Avant de devenir le chanteur-guitariste de Sebadoh, Lou Barlow a transité par Dinosaur Jr pour y tenir la basse. Un séjour qui ne lui laissera pas un souvenir impérissable, pour ne rien vous cacher. Lou multiplie également, depuis plusieurs années, des expériences individuelles. Des travaux qu'il mène dans sa salle de séjour, à l'aide d'un quatre pistes, et qu'il convertit exclusivement en seven inches sur différents labels, aussi bien canadiens, français que yankees. Cet opus collige dix-huit chansons issues de ce répertoire et cinq inédits. Soit un total de "23 songs". Sous un profil acoustique, les compositions manifestent une sensibilité sombre, douloureuse, proche d'un Mark Lanegan voire de Mark Eitzel. Mais sous un format électrique elles s'égarent, faute d'affinement, dans l'approximation filandreuse...
Mini CD cinq titres pour cet ensemble new-yorkais qui tire toute la richesse de son expression dans le chaos urbain, un peu à la manière de Sonic Youth. Encore que son leader, David Sardy, décrit sa musique comme un hybride entre celle de Lightnin' Hopkins et d'Einstürzende Neubauten. David possède un sens aigu du sarcasme et de la caricature, une faculté qu'il injecte dans ses lyrics hostiles à l'‘american way of life’, sur une musique torturée, aride et oppressive.
Bien qu'exilé à New York, ce trio néo-zélandais relève de Flying Nun. Un gage de qualité, lorsqu'on sait que ce label antipodal nous a permis de découvrir des groupes comme Clean, Chills, Verlaines, JPS Experience, Bats et autre Chris Knox. Pourtant, la musique de Bailter Space n'a guère d'affinités avec celle de ses compatriotes. Etrange, noisy, austère, elle trace des lignes mélodiques linéaires, vertigineuses, comme chez My Bloody Valentine. Sombre, implacable, répétitive, elle endure les tourments cold wave de Joy Division. "Vortura" baigne ainsi dans un univers mystérieux où le calme malveillant né de la palpitation technologique contraste savoureusement avec les stridulantes électriques des cordes de guitare agressives, crépitantes, languissantes. Un superbe album!
Bien qu'issu des Antipodes (Melbourne), The Badloves fait un peu tâche d'huile sur la scène rock australienne et néo-zélandaise. Pensez à Nick Cave, Died Pretty, Celibate Rifles, Chills, JPS Experience ou même Midnight Oil. En cherchant bien, on trouve cependant, chez ce quintet kangourou des traces de blues, de gospel, de soul, de country et même de rock. Mais en général "Get On Board" secrète un pop FM moelleux, abâtardi, sorte de salade préparée à base de Faith No More anémique, de Stevie Wonder édulcoré et de Black Crowes lymphatique. Bon appétit !
Fondé au tout début des eighties, cet ensemble californien est un peu considéré avec Hüsker Dü, comme un des piliers du hardcore juvénile yankee. Et pourtant, bien que responsable d'excellents morceaux de plastique, qui dénonçaient, entre autres, les inégalités sociales causées par le reaganisme et ses appendices, Bad Religion n'est jamais parvenu à s'extraire d'une certaine marginalité. "Suffer" en 88, "No control" en 89, "Against the grain" en 90 et "Generator" en 92 en sont probablement les plus beaux exemples. Et ce n'est pas "Strange than fiction" qui risque d'inverser la tendance. Pourtant, les compositions sont intenses, urgentes, moins filandreuses, moins épileptiques, moins crépitantes, plus punk que chez le défunt et mythique trio de Minneapolis, mais toutes aussi rafraîchissantes. Pas pour rien que ce quintet avance que le punk hardcore n'est qu'une nouvelle forme de musique folk...
Lorsque Tom Bailey et Alannah Currie sévissaient au sein de Thompson Twins, il n'y avait guère de monde pour s'intéresser à leurs expérimentations electro-tribales. Il aurait cependant suffi de gratter le vernis pop de leurs compositions pour en découvrir toute la richesse, tout le charme. En fait, l'attention du grand public a toujours été polarisée par la capacité du trio à aligner les tubes. Pensez à "Hold Me Now" et "Doctor Doctor", par exemple. Une sollicitude mal placée qui se révèlera au bout du compte fatale à l'existence du groupe. Rejoints par trois nouveaux musiciens, Tom et Alannah se sont alors penchés sur la musique orientale, hindoue en particulier. Ils ont même séjourné quelques temps en Inde, question de bien s'imprégner de l'esprit de cette culture. Inévitablement, "The Stone", premier album de Babble baigne dans un climat brahmanique, mais cet univers exotique est filtré successivement dans la pop puis la house atmosphérique (The Orb?), avant d'être hydraté par la conjugaison savoureuse des voix d'Alannah et de Tom...
Après une bonne dizaine d'auditions, nous nous demandions bien ce que nous allions raconter au sujet de ce disque ; d'autant plus que l'absence de bio ne nous facilitait pas la tâche. Pour bénéficier d'une telle bienveillance, vous vous doutez certainement que ce CD est d'excellente facture. Et vous avez amplement raison. Mais c'est au fil des écoutes que nous avons pu commencer à nous faire une idée précise du contenu. Il est riche. Très riche même. Avec pour ligne de conduite, une pop électrique dont l'intensité varie entre les Pixies, Cell, Neil Young et les New Christs ; et pour sens mélodique une sensibilité proche de ce que les Cars développait à leurs débuts. Le vocal, rappelant même, à certains moments, celui de Ric Ocasek. On a même droit, en final, à un titre moulé dans le mod pop mid sixties à la sauce Who ; réminiscent de "Won't get fooled again", pour être très précis.
Herman Brood flanqué de sa romance sauvage a décroché, voici une bonne quinzaine d'années, quelques hits avec des singles comme "Saturday Night", "Still Believe" et "Never Be Clever". Un flambée plutôt impressionnante qui va toucher tant les Pays-Bas que les charts internationaux, avant de s'éteindre presque aussi vite qu'elle ne s'était embrasée. "Fresh Poison" consacre la reformation de cet ensemble néerlandais. Malheureusement, si l'enthousiasme est demeuré intact, son pop rock n'est plus guère passionnant ; les dix-sept chansons de ce "Fresh Poison" ne parvenant plus qu'à nous faire regretter le passé de HB&HWR...
Flanquée des New Bohemians, Edie Brickell avait enregistré deux elpees en 1986 et 1990 ; et puis surtout décroché un hit avec "What I am" en 1989. Mariée depuis peu à Paul Simon, elle s'est tournée vers une carrière solo. En épousant un personnage aussi illustre, elle dispose aujourd'hui d'une marge de manœuvre beaucoup plus large (ça rime !) Elle a ainsi pu bénéficier du concours de toute une série de grosses pointures. Notamment Dr John, Art et Cyril Neville, Barry White et David Bromberg. Et puis de la coproduction de Roy Halee, ami inséparable de Paul, avec lequel il partage le travail en studio. Tout au long de "Picture perfect morning", Edie affiche une vulnérabilité sauvage, capricieuse, une vulnérabilité qu'elle injecte à l'aide de sa voix désarmante, cristalline, languissante dans ses chansons ; des chansons qui ne parviennent malheureusement que trop rarement à s'extraire d'un climat trop confidentiel...
Cet ensemble belge aurait pu finalement relever du label arty ‘Lively Art’. Si New Rose avait encore été de ce monde. Parce que la musique de Breath of Life présente de nombreuses similitudes avec la ‘touching pop’ incarnée, à la mi-eighties, par des ensembles hexagonaux comme Mary Goes Round, Asylum Party et Little Nemo. Coïncidence, mais c'est Gilles Martin qui produit "Taste of Sorrow". Un ingénieur du son belge que l'on a souvent retrouvé impliqué dans les sessions d'enregistrement du défunt Little Nemo. Mais, si le goût du chagrin baigne dans une solution romantique, atmosphérique, ‘cocteautwinesque’, il bénéficie surtout de la présence d'une chanteuse d'exception. Isabelle De Keyser. Une vocaliste dont le timbre vocal est capable de s'épancher, soit en inflexions angéliques, immaculées, à la Chloë St Lyphard, soit en inflexions sauvageonnes, punkysantes, plus proches de Siouxsie Sioux. Brillant! Même si ce style n'est plus vraiment dans l'air du temps...
Du line-up initial, il ne reste plus de Boston que le seul et unique Tom Scholz, guitariste-claviériste devenu multi-instrumentiste par la force des choses. Ou plus exactement depuis que ses anciens condisciples sont allés exercer leur talent au sein de RTZ. Si le groupe avait multiplié les disques de platine lors de la sortie des trois premiers albums, il est à craindre que ce "Walk On" ne parvienne plus à reproduire la même performance. Les explications sont multiples. Mais à notre humble avis, le hard sophistiqué de Boston a très mal vieilli, et ne devrait plus plaire, aujourd'hui, qu'aux nostalgiques de Kansas et de Kayak...
Si aujourd'hui, Danny Elfman est surtout célèbre pour avoir signé les bandes sonores cinématographiques de Batman, Dick Tracy et Beverly Hills, au début des eighties, il ne faut pas oublier qu’il a drivé un groupe fort intéressant, sulfureux, avant-gardiste, aux arrangements cuivrés, qui répondait au nom d'Oingo Boingo. Bien qu'amputé de son Oingo, Boingo refait encore épisodiquement surface. Comme sur cet album éponyme partagé entre les inévitables ‘soundtracks’ pour films imaginaires, les improvisations, les démos et les fragments plus basiques, trempés dans la pop ou le rock, comme ce remarquable et hymnique "Hey !", éclaboussé par le grunge, mais pas trop. Contaminé par la musique progressive, mais sans être intoxiqué par la fièvre. Le dosage parfait, quoi !
Douglas T Stewart aime passionnément les femmes. Et ce désir irrésistible, il le raconte dans ses chansons, des chansons d'amour subtiles, frivoles, drôles même, qu'il chante d'une voix tendre mais grevée d'un accent yankee particulièrement marqué. Treize titres composent ce disque, treize fragments de pop contagieuse réminiscente de la vague ‘postcard’ qui a sévi en Grande Bretagne au début des eighties. Pensez à Orange Juice, Aztec Camera ou aux Pastels, et vous aurez une bonne idée du sens mélodique manifesté par ces Ecossais (Glasgow). Et pour être encore plus précis, inoculez-lui un souffle d'électricité rafraîchissante emprunté à Swell Maps ou à Weather Prophetts et vous comprendrez pourquoi, malgré son manque d'agressivité, ce "Life Goes On" a gagné notre faveur...
En 1993, la scène britannique accouchait de deux révélations néo-glam. Suede tout d'abord. Mais que le premier album n'a pu entièrement démontrer, malgré un énorme battage médiatique. The Auteurs, ensuite. Sans tambour, ni trompettes. Mais avec une musique fraîche, basique, raffinée, décadente, soulignée d'accents classiques que matérialisera l'elpee "New Wave". Un groupe qui respecte par ailleurs son public en ne se dérobant pas aux tournées extra-insulaires (!)... "Now I'm A Cowboy" a conservé toutes les qualités du précédent opus, mais elles sont dispensées d'une manière plus rock. A cause du recours plus fréquent à la guitare électrique. A l'image de la nouvelle version de "Lenny Valentino" qui ouvre le disque. Ce qui ne veut pas dire que les cordes acoustiques y soient absentes. Mais sous-jacentes, venimeuses, malveillantes, elles laissent l'initiative à l'électricité acerbe (Only Ones?). Une œuvre puissante, dont les mélodies finement ciselées par le violoncelle hypnotique, obsessionnel, épisodiquement traversées d'un xylophone obstiné voire d'un saxophone torturé, favorisent l'épanchement vocal sensuel, chuchoté, vitriolé de Luke Haines. Remarquable!
"Pandora's Toys" n'est en fait qu'une synthèse des trois volumes de "Pandora's Box", recueils consacrés à la période la plus créative du groupe bostonien, soit entre 1972 et 1978. Le digest nous propose douze compositions, parmi lesquelles figure le célèbre "Walk This Way", chanson reprise en 1986 avec Run DMC, qui a permis à la fois de relancer le groupe yankee et de donner l'impulsion nécessaire et indispensable à l'éclosion de formations telles que Rage Against The Machine, Red Hot, Cypress Hill et consorts...
Album étonnant pour ce trio californien (Los Angeles) qui semble autant inspiré par le garage (Crazy Horse, Wipers, American Music Club), la musique progressive (King Crimson, Soft Machine) que la pop électrique insulaire (House Of Love). Etonnant parce que toutes ces références sont tellement bien digérées qu'on a l'impression de rencontrer un groupe expérimenté. Ce qui est loin d'être le cas puisque Acetone, à notre connaissance, est encore un groupe néophyte. Mais très talentueux, il faut le souligner. Les dix fragments qui composent le CD baignent dans une atmosphère intense, envoûtante, soumise à des variations de tempo vertigineuses ; une atmosphère dont la texture mélodique tantôt sulfureuse, tantôt alanguie vous contamine progressivement, insidieusement et finit inexorablement par investir votre matière grise. A découvrir à tout prix!
Bien que répondant au nom d'AC Acoustics, ce groupe écossais (Glasgow) ne possède aucune affinité avec le folk ou la country. Est-ce par ruse ou par astuce? Nous n'en savons trop rien. Toujours est-il que chez ce quartet insulaire, il y a de l'électricité dans l'air. Pas sous forme d'orage ou de dissension, mais de cordes de guitares. Une électricité prodigieuse qui gravite avec sensualité, instantanéité et excitation autour des mélodies de pop pure. Pour vous donner une petite idée, pensez à une hypothétique combinaison entre l'exubérance de Teenage FanClub et le psychédélisme éthéré de Spacemen 3. Le tout imprimé sur des rythmes convulsifs et irascibles réminiscents de Pavement et dilué dans l'univers capricieux de Mercury Rev. Tout un programme! Album à la texture ébréchée, distordue, "Able Treasury" se découpe instinctivement entre périodes étranges, languissantes, spectrales, et poussées d'adrénaline féroces, tempétueuses, sauvages. Un disque fascinant, qui rappelle parfois même Suicide pour l'intensité paranoïaque qu'il cultive, et Sonic Youth pour la maîtrise du feedback mélodique. Excellent!
L'esprit du punk circa 77 hante probablement la conscience de ce groupe californien (San Diego), et particulièrement celui qui a donné naissance à des groupes comme les Replacements, Doctors of Madness et puis surtout Wire. Mais cette énergie, A Miniature la resculpte sur un mode hardcore juvénile. Pensez à Hüker Dü, Buffalo Tom et Dinosaur Jr ; la voix de John Lee, proche de celle John Mascis, accentuant même le côté abrasif, purulent des mélodies. Des mélodies filandreuses, tramées essentiellement sur les accords de guitares. Querelleurs, jacassants, hypnotiques, grésillants, versatiles, ils en forment d'ailleurs toute la trame qui palpite à la "Depth five, rate six"...
Hormis "Ranblind", introduction synthé pop sans grand intérêt, ce mini-CD nous a franchement décontenancés. Quatre fragments complexes, fastueux, énigmatiques fécondés dans l'underground le plus pur. Mais quelle n'a pas été notre surprise d'identifier l'origine belge de cette production. Puis de démasquer pour auteur de ces expérimentations en solitaire le bassiste de dEUS, Stephen Kamil Carlens. Quoiqu’après mûre réflexion, ce "Jintro Travels The Word In A Skirt" est finalement profilé sur un même "Worst Case Scenario"...
Mini album sept titres pour ce trio issu du nord de l'Irlande (County Down) contaminé à la fois par le punk pop de la fin des seventies (Buzzcocks, Undertones) et le popcore yankee (Husker Dü, Dinosaur Jr, Pixies, Dig). Vous avez sans doute déjà eu l'occasion d'apprécier le clip vidéo consacré au single "Petrol". Et bien ce disque est de la même veine. Produit par Marc Waterman (Elastica et pas stylographe), "Trailer" dispense des mélodies électriques pétillantes, vivaces, électricité savamment dynamisée par des cordes de guitare subversives, menaçantes, furieuses, et propagée sur un tempo irrésistible modelé par la section rythmique sans faille. Des mélodies instantanées enrichies par le vocal tantôt vulnérable (Tim Burgess ?) tantôt irascible (Alice Cooper ?) de Tom (probablement Wheeler !) qui épanche ses lyrics ‘curistes’, angoissés. Excellent !
Animals That Swim secrète une pop intimiste, typiquement insulaire et insidieusement caustique. Une pop qui aurait pu finalement naître à l'aube des eighties, en pleine période postcard, tant les affinités avec Orange Juice et James sont troublantes. Satinées de drums subtils, fracturés, personnalisées par des accords de piano vibrants, en contrepoint, et traversées sporadiquement d'interventions jazzifiantes, voilées d'une trompette sulfureuse, les mélodies flânent au gré des cordes de guitare semi-acoustiques, plaquées avec rage contenue ou délicatement découpées, en allant à la rencontre du timbre vocal chaud, tendre de Hank Barker qui nous cause banalement de faits divers, d'accidents de voitures, de Roy Orbinson, et même des plaisirs de l'alcool. Notamment sur "King beer", composition qui avait bénéficié, avant la sortie de cet opus, d'une gravure en single. Après avoir écouté un tel album, on est vraiment peu enclin à travailler...
Après cinq années de silence, l'ancienne coqueluche de l'avant-garde new-yorkaise a décidé de refaire surface. En enregistrant un nouvel opus. Sous la houlette de Brian Eno. Pas seulement à la production. Mais également aux claviers, aux collages et aux manipulations de bandes. Une session qui a également bénéficié du concours de quelques invités notoires, parmi lesquels nous avons remarqué la présence du guitariste Adrian Belew (Gabriel, Bowie) et surtout de Lou Reed pour la seule et unique composition "In our sleep". Il la cosigne, partage le chant et y joue de la guitare. Un album très climatique, habilement sculpté dans la muzak ou le minimalisme qui incite à la méditation. En général les lyrics de Laurie explorent les aspects les plus sombres de l'expérience humaine ou se murent dans la solitude glacée. Un périple ou une attitude qu'elle mâche impersonnellement, humoristiquement, d'une voix confidentielle, versatile et magnétique. Pop art !
Pour ceux qui l'ignorent encore (ça rime), Anderson, Bruford, Wakeman et Howe sont les ex-musiciens de Yes depuis que Chris Squire a gagné ce fameux procès destiné à s'octroyer l'attribution du patronyme. "An Evening Of Yes Music Plus" propose, en un box de deux CD, la plupart des classiques du groupe enregistrés ‘live’ par le quatuor en 1989. Le premier disque épingle ainsi "Time And A Word", "Owner Of A Lonely Heart", "Long Distance Runaround" et "And You And I", mais dans des adaptations acoustiques. Alors que le second inclut "Close To The Edge", "Heart Of The Sunrise" et "Roundabout" dans des versions étirées pour ne pas dire tirées en longueur...
Bien que d'origine insulaire (Inkberrow, Worcestershire), And Also The Trees récolte essentiellement son succès outre-Quiévrain. Une situation qui peut facilement s'expliquer par le goût prononcé manifesté par le public hexagonal pour les groupes romantiques. Au cours de la seconde moitié des eighties, "Lively Art", sous label de New Rose, va même donner naissance à la ‘touching pop’, mouvement de post cold wave directement inspiré par le Cure, Sad Lovers & Giants ou And Also The Trees, et illustré par des groupes comme Little Nemo, Mary Goes Round, Asylum Party ou Lobo... Sixième opus studio d'AATT, "The Klaxon" (pour l'élégance du titre faudra repasser) nous plonge dans un univers sonore austère, glacial, univers peuplé de cordes de guitare vertigineuses, mélancoliques, d'arrangements presque classiques, que souligne la voix emphatique, grandiloquente de Simon Huw Jones, un univers dont la profondeur nous rappelle quelque part la bande sonore du célèbre long métrage, "Docteur Jivago", en plus électrique!
Bien que peu connu du commun des mortels, Eric Ambel possède une carte de visite plus que respectable. Non content de chanter, de jouer de la guitare et de composer, il produit et conçoit les arrangements. Pas uniquement de ses propres albums. Mais également d'artistes réputés. Comme par exemple en 1992, lorsqu'il a ciselé "Crooked Line", album solo du guitariste de Crazy Horse, Nils Lofgren. Ce Californien (Los Angeles) a, en outre, sévi au sein des Del Lords au tout début des eighties, formation au sein de laquelle il a côtoyé l'ex-Dictator Scott Kempner. Compliqué tout cela. Mais nécessaire pour bien comprendre le style dispensé tout au long de ce "Loud & Lonesome". Hormis l'une ou l'autre ballade country folk typiquement yankee, cet opus libère une électricité blanche, intense, sculptée dans les cordes de guitare intrépides, sulfureuses, ébréchées, cinglantes. Une musique excitante, savoureuse, réminiscente d'"Everybody knows this is nowhere" de Neil Young, voire du Paisley Underground (encore!) le plus rigoureux d'un Steve Wynn (Gutterball) ou du Green On Red basique. Un album épatant qui a bénéficié du concours de requins de studio comme le bassiste Andy York (Jason & The Scorchers, John Mellecamp, Nils Lofgren) et le drummer Keith Levreault (Blood Orange, KevinSalem).
Ardent disciple du PETA, association mondiale qui dénonce les mauvais traitements infligés aux animaux, Almighty nous vient de Londres et pas de Nazareth. Une doctrine que l'on ne retrouve pourtant pas dans ses lyrics. Quant à l'expression sonore, sa nature folk punk aux vertus New Model Army est successivement convertie au speed metal de Poison Idea et au metal de Metallica. La foi soulève parfois des montagnes, mais dans ce cas ci, le Tout Puissant est devenu trop puissant!
Ce double CD couple sept titres enregistrés en 1993 ("Jar Of Flies") et quatre autres gravés en 1991 ("Sap"). Seul dénominateur commun, le heavy metal atmosphérique qui gangrène la plupart des mélodies. En fait hormis le jazzyfiant "Swing On This", et le sinusoïdal "I Stay Away", parcouru d'un violoncelle délicat, on n'y retrouve aucun titre menaçant, puissant, digne de "Dirt", précédent opus qui s'était vendu en 1992 à plus de trois millions d'exemplaires. Encore un ensemble yankee qui semble mal digérer la période post grunge que seuls, jusqu'à présent, Pearl Jam et Smashing Pumpkins sont parvenus à négocier avec succès...
Un groupe californien (San Francisco) qui bénéficie d'un coup de pouce de Quincy Jones, et de la collaboration de Benmont Tench, claviériste chez les Heartbreakers de Tom Petty, pour enregistrer son premier album présente incontestablement une belle carte de visite. Oui, mais le résultat n'est pas à la hauteur des apparences, le quartet se contentant, tout au long de son premier opus, de secréter une soft pop stérile, sub Prince, à peine plus consistante que celle dispensée par Maria Carey. Quoiqu’au change !...
Attention, ceci n'est pas un nouvel album du quartette de Cincinnati, mais une compilation partagée entre titres studio et morceaux ‘live’. Hormis deux versions du titre maître, composition qui figurait sur "Gentlemen", et "Now you know", version enregistrée en public de ce dernier opus, "What jail is like" s'attaque à quatre covers de rhythm’n’blues. La plus célèbre, "My world is empty without you" des Supremes n'ayant cependant voix au chapitre que pour la moitié de la cover. Ce qui n'empêche pas le CD d'être d'excellente facture. En tous cas, il permettra aux nombreux (et surtout nombreuses) fans (qui a dit groupies?) de patienter jusqu'au prochain elpee. Il règne, d'ailleurs, tout au long de cette œuvre, une tension blanche, latente, sensuelle ; une tension alimentée par un tourbillon d'émotions capricieuses. Emotions suscitées par la voix déchirée, fiévreuse (et le mot est faible!), passionnelle de Greg Dulli, organe vocal qui provoquerait (au féminin!) les fantasmes les plus pervers... Mais là, c'est une autre histoire!
En 1992, Balanescu Quartet rendait sur "Possessed" un bel hommage à Kraftwerk, en adaptant à la sauce classique des covers du mythique duo teuton. En publiant "Luminitza", la formation semble avoir définitivement tourné la page et opter plus classiquement pour la musique de chambre. Avant-gardiste, il est vrai. Expérimentale même, à la manière de Tuxedo Moon circa "Divine" ou de Barry Adamson, il faut le souligner. Mais à notre humble avis, essentiellement destinée à sonoriser la bande sonore cinématographique. Pas de pot!
Personnage emblématique du rock progressif des seventies, producteur qui a bâti sa réputation au cours des eighties, Rundgren a toujours été en avance sur son époque. Sans doute un peu trop. Car hormis son expérience Utopia, ses albums n'ont jamais rencontré qu'un succès confidentiel. Aujourd'hui, il s'est transformé en porte-parole du nouveau procédé de lecture du compact disc interactif. Une nouvelle technologie qui vous accorde la liberté de moduler à l'infini (ou presque!) une même composition, suivant vos goûts ou votre humeur. C'est en tout cas ce qu'il nous a expliqué lors de la démonstration accordée à Gand et démontré à travers son album "No World Order", totalement conçu pour le nouveau procédé CDI. A l'issue de cette conférence, il nous a accordé cette interview...
Tu as un jour déclaré que dans le futur, il y aurait de plus en plus d'horizons musicaux à explorer, de plus en plus de nouvelles idées à développer. Or la plupart des artistes issus de ta génération affirment purement et simplement le contraire. Que le rock et la pop d'aujourd'hui sont atteints de revivalisme aigu. Qu'en penses-tu?
D'une certaine manière, je partage ce point de vue. Cela ne m'empêche pas de penser que nous sommes très loin d'avoir épuisé le potentiel de la connaissance humaine, et de croire fermement que la musique populaire contemporaine dispose encore et toujours d'un énorme potentiel créatif. J'admets que ceux qui se contentent de sampler leur prochain ou de piquer systématiquement des sonorités à gauche et à droite font le lit du revivalisme. Les musiciens se sont souvent rendus coupables de répétition. En voulant remettre les idées du passé au goût du jour. Le style d'écriture est devenu trop formel. Il faut l'admettre. Ce problème existe également dans les autres formes d'art. L'originalité vit hors de la norme. Il faut se donner la peine de gratter un peu la couche de vernis pour la découvrir. Depuis mes débuts, j'ai toujours essayé de trouver les moyens pour la mettre en évidence. Etancher la soif des nouvelles idées par la technologie.
Oui, mais la technologie, n'est-elle pas le fossoyeur du rock'n roll?
La commercialisation est le plus grand fossoyeur du rock'n roll. La technologie est une abstraction. L'électrification de la guitare est une innovation par rapport à son utilisation acoustique. L'important, c'est d'y maintenir le degré d'émotion. Mon computer est mon ami. Pour d'autres personnes, il est un ennemi. Il m'aide à créer. D'une certaine manière, c'est une forme de relation privilégiée. J'ai toujours essayé d'estomper la distinction entre l'aspect technologique et la forme émotionnelle de la musique. Mais la plupart des artistes ne comprennent pas le milieu au sein duquel ils travaillent. Ils s'y sentent mal à l'aise. Pourtant, il est beaucoup plus facile d'obtenir un résultat tangible, si tu tires parti au maximum du potentiel d'un studio.
Penses-tu qu'en disposant d'un CDI, monsieur 'Tout le monde' peut devenir producteur?
Je ne vends pas de la créativité. Je propose une expérience au sein de laquelle l'auditeur est impliqué. Il est dangereux de faire croire au détenteur d'un tel lecteur qu'il concocte sa propre création. Créer est beaucoup plus complexe. Je ne crois pas, d'ailleurs, que chaque utilisateur souhaite devenir un producteur. J'imagine mal que le premier venu soit capable de composer une chanson, de la jouer, de la chanter, de la sculpter. Il faut d'abord connaître son métier, et puis tenir compte de l'attitude individuelle du créateur ; une attitude qui n'est pas nécessairement la même chez tous les compositeurs, et encore moins chez l'auditeur.
Pour bénéficier des vertus du CDI, il est indispensable de se procurer un lecteur approprié. N'est-ce pas un peu pousser à la consommation?
Euh!... Il faut placer cette invention dans un contexte à plus long terme. Si j'avais été uniquement l'objet d'un projet lucratif, je n'aurais certainement pas accepté la proposition de Philipps. Mais il faut rester réaliste. D'un côté, je mène des expérimentations technologiques. De l'autre, il y a un énorme marché qui se pointe à l'horizon. Pas seulement dans le domaine de la musique, mais aussi et surtout de la vidéo. Avec ses spécificités techniques et éthiques. Quel sera le meilleur matériel? Qui emportera le marché? Personne ne peut encore le dire. Mais ce sont des choses qui ne me concernent pas. Mon rôle se limite à la création et à la recherche.
Dans cette nébuleuse interactive, que devient Todd Rundgren? Un musicien, un compositeur, un concepteur ou un producteur?
J'ai toujours voulu varier les disciplines. Malgré mon intérêt pour la technologie de pointe, je joue toujours de la guitare acoustique. Lorsque j'en ai le loisir. Et je ne pense pas que ce soit un problème pour moi de multiplier les fonctions. Pour deux raisons. La première procède de ma volonté à ne pas être pris au piège du business. La seconde? J'ai oublié... (rires)... Je déteste toujours faire la même chose. Si je ne pouvais explorer qu'une seule corde de mon arc, je me sentirais frustré...
Comme producteur, tu as travaillé avec des artistes comme les New York Dolls, Patti Smith et Psychedelic Furs. Est-ce que ce style musical te touche encore?
Pourquoi pas? Mais ces groupes appartiennent au passé. Mes goûts sont en constante évolution. Je m'intéresse à de multiples formes de musique contemporaine. J'aime Beck. Son attitude. Et puis également des ensembles obscurs dont personne n'a probablement jamais entendu parler ici. Des formations qui apportent quelque chose à la musique. Mais en vérité, je ne m'intéresse pas tellement aux musiciens, mais plutôt aux sonorités qu'ils parviennent à développer. Il existe, par exemple, un groupe qui répond au nom de Life. Je déteste son dernier album, à l'exception d'un seul fragment que j'estime remarquable. Mes goûts sont très variés et paradoxaux. Le rap me branche également. Je pense à Public Enemy. Aux messages sociaux qu'il colporte. A son débit rythmique sonique. A sa liberté de langage. J'ai beaucoup synthétisé cette forme musicale...
Tu as également produit les deux albums du groupe Pursuit of Happiness. Un très chouette groupe canadien que je crains être disparu depuis quelque temps.
Il a enregistré un troisième opus. Mais celui-ci a été produit par un grand producteur de heavy metal. L'entreprise a cependant complètement foiré. Dommage! Mais le groupe existe toujours. Il est constitué de musiciens formidables capables d'écrire de remarquables chansons et de graver de superbes disques. Il possède ce petit quelque chose qui vous fait craquer. Difficile à expliquer, d'ailleurs. J'aimerais travailler à nouveau pour eux. Qui sait? Peut-être dans le futur!...
En 1991, tu as mis fin à une longue collaboration avec Warner Music. Que s'est-il passé?
C'est un problème spécifique au business musical. Je n'étais probablement plus en odeur de sainteté. Ou alors trop vieux. Surtout, je ne vendais plus assez de disques à leurs yeux. Le label a toujours espéré que je ferais un come-back comparable au succès rencontré début des seventies. Mais cette idée n'a jamais été un but pour moi. Aussi, comme il existe de nouveaux et jeunes talents qui montent. Plus dociles, potentiellement plus rentables... Enfin, au bout de près de vingt ans chez la même firme de disques, cette solution me semblait un aboutissement normal. Et, c'était sans doute mieux ainsi. Je n'avais plus à justifier mes ambitions computarisées. Et j'ai les mains libres pour entreprendre ce que je fais aujourd'hui. Mon CDI en est la plus belle démonstration.
Version originale de l'interview parue dans le n° 28 (novembre 94) du magazine MOFO
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