Déjà largement repéré de l’autre côté de la frontière, le duo pop bruxellois Faon Faon débarque en France et va nous faire danser avec Mariel, son nouveau single.
Fanny et Olympia - Faon Faon - fusionnent leurs voix et leurs voyelles pour livrer une musique hybride aux sonorités pop, hip-hop et électro. Elles créent ainsi leur propre monde en livrant une musique fraîche et sensible.
Après un premier EP sorti il y a quelques mois en Belgique - produit par Anthony Sinatra (Piano Club) et peaufiné par Remy Lebbos (Nicolas Michaux, Great Mountain Fire), le duo nous présente aujourd'hui son single, Mariel.
Furieusement modernes et fragiles, leurs textes en français allient poésie tranchée et sincérité 2.0.
De la fonte des glaces aux montagnes à gravir, nous traversons avec elles des typhons du son, et nous défions la gravité. Faon Faon vient de sortir son nouveau clip Mariel tourné à Almeria en Espagne en un spectaculaire plan séquence pour lequel Fanny et Olympia ont dû apprendre l’intégralité de leur chanson à l’envers.
Voici ici le clip de Mariel de Faon Faon.
BLACK MIRRORS sort le deuxième single "Moonstone", un titre issu de son premier album tant attendu "Look Into The Black Mirror"!
Le nouveau single prouve une fois de plus que ces rockers belges sont là pour rester.
"Moonstone" apporte un côté très soul à leur spectre musical situé à mi-chemin entre alternatif et stoner.
Un mélange polyvalent de sentiments profonds et d'émotions pures. BLACK MIRRORS est la nouvelle étoile montante du paysage musical belge !
La vidéo est disponible ici .
INDOCHINE dévoile son nouveau clip réalisé par Bouha Kazmi à Cape Town.
STATION 13 est le 3ème extrait de l’album 13 déjà écoulé à près de 350.000 exemplaires.
Un maxi single 6 titres est disponible en trois éditions collectors.
Le clip peut être vu ici .
Kristin Hersh publiera un nouvel album ce 5 octobre 2018 (voir le teaser, ici). Il s’agira de son dixième, en solo. Il est annoncé comme atonal, excentrique et arythmique. Mais surtout reflètera son caractère sociopathe.
Track list
1. LAX
2. No Shade In Shadow
3. Halfway Home
4. Fox Point
5. Lethe
6. Loudmouth
7. Gin
8. Tulum
9. Breathe In
10. Lady Godiva
« Something human », c’est le titre du nouveau single de Muse, un extrait du futur album, dont sa sortie est prévue pour novembre 2018.
Coproduit par le groupe ainsi que Rich Costey et mixé par Mark 'Spike' Stent, « Something Human » est une chanson cinématique et intimiste qui répond lyriquement à la nécessité de se remettre au goût du jour et de se réapproprier nos émotions humaines. A ce sujet, Matthew Bellay a d’ailleurs déclaré : ‘La vie sur la route peut faire ressortir votre bête intérieure, cette chanson et vidéo consiste à apprivoiser cette bête, désirant un retour à quelque chose d'humain…’
La vidéo de Something Human a été réalisée par Lance Drake, qui s’était déjà chargé de celle du groupe pour « Dig Down » and « Thought Contagion ». Et elle est à découvrir ici
« The waves, the wake », le nouvel elpee de Great Lake Swimmers, paraîtra ce 17 août 2018. Enregistré dans l'église Bishop Cronyn Memorial, un édifice de 145 ans d’âge, et produit par Chris Stringer (Union Sound), l'auteur-compositeur-interprète principal Tony Dekker a décidé de se mettre au défi en écrivant de la nouvelle musique sans guitare acoustique, qui a toujours été son principal instrument. Cette nouvelle collection de chansons adopte une approche minimaliste et voit le groupe se diversifier pour inclure de nouvelles sonorités telles que la harpe, le luth, l'orgue, les bois, les congas, les carillons et les marimbas, ainsi que celles plus familières du banjo, du piano et de la gratte électrique à douze cordes.
Pour découvrir « Alone but not alone », extrait de ce futur opus, c’est ici et de « The talking wind », c’est là
Tracklisting
The Talking Wind
In A Certain Light
Alone But Not Alone
Falling Apart
Side Effects
The Real Work
Root Systems
Unmaking The Bed
Visions Of A Different World
Holding Nothing Back
Mouth Of Flames
The Open Sea
http://www.greatlakeswimmers.com/
Faon Faon est un duo belge réunissant Fanny Van Hammée (claviers) et Olympia Boule (batterie). Elles fusionnent leurs voix et leurs voyelles pour dispenser une musique agrégeant pop, hip-hop et électro.
Furieusement modernes et fragiles, leurs textes en français allient poésie tranchée et sincérité 2.0. De la fonte des glaces aux montagnes à gravir, nous traversons avec elles des typhons du son, et nous défions la gravité.
Faon Faon vient de sortir son nouveau clip. Intitulé « Mariel », il a été tourné à Almeria en Espagne. Un spectaculaire plan séquence pour lequel Fanny et Olympia ont dû apprendre l’intégralité de leur chanson à l’envers. Et manifestement les deux donzelles sont douées pour ce type d’exercice.
En concert dans toute la France et surtout au Salon de Silly, ce 19 septembre, dans le cadre des ‘Franco Sillies’. Pour découvrir le clip, c’est ici
Pour plus d’infos : https://fr-fr.facebook.com/faonfaonmusic/
Prodigy publiera son nouvel opus ce 2 novembre 2018. Intitulé « No tourists », il s’agira du 7ème album du duo. Son premier single, « Need someone 1 », est doublé d’une vidéo explosive qui a été tournée à Manille par Paco Raterta. Du futurisme vintage, un banger qui rehaussé par la voix de la diva de la house, Loleatta Holloway (la ‘voix’ originale de "Ride On Time" de Black Box). Un clip violent qui prélude un elpee qui devrait l’être tout autant.
Pour découvrir le clip, c’est ici
En concert le 9 août, dans le cadre des Lokerse Feesten.
Fucked up publiera son nouvel opus, « Dose Your Dreams », ce 5 octobre 2018. Politique et esthétique, il mêlera des éléments de doo-wop, krautrock, groove et hardcore.
L’album a été composé en studio par Mike Haliechuk (guitare) et Jonah Falco (batterie) pendant un an et demi. Il recèle également des parties chantées par Lido Pimienta, Miya Folick, Mary Margaret Ohara, J Mascis, Ryan Tong (SHIT) et Jennifer Castle. Owen Pallet s’est chargé des arrangements de cordes. La production a été confié à Shane Stoneback, Orphyx, Matt Tavares (BADBADNOTGOOD) et Graham Walsh (Holy Fuck).
‘On m’a envoyé une version non finalisée de Dose Your Dreams afin que je puisse ajouter des parties de cordes. Je ne pouvais plus m’arrêter d’écouter les morceaux reçus. Un ami m’a demandé comment était l’album. J’ai répondu : Mon Dieu, Fucked Up a fait son Screamadelica.’ - Owen Pallett
Pour découvrir le clip de « Raise your voice Joyce, issu du futur opus, c’est ici
« Hunter », c’est la nouvelle vidéo (voir ici) extraite du troisième album de Pale Grey. Elle fait suite à « Late Night », auquel avait participé le rappeur américain Serengeti, les singles « Billy » et « Seasons ». Produit par le Français Yann Arnaud (Air, Phoenix), l’opus se distingue par un phrasé presque déclamatoire qui repose sur des rythmiques synthétiques et répétitives. Et c’est à nouveau le cas sur ce clip signé David Zapata, au cours duquel le band, nous entraîne en voiture pour une balade nocturne inoubliable
Le 4ème coffret de la série retraçant la carrière de David Bowie sortira ce 12 octobre. Il fait suite aux trois premiers intitulés « Five Years (1969 – 1973) », « Who Can I Be Now? (1974 – 1976) » et « A New Career In A New Town (1977 – 1982) ». Baptisé « Loving the alien (1983-1988) », il proposera, notamment, des versions remasterisées de la période la plus commercialement fructueuse de David Bowie dont « Let’s Dance », « Tonight » et « Never Let Me Down », l’album live « Glass Spider (Live Montreal ’87) », l’album live inédit « Serious Moonlight », des versions alternatives, des flips sides de singles, etc.
Pour découvrir la vidéo du titre maître, c’est ici
Pour plus d’infos voir là
Miossec annonce la sortie d'un nouveau single, « La mer », réalisé par Juliette Casella .
Cet extrait figurera sur l'album « Les Rescapés » à paraître le 28 septembre.
La pochette de cet album a été réalisée à Londres dans l’atelier de Kate Gibb.
Découvrez ici ce titre.
« Peace Potato »… quel drôle de nom pour un petit album aux subtils contours pop… Doug Tuttle n’est en effet qu’un petit artisan d’indie vintage bercée aux 70’s qui livre son attachant 3ème opus solo. Sa pop faite de légères guitares acoustiques regorge d’harmonies de poche chères aux Beatles dans la lignée de ce que livrait Elliott Smith dans sa seconde partie de carrière (avec moins de puissance émotionelle, toutefois). Actif au sein du groupe MMOSS, ce songwriter de talent joue de tous les instruments sur cette délicate collection de 15 (courts, seulement 3 dépassant les 3 minutes !) titres, qui naviguent entre pépites pop-folk (« Bait the Sun ») et plages instrumentales (l’hispanisant « Peace Potato »). Une chose est sûre, ce « Peace Potato » est rempli de ‘Good Vibes’…
Rougge est un pianiste/chanteur/compositeur nancéen responsable d’une musique néo-classique contemporaine et introspective. Pour enregistrer ce « Cordes », il a reçu le concours d’un quintet à cordes (of course !), réunissant deux violonistes, une alto, une violoniste et un contrebassiste ; l’artiste se chargeant des arrangements. Pas de titre spécifique sur cet opus, mais onze fragments (comme dans la musique de chambre) numérotés de 12 à 53. Revisités, en plus ! Mais dans le désordre. Ce qui rapporte moins… Rougge chante d’une voix oscillant de l’alto au contre alto, dans un registre qui navigue quelque part entre Anhoni et Wim Mertens (NDR : qui a dit Dries ?). Si l’expression sonore est ambitieuse, elle nous propulse, cependant, à des années-lumière du rock’n’roll. 10’, c’est bien, mais après, je casse une corde…
Issue de Chicago, Jessica Risker milite au sein du groupe folk, Deadbeat. Mais la songwritrice défend également un projet solo, pour lequel elle vient de graver un premier opus, « I see you among the stars », un disque paru sur le Western Vinyl (J.Tillman, Dirty Projetors, …)
Découpé en huit pistes, l’elpee baigne au sein d’une forme de psyché/folk minimaliste, abordé dans l’esprit de Nick Drake, Elliot Smith, voire même parfois de Cat Power. D’une voix douce et paisible, elle nous raconte ses amours déchus, ses déboires mais aussi ses souvenirs de jeunesse, en s’accompagnant d’une sèche ou parfois d’un piano, produisant l’effet d’un puissant analgésique qui nous plonge en apesanteur. On ne redescend sur terre qu’une demi-heure plus tard, totalement réconforté. Car quoique apparemment simpliste, son expression sonore s’avère, finalement, d’une redoutable efficacité…
En dix ans, Parquet Courts s’est imposé comme une des formations-phare de l’indie-rock américain. Chaque album publié par la bande à Andrew Savage et Austin Brown recueille des critiques favorables. Et son quatrième opus, « Wide awake ! », ne déroge pas à la règle.
Pour ce nouvel essai, les New-yorkais d’adoption ont reçu le concours de Danger Mouse (Red Hot Chili Peppers, U2, Te Black Keys, A$AP Rocky), à la production. Un choix clairement indiqué, tant cet « Awake Wide ! » constitue l’elpee de Parquet Courts le plus hétéroclite, gravé à ce jour. Les influences 70’s, 80’s et 90’s sont légion et entrent en fusion.
L’album s’ouvre par deux morceaux sculptés dans le punk/rock (« Total Football », « Violence »). « Mardi Gras Beads » baigne davantage dans le rock californien. Epuré, « Almost Had to Start a Fight/In And Out of Patience” aurait pu figurer au répertoire de Beck. Le refrain est repris en chœur tout au long de « Freeebird 2 ». Le langoureux « Normalisation » concède des accents psychédéliques. Le titre maître trempe dans le funk. « Extinction » adopte un profil carrément rock’n’roll alors que « Tenderness » campe une ballade balisée par le piano.
Tout au long de ce long playing, on est tellement impressionné par la maîtrise affichée par le band, qu’on en reste scotchés. La majorité des morceaux mériteraient de se transformer en tubes. Assurément un des albums de l’année !
Issue d’Oslo, cette formation pratique une forme de stoner teintée tantôt de psychédélisme, de prog ou de blues. A l’origine quatuor, elle a été réduite en trio après le départ de Lukas Paulsen, puis élargie à un quintet à l’issue de la sortie de cet opus, suite au concours de Vegard Strand Hotlthe et Jøran Normann aux grattes, lors des sessions d’enregistrement. « Death’s-Head Hawkmoth » constitue son cinquième elpee, un disque qui fait, bien évidemment, la part belles aux guitares. Riffs, soli, envolées, groove : tout y est, y compris la section rythmique en béton, dans un style qui oscille entre Motörhead, Monster Magnet, Motorpsycho et Triggerfinger. Lors des tempos les plus lents, Black Sabbath, également. C’est solide, musclé et plein de bonnes vibrations métalliques. Les vocaux sont puissants, parfois sataniques, mais jamais beuglés. Mentions spéciales à l’entraînant « Inebriuated » et puis au titre final « The day I’m gone » (11’ quand même), un blues/rock remarquable fracturé par la prog et le psyché… que n’aurait pas désavoué… Led Zeppelin, à son époque…
Alors que certaines formations de Black Metal sont très prolifiques, d’autres prennent plus de temps à immortaliser leurs morceaux. Hyrgal appartient à cette seconde catégorie. Dix ans qu’il a fallu attendre pour que ce trio français, originaire du Var, vienne à bout de « Serpentine », son premier opus studio ! Le premier contact avec le groupe s’opère par la pochette, une photo saturée en noir et blanc de Fabrice Flandrois, illustrant ce qui pourrait être la devanture d’un chalet, où un drap blanc repose sur une chaise. La personnification de l’absence. Une sensation qui sert également de trame fond à « L’appel », lente et mélancolique introduction de cet LP d’une trentaine de minutes. Une mise à mort, dont chaque pas est rythmé par un claquement de batterie. L’appel vers ce qui bientôt ne sera plus. Les coups s’arrêtent, le temps est suspendu. La ligne est désormais franchie, vous voici de l’autre côté. « Mouroir » ouvre abruptement les hostilités, laissant la place à un Black Metal froid, cru et rapide. Un flot glacé de guitares lancinantes, supporté par un martèlement de batterie qui cogne à en perte haleine et surplombé par de longs râles vindicatifs et écorchés. Les amateurs de la langue de Molière ne pourront qu’être ravis : non seulement les chants sont en français, mais ils sont également correctement et clairement prononcés. Ce qui, il faut l’avouer, n’est pas toujours une gageure dans ce style musical. Le groupe semble d’ailleurs accorder une importance particulière aux lyrics, autant dès lors s’y intéresser. Nul doute, les Français du Sud sont nostalgiques d’un passé à leurs yeux révolus, une transformation dont les conséquences se font aujourd’hui subir. Un substrat tiré de « Till », troisième titre de cet LP : ‘Nous somme les nouvelles chimères/Survivalistes de l’oubli, sous les glaces, en sommeil/à la fonte, restera l’essentiel/Le sang des communs dans la fange et les selles’. Bien qu’atmosphérique, ce premier effort se veut moins un voyage au cœur d’un univers que d’une déclinaison en sept actes d’une thématique qu’est l’incarnation de l’absence, de ce qui n’est désormais plus. Certes classique dans sa forme et ne sortant pas nécessairement des chemins battus, Hyrgal propose ici un Black Metal efficace, hargneux, parsemé de quelques moments épiques et délicieusement cyniques. Autant l’introduction que la sixième piste, « Interlude », démontre une certaine maîtrise de l’atmosphère froide et malsaine, ce qui pourrait peut-être laisser présager pour le futur la création d’un univers davantage personnel, l’instauration d’un décor aseptisé où la vindicte pourrait profondément et pour toujours s’immiscer.
Paru à l’origine ce 28 octobre 2017, ce long playing a été réédité ce 1er juin 2018, par le label, Les Acteurs de l’Ombre…
Débarquant d’Australie en 2015, grâce à une pépite indie rock semblable à une météorite, le premier opus de Courtney Barnett était aussi doux qu’acidulé. Alors, pour son second essai, elle était, bien sûr, attendue au tournant ! Et c’est un euphémisme d’affirmer qu’elle confirme tout le bien qu’on pensait d’elle sur ce second elpee. Baptisée « Tell Me How You Really Feel », c’est une oeuvre grandiose de bout en bout. L’à peine trentenaire dévoile une série de titres hymniques jouissant de cette jouissive coolitude rock… Le tout dans un esprit indubitablement 90’s. « Sunday Roast » et son refrain imparable ou « Charity » devraient figurer au top des vues sur YouTube dans un monde parfait, tellement ils agrègent à merveille aisance mélodique, énergie lo-fi et esprit slacker à la Pavement (« City Looks Pretty »). Les textes sincères et introspectifs sont de plus magnifiquement ciselés et les guitares juste suffisamment saturées… ce qui n’est pas pour nous déplaire. Bref, cet album fait déjà figure de classique du genre…
1918-2018 : cent ans que les ultimes balles de la Première Guerre mondiale ont cessé d’arracher des vies. Pour la circonstance, la province de Flandre-Occidentale a planifié ‘GoneWest’, un événement culturel commémoratif programmé à Poperinge, Furnes, Nieuport, Dranouter et Diksmude. C’est dans cette dernière ville, sur la Grand-place, qu’Amenra a imaginé un specacle tout à fait atypique. Compositions originales écrites pour l’occasion, projection de clichés sélectionnés par le photographe Dirk Braeckman et la sculptrice Tine Guns, sans oublier une démonstration de Buto, danse mystique japonaise, interprétée d’une main de maître par Imre Thormann. Tentative de mise en mots d’une puissante expérience sensorielle.
Ponctuels comme d’habitude, les musiciens prennent place. Les mines sont graves et concentrées. Une épaisse fumée enveloppe le podium. Le silence est de rigueur et est empreint d’autant de respect que de recueillement face à la prestation qui va se dérouler. Après un moment suspendu dans l’air, au cours duquel les artistes semblent s'accorder à l’unisson, sans pour autant se concerter, le mur de son s’élève et s’abat sur la foule. Vêtu de sa longue chemise noire à col Mao, Colin van Eeckhout rompt momentanément avec son habituelle chorégraphie en s’exécutant face à l’auditoire. Son corps n’est qu’un catalyseur de sentiments et de sensations : ses hurlements nouent l’estomac, ses chants clairs psalmodiés ou récités, mais toujours à fleur de peau, figent sur place. Les illustrations abstraites observées en arrière-plan –supports visuels pour entrer en transe– sont aujourd’hui accompagnées de photos de la Première Guerre mondiale, projetées sur des écrans géants, situées de part et d’autre de l’estrade. Les ressentis face à la musique, généralement refoulés au niveau de l’inconscient, sont ici cristallisés par des fragments de mémoire, froidement concrets. Des hommes envoyés au front, des tranchées, des masques à gaz défiant une mort certaine, des regards dévorés par la peur, des instants de fraternité, clope à la main, avant d’expirer un dernier souffle sur le champ de bataille. Les compositions sont lourdes, les corps se balancent frénétiquement d’avant en arrière. Il se produit quelque chose, au-delà des mots.
Puis du côté gauche de la scène apparaît une forme courbée, qu’on devine humaine. Vêtu uniquement d’une ample couverture beige, les mains liées dans le dos, le danseur Imre Thormann s’avance lentement, à pas saccadés, vers l’avant du podium. Le crâne entièrement rasé et maculé d’une substance blanchâtre, les yeux perdus dans le vague, l’artiste déforme son visage au gré des émotions qui le traversent. Un accoutrement qui ne peut que faire penser aux prisonniers de guerre. Il parvient finalement à se détacher les bras, puis enlève sa couverture. Seul un léger pagne lui recouvre l’entrejambe. Son corps –qui n’est que peau, muscle et os– est transpercé par la peur, la joie, l’excitation, la tristesse, le désespoir ou encore l’abandon. Certains gestes défient la gravité. Il tombe, se relève, est à nouveau happé par le sol. Ses épaules claquent sur les planches. Si certains spectateurs avaient osé un trait d’humour ou un petit cri blagueur à son arrivée, toutes et tous ont à présent adopté le lourd silence. La tension est palpable. On ne peut s’empêcher de penser à toutes ces émotions qu’ont dû vivre ces hommes et ces femmes en 14-18. À celles et ceux qui sont tombés là, à l’endroit même où on assiste à ce concert, cent ans plus tard.
La guitare et la basse accompagnent les mouvements étirés de l’interprète ; ses pas sont guidés par des impacts de batterie. À l’arrière de l’estrade, le vocaliste psalmodie, joue de sa voix tel un instrument, participe à l'ambiance macabre. Une transe ‘pluriaristique’ s’opère entre les artistes. Soudain, le rythme s’emballe. Amenra retrouve la violence de ses compositions. Imre Thormann est frappé de plein fouet. La démence se lit désormais sur son visage. Cette forme de folie lorsque tout est perdu, qu’il n’y a absolument plus rien à espérer. Le fil est rompu, la plongée dans le vide est inéluctable. Il s’empare de la corde qui retenait la couverture à sa taille et l’enroule autour de son visage. Violement, avec force et détermination. Les liens lacèrent ses joues, son cou, son front, ses yeux. La folie de la Grande Guerre a finalement eu raison de lui, comme l’ont été des milliers d’autres personnes. Après avoir exécuté cette Danse des Ténèbres (autre nom de la danse Buto), pendant une grosse demi-heure Imre vide les lieux en chancelant (pour les photos, c'est là).
Seconde partie du set. Place au répertoire classique du band. Colin van Eeckhout s’agenouille sur les planches, inondé par un faisceau de lumière. Série de deux coups métalliques. Les aficionados savent qu’il s’agit de l’intro du « Boden », issue de l’album « Mass V ». En lettres dorées, apparaissent en fond : ‘To all people from the colonized countries, who died protecting their homeland’. La commémoration se poursuit. Alors que les écrans latéraux diffusent en discontinu des clichés d’archive immortalisés sous l’occupation, l’arrière-plan devient le théâtre de l’injustice mondiale actuelle : des images de bateaux de migrants pleins à craquer, prêts à tout pour sauver leur peau, des familles palestiniennes chassées de leurs propres terres, des enfants enlevés à leurs parents, dont un père embrasse pour la dernière fois son fils. La puissance de la musique d’Amenra devient dénonciatrice de cette justice bafouée aux quatre coins du monde. Les applaudissements du public résonnent désormais comme des actes de résistance.
C’est sur « Diaken », issu de son dernier LP, « Mass VI », que le band courtraisien prend finalement congé de son audience. Un par un défilent les noms des personnes dont la vie a été soufflée pendant ce premier conflit mondial, à Diksmude. Malgré l’aspect atypique de ce show, les musiciens se retirent, suivant le même rituel, dès que le dernier morceau est achevé. Les acclamations sont nourries. L’auditoire semble conscient d’avoir assisté à une prestation hors du commun, aussi unique que poignante. Les mines sont hagardes. Certains regards sont perplexes, d’autres pensifs ou encore émus. Le genre d’expérience qui remue, provoque un tourment intérieur qui nécessitera quelques jours avant de pouvoir être maîtrisé. Chacun en tirera une leçon, une pièce du puzzle à ajouter sur la table. Désormais, malgré l’hétérogénéité du public présent, toutes et tous seront reliés de manière invisible grâce à ce vécu au-delà des mots d’une heure et demie. C’est pourtant loin de ses principes, mais Amenra s'est, ce soir, engagé politiquement, au sens noble du terme, en replaçant avec force et vigueur l’humain au centre de la terre… Pour les photos, c'est ici
La formation aversoise Flying Horseman assurait le supporting act ; pour en découvrir le reportage photo, c'est là
(Organisation : 4AD + GoneWest)
NB : les photos figurent sur la partie néerlandophone de Musiczine (ici pour le show d'Amenra, là pour une sélection avec Imre Thormann)
Ces garçons-là ont grandi ensemble, ils ont partagé leurs joies, leurs peines, ressenti ensemble la solitude urbaine, vécu les mêmes désillusions.
Ces garçons-là erraient seuls au milieu de la ville lorsqu’ils ont compris cette urgence commune de se livrer, ce besoin (immédiat) de rendre enfin cette brutalité enfouie, ce désir sourd qui les avait réunis là.
Il fallait alors écrire vite, ne plus sombrer dans la torpeur, ne plus réfléchir, afin que les mots, les notes, les écrits soient instinctifs et en prise directe avec le cœur, là, au plus près de l’émotion, au plus profond de leurs envies.
« Ces garçons-là » (disponible ici ) étaient leur histoire à écrire.
Onze chansons et onzième album pour Elysian Fields, le duo culte de New-York, mené par Jennifer Charles et Oren Bloedow.
Enregistré dans les montagnes, aux abords de Woodstock, Pink Air a été finalisé dans le studio de Thomas Bartlett (The National, Sufjan Stevens) à Manhattan. Une même onde rock unit les morceaux de sa réverbération caverneuse, comme enveloppée dans l’obscurité d’un night club ou épinglée à l’ombre d’un cauchemar moderne.
Pink Air est une escapade rock’n roll post-apocalyptique. L’album aborde des thèmes aussi variés que la menace écologique, le régime d’un narcissique dictateur en puissance, la suprématie blanche, la censure, l’effacement de l’histoire, le drame social des familles... aussi bien que des méditations sur le temps, l’amitié, la perte, la mort. En dépit d’un ton mordant, le propos ne sonne jamais trop pesant, allégé par de nombreuses touches d’humour.
Le chant de Jennifer Charles est à son plus haut, insufflant à chaque morceau son légendaire charisme languissant, dans un souffle lyrique dont le pouvoir d’envoûtement est resté intact. En dépeignant le paysage du temps présent avec ses paroles précises, souvent caustiques, Jennifer pose son voile si particulier sur l’intime, le spirituel, brossant ses personnages, amis et amants, dans un pur style de romancière. Le tout sur un arrière fond de peur de notre époque, de ses dérives sociales et politiques.
Avec Elysian Fields, l’angélique chanteuse et ses acolytes ont toujours été portés par les courants les plus élevés du ciel. Pour Pink Air, ils rangent leurs ailes, se posent au sol et sillonnent les terres brûlées de l’Amérique, animés par l’esprit rock’n roll de l’animal, dont les plumes se sont transformées en poils hérissés.
Quatre années après « Chaleur Humaine » et ses plus de 1,3 millions de copies vendues à travers le monde, Christine and The Queens annonce la sortie de son prochain album « Chris » pour le 21 septembre prochain suivi dans la foulée d’une tournée qui passera par l’Europe, le Canada et les Etats-Unis.
Christine révèle ainsi une nouvelle facette, plus complexe, d’une artiste en mutation perpétuelle.
Un album entièrement composé, produit et enregistré par Christine porté par un nouveau morceau « Doesn’t Matter (Voleur de Soleil) », au groove entêtant, ses chœurs en transe et son clip en forme de danse érotique dirigé par Colin Solal Cardo (connu pour ses collaborations avec Jack White, Alicia Keys ou Phoenix).
Plus brut, funky et dansant, abordant des histoires d’amour et de désir sous le prisme de la confusion des genres chère à Chris, porté par des influences qui vont de Michael Jackson à West Side Story, « Chris » dévoile une nouvelle facette d’une artiste qui n’a pas fini de nous surprendre et de prendre des risques.
Cliquez ici pour voir « Doesn’t matter », second morceau dévoilé par Chris.
Cette édition 2018 touche déjà à sa fin. Le même jour que la Coupe du Monde de foot, d'ailleurs. L'ambiance est un peu particulière sur le site, vu le nombre important de festivaliers français. Pas évident ce matin de se convaincre que la musique est au centre de nos préoccupations, à Dour.
Avant que cette rencontre France-Croatie ne soit retransmise sur écran géant, sur la Main Stage, FIDLAR a pour mission d’y chauffer un peu la plaine. Les Américains sont de véritables références en matière de rock/garage. Malheureusement pour eux, de nombreux fans des Bleus se sont agglutinés aux premiers rangs afin de se réserver la meilleure place pour assister au match, dont le début est prévu dans un petit peu plus d’une heure. Ce qui semble cependant amuser le groupe. Il s’autorise ainsi quelques allusions à ce sport, tout en avouant ne pas y connaître grand-chose.
Si on se penchait sur la musique, quand même ? Caractérisées par des interventions de guitares impeccables, les compos de FIDLAR sont brèves mais intenses. En ‘live’, le set bénéficie d’un support visuel plutôt sympathique. Le combo n’oublie pas d’intégrer ses tubes dans la setlist, à l’instar de « Cheap Beer », « No Waves » ou encore « West Coast ». Mais malheureusement, le concert doit cesser 10 minutes plus tôt, afin de permettre au staff d’installer l'écran géant. Un sentiment d’amertume envahit votre serviteur, car la formation californienne (NDR : elle est issue de Los Angeles) n’aura pas le temps d’attaquer l'excellent « Cocaine », comme elle le réserve à chaque fin de show. Le foot c'est bien, mais nous sommes venus à Dour pour la musique quand même !!!
Frustrés, nous décidons de ne pas regarder le match. Mais très peu de concerts se déroulent au même moment... Direction le Labo donc pour Ezra Collective. La découverte est totale. Et intéressante, car le groupe londonien nous propose un chaleureux cocktail de jazz, reggae et afro beat. Ce qui provoque du mouvement au sein de la fosse. C'est le rendez-vous de celles et ceux qui n'aiment pas le foot. On entend cependant des clameurs qui s’élèvent, de temps à autre, depuis la Main Stage. A la fin du set, on apprend que la France a décroché son deuxième titre mondial.
C'est évidemment la grosse fête pour les festivaliers français. Un peu dépité de ne pas être à leur place, on se console en allant assister au concert d’un groupe bien belge, Girls In Hawaii. Il opère son retour à Dour pour y dispenser un bel éventail de pop songs douces et mélancoliques. Et les musicos ont revêtu le maillot des Diables Rouges. Ca fait du bien ! Dans le passé, ses prestations ‘live’ m’ont rarement convaincu ; mais aujourd’hui, ce ne sera pas le cas. Faut dire qu’au fil du temps, le band s’est constitué un répertoire impressionnant. Ce n'est pas compliqué, le show ne souffre d’aucun moment faible. Toute sa discographie est balayée ; et même si le mélomane lambda préfère les plus anciennes compos, les nouvelles sont également de toute bonne facture. En outre, les musicos sont souriants et bien plus communicatifs que d’habitude. Excellent !
Thee Oh Sees se produit presque au même moment dans la Caverne. Un quatuor dont le line up implique deux batteries. Et sur les planches, le résultat est assez impressionnant ! Ca envoie du gros bois ! Les Californiens sont réputés pour leurs sets ‘live’ dévastateurs. Et ils vont, à nouveau, le démontrer. Leur rock/garage est plus subtil que celui de FIDLAR, malgré des percussions plus puissantes. Cependant, les musiciens ne misent pas sur la communication. En fait, ils ne laissent aucun répit entre les morceaux et on se prend une énorme claque. Et au bout de 5 jours, elle fait du bien pour rester éveillé.
Le festival se termine tout doucement. Un ensemble congolais se produit dans le Labo. Kokoko ! se sert d’instruments faits maison. Forcément les sonorités sont très africaines, bien rythmées, mais surtout très originales. En outre, les membres du combo mettent une ambiance de feu sous le chapiteau. Notamment en invitant la foule à participer à cette fête propice à la danse. Une des grosses surprises de cette édition !
Un dernier concert pour la route afin de clore le Dour 2018, pour votre serviteur ? Ce sera celui de MØ à la Boombox. La charmante Danoise conclut tout en douceur une édition réussie sur bien des points, d’autant plus que la programmation était de nouveau préparée aux petits oignons. Hormis quelques problèmes d'abri pour se protéger du soleil, le site est bien situé. Dour c'est l'Amour. A l'année prochaine !
(Organisation : Dour Festival)
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Le dimanche était placé sous le signe de la guitare et de l’indie rock. Rien que la présence de Slowdive et de Mogwai avait de quoi ravir les inconditionnels du genre. Et ils vont être gâtés…
Ryley Walker ouvre le festival, ce dernier jour. Et il va constituer la première bonne surprise de la journée. Malgré l’heure matinale, il fait déjà très chaud et l’artiste se produit, une serviette sur la tête. Excentrique, ce Britannique de 27 ans s’est déjà forgé une solide réputation sur la scène rock pour sa créativité et ses talents d'improvisateur. Hantée par le génie intemporel de Nick Drake et de Jim O'Rourke, sa musique oscille entre free jazz, heavy rock et psychédélisme. Mais s’il puise ses influences essentiellement dans les 70’s, il a le bon goût de ne pas les consommer à la mode rétro. Un chouette concert !
Programmer Suuns au Cactus était un risque. Le band canadien ne correspond pas vraiment à un festival familial comme celui-ci. A cause de sa musique underground et avant-gardiste. Et pourtant, la formation va livrer un excellent show. Une première demi-heure au cours de laquelle l’expression sonore va éclore d’une fusion entre math rock, électro et krautrock. Et une deuxième partie plus noisy, qui va s’achever dans une forme de dub entretenue par les lignes de basse et nappée d’arpèges de claviers…
Strand of Oaks, c’est le projet de Timothy Showalter, un chanteur/compositeur/guitariste/producteur (NDR : barbu, chevelu et souriant, on dirait un métalleux !) issu de l’Indiana. Etonnant, mais pour sa tournée européenne, il s’est entouré d’un trio guitare/basse/batterie de nationalité néerlandaise. Et plus surprenant, encore, le backing group s’est adapté en trois coups de cuiller à pot, au répertoire de l’Américain. D’ailleurs, il va bientôt se produire, à la Roma d’Anvers en compagnie des musiciens de Songs : Ohia / Magnolia Electric Co., pour y rendre hommage à Jason Molina, feu leur leader. Et le show va tenir la route, nous plongeant tantôt dans un climat acide, très 70’s, s’autorisant notamment quelques digressions électriques bien senties, malgré l’un ou l’autre titre moins percutant, dont un boogie passe-partout. Paradoxalement, la voix de Timothy rappelle parfois celle de Mike Watt, le leader de Waterboys. S’ouvrant par le psychédélique (NDR : ben vu son titre !) « Taking Acid and Talking to My Brother », le set va s’achever par un remarquable « JM » (NDR : titre composé par révérence à feu Molina), un long morceau dont l’intensité réminiscente du Crazy Horse de Neil Young va communiquer à la foule d’excellentes vibrations…
Goldfrapp a exploré différents styles dans sa longue carrière, du trip hop à l'électro en passant par le folk visionnaire ; mais ce soir, la bande à Alison Goldfrapp s’est clairement orientée vers la dance. C’était donc le moment idéal pour aller casser la croûte…
Après un hiatus de 20 longues années, Slowdive s’est reformé en 2004, puis a publié un nouvel album en 2017. Une petite perle ! Ce qui va le rendre plus populaire que dans les eighties. Une énigme ! Les échos recueillis lors de ses concerts accordés depuis étaient tellement élogieux que sa présence, dans le cadre de l’édition 2018 du Cactus Festival, était une véritable aubaine, pour ses aficionados… Le quintet monte sur l’estrade. Deux gratteurs, dont Neil Halsted, également préposé au chant, un bassiste –qui se plante au milieu de l’estrade–, un batteur et la chanteuse/claviériste Rachel Goswell. Hormis cette dernière, vêtue d’une robe longue bleu/verte sur laquelle sont dessinés des motifs représentant des cactus et des soleils, les autres musicos n’affichent aucun look particulier. On pourrait les confondre avec n’importe quel quidam lambda. En arrière-plan, une toile noire a été tendue, ne laissant apparaître que le patronyme du band. Le set s’ouvre par « Slomo », dont l’intro est particulièrement étirée. Déjà la conjugaison entre les voix de Rachel et de Neil vous transportent dans la stratosphère, tout en se fondant parfaitement dans l’instrumentation. Tiens curieusement, un arc-en-ciel s’est formé au sein de quelques nuages cotonneux. Etrange… Des vagues méditatives de guitares discordantes flottent dans les airs. Cristallin, « Catch the breeze » nous rappelle que le combo émarge bien au mouvement shoegaze. « Crazy for you » oscille constamment entre les chaudes harmonies vocales et la cacophonie savoureusement dissonante. « Souvlaki Spade Station » nous entraîne au cœur d’un voyage cosmique. Comique aussi, car un spectateur s’est déguisé en dinosaure et s’agite aux premiers rangs ; ce qui a le don de faire sourire Rachel. Et après le luxuriant « Sugar for the pill », le concert s’achève par la cover du Golden Hair de Syd Barrett, dont le texte a été composé par le poète James Joyce, en 1967. Le lightshow passe alors au rouge. Miss Goswell le chante, puis quitte le podium, moment choisi par les quatre musicos pour se lancer dans un long trip psychédélique. Magique ! On aurait tant aimé que, comme l’écrivait si bien Alphonse de Lamartine, le temps suspende alors son vol…
Place ensuite à Mogwai. La dernière fois qu’il s’était produit au Cactus, c’était en 2014. Nous avons beaucoup de respect pour Mogwai. Et pour cause, les Ecossais ont toujours évité les clichés post-rock et ont accordé un rôle de plus en plus important aux claviers. Mogwai ne se complait pas dans la menace constante ou l'atmosphère sombre, comme chez Godspeed You Black Emperor, mais ce sont cependant les compos les plus redoutables qui se révèlent les plus efficaces, en ‘live’. A l’instar du ténébreux, grave et aride « Rano Pano ». Le volume sonore est puissant. Les bouchons s’imposent ! Pendant « I’m Jim Morrison, I’m dead », une percussionniste apporte son concours en jouant face au drummer. On aura même droit à une cover du « Remurdered » de Radiohead. Et cet excellent show de s’achever par leur magnum opus, « Mogwai Fear Satan ». On n’en oubliera pas, bien évidemment, le remarquable light show ; mais c’est devenu une constante, tout comme les laconiques ‘Thank you so much’, lâchés par, Stuart Braithwaite, le leader, à l’issue de chaque morceau…
Il revenait à Nils Frahm de clore le festival. Un épilogue audacieux, puisque sa musique pour piano oscille entre néoclassique et électronique. Mais Frahm est rompu à ce type d’événement ; donc les organisateurs avaient pris un minimum de risques. L’artiste allemand a essentiellement interprété des titres électroniques issus de « Spaces » et « All melody ». La scène de Cactus a été transformée en studio d'enregistrement, dans lequel Frahm se consacre aux pianos, orgues, claviers et autres appareils électroniques. Minimaliste, sa musique est un véritable plaisir, s’inscrivant dans la lignée des maîtres germaniques du genre comme Kraftwerk ou Manuel Göttsching, mais aussi Steve Reich et Wim Mertens…
Outre ses sources classiques, Frahm a également introduit des éléments ludiques, y compris un piano jouet et des sonorités de clavier proches des voix humaines. Son plus grand succès, « Says », il le considère comme sa chanson la plus agaçante, car elle repose uniquement sur un accord. Et il conclut son set par « For Peter Toilet brushes more », au cours duquel il se sert des ivoires, ma foi, de manière peu orthodoxe…
A l’année prochaine !
(Organisation : Cactus festival)
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En attendant ce onzième album, les Angevins dévoilent aujourd'hui un premier extrait "4000 Years" disponible sur Youtube et plateformes de stream, ainsi que les prochaines dates de la tournée Dub Unlimited Tour avec une date à Paris le 16 mars 2019 à l'Élysée Montmartre.
Bird en extrait ici.
Le clip de "21st Century Boy" est la deuxième partie d'une duologie du même nom. La première partie sortira à l’automne et illustrera le prochain single extrait du nouvel album de Mustii.
Cette duologie se déroule le temps d’une nuit et met en scène 4 personnages différents, 4 "21st century boys", 4 âmes solitaires ayant tous vécu un évènement traumatique.
On est au coeur de la thématique de l'album.
Ces personnages devront faire preuve de résilience, trouver une sortie de secours ou pleinement affronter leurs démons. Nous sommes ici en fin de nuit, moment au cours duquel chacune de ces individualités compte ses blessures, tente de lâcher prise.
Parmi ces quatre personnages, il y a Suzy, un jeune travesti pour qui le réveil est compliqué. Il y a aussi Tom, le bad boy à la cicatrice, Mustii coincé dans sa voiture accidentée et ce jeune homme qui scrute le monde devant son écran mais qui semble impuissant et effrayé par ce qu'il voit…
Leur point commun est la blessure physique, le choc mais aussi le désir de s'affranchir de leurs conditions. Nous ne savons pas exactement ce qui s'est passé. Nous sommes simplement les témoins de leurs réactions, de leur manière de faire face à un événement traumatique dont nous savons peu de choses.
Une seule chose est sûre, durant cette nuit difficile, nos quatre personnages ne se croiseront jamais. Durant cette nuit, d'une manière ou d'une autre, le cours de leur vie changera.… Suite au prochain épisode…
Le clip disponible ici .
En tournée cet automne // 21st Century Boy Tour 2018
Ve 19 octobre - AB Box (Bruxelles)
Sa 20 octobre - Entrepôt (Arlon)
Ve 26 octobre - Eden (Charleroi)
Ve 09 novembre - Palace (La Louvière)
Sa 10 novembre - Maison de la Culture Famenne-Ardenne (Marche)
Sa 17 novembre - Reflektor (Liège)
Ve 07 décembre - Ferme du Biéreau (Louvain-la-Neuve)
L'album "Ceinture Noire" de Maître Gims et son single "La Même" ft. Vianney se trouvent toujours dans le haut des charts belges. La vidéo de "La Même" compte déjà presque 70 millions de vues sur YouTube en moins de 3 mois!
Malgré cela, Maître Gims sort une nouvelle vidéo pour le titre "Corazón" (à écouter ici). Et pas avec n'importe qui, puisque vous pourrez y retrouver les artistes américains Lil Wayne et French Montana!
Sortie il y a deux semaines seulement, la vidéo a été vue plus de 12 millions de fois! Sur Spotify, la chanson compte environ 5,5 millions de streams...
Maître Gims se produira en concert le 10 août au Summer Music Festival, le 24 novembre à la Rockhal (Luxembourg) et le 27 mars 2019 au Palais 12 de Bruxelles
Lilasol veut profiter de la vie. On n’a qu’une seule vie mais plusieurs vies à vivre. Après un temps dans les médias, elle décide de tout plaquer pour devenir chanteuse.
On aurait pu laisser de côté son EP « Imaginez un lieu quelque part » mais cela aurait dommage. Il comprend des bonnes chansons comme « Détroit » et « Prince Charlatan ».
Ce disque met en scène le désarroi du monde moderne pour le tourner en dérision. Il salue les initiatives émergentes et innovantes, se rit des aberrations de ce monde pour y poser un zeste de douceur. Il évoque la postmodernité dans les rapports masculin-féminin (Prince Charlatan, Bas résilles), la communication compliquée dans un monde moderne pourtant ultra connecté (Cherchez pas j’ai raison, Prince Charlatan) et propose des solutions tantôt fantaisistes tantôt réalistes (Je joue, Détroit) pour survivre dans un monde ultra technologique.
« Imaginez un lieu quelque part » aidera à comprendre l’environnement de cette demoiselle, le prochain EP s’annonce comme différent et « mieux entouré »
Plus d’informations : www.lilasol.com ou https://www.facebook.com/lilasolmusic
JB de AIR revient en homme augmenté au cours d'une odyssée bienveillante et futuriste: l’album H+ (Jive Epic / Sony Music).
Après Darkel (2006), et peu après ses projets parallèles Tomorrow’s World avec Lou Hayter (2013) et Starwalker avec Barði Jóhannsson (2015), Jean-Benoît Dunckel a souhaité réajuster son cap et retrouver son entièreté.
“Ayant poursuivi mes expériences sonores en studio, cet album est la continuation en solo de mon univers aérien qui aurait subi quelques mutations et qui cultive le passé pour fleurir le futur”, éclaire-t-il.
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