de musiciens du terroir particulièrement huppés; et en particulier Flaco Jimenez, le Texas Tornadoe ainsi que l'ancien bassiste de Stevie Ray Vaughan. Mais Rich Minus se montre surtout efficace lorsqu'il aborde le blues; la composition "My Time" en est d'ailleurs la plus parfaite illustration...
Il faut se rendre à l'évidence, la house mancunienne c'est déjà de l'histoire ancienne. Et ce premier album de Medalark Eleven ne nous fera pas changer d'avis. Un trio drivé par l'ex-Bodines Mick Ryan, qui a pourtant bénéficié du concours de Martin Moscop à la production pour la quasi-totalité de l'enregistrement. Chris Nagel se réservant le seul "I call your name". "Shapec up, shipped out" colporte une house sub Primal Scream au groove poncif et aux chœurs mielleux. Banal!
Quartet australien, The Meanies pratique un punk pop excitant, dévastateur, souligné d'harmonies vocales limpides. Un peu à la manière de ses compatriotes Celibate Rifles, nous serions tentés d'ajouter. Mais en plus véloce. Ce combo kangourou possède en tous cas une pêche d'enfer. Et le démontre tout au long de ce "Gangrenous". Sur les quatorze morceaux impliqués sur cet opus aucun ne dépasse les 2'30. Un gage de spontanéité et de passion. Et même si le groupe répond au nom des Meanies, pour pogo-danser, il fait le maximum.
Encore une formation yankee de funk metal destinée à râper les conduits auditifs. Mais chez Liquid Hips, c'est le chanteur/trompettiste John Mulkenin qui mène la danse. Il est d'ailleurs dommage que cet ex-Defunkt ne se consacre pas davantage à son instrument de prédilection, car sans cette petite touche d'originalité, le sextet se borne à suivre la piste sonore tracée par Living Colour, Bad Brains et autre Clawfinger. Trop static !
Bien qu'ayant vendu plus de quinze millions d'albums et décroché une dizaine de tubes au cours des douze dernières années, on ne peut pas dire qu'Huey Lewis ait toujours fait preuve d'une grande créativité. Avouons même qu'il s'est essentiellement borné à convertir son amalgame de jazz, de reggae, de ska et de rhythm’n’blues en une solution pop exclusivement destinée à la bande FM. A notre plus grande stupéfaction, le groupe vient de casser le moule. Simplement en déracinant dix-sept classiques du rock'n'roll ("Shake, Rattle & Roll", "Blue Monday", "Some Kind Of Wonderful"...) pour les repiquer sur ce "Four Chords & Several Years Ago". Produit par Stewart Levine (Simply Red), l'enregistrement de cet opus a même bénéficié de conditions techniques et des instruments d'époque. Résultat des courses, Huey Lewis & The News vient de réaliser l'album le plus intéressant de sa carrière
Auteur d'une quinzaine d'albums à ce jour, le Legendary Pink Dots s'enfonce de plus en plus profondément dans la musique atmosphérique. Une odyssée qui se rapproche, sur ce "9 Lives To Wonder", du monde de la kosmiche music investie au tout début des seventies par Faust, Can ou Klaus Schulze, voire des climats sulfureux, énigmatiques développés par King Crimson sur l'elpee "Lizard" à la même époque. Une seule constante, la voix d'Edward Ka Spel, qui à la manière de Syd Barrett sert de guide au fil mélodique....
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